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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-muerte-en-venecia/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
CATEGORIES:Cine fórum,Conferencia
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SUMMARY:CINE: "LA NOCHE AMERICANA" (1973) / 4ª Clase Introducción al Cine.
DESCRIPTION:Clase 4ª: «Las Artes reflejadas por la Cámara: Pintura\, Arquitectura\, Escultura\, Poesía\, Danza\, Música y la Imagen Cinematográfica /Adaptaciones\, miradas\, representaciones\, transformaciones de un lenguaje a otro. \nDesde el inicio del Cine\, se buscó trasladar los diferentes lenguajes artísticos a este nuevo y recién llegado. Lo primero que aparece es la adaptación como motivo generador de una película. Paralelo al surgimiento de la idea propia como motivadora de una trama\, la inspiración de una obra ya existente fue uno de los lugares recurrentes por cineastas de todo lugar. La literatura aparece entonces como el primer espacio desde el que buscar. La dificultad de trasformar palabras en imágenes es notable inmediatamente. Ya sean provenientes de un libro o de una obra teatral\, hasta de una ópera. Cuando Meliés se acerca al mundo de Jules Verne no hace mas que inspirarse en los relatos de aquel para convertirlos en pura creatividad fílmica: esa Luna con ojos donde irá a insertarse la no tan disparatada nave terrícola de la que emergen los aun mas absurdos ropajes de sus protagonistas\, muestran el primer triunfo de la transposición de un lenguaje a otro. Según avanzan los años surgen otros cineastas que solo se convertirán en ilustradores de libros de todo tipo. El público acepta el desafió y comienzan las comparaciones. La imposibilidad de respetar el total de un contenido literario se traduce en recortes o modificaciones varias\, que pueden llegar hasta el propio corazón e identidad de lo adaptado. Quizás desde esa realidad nazca el mejor cine. El que «olvida » el origen literario para «inventar» otro nuevo. Este punto de partida genera dos grandes estilos dentro del cine de adaptaciones: el de la fidelidad y el libre que se nutre de ella para representar algo nuevo. Como ejemplo\, dos textos clásicos: «La Biblia» o «La Odisea» han sido disparadores de películas de todo tipo: desde las recreaciones erotizadas del primer Cecil B.de Mille hasta las respetuosamente cristianas de Franco Zeffirelli en relación al texto religioso. De las adaptaciones academicistas de autores como James Ivory sobre textos del mundo anglosajón hasta la irreverencia de Godard con uno de Alberto Moravia. En ambos lados se cosechan triunfos y fracasos. Donde Manuel Antin se equivoca al ser extremadamente respetuoso a la palabra de Julio Cortazar\, Michelagelo Antonioni acierta al tomar solo como punto de partida un texto del autor argentino. Con el fenómeno teatral el desafío se mantiene a la misma altura. Sacar al personaje del espacio escénico para trasladarlo al siempre cambiante de la pantalla. Donde el ojo del espectador en una platea frente al interprete puede no llegar\, si lo hace el lente gigantesco de la cámara. La expresión humana entonces\, alcanza otro sentido. Teatro y Literatura siguen siendo puntos de partida hoy. Y los dos caminos\, transitados. Los resultados\, siempre oscilantes. \nLa Música y la Danza\, en sus diferentes vertientes han sido y son otro de los temas recurrentes. La Arquitectura se transforma en escenografías o retratos documentales de ciudades o parajes lejanos donde el hombre ha dejado su huella. E l cuerpo del actor puede ser esculpido tanto por la cámara como por los dedos del artista. La Pintura se transforma en Fotografía y sus grandes artistas no tienen nada que envidiarle a los maestros del pincel. El Cine finalmente se ha convertido en aglutinador de todas ellas y solo ocasionalmente las ha transcendido para crearse a si mismo como nuevo lenguaje. En 1911 Canudo presenta su Manifiesto de las Siete Artes dándole al Cine su último numero de la serie. Desde artesanos nobles y respetuosos\, hasta meros ilustradores o mediocres transcriptores\, a revolucionarios de la imagen\, siempre en movimiento y búsqueda\, todos continúan transitando el viejo sendero de la inspiración o el mas atrevido de la creatividad. \nAlgunas referencias. \nLiteratura: William Shakespeare es uno de literatos mas inspiradores con cineastas como Orson Welles\, Laurence Olivier\, Franco Zeffirelli o los maestros soviéticos entre sus mayores cultivadores y mejores exponentes. Cada cual desde una mirada muy personal. \nMúsica: desde las propias «biografías» o acercamientos a las grandes figuras del apartado hasta el género musical cultivado desde Hollywood pasando por miradas personales sobre el propio arte de las notas . Pero donde mas aporte ha hecho la música es desde la elaboración de las bandas sonoras que acompañan a cada film desde el final del cine mudo. Músicos que dejaron las salas de conciertos o escenarios o escuelas para llegar al estudio de cine u otros que sencillamente desarrollaron sus aptitudes en el propio medio. El paso de los años no ha dejado de aumentar el reconocimiento de la mayoría de ellos. Cito algunos de los mas influyentes: \nCole Porter (1891-1964) / Max Steiner (1888-1971) / Frank Wahman (1906-1967) / Miklos Rózsa (1907-1995) / Alex North (1910-1991) / Bernard Herrmann (1911-1975) / Nino Rota (1911-1979) / Leonard Bernstein (1918-1990) / Elmer Bernstein (1922-2004) / Henry Mancini (1924- 1994) / Maurice Jarre (1924-2009) / Georges Delerue (1925-1992) / Ennio Morricone (1928) / Jerry Goldsmith (1929-2004) / Lalo Schifrin (1932) / John Williams (1932) / Michel Legrand (1932-2019) / Quincy Jones (1933) / Angelo Badalamenti (1937). \nListado de Directores de Fotografía: les acerco estos nombres para que busquen sus trabajos en IMDb\, la pagina web que les sugiero como la mas rigurosa. Desde alli\, se puede iniciar busqueda y se encontraran con grandes directores y películas en las que la firma de estos maestros aparece. Son desde el mudo hasta el presente NO inmediato. Porque todos los nuevos que están trabajando hoy\, construyen su carrera y el tiempo los pondrá en el lugar que corresponde. Prefiero hablar de obras cerradas en este momento y en esta 4ª clase. Los hay de varios países y varias épocas. \nJohn Alcott / Gregg Toland /Stanley Cortez / Conrad L.Hal l/ Charles Rosher / Robert Burks / Vadim Yusov / James Wong Howe / Kazuo Miyagawa / Jack Cardiff / Freddie Young / Raoul Coutard / Tonino Delli Colli / Sven Nyvist / Giuseppe Rotunno / Vittorio Storaro / Nestor Almendros / Ricardo Aronovich/ Carlo di Palma / Gordon Willis / \n  \n  \nFilm exhibido: \n«LA NOCHE AMERICANA» \nCuando Francois Truffaut (1932-1984) estrenó esta película su nombre volvió a ocupar con fuerzas los titulares referidos al Cine. En los meses siguientes ganó premios y fue vista en el mundo entero con un suceso que pocas de sus películas anteriores habían conseguido (de público no de crítica). El realizador da rienda suelta a su pasión por el Cine y rueda un film sobre como se rueda un film. Un pequeño género dentro de la Cinematografía donde en el pasado se habían generado obras como «Sunset Boulevard» de Billy Wilder\, «Cautivos del Mal» de Vincente Minelli\, «Cantando bajo la lluvia» de Stanley Donen\, en Hollywood\, o ·»El Desprecio»\, de su colega Jean Luc Godard una década antes. Todos relatos valiosos sobre las interioridades detrás de la escena. En esta ocasión se muestra como el rodaje de una película romántica con ribetes de tragedia griega convoca a todo un equipo donde sus integrantes se convierten en co-protagonistas de la historia. Los actores principales\, una actriz que llega de Hollywood con sus crisis (y nuevo marido) a cuestas\, otra que a causa de su alcoholismo no logra aprender sus textos\, ayudantes del realizador que son fieles hasta para meterse en la habitación de los otros a rescatarlos de histerias o neurosis varias\, productores siempre atentos al costo de cada momento de filmación…y el propio Truffaut interpretando al director. La obra\, a 45 años de su estreno\, se mantiene como un retrato solido con sus logros y defectos\, ya notables en su momento. Desde mi punto de vista\, este director es uno de los mas sobrevalorados de su generación: la «nueva ola» francesa\, un tiempo (1955-1965\, aproximadamente) en que un grupo de críticos de cine se convirtieron en directores y realizaron películas que aportaron un soplo de aire fresco a modelos anquilosados (según el discutible gusto de la mayoría de ellos). Porque antes de su aparición\, el Cine francés había dado nombres\, indiscutibles aun hoy\, a la Cinematografía como los de Jean Renoir\, Rene Clair\, Julien Duvivier\, Abel Gance\, Henri Georges Clouzot\, Rene Clement\, Claude Autant Lara\, Marcel Carne o Jacques Tati\, con un talento superior al que mucho de los nueva oleros tendrían en sus respectivas obras\, siendo muchos de los citados denostados por los recién llegados. Los acusaban de realizar un cine estéril en cuanto obra de arte y sus condenas afectaron la trayectoria de muchos. Truffaut mismo acabaría rodando films absolutamente convencionales disfrazados de experimentales. Sus versiones sobre clásicos de la literatura «negra» norteamericana\, no han resistido nada bien el paso del tiempo. Ni «Disparen sobre el pianista» sobre texto de Goodis resulta graciosa\, ni mucho menos sus horribles transcripciones de los universos de Woolrich en «La novia vestía de negro» y «La sirena del Mississippi» consiguen aportar nada en especial. Hay algo demasiado egocéntrico en la postura del realizador que acaba frustrando sus intentos de ser innovador y aportar una mirada valiosa al material original. La transgresión no significa por si misma calidad. Rescato sin embargo cuatro films deslumbrantes donde la sensibilidad del cineasta (importante\, que lo fue sin lugar a dudas) se manifiesta en su plenitud: «La Piel Suave» (1964)\, un retrato tan cálido como doloroso de una historia de amor imposible entre una mujer joven y un hombre casado y sus tres películas donde la infancia es protagonista absoluta: «Los 400 Golpes» (1959)\, extraordinario debut (y quizás por eso mismo levantó tantas expectativas a futuro)\, «El niño salvaje» (1970) y «La Piel Dura» (1976). Del resto de su obra destaco dos obras extrañas y complejas\, hermosas aunque no llegan a la maestría de las anteriores\, como son » Las Dos Inglesas» (1971) y «La Habitación Verde» (1978). Su saga sobre Antoine Doinel\, protagonista y socias de Truffaut\, que interpretado por el mismo actor\, Jean Pierre Leaud\, aparece en cuatro obras posteriores a su presentación en «Los 400 Golpes»\, solo reviste el testimonio de ver crecer al intérprete entre 1959 y 1978 y resultan hoy películas enormemente envejecidas. Otra curiosidad destacable es su versión del universo de Ray Bradbury con «Fahrenheit 451» (1966)\, un film que utiliza demasiado las palabras y aporta menos en imágenes de lo esperable para un texto semejante\, donde el desafió de convertir un lenguaje en otro es especialmente alto. Al final del film\, el recitado de los libros por parte de unos personajes que deambulan por el bosque\, muestra las limitaciones de Truffaut para crear imágenes puramente cinematográficas. Criticar al realizador\, como a otros compañeros de su tiempo\, sigue resultando hoy una blasfemia para ciertos puristas de la crítica cinematográfica. Pero en la libertad de expresión sobre la devolución que cada película nos provoca\, esta la riqueza de la mirada de nosotros espectadores. Sumando y debatiendo se puede construir una diferente y alejarse del anquilosamiento al que puede conducir la extrema fidelidad a las palabras de los popes que construyen\, o intentan\, una élite sobre que Cine es valioso y cual no. La «nueva ola» francesa sigue siendo un movimiento importante en la Historia del Cine pero no el mas. Paralelo a él se desarrolla otro en Inglaterra y varios en otros puntos del mundo\, que parecen ser eclipsados aun hoy por los franceses\, siempre pioneros en saber vender bien sus productos. Desde una marca de autos\, una revolución o lo que tengan delante. Jamas fueron ni son el centro del mundo que pretenden. La obra entera de Truffaut es una clara expresión de semejante intención. Hasta de un término no propio como chovinismo supieron apropiarse. Sigamos rescatando las joyas que si\, supieron diseñar. \n«LA NOCHE AMERICANA» / La nuit americaine/ 1973 / Francia- Italia / Director Francois Truffaut / Intérpretes Jacqueline Bisset\, Francois Truffaut\, Valentina Cortese\, Jean Pierre Leaud\, Nathalie Baye\, Dani\, Jean Pierre Aumont / Francés e inglés con subtñitulos en castellano / Color / Duración 1 h 50 minutos.
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LOCATION:Escuela de Bellas Artes\, Av.25 de Mayo 573\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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