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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-muerte-en-venecia/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE : "MORIR EN MADRID" (1963).
DESCRIPTION:El Museo Etnográfico y Archivo Histórico Enrique Squirru inicia con la proyección de «MORIR EN MADRID»\, film clásico entre los documentales de todos los tiempos\, un Ciclo de tres largometrajes que recordaran los 80 años del final de la Guerra Civil Española\, conmemorando así uno de los hechos mas trágicos del Siglo XX\, que también puede interpretarse como un prólogo de otro drama que comenzaría el mismo año 1939 en que acabó este. Los viernes siguientes se proyectaran dos largometrajes de ficción que también recuerdan aquel tiempo: «LAS BICICLETAS SON PARA EL VERANO» Y «LA LENGUA DE LAS MARIPOSAS». El 1º de Abril Francisco Franco\, líder de uno de los bandos enfrentados\, el Nacional\, firmó el último parte de guerra. El Dictador que gobernó con mano dura el destino del país hasta su muerte el 20 de noviembre de 1975\, dio inicio a un feroz conflicto bélico con su sublevación y Golpe de Estado del 18 de Julio de 1936 y dividió a España en dos (los que habían votado por la República y los que se levantaron contra ella). Esta película del realizador francés Frederic Rossif\, especialista en documentar realidades humanas tanto como comportamientos animales\, cosechó un enorme suceso desde su estreno en 1963 y se convirtió en un Clásico del Cine con el paso de los años. Porque registra de una manera concisa\, utilizando material de archivo narrado por voces francesas\, una realidad que los propios protagonistas estaban imposibilitados de recrear. El material documental de la época nos muestra tanto las vivencias del frente de batalla como la vida en las ciudades y poblados. La furia de Franco y su Gobierno fue inmediata y el film no pudo estrenarse en territorio español hasta después de su muerte\, en 1978. Como respuesta\, el régimen presentó su «versión» de los hechos en un film que fue una apología del fascismo que atravesaba su estructura: «Morir en España» (1965). \n\nEl film del cineasta francés comienza con imágenes sobre las que se relata el siguiente texto: «1931\, España: 503.061 kilómetros cuadrados. 24 millones de personas. La mitad de la población es analfabeta. Hay 8 millones de pobres. Hay 2 millones de campesinos sin tierra. 20.000 personas poseen la mitad de España\, provincias enteras son propiedad de un solo hombre. Salario medio de un trabajador\, de 1 a 3 pesetas por día; un kilo de pan cuesta 1 peseta. 20.000 monjes\, 31.000 sacerdotes\, 60.000 mil monjas y 5.000 conventos. 15 mil oficiales\, de ellos 800 generales: 1 oficial por cada 6 hombres\, 1 general por cada 100 soldados. Un rey\, Alfonso 13\, el decimocuarto soberano desde Isabel la Católica «.\n\n\n\nA partir de este momento\, el espectador moderno se encontrará con el relato minucioso de lo acontecido en tres años de conflicto bélico que silenció las vidas de miles de seres humanos y sirvió como ensayo macabro por parte del poderío alemán e italiano representados por el nazi Hitler y el fascista Mussolini para lo que sería la tragedia de la Segunda Guerra Mundial. \n«MORIR EN MADRID» /Mourir a Madrid / Francia\, 1963 / Realizador Frederic Rossif / Música Maurice Jarre / Narrada en francés con subtítulos en castellano / Blanco y Negro / Duración 1h 25 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-morir-en-madrid-1963/
LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL VEREDICTO o LA LEY DEL MENOR" (2017).
DESCRIPTION:La Literatura no deja de ser fuente de inspiración de cineastas de todos los orígenes. Y los que firman sus obras\, algunas veces lo hacen también en la traslación de sus palabras al lenguaje del cine. Es el caso de Ian MacEwan (1948)\, uno de los mas prestigiosos escritores en lengua inglesa de las últimas décadas\, que ha escrito el guión de una de sus creaciones en el film «LA LEY DEL MENOR»\, traducción de su obra homónima. Una Jueza de enorme reputación y entrega absoluta a su profesión\, tanto que el mundo afectivo ocupa un segundo plano del que parece no ser consciente\, se ve enfrentada a una cuestión muy sensible: dictaminar sobre un menor practicante extremo de religión que rechaza ser atendido medicamente poniendo en peligro su propia vida. El fundamentalismo en cualquier práctica o ideología es el tema subyacente en esta propuesta artística. Un tema de enorme actualidad donde el término pareciera ceñirse en el presente solamente al terrorismo internacional. La propuesta del autor parece indicarnos que también afecta a la intimidad de las personas en sus ámbitos mas privados. Richard Eyre (Inglaterra\, 1943) es un cineasta de mucha actividad en la televisión y de menor en la pantalla grande. En su obra destacan dos acercamientos al mundo femenino como fueron «Iris» (2001)\, sobre una poeta enfrentada al deterioro de su mente y «Escándalo» (2006)\, una de las grandes obras sobre el poder del chimento como destructor de la persona atacada. Las dos estuvieron interpretadas por grandes actrices como Judi Dench\, Kate Winslet y Cate Blanchett. Ahora\, tras una década de silencio a causa del fracaso de su anterior trabajo (The Other Man\, 2008)\, regresa a ese mundo de mujeres protagonistas con conflictos siempre actuales y universales. Lo hace de la mano de otra gran intérprete: Emma Thompson (1959)\, actriz que apareció en escena en 1988 de la mano de su esposo de entonces\, Kenneth Branagh\, uno de los mayores conocedores del teatro británico e irregular cineasta. A su lado destacó en «Enrique V» (1989) y desde allí se consagró con dos memorables trabajos del gran James Ivory: «Regreso a Howard’s End» (1992) y «Lo que queda del día» (1993). Luego vendrían «En el nombre del Padre» (1993) de Sheridan\,  «Sentido y Sensibilidad» (1995) de Ang Lee\, su incursión en el mundo Harry Potter (que le dio popularidad entre el público masivo) y ahora regresa a un tipo de cine que la vio surgir. En el trabajo de ella\, en su creación del personaje de Kate\, radica uno de los mayores valores del film. El resto acompaña con la seguridad que el talento del director Eyre imprime a sus mejores creaciones. Una película que vuelve a enfrentarnos con otro debate siempre rico: la traslación de la Literatura al Cine. Un manjar para todos los curiosos. \n«EL VEREDICTO» (LA LEY DEL MENOR) / The Children Act -2017 / Reino Unido-USA / Director Richard Eyre / Intérpretes Emma Thompson\, Stanley Tucci y Fion Whitehead / En inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 45 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LAS BICICLETAS SON PARA EL VERANO" (1984).
DESCRIPTION:«LAS BICICLETAS SON PARA EL VERANO» es un título clásico entre los que refieren y retratan la Guerra Civil Española (1936-1939). Por este motivo resulto ser la elegida para la segunda entrega del presente ciclo\, tras el visionado de «Morir en Madrid» (1963)\, pieza fundamental dentro de la temática abordada desde la cinematografía. Relata la vida de una familia que vive en un barrio tradicional y céntrico de la capital española\, entre los años que dura la contienda bélica. Una familia de clase media-baja compuesta por Luis y Dolores\, padres de Manolita y Luisito\, jóvenes llenos de ilusiones y vitalidades varias\, que verán enfrentados sus proyectos a la realidad de la tragedia que día a día se abate sobre la ciudad sitiada\, resistente\, viva\, dolorosa y también agrietada ideologicamente ante la división que desgarra la nación. Una sublevación militar frente a una República conflictiva pero elegida democráticamente. El entorno del vecindario que acompaña a los protagonistas no puede ser mas amplio y representativo: desde la chismosa y envidiosa Antonia\, madre de Julio y aspirante a enamorado de Manolita\, hasta la refinada Maria Luisa y sus simpatías por los golpistas nacionales\, pasando por la sirvienta Maria\, personaje representativo del interior rural español que llega a la ciudad para encontrar un futuro mas prometedor. Todos forman un mosaico que define la realidad de un momento visto por los ojos de los civiles\, que ajenos a la Guerra\, la padecen y sufren sus consecuencias. Las bicicletas que refiere el título son las que representan la libertad\, la juventud y un tiempo de vacaciones que transmutará en otro menos feliz al final de la historia\, cuando el padre advierte al hijo: «Solo Dios sabe cuando habrá otro verano». Una pelicula memorable que adapta una obra de teatro ganadora de premios mayores en 1977 cuando fue registrada. Desde su primera representación en Madrid en 1982 fue suceso\, un tiempo en que los españoles ensayaban la vida democrática tras cuatro décadas de represión y dificultades para la mayoría\, y bienestar para pocos\, afines al poder franquista. Su éxito avaló la adaptación al Cine\, y su autor\, Fernando Fernan Gomez (1921-2007)\, uno de los mayores y multifaceticos artistas de España del Siglo XX\, actor\, director\, escritor\, volvió a convalidar éxitos anteriores. Una obra de cine fundamental en el panorama ibérico cuya dirección estuvo a cargo de uno de los mas prestigiosos directores de la Transición Española\, periodo casi mítico para los ojos de hoy\, posterior a la muerte del Dictador en 1975 y que se extendió hasta la llegada del PSOE al Poder en las elecciones de 1982. Cuando de alguna manera\, el ciclo iniciado en 1931 y truncado en 1936\, volvió a cerrarse con la llegada al poder de un gobierno de izquierdas. Muy diferente al aguerrido de los años treinta pero mas astuto y adaptado a las necesidades de entonces. Ya no habría República sino Monarquia Constitucional. Detalles sutiles (o nada) que hoy llenan espacios en la reflexión de las nuevas generaciones de españoles\, quienes decidirán un futuro que no debería omitir la Memoria. Films como este la mantienen viva. Jaime Chavarri (1943)\, el director señalado en el párrafo anterior\, fue autor de cinco obras fundamentales del periodo 1976-1989\, uno de los mas creativos del cine hispano: «El Desencanto» (1976)\, obra maestra que documenta a través de la decadencia de una familia rica e intelectual\, la de un propio tiempo\, el franquismo\, «A un Dios Desconocido» (1977)\, con Hector Alterio en un trabajo magistral sobre sexualidad y religión\, «Dedicatoria» (1980)\, manifiesto de amor a toda una generación de creadores\, «Las Cosas del Querer» (1989)\, popular recreación de la represión y censura del generalísimo a golpe de música y baile deslumbrantes\, y esta obra que nos ocupa\, unas bicicletas para la posteridad. \n«LAS BICICLETAS SON PARA EL VERANO» / ídem/ España- 1984 / Director Jaime Chavarri / Intérpretes: Agustín González\, Amparo Soler Leal\, Gabino Diego\, Victoria Abril\, Alicia Hermida\, Marisa Paredes\, Carlos Tristancho\, Patricia Adriani / Hablada en castellano sin subtítulos / Color / Duración 1h 43 minutos.
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SUMMARY:CINE: "CABARET" (1972).
DESCRIPTION:Cuando esta película se estrenó en 1972 se convirtió de inmediato en un suceso\, ganó los premios mas importantes y puso en órbita cinematográfica a dos de sus creadores: Bob Fosse (1927-1987) y Liza Minelli (1946). El primero\, uno de los mayores coreógrafos de la historia del teatro musical norteamericano\, debutó bailando en comedias musicales de Hollywood en los cincuenta para pasar a los escenarios de New York y revolucionar en pocos años todo un género: el musical. Desde allí saltó al cine y realizó una breve e intensa obra entre 1968 y 1983: «Sweet Charity- Dulce Caridad» (1968)\, «Lenny» (1974)\, «Comienza el Espectáculo- All That Jazz» (1979) y su obra final «Star 80» (1983). «Cabaret» fue su segundo trabajo y como en el resto\, indaga en el mundo del espectáculo y el cine para crear sus films. Desde la primera\, que es una versión del clásico de Federico Fellini «Las Noches de Cabiria»\, pasando por el teatro berlinés de los años veinte y treinta del siglo pasado\, la recuperación de un cómico genial y subversivo\, su propia autobiografía como artista\, hasta la vida y muerte de una modelo de los años setenta. Las cinco forman un breve y magistral mosaico sobre parte de la Cultura del Siglo XX. y hacen de este creador uno de los mas originales (y sub-valorados) de todo el cine norteamericano. Minelli es una actríz y cantante que tuvo su tiempo de esplendor entre su aparición en este film y principios de la década siguiente\, cuando estrenó unos pocos títulos entre los que destacan «New York\, New York» de Martin Scorsese (1977) y la comedia «Arthur» (1981)\, junto al cómico Dudley Moore. Su carácter autodestructivo se encargó de frustrar una carrera que comenzó tan brillante (en 1968 y con tres valiosos films anteriores a su consagración con «Cabaret») como resultó ser breve. \n«Cabaret» narra una historia que comienza en 1931 en Berlín con la llegada de la joven Sally Bowles desde el exterior para trabajar en la noche de la ciudad\, un tiempo hoy mítico de la cultura europea\, la Alemania de entre guerras que no solo gestó un movimiento artístico llamado «Expresionismo» sino que también deslumbró a todo el continente con la creatividad musical que emanaba de espectáculos nocturnos desde los escenarios de la capital\, cuando todo parecía estar permitido desde el escenario en forma de crítica feroz a todo un tiempo decadente que hacía de ello su merito principal. A través de la música y la danza\, los artistas definían su visión del entorno. Sally llega llena de ilusiones para debutar en un espacio donde un maestro de ceremonias subyuga a los espectadores conduciendo un show de danza y canciones provocadoras\, que cuestionan a esos propios espectadores que festejan lo mas horrible de su forma de vida sin que se les mueva un pelo. Dos hombres se cruzan en la vida de la muchacha y entre los tres forman el trío mas famoso (probablemente) del cine de inicio de los setenta. El telón de fondo\, es el amanecer de unos jóvenes rubios y fuertes que bajo el mandato de otro sin esas características pero con otras mas siniestras\, llevaría en pocos años al país\, al continente y al plantea a uno de los tiempos mas negros de la Historia. La sombra de Hitler y el Nazismo campea otra vez\, y a sus anchas\, ante la impasibilidad de la población. Donde toda sombra del pasado parece haber sido cubierta de desmemoria y olvido. \n«Cabaret»\, a casi medio siglo de su estreno\, nos invita a reflexionar sobre actitudes y presente. Que «la vida sea un cabaret» como rezaba la promoción del film\, o no\, es un desafío contemporáneo. El placer experimentado en el interior de una sala de espectáculos no debiera confundirse con la realidad del exterior. Al menos\, esto parece decirnos esta inmensa obra\, ya un clásico absoluto de la cultura de los años setenta. Aquel tiempo en que muchas cosas parecieron posibles pero fueron abortadas por un poder que jamas aceptó de buena ganas provocaciones a su establecimiento. La música\, la danza\, la voz de los artistas siguen alzándose como bandera ante la negritud que acecha. \n«CABARET» / ídem / EE.UU. / 1972 / Director Bob Fosse / Intérpretes Liza Minelli\, Michael York\, Helmut Griem\, Joel Grey\, Marisa Berenson / Color / Inglés y alemán con subtítulos en castellano / Duración 2hs.
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SUMMARY:CINE: "LA LENGUA DE LAS MARIPOSAS" (1999).
DESCRIPTION:Los protagonistas de esta película ya Clásica del cine español son un profesor mayor y un alumno de nueve años. Y es la tercera y última exhibida dentro de un ciclo que ha buscado traer al presente un drama del pasado: la Guerra Civil Española (1936-1939) para también permitirnos reflexionar sobre cuestiones que siguen estando vivas en 2019. Estrenada en 1999 a pocos meses del final de un Milenio\, la obra tuvo una espectacular repercusión tanto en España como en nuestro país. Probablemente porque la universalidad de la trama hacía que acontecimientos lejanos en el tiempo y en la geografía seguían y siguen estando vigentes en nuestra realidad.El profesor Don Gregorio da clases en una aldea pérdida del norte español. Son los años treinta y un conflicto atroz está a punto de irrumpir en la tranquila calma de esa región. Una a una\, las lecciones se vuelven el néctar del pequeño Moncho: sus oidos siempre atentos a las palabras del mayor\, escuchan una afirmación: las mariposas tienen una lengua enrollada que despliegan para llegar al corazón de la flor y extraer de allí el néctar; a cambio de ese servicio que le brindan las flores\, las mariposas esparcen el polen. El señor mayor destila «su néctar» de conocimientos esperando que los niños lo absorban con la misma libertad de los insectos. Y Moncho aparece frente a los ojos del educador como el mas brillante de sus alumnos. \nJosé Luis Cuerda (1947) es uno de los mas reputados directores de cine español y cuenta entre una obra iniciada en los años ochenta con algunos títulos muy populares como «El Bosque Animado» (1987)\, «La Marrana» (1992)\, «Así en el Cielo como en la Tierra» (1995) o «Los Girasoles Ciegos»(2008)\, todos relatos donde el humor y la fantasía suelen ocupar un espacio muy destacado. En todo caso es considerado uno de los grandes retratistas de su generación y\, con este film\, obtuvo un reconocimiento mas allá de las fronteras de su tierra. Los valores de la educación enfrentados a las ideologías personales que pueden hacer caer cualquier logro y conducir a la violencia y sobre todo\, la autodestrucción\, son el tema «de fondo» de esta obra donde la mano del gran Rafael Azcona (1926-2008)\, uno de los mayores guionistas europeos de todos los tiempos (Marco Ferreri\, Carlos Saura\, Luis Garcia Berlanga contaron con él para títulos clásicos del cine español e italiano) brilla con notable acierto. Los pormenores de la casa del niño y cada uno de los integrantes de la familia\, el mundo interior rico y siempre en conflicto del viejo maestro\, la violencia de un tiempo que conducirá a una matanza terrible entre hermanos\, son temas que nunca caducan. Porque como los grandes patrones de nuestra conducta humana\, siguen siendo inalterables al paso de los siglos. El Cine\, en su extraordinaria grandeza\, sigue alimentándose de ellos para convertirlos en piezas de arte que nos acompañan mientras transitamos caminos una y otra vez recorridos por nuestros ancestros.La metáfora de las mariposas no tendría que ser olvidada. El niño Manuel Lozano (1990) es otro de los grandes aciertos del film\, y su labor\, enfrentada a la del inmenso Fernando Fernán Gómez (ya reseñado en el segundo film del Ciclo) lo convierte en uno de los grandes trabajos infantiles de su tiempo. \n«LA LENGUA DE LAS MARIPOSAS» / ídem / España 1999/ Director José Luis Cuerda / Guión Rafael Azcona / Intérpretes Manuel Lozano y Fernando Fernán Gómez / Color / Hablada en castellano sin subtítulos / Duración 1h 36 minutos.
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LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LA MULA" (2018).
DESCRIPTION:Esta película es la numero 38 de las dirigidas por el también actor\, productor y compositor norteamericano Clint Eastwood (1930)\, uno de los mayores y completos cineastas del último medio siglo. Iniciado en la actuación en los años cincuenta\, alcanzó popularidad como astro televisivo en los primeros sesenta. Pero la consagración como actor fue en Italia donde filmó cuatro películas entre 1964 y 1967\, que lo hicieron tan popular que le permitió regresar a su tierra como superstar en 1968. Desde entonces no ha dejado de trabajar de un lado y otro de la cámara. En esta última película estrenada a sus 88 años de edad se da el lujo de interpretar a un hombre diez años mas joven: Earl Stone. Padre y marido desastroso\, siente debilidad por las flores y a su cultivo ha dedicado mas tiempo que a la familia. Ahora siente debilidad por una nieta\, mas el resto de la familia lo rechaza. Un día recibe una oferta para realizar un trabajo y decide arriesgarse a pesar de los peligros que este implica. Porque la idea de colaborar económicamente con sus descendientes le empuja a la aventura\, su manera de vivir la vida desde siempre. \nCon esta temática lejanamente inspirada en sucesos reales\, Eastwood regresa tras las cámaras y firma otra de sus grandes obras. Las que abarcan títulos memorables sobre el Lejano Oeste o la realidad mas contemporánea. «Los Imperdonables»\, «Río Místico»\, «Million Dollar Baby» o la emblemática historia de amor imposible «Los Puentes de Madison» brillan en este apartado de su creatividad. El resto de su obra es valiosa en distintos grados y conforma una de las mayores de la historia del Cine de Hollywood. Una trama que registra actualidades tan urgentes como el tema de las Fronteras: la de México con Estados Unidos\, el trafico de droga\, negocio imparable y monstruoso que amasa fortunas y muertes por partes iguales y la del limite entre los afectos. Una triada de conflictos manejadas con su talento habitual para registros tan complejos como lo son los del cine intimista\, el de denuncia y el de violencia. Manos expertas de las pocas que en este presente pueden combinar semejantes cuestiones sin caer en el absurdo. Un maestro contemporáneo para quien la palabra jubilación carece de absoluto sentido. \n«LA MULA» / The Mule / EE.UU. 2018 / Dirección Clint Eastwood / Intérpretes Clint Eastwood\, Bradley Cooper\, Dianne West\, Alison Eastwood\, Laurence Fishburne / Color / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 56 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-la-mula-2018/
LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
CATEGORIES:Cine fórum
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SUMMARY:CINE: "LOCA ALEGRÍA" (2016).
DESCRIPTION:«Loca alegría» es un título que juega con el doble sentido de las expresiones y marca el tono que lleva la película. Una tragicomedia en tanto propone un relato donde sus protagonistas son pacientes de un instituto psiquiátrico y la enfermedad las reúne hasta desembocar en una escapada que les permitirá conocer sus realidades mas allá del estricto control médico. Beatrice es una mujer rica y fabuladora lindante con lo esquizofrénico\, que va a parar a un lugar que antaño fue casa de sus abuelos y ahora atiende enfermos con diferentes patologías mentales. La lucidez se mezcla con la arrogancia de clase social y la enfermedad que la afecta. Donatella es mas joven pero encierra secretos de una vida lindante con el desastre: prostitución\, droga y maltrato son los motivos que parecen haberla desquiciado. Ambas mujeres irán conectando con el paso de los días y la fantasía de escapar se hace presente en ellas. El director italiano Paolo Virzi (1964\, Livorno) es uno de los mas exitosos del presente a partir del éxito de «Caterina en Roma» (2003) que lo ubicó en primera linea y en los años siguientes se consagró con títulos como «N» (Io e Napoleone) (2006)\, «La prima cosa bella» (2010) y su mejor obra hasta el presente\, «El Capital Humano»(2013)\, un lúcido y feroz retrato de la decadencia europea presente. «Loca Alegría» fue su siguiente trabajo después del suceso de aquella y ha estrenado en los últimos meses «Notti magiche» (2018)\, donde recrea el rodaje de un film mientras Italia juega un mundial de fútbol. Virzi es hoy uno de los nombres consagrados del cine peninsular\, que en medio de una persistente crisis social y política desde hace mas de una década\, ha vuelto a recuperar vigores de otros tiempos\, cuando fue uno de los mas grandes y llenó salas y cinematécas de todo el planeta. Cuenta para esta realización con la ayuda imprescindible de dos grandes actrices para dar vida a sus criaturas. \n«LOCA ALEGRÍA» (La pazza gioia) / Italia-2016 / Director Paolo Virzi / interpretes Valeria Bruni Tedeschi y Micaela Ramazzotti / Color / Italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h 55 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-loca-alegria-2016/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
CATEGORIES:Cine fórum
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SUMMARY:CINE: "TODOS ESTAMOS INVITADOS" (2008).
DESCRIPTION:Los años noventa del siglo pasado. País Vasco: Xabier es profesor y diserta sobre la realidad socio-política en la región. Sus palabras generan rechazo y aceptación por partes iguales pero el temor instalado en la sociedad por décadas de violencia hace que se convierta ya no en opositor sino en claro enemigo por simpatizantes de la política mas extrema: los seguidores de ETA\, el grupo armado que lucha por la Independencia del territorio del Estado español\, al que consideran enemigo. Francesca es una joven extranjera que mantiene una relación con él\, pero también se encuentra en el equipo médico que atiende a un amnésico integrante de la banda extremista: Josu. Lo que no está tan claro es si en realidad ha perdido la memoria o si sencillamente no quiere recordar su pasado. Con esta premisa\, el cineasta Manuel Gutierrez Aragón (1942\, Cantabria)\, uno de los realizadores mas famosos del cine español posterior al franquismo\, realizó el que sería su último film hasta la fecha\, «Todos estamos invitados». Estrenado en 2008\, su escaso impacto y aceptación motivo que el realizador renunciara a seguir filmando tras una extensa carrera iniciada en 1977 con su largometraje «Habla\, mudita»\, que como sus siguientes obras: «Sonámbulos» (1979)\, «El corazón del bosque» (1979)\, «Demonios en el jardín» (1982) o «La mitad del cielo»\, gozaron de enorme suceso critico hasta convertirlo en uno de los referentes del período. Sin embargo\, la segunda etapa de su carrera no tuvo la misma suerte\, y solo con este film volvió a ostentar cierto vigor que parecía apagado. Un retrato que intenta reflexionar desde la ficción cinematográfica sobre una de las mas dolorosas realidades de España y el País Vasco en particular: las consecuencias del accionar violento de un sector de la población que encuentra en el brazo armado de ETA una razón para reivindicar los valores de una tierra sometida al poder del estado central y por tanto merecedora de cualquier lucha\, aun la violenta para conseguir sus propósitos. La realidad y el paso del tiempo demostró que fue una vía que no contó con el apoyo de la mayoría de la población civil vasca. Que hoy intenta mirar y construir hacía el futuro\, dentro de una integración a un proyecto claramente europeista. Esta obra cinematográfica luce como testimonio de la mirada de su creador sobre una cuestión fundamental de la historia hispana de los últimos cincuenta años y demuestra el interés permanente que suscitó entre los artistas de las diferentes disciplinas que atraviesan las décadas desde la aparición en escena de ETA\, desde los primeros tiempos en que gozó de simpatías de vastos sectores por su oposición al régimen franquista hasta su deriva final de sangre y salvajismo que provocó el rechazó y el hartazgo de una mayoría que no veía en esa vía la solución de sus conflictos. \n«TODOS ESTAMOS INVITADOS» / España-2008/ Director Manuel Gutierrez Aragón / Intérpretes Jose Coronado\, Oscar Jaenada\, Vanessa Incontrada / Hablada en español / Color / Duración 1h 20 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-todos-estamos-invitados-2008/
LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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