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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-muerte-en-venecia/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL NAVEGANTE" (1924) Clase 2ª Introducción al Cine para estudiantes.
DESCRIPTION:CLASE 2ª / CINE MUDO: EL NACIMIENTO DE HOLLYWOOD Y LAS PRIMERAS POTENCIAS EUROPEAS- EL CINE CÓMICO / EL CINE ARTÍSTICO / LOS DIRECTORES ESENCIALES / \nEl Cine Mudo\, que se extendió hasta la llegada del Sonoro en 1926 (fecha oficializada con el estreno del film «Don Juan»\, aunque se considere el primer film la obra de 1927 «The Jazz Singer»\, que en realidad contiene apenas unos minutos donde el sonido sincronizado aparece para mantener en el resto\, los rótulos característicos del periodo)\, fue el resultado de la investigación que llevaron a cabo desde años atrás técnicos y estudiosos en general\, con el objetivo de dotar de voz a las imágenes. Los sistemas utilizados fueron muchos y la instalación en cuanto a calidad definitiva tardaría varios años en llegar. Hasta 1933\, aproximadamente\, se siguen estrenando films mudos\, mientras la prioridad de los otros es mejorar sus características técnicas y así aplacar las ansías del público que llenan las salas en busca de sonidos. La música y el canto\, formarían en ese primer tiempo\, uno de los géneros preferidos. Pero paralelo al aspecto técnico\, la palabra va ganando espacio desde la diferente mirada de los cineastas de todos los países-potencias en cine\, a la vez que se profundizan los movimientos en el propio lenguaje del cine. Durante esa década son muchos los creadores que menosprecian los avances ya que consideran que no es necesaria la voz porque las propias imágenes han propuesto una y verdadera. \nFilm propuesto: “EL NAVEGANTE” (1924) / EE.UU./ director Buster Keaton y Donald Crisp / Intérpretes Buster Keaton y Kathryn McGuire / Mudo con intertítulos en castellano / Blanco y Negro / Duración 59 minutos. \nBuster Keaton está considerado uno de los mayores artistas del primer tiempo del Cine. Formado para la pantalla desde los inicios del cine norteamericano\, es actor y luego director de sus films. La duración de los mismos se va aumentando con el paso de los años\, desde los cortos que realiza a partir de 1917 (The Rough House) hasta el esplendor de sus largometrajes (aunque algunas veces no sobrepasaran la hora) a partir de 1923\, cuando estrena “Tres Edades”. En “The Navigator” reflexiona a través del humor sobre las miserias y realidades de las clases dominantes de su tiempo. Los millonarios que crían hijos e hijas inútiles que solo aspiran seguir disfrutando de la riqueza heredada sin tener el menor talento para ello. El protagonista observa desde la ventana de su mansión el paso de un carro nupcial cuyos viajantes son de raza negra (un toque ultra transgresor para la época). La felicidad que emanan le hace decidir en pleno acto caprichoso\, sobre su inminente matrimonio. Sale a buscar novia como si fuera a una tienda de comidas. Desde ese momento todo se resuelve a través de las situaciones mas absurdas. La elegida\, tan incompetente como él\, será su compañera de desventuras a bordo de un navío a la deriva que lleva el nombre del film y que también se refiere a nuestro protagonista como un navegante de la vida rica. En un relato que no sobrepasa la hora de duración el talento de Keaton se manifiesta en todo su esplendor. Nada queda librado al azar en sus torpezas continuas para resolver las cuestiones mas simples. Que ellos complican lo mas posible. Las normas sociales\, las relaciones de pareja\, las rutinas caseras\, la llegada del Otro que perturba y violenta\, la posibilidad del amor\, son algunos de los temas reflejados desde la perpetua impavidez del rostro de Keaton\, una seña de identidad en toda su obra. El cuestionamiento permanente sobre la inutilidad de un sector de la clase gobernante\, el parasitario\, parece reflejar todas las fantasías del creador-cineasta ante el contexto que habita. Ese Hollywood de los inicios donde la búsqueda aventurera de un puñado de cineastas que huyen del frío y la oscuridad de New York para encontrar en el calor y la luminosidad de California\, el paraíso que les daría la posibilidad de construir un imperio y en muchos casos\, transformarse en nuevos millonarios. Keaton persona no llegó a ello y su talento se vio eclipsado con la llegada del sonido a la pantalla. Fue una de las grandes victimas del traspaso de una era a otra. Cuando las palabras inundaron el cine\, el talento de los creadores del mudo\, paradójicamente enmudeció. Los gustos del público se alteraron inmediatamente y en su avidez de nuevas cosas\, dejaron de lado a los ídolos anteriores. La realidad que trajo el crack financiero de 1929\, generador de una terrible década de Depresión económica que llevo a la pobreza y a la desesperación a un sector enorme de la población\, hizo el resto. Su obra fílmica queda como una de las mayores del Cine. Y en ella seguimos encontrando el placer de reencontrar el genio de aquello artista \nCitaré a continuación una lista de Directores de Cine por cuya obra\, destacan en el período mudo posterior al iniciático de los hermanos Lumiere y las aportaciones de primeros artistas como Georges Méliès\, ya que desde ambos sectores se construyó lo que vendría luego (en la Clase anterior ofrecí títulos de libros de consulta para mayor información\, así como la consulta al Sitio Web IMDb). \nFRANCIA \nMax Linder (1883-1925). Realiza desde 1908 un centenar de cortos hasta 1921 cuando estrena el primero de sus cuatro largos hasta su temprana muerte en 1925. De estos cuatro destaca su versión burlona del clásico de Alexander Dumas “Los Tres Mosqueteros”. Linder fue el introductor del humor en el cine y que sirvió de referencia a los cineastas de Hollywood para iniciar allí la comicidad donde encontrarían sitio Mack Sennet y sus continuadores. \nLouis Feuillade (1873-1925) Paralelo a Linder aparece este otro gran creador\, autor de los primeros seriales\, donde la figura de Fantomas\, un archi delincuente parisino\, se convirtió en protagonista de una de las sagas mas famosas. En 1913 está fechada la primera entrega y en 1915 aparece su segunda gran criatura\, Musidora\, la protagonista de “Los Vampiros”. La imaginación mas fecunda y desatada atraviesa estos trabajos. También fueron antesala del modelo norteamericano. \nAlice Guy (1873-1968) El tercer nombre francés y olvidado o eclipsado por el único motivo de ser MUJER\, fue el de esta precursora de la mirada femenina en el cine. Aunque muy condicionada por el contexto (firmó sus primeros trabajos agregando el nombre de su esposo\, Blanche)\, la realizadora estrenó 445 trabajos entre 1896 y 1920. Recién en la última década su nombre ha sido considerado.” Vampire” (1920) fue su último film. La mayor parte de su obra se encuentra desaparecida y la misma se realizó entre su Francia natal y EE.UU. donde junto a su esposo\, transcurrió la mayor parte de su trayectoria artística\, delante y detrás de las cámaras. La gran figura a reivindicar. \nAbel Gance (1889-1981). Debutó en 1911 y fue perfeccionando su arte hasta concluir en 1927 con uno de los grandes clásicos\, su monumental acercamiento a la figura histórica en “Napoleón”. Un film que fue mutilado debido a su extensa duración y que se convirtió en una de las primeras restauraciones de obras incompletas en las últimas décadas del siglo. \nJean Epstein (1897-1953). Polaco de nacimiento\, activo en el cine galo desde 1922. Experimentador y teórico de la imagen\, uno de los primeros en este apartado del cine\, realiza en las postrimerías del mudo una película modelo: su interpretación del universo de Allan Poe\, “La caída de la casa Usher” (1928). \nRené Clair (1898-1981). Uno de los maestros del cine sonoro\, destaca sin embargo por el aporte artístico de dos films mudos breves de 1924\, “Ent’act” y “Paris qui dort”\, ambos considerados como emblemas del momento\, pocos años antes de la irrupción del surrealismo de la mano de Buñuel y Dalí con su “Perro Andaluz” y “La edad de Oro”. \nJean Renoir (1894-1979) El otro maestro francés\, uno de los grandes cineastas de todos los tiempos\, también debuta en mudo y aporta dos joyas donde la poesía invade cada fotograma: “La fille de l’eau” (1925) y “La petite marchande d’alumettes”\, su interpretación de “La vendedora de fósforos”\, clásico cuento de Andersen. \nALEMANIA \nF.W.Murnau (1888-1931) Sus primeros trabajos alemanes le abrirían las puertas de Hollywood y entre ambas tierras deja un puñado de obras maestras como “Nosferatu” (1922)\, “Phantom” (1922)\, “Fausto” (1926) o “Amanecer” (1927)\, testamento deslumbrante de la fusión de ambas nacionalidades. \nFritz Lang (1890-1976). Activo desde principio de los años veinte\, Lang deslumbra durante toda su carrera. Destacan tres obras monumentales de ese primer tiempo: “El Doctor Mabuse” (1922)\, obra de enorme complejidad estética e ideológica\, “Los Nibelungos”\, (1924)\, estrenada en dos partes y donde reflexiona sobre la cultura germana a través de sus mitos mas potentes y la obra fundamental para entender la madurez del arte cinematográfico que es “Metrópolis” (1927)\, donde el ser humano es radiografiado hasta sus entrañas desde la lupa feroz del autor. \nGeorg Wilhelm Pabst (1885-1967). Considerado el “padre” del cine germano\, destaca con cuatro obras: “La calle sin alegría” (1925)\, “Misterios de un alma” (1926)\, “La Caja de Pandora” (1929) y “Tagebuch einer verlorenen” (1929)\, En todas ellas se trasluce su enorme educación en la cultura nativa\, sobre todo destaca la influencia de la filosofía en la creación de sus tramas y criaturas. \nErnst Lubitsch (1892-1947). Austriaco de nacimiento y absoluto renovador de la trama fílmica\, debuta en 1914 en el cine alemán. Autor de grandes éxitos populares tanto como artísticos\, es otro de los migrantes al Hollywood de los veinte. En las dos tierras será autor de obras maestras. “Carmen” (1918)\, “Los ojos de la momia) (1918)\, “Madame Dubarry” (1919) y “Sumurun” (1920) destacan en su primera etapa europea y “Forbidden Paradise” (1924) y “El abanico de Lady Windermare” (1925) en la segunda. En el sonoro\, daría rienda suelta a toda su creatividad\, siendo de los primeros realizadores en utilizar la nueva modalidad. En ambos casos\, fue uno de los grandes. \nURSS \nSergei M. Eisenstein (1898-1948) Uno de los grandes innovadores del Cine Mundial. Con su lenguaje revolucionario donde el montaje se convierte en estrella absoluta del film\, el cineasta también se convierte en teórico y escribe sobre sus puntos de vista ante el nuevo arte. También como herramienta política. Autor de tres obras de arte mudas\, “La Huelga” (1925)\, “El Acorazado Potemkin” (1925) y “Octubre” (1927)\, que cambiarían el panorama cinematográfico desarrollado hasta ese momento\, también traspasa las fronteras en todos los sentidos. Viaja a Norteamérica\, fracasa en Hollywood y filma en México para regresar a su tierra y seguir produciendo futuros clásicos hasta su temprana muerte. \nDziga Vertov (1896-1954) polaco de nacimiento se incorpora muy joven a la industria soviética y allí se convierte en uno de sus grandes nombres al promover la filmación de trabajos en la calle\, en directo\, con una cámara siempre inquieta y movediza que daría lugar a ser nombrado el “padre” del movimiento documentalista “Cine-Ojo”. Absoluto innovador de la imagen\, decenas de trabajo llenan su tiempo en el mudo. Sus trabajos con el nombre Kino Pravda\, numerados desde el numero 1 al 23 entre 1921 y 1925 son un retrato único de su época. En 1929 firma su film emblemático “El hombre de la Cámara”\, donde durante una hora y pocos minutos un hombre (él mismo) recorre la ciudad con el equipo al hombro y va registrando la vida como “la vida misma”. Precursor absoluto y padre simbólico junto a Eisenstein del cine más moderno y transgresor. \nVsevolod Pudovkin (1853-1992) el tercer mas popular nombre ruso aporta al cine mudo dos obras cumbres donde la poesía ocupa enorme lugar traducida a las imágenes: “La Madre” (1925) y “El fin de San Petersburgo” (1927). El conflicto humano se cruza con la Historia y genera estos dos testimonios fundamentales. \nDINAMARCA \nCarl Th. Dryer (1889-1968). Dinamarca irrumpe en la escena fílmica con este nombre. Uno de los precursores en incorporar la reflexión religiosa al cine\, destaca en el cine mudo con dos obras entre nueve trabajos\, cuyas temáticas serían profundizadas a lo largo de su breve carrera en películas en el sonoro. Esas películas son “Paginas del libro de Satán” (1920) y la fundamental “La Pasión de Juana de Arco” (1928) \nSUECIA \nVíctor Sjostrom (1879-1960). Activo desde 1912 es uno de los padres del cine nórdico. Va profundizando su lenguaje hasta que en 1921 estrena “La carreta fantasma”\, obra cumbre del Cine. Creador de imágenes que llevan a atmósferas fascinantes\, el maestro se traslada a Hollywood en 1923\, donde filma joyas como “La letra escarlata” (1926)\,” La mujer divina” (1928) y la magistral “La rosa de los vientos” (1928)\, donde cada fotograma vale oro. \nMauritz Stiller (1883-1928). El otro maestro sueco\, muerto muy joven. Realiza 49 trabajos entre 1912 y su fallecimiento\, prolífica carrera para tan breve tiempo. Filma su título mas emblemático en 1924 “La leyenda de Gosta Berling”\, que le abriría las puertas a Hollywood\, donde sin embargo no fue reconocido en su talento. \nESPAÑA \nSegundo de Chomón (1871- 1929). Figura emblemática y pionera del cine en castellano\, realiza en España mas de 200 trabajos entre 1901 y 1923\, dejando testimonio a través de su trayectoria de todo un tiempo. Su figura está sujeta a una revalorización desde hace dos décadas y la mayoría de sus trabajos se consideran perdidos. \nFlorián Rey (1894-1962). El más clásico de los cineastas españoles del cine mudo\, donde obtuvo grandes triunfos populares con títulos como “La Revoltosa” (1924) o “La hermana San Sulpicio” (1927). En ellos traslada el folclore más hispano a la pantalla desde el ambiente de la zarzuela en el primer título hasta la comedia con religión de trasfondo en la segunda. \nITALIA \nGiovanni Pastroni (1883-1959). El cine mudo italiano destaca por la gran producción que lo atraviesa\, mas de 9000 films hasta el estallido de la Primer Guerra Mundial. Sin embargo\, pocos realizadores alcanzan el rango de importantes desde la consideración critica. Uno de ellos es el de este cineasta autor de “Cabiria” (1914) una película que convierte el pasado histórico en una ficción exitosa y crea la figura de uno de los primeros personajes míticos de la cinematografía: Maciste. Un héroe salido de la mitología mas pura y que recupera la figura de la Roma Imperial con una majestuosa construcción de decorados para recrear la leyenda. \nARGENTINA \nFederico Valle (1880-1960). Absoluto pionero del cine nacional\, su trabajo consiste en registrar documentales entre 1917 y 1926. Su mención en este apartado va mas allá del valor artístico de su obra. Su lugar solitario en un tiempo muy poco destacable en cuanto calidad y aporte al lenguaje de nuestra cinematografía\, le concede este espacio \nUSA \nDavid W. Griffith (1875-1948). Entre 1908 (“The adventures of Dolly”) y 1921 (“Huérfanas de la tormenta”) el cineasta se convierte en otro de los grandes revolucionarios del lenguaje fílmico. Incorpora el montaje paralelo en 1916 y estrena una obra majestuosa en todos los sentidos: “Intolerancia”\, donde varias historias confluyen hasta explotar en un final modélico para todas las generaciones venideras. En 1915\, un año antes\, había generado conmoción con su otro gran clásico: “El nacimiento de una nación”\, un título genial que se contradice con su contenido absolutamente racista. En 1914 había sorprendido con su recreación de los tiempos bíblicos “Judith de Bethulia”. En 1919 daría otro hito poético “Pimpollos Rotos”. Probablemente el primer gran autor de la Historia del Cine. Se le atribuyen la friolera de 520 títulos entre cortos y largometrajes. \nCharles Chaplin (1889-1977). De origen pobre e inglés se convierte en la primera estrella del cine global a través de la creación de su personaje Charlot (Carlitos). Un vagabundo que creo y dirigió a lo largo de toda la etapa silente que arranca dirigiendo en 1914 después de haber sido actor a cargo de otros. “Caugh in the rain” es el nombre de esa primera aportación en la dirección. Filma cortos hasta 1917\, cuando su genial “Charlot emigrante” se alarga hasta los 30 minutos\, Luego iría realizando films mas extensos y complejos donde el retrato social que involucra a los más desfavorecidos de la sociedad es protagonista casi absoluto. “Vida de perro” (1918) o “El Pibe” (1921) son el prologo a su obra mas rompedora: “Una mujer de Paris” (1923) cuando da rienda suelta a su capacidad creativa y entrega un film de enorme complejidad estructural que es incomprendido en su tiempo. Regresa al suceso con sus obras siguientes\, todas maestras y títulos imprescindibles: “La quimera del oro” (1925)\, “El Circo” (1928)\, “Luces de la ciudad” (1931) y “Tiempos Modernos” )1936)\, estas dos ultimas estrenadas en pleno cine sonoro\, como muestra del rechazo al éxito de esta nueva forma con sonido incluido y que él decía detestar. El artista con mayúsculas y unos de los mayores de todos los tiempos. \nBuster Keaton (1895-1966). El otro genio cómico mudo y rival del anterior. Inferior en cantidad de obras\, pero igualmente talentoso\, fue el creador de otro personaje distintivo: el hombre de rostro impávido que mantiene sus facciones fijas como si fuera de hielo. Un recordatorio de su antiguo paso por el payaso y el mimo que supo transformar en formidable mascara cinematográfica. Debuta como director\, tarea que casi siempre compartiría con otro\, en 1917 con “The raugh house” para acto seguido obras únicas como “La ley de la hospitalidad” (1923)\, “El moderno Sherlock Holmes” (1924)\, “El Navegante” (1924) y su deslumbrante “El maquinista de la General” (1926). \nCecil B. de Mille (1881-1959). Autor de decenas de films\, fue uno de los artistas que mejor combinó el arte con la industria. Con temáticas preferentes como fueron la recreación histórica\, lo religioso y el erotismo\, construyo una obra única. Donde cada uno de estas opciones encontraban lazos comunes. De lo puritano a lo profano\, su filmografía es un espejo del sentir humano de su tiempo. La transgresión y la represión alternando sin fin dan como resultado joyas de varios valores: “No cambies de esposo” (1919)\, “Macho y Hembra” (1919)\, “Por que cambiar de esposa” )1920)\, “Fruto Prohibido” (1921) o “Los Diez Mandamientos” (1923) son todo un muestrario de su inconfundible arte. \nErich von Stroheim (1885-1957). De origen austriaco\, se convierte en uno de los mas extravagantes personajes del primer Hollywood. De imaginación desbordada y megalomanía ídem\, es el autor de algunas de las grandes obras maestras del periodo silente. Su film “Avaricia” (1924) está considerado como una de las grandes películas de todos los tiempos. Otros trabajos destacables dentro de una breve obra como realizador (12 films) son “Esposos Ciegos” (1919)\, “Esposas Imprudentes” (1922)\, “La Viuda Alegra” (1925)\, “La marcha nupcial” (1928) y “Queen Kelly” (1928)\, film inacabado al ser despedido por su desmesura y falta de compromiso industrial. Que no artístico que fue su gran drama y lastre final. Uno de los verdaderos creadores de estilo de la historia del cine. \n  \n  \n 
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SUMMARY:CINE: "LA NOVIA DE FRANKENSTEIN" (1935) 3ª Clase / Introducción al Cine.
DESCRIPTION:«LA FOTOGRAFÍA Y EL DISEÑO EN EL CINE / LOS GRANDES ARTISTAS DE HOLLYWOOD\, EUROPA Y ARGENTINA». Escenografía y Vestuario: decorados artificiales y rodajes en exteriores\, la ficción y la realidad a través del ojo de la cámara. \nCon la llegada del cine sonoro\, con fecha «fundacional» en 1926 con el estreno de la producción «Don Juan» (EE.UU.)\, se da inicio a un nuevo tiempo de la Cinematografía que cierra casi tres décadas de cine silente. Fue el resultado de extensos trabajos alrededor de Occidente para perfeccionar una oferta donde además de las imágenes tenía que tener cabida el sonido. La sincronización entre ambos aspectos fue la tarea mas dificultosa. Hacer que una pista se adhiriera al celuloide llevó un largo tiempo\, y entre esos primeros trabajos y los años siguientes\, se extendió un periodo de perfeccionamiento que mantuvo la imperfección mientras duró. El público\, sin embargo\, no parecía muy preocupado por este detalle. La cuestión\, parecía entonces\, dejar atrás para siempre las imágenes mudas. Que escondían el mayor desafió: narrar sin palabras. Muchos de sus protagonistas no soportaron el traslado de un sistema al otro y sucumbieron en el intento. Pero muchos realizadores lograron traspasar la frontera y desarrollaron ademas de continuar\, obras extraordinarias. \nLa primera década del cine hablado (the talkies\, como se llamó en inglés) transcurrió bajo la esfera de algunos de determinados directores de cine. Como la intención de este Seminario es la introducción de nombres para que sean investigados junto con los espectadores dentro de las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías\, se realizará un listado de los considerados mas influyentes por los historiadores. Uno de ellos\, el norteamericano Andrew Sarris (1928-2012) fue el impulsor de la «teoría del autor» en su país y tuvo enorme influencia en los lectores al publicar en 1968 un texto fundamental para el ordenamiento de lo mejor del cine y editado en castellano en 1970: «EL CINE NORTEAMERICANO» /Directores y Direcciones 1929-1968 /. Una «teoría» que tuvo sus orígenes (aunque no exclusivamente) en los escritores-críticos- cineastas de la Nouvelle Vague (Nueva Ola) francesa\, movimiento cinematográfico que surgió en 1959 a partir del estreno de los primeros films de un grupo de integrantes de una revista de cine (Cahiers du Cinema) que se convirtieron en directores (Chabrol\, Godard\, Truffaut y Rivette\, entre los mas destacados) y que «impusieron» la aun hoy discutible categoría entre quienes realizan cine. Se es «autor» o se es «artesano». Para los exquisitos\, solo valen los primeros\, mientras que los segundos merecen en general\, el mayor de los menosprecios cunado no el rechazo mas absoluto. Es una cuestión tan subjetiva como discutible ya que lo que realmente importa (opinión personal) es lo que cada uno de los espectadores experimentamos frente a la imagen cinematográfica. Según el interés\, conocimientos\, expectativas o de cada cual\, surgirá una respuesta. Y discutirla\, debatirla\, dará como fruto la mayor de las riquezas: generar opiniones que enriquezcan a todos. Los gustos e inclinaciones personales marcaran los diferentes y ricos senderos en la construcción de los discursos posibles. \nSarris (ejemplo vivo de lo expresado y por tanto sujeto a diferencias) divide a los directores en una serie de categorías muy atractivas y que sirven como primer paso para el conocimiento y posterior posicionamiento con respecto a su mirada. Son las dos primeras las que concentran el mayor numero de talentos (siempre en la órbita norteamericana) \nEL OLIMPO DE LOS DIRECTORES (la que nuclea a los mas valiosos) donde figuran los nombres de 14 hombres que pocos conocedores del tema discutirían su importancia: \n\nCharles Chaplin / 2. Robert Flaherty. / 3. John Ford /.4. D.W. Griffith / 5. Howard Hawks / 6. Alfred Hitchcock / 7. Buster Keaton / 8. Fritz Lang / 9. Ernst Lubitsch / 10.F.W. Murnau / 11. Max Ophuls / 12. Jean Renoir / 13. Josef von Sternberg / 14. Orson Welles. La Obra de estos cineastas\, ya cerrada definitivamente\, hace que merezcan estar aun hoy (cuando se editó el libro vivían en su mayoría) ya que entre sus piezas se encuentran algunas de las mejores películas de la historia\, siendo todos creadores identificables y por tanto merecedores del término artistas del cine. En todos ellos hay dos conceptos esenciales: la preocupación en el desarrollo de la imagen para convertirla en lenguaje propio y su atención permenete en la condición humana de sus criaturas. Las personas y sus circunstancias definen el mensaje. El entorno\, el paisaje\, siempre está como complemento de lo primero. Y no al revés. En todos ellos el respeto por los diferentes aspectos que hacen a la construcción de un film son indiscutibles y actúan complementándose los unos con los otros. Por eso\, destacan la Fotografía\, el Sonido\, la Escenografía\, todos resueltos en la sala de Montaje\, verdadero laboratorio donde nacen las películas\n\nCASI EL PARAÍSO. \n1- Frank Borzage / 2. Frank Capra / 3. George Cukor / 4. Cecil B.de Mille / 5. Gregory La Cava / 6. Leo McCarey / 7. George Stevens / 8. King Vidor / 9. Raoul Walsh. A estos\, los considera un escalón mas abajo que los anteriores\, pero el CASI define muy bien el escaso limite de talentos entre unos y otros. También esta selección\, como cualquiera\, está sujeta a debate. \nLO ESOTÉRICO EXPRESIVO. \n1. Allan Dwan / 2. Tay Garnett/ 3. Lowell Sherman / 4. John M. Stahl. Les concede algún rasgo de extravagancia cuya definición como cineastas no logra englobarla en las otras categorías. \nALGUNOS EXTRANJEROS \n1. Luis Buñuel / 2. Rene Clair / 3. Sergei Eisenstein / 4. G.W. Pabst . Aquí me limito a citar solamente a quienes desarrollaron parte importante de su obra en los años treinta. \nMAS DE LO QUE DEJAN VER. \n1- Rouben Mamoulian / 2. Lewis Milestone / 3. William Wellman /.4. William Wyler . En este listado\, el autor manifiesta su opinión sobre cineastas que podrían haber perfeccionado su arte. \nDISCRETOS Y AGRADABLES \n1. Busby Berkeley / 2. Harry D’ Arrast / 3. Edmund Goulding / 4. Alexander Korda / 5. Zoltan Korda / 6. Mitchell Leisen / 7. Mervyn LeRoy / 8. James Whale. \ny así va confeccionando otras categorías (descendentes en cuanto calidad que les otorga) donde aparecen directores muy destacables del primer sonoro: \n1. Clarence Brown/ 2. Tod Browning / 3. James Cruze / 4. Paul Fejos / 5. Victor Seastrom / 6. Harold Lloyd / 7. Jack Conway / 8. Victor Fleming / 9. Michael Curtiz / 10. W.S. van Dyke \nUn segundo estudioso que merece ser leído para comprender el alcance del primer tiempo del Sonoro es  el vasco Manuel Villegas Lopez (1906-1980)\, exiliado en Argentina tras la Guerra Civil Española y regresado a su tierra en 1953. Es autor de una importante obra sobre teoría y crítica de Cine y destaca entre ella «LOS GRANDES NOMBRES DEL CINE» publicada en 1973\, donde reúne artículos publicados en revistas durante años y forma entonces un formidable recorrido por la historia de la cinematografía. Dedica espacio a la mayoría de los cineastas citados en el libro de Sarris\, pero profundiza en su obra y amplía enormemente la visión de todos ellos. Entre los «incluidos» faltantes en aquel\, destacan tres nombres fundamentales que desarrollan sus primeros pasos en la pantalla en esta primer década del sonoro: son dos de los padres de las teorías del Documental. John Grierson (1898-1972)\, gran estudioso y creador como productor de toda una serie de films extraordinarios y Joris Ivens (1898-1972)\, realizador que\, entre otras joyas\, filmo «Tierra de España» sobre la Guerra Civil. El primero fue el pionero de los que sería una de las escuelas documentalistas mas iluminadoras del mundo: la británica. Ivens\, de alguna manera\, sigue los pasos del ruso Dziga Vertov y sus innovaciones con cámara en mano y registro de la realidad fuera de los estudios de cine. \nEl tercer nombre que incluye en su lista es el de Walt Disney (1901-1966)\, padre mayor del cine de dibujos animados en cuanto genero\, que desde el año 1922 experimenta en el mismo y va consiguiendo mayores logros durante los treinta cuando agrega el sonido a sus creaciones\, hasta llegar al primer largometraje animado en 1937: «Blancanieves y los Siete Enanitos». \nRecomiendo la recuperación y lectura de este libro fundamental de la lengua castellana\, obra de un estudioso y apasionado que transmite al lector toda su entrega por el fenómeno cinematográfico /Biblioteca Universal Planeta- Editorial Planeta. Barcelona\, España 1973 (Edición en dos tomos). \nEn relación al Cine Sonoro argentino existe una obra fundamental y es la de Domingo di Nubila (1924-2000) publicada en 1959\,«HISTORIA DEL CINE ARGENTINO». Son dos tomos y el primero recorre los primeros años y sus primeros films de manera exhaustiva y completa.. Desde el estreno de «Tango» en 1933 hasta 1938 va construyéndose una industria que abastecería de películas no solo al país\, sino también a todo el continente donde el habla castellana estuviera instalada. \nTambién es muy importante la obra de Jorge Miguel Couselo (1925-2000) que refleja en dos títulos el periodo: «Leopoldo Torres Rios\, el Cine del Sentimiento» y ·»El Negro Ferreyra: un cine por instinto«. Ambos cineastas son considerados pioneros de nuestra realidad fílmica. El primero destacó en la búsqueda de una narrativa que fuera estrictamente argentina\, cuyas tramas de ficción recuperaran la esencia de los personajes como distintivos de una tierra. \nTodos los nombres de Directores de Cine citados son los responsables de algunas de las grandes obras del cine. También es cierto que existen muchos otros mas\, incluso autores de uno o dos films notables\, que rara vez aparecen citados en textos importantes. La búsqueda de nuevas perlas está por tanto siempre abierta a ser ampliada. \nEl presente de las nuevas tecnologías nos permite también indagar en las figuras de todos los componentes del equipo técnico de estos films. La pagina web IMDb\, insisto\, ofrece la posibilidad de indagar en casi todos ellos. Así\, el nombre de Directores de Fotografía\, Productores\, guionistas\, sonidistas\, autores de las bandas sonoras\, son factibles de ser estudiados en mas detalle. \nAquí\, una breve reseña de algunos nombres destacados de aquel tiempo: cito a cuatro de los mas renombrados: Eduard Tissé (1897-1961)\, ruso / James Wong Howe (1899-1976)\, chino y de carrera en EE.UU./ Karl Freund (1890-1969)\, alemán y Gregg Toland (1904-1948). Rastreando en la obra de estos cuatro artistas encontraremos algunos de los grandes ejemplos de lo mas grande logrado sobre una pantalla. \n  \nFILM EXHIBIDO: «LA NOVIA DE FRANKENSTEIN» (1935). \nEl estudio de Cine Universal\, uno de los mas importantes de EE.UU. debuta en el cine sonoro con el éxito de una serie de films inspirados en personajes de la literatura de horror\, terror o fantástica. La obra de la autora  Mary Shelley (1797-1851)\, la novela gótica de 1818 «Frankenstein o el Moderno Prometeo» fue una de las mas rentables para los productores desde su primera incursión en el film «Frankenstein» (1931). El suceso de esta hizo que en 1935 se estrenara la segunda obra de la serie (8 films)\, y como la primera\, la dirección estuvo a cargo de James Whale (1889-1957)\, un cineasta tan interesante como oscuro en cuanto lugar al que se le dio en la historia\, pero reivindicado en el presente. La película repite en parte la trama de la primera\, obligada a recuperar personajes muertos. Al recurrir a argumentos disparatados para justificar las «resurrecciones»\, la producción opta por un tono mas desenfadado y alejado del otro film\, que sin embargo le otorga enorme originalidad a determinadas secuencias del film. Pero la poesía del primero solo ocasionalmente aparece en este y deriva rápidamente al humor soterrado\, malicioso\, dando a la trama un enfoque muy personal por parte de Whale. Por ejemplo en la secuencia de la visita del monstruo a la cabaña del ciego. La humanidad de la criatura vuelve a resaltar en este momento\, así como en el tramo final\, el dramático instante en que comprende que la tan ansiada pareja\, el nuevo experimento del doctor\, rechazará de plano su presencia. Esta aparición tan breve como sugerente hacia el final del metraje\, genera una especie de película (corta) dentro de la película. Toda la escena del despertar de la novia hasta su momento final\, forma parte de la Historia mayúscula del fantástico con la creación de la enorme Elsa Lanchester (1902-1986). Talentosisima interprete británica de carrera como secundara a lo largo de décadas hasta su muerte\, hace de esta creación una de las mas populares de toda esa década. Sus ojos y peinado\, eléctrico\, resultado demencial de la carga atmosférica que le da vida\, así como los gemidos animales que escapan como única forma de expresión de su boca\, forman un bloque deslumbrante del mas puro cine. Por su parte Boris Karloff (1887-1969) vuelve a llenar de calidez con la sola expresión de sus ojos\, libres de la pesada carga de maquillaje\, la personalidad de este ser infeliz\, desgraciado\, que ve como sin piedad\, todos se unen para rechazarlo. La monstruosidad\, parece decirnos el director\, no emana de él sino de todos los que los rodean\, los normales que habilitan ese pueblo que es testimonio de las miserias mas grandes a las que puede llegar el ser humano. Convertidos en masa ignorante\, castradora\, chismosa y finalmente asesina\, son los que como un coro de tragedia griega\, rodean a los protagonistas y los condenan\, nuevamente a un destino atroz\, donde solo el fuego y sus llamas parecen purificar tanta maldad. La película utiliza estas metáforas para hablar del presente en que estuvo rodada y estrenada: la década de los años treinta cuando\, tras el crack financiero de 1929\, una ola de horror mas terrenal se abatió sobre la población: el hambre y la miseria a la que condenó la maldad de unos pocos\, banqueros y financieros inescrupulosos que\, ayer como hoy\, continúan siendo los verdaderos monstruos a quien deberíamos temer. Ochenta años después\, seguimos prefiriendo erigir un «monstruo»  para condenarlo y limpiar nuestras miserias. Es mas fácil culpar siempre al otro de las penurias propias. «La Novia de Frankenstein»\, como todo el gran cine\, habla finalmente de estas cuestiones. Las humanas de siempre. \n«LA NOVIA DE FRANKENSTEIN» / The Bride of Frankenstein / 1935 / Universal Studios- EE-UU / Director James Whale / Intérpretes Boris Karloff\, Colin Clive\, Valerie Hobson\, Ernest Thesiger\, Elsa Lanchester / Blanco y Negro / Fotografía John J. Mescall / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 15 minutos. \n  \n  \n 
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-la-novia-de-frankenstein-1935-3a-clase-introduccion-al-cine/
LOCATION:Escuela de Bellas Artes\, Av.25 de Mayo 573\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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