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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-muerte-en-venecia/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "AMAMA" (2015)
DESCRIPTION:Amama significa abuela en euskera\, la ancestral lengua del pueblo vasco. Y sobre esos ancestros reflexiona esta deslumbrante película donde todo parece conducir a un viaje a la profundidad del ser de un pueblo- El «Caserío» es el espacio natural\, el núcleo duro de la familia rural vasca. La que ve en la permanencia de las costumbres ancestrales la única posibilidad de conservar la tradición y por ende\, la identidad de un pueblo. Pero los tiempos cambian y las nuevas generaciones tienen los ojos puestos en otras realidades. La Ciudad es su destino natural\, y hacía allí emigran los hijos de un matrimonio adulto\, envejecidos sin ser viejos\, todos observados bajo la mirada dura\, silenciosa\, seca de la abuela\, la «amama» que da título al film. Ella será la encargada de cumplir con una tradición: pintar cada árbol por cada nuevo integrante del clan familiar con un color: el rojo para los trabajadores natos\, el blanco para los inútiles y el negro para los rebeldes. Colores que son también condena\, estigma u orgullo para cada uno de ellos. Los negros y los blancos son los hijos del matrimonio que cuestionan tanto hábito ancestral y que quieren huir de ellos\, mientras esperan que el padre pueda decir algo afectuoso alguna vez\, mas allá de los continuos reproches que otorga a cada hijo. A los que aun lo visitan\, porque el mas joven mas que partir\, huye del lugar. La madre\, mientras tanto\, es testigo y cómplice del hombre que ve como todo su mundo se va desmoronando. La película se abre y prácticamente cierra con una imagen que dará sentido a la historia: ese hombre que atraviesa un bosque solitario con alguien a sus espaldas es precisamente el mas rebelde\, el que rescatará de su destino final a la mayor de todas. Nieto y abuela unidos por un respeto silencioso\, sincero\, donde las palabras parecen no tener lugar pero si los actos que encubren afectos imposibles de ser dichos. Obra rigurosa que se convierte en una de las mejores expresiones de una cinematografía que quiere hablar con voz propia\, la que la diferencie de ese resto del estado español donde cada región tiene sus propias amamas. Aunque con diferentes nombres. El paisaje\, la tierra\, los árboles\, los animales\, las montañas silenciosas al fondo del cuadro\, las pinturas que llegan desde la ciudad para romper las reglas y convertir todo en una exposición de arte deslumbrante que cierra la película\, que es a la vez despedida y ritual no solo de una mujer muerta sino de toda una tradición en un tren que parece circular en contramano. Asier Altuna (1969) es parte de la última generación de directores y directoras que ejemplifican la renovación de las primeras voces del cine vasco\, aquellas que de la mano de Montxo Armendariz o Imanol Uribe dieron el pistoletazo de salida\, a principios de los años 80 de una nueva forma de mirar el pasado. Vasco\, obviamente. \n«AMAMA» (ABUELA) / ídem\, 2015 / España / Director Asier Altuna / Intérpretes Kandido Uranga\, Iaia Elias\, Amparo Badiola\, Klara Badiola / Color / Versión doblada al castellano sin subtítulos / Duración 1h 35 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-amama-2015/
LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "PROMESA AL AMANECER" (2017).
DESCRIPTION:«Promesa al amanecer» es el título de una novela editada en Francia en 1960 y cuyo autor\, Romain Gary (1914-1980)\, fue uno de los mas renombrados de la literatura gala de la posguerra hasta su muerte («Educación Europea» (1945)\, «Las raíces del cielo» (1956)\, premio Goncourt\, «Lady L» (1963)\, «La vie devant soi» (1976)\, segundo premio Goncourt con seudónimo Emile Ajar\, o «Clair de femme» (1977)\, todas con adaptación al cine). En ella\, el escritor recupera su propia historia: la madre y él mismo\, niño y adolescente\, son los protagonistas de esta autobiografía donde se narran sucesos claves de la existencia de ambos. Nacido en tierras del aun Imperio Zarista Ruso\, hijo de padre desconocido\, viven en Lituania\, Polonia y finalmente Niza\, Francia. La madre es una mujer con tanta energía como desquicio emocional\, inventa y proyecta sobre el niño muchas de sus propias frustraciones. Admiradora del cine y la cultura francesa\, un referente e ideal en esos primeros años del Siglo XX\, la mujer hace lo imposible para sacar adelante la vida de ambos: cualquier trabajo es posible para ella\, pero en todos\, la cuestión delirante es notable. Esta relación condicionará para siempre la vida de Romain\, que a los cuarenta años de edad escribe esta historia en un intento de sublimar demonios y amores que la figura materna ha trazado en su persona. Fue un combatiente condecorado por De Gaulle en la Segunda Guerra\, diplomático frances en Bolivia y EE.UU. en los años cincuenta\, escritor siempre y hasta director de cine en dos ocasiones\, donde la protagonista fue su segunda esposa\, gran amor y madre de su único hijo\, la actriz norteamericana Jean Seberg (1938-1979).La historia de amor que mantuvo con ella fue tan densa como trágica y de esa relación nació el descendiente que hoy es productor de esta película. Una historia familiar\, intima\, que no ha dejado de moverse a través de todo un siglo. Esta película obtuvo un buen suceso critico y publico en Francia y no fue estrenada en Argentina. Una prueba mas de la dificultad que el Cine actual encuentra para ser visible a pesar de contar con el sello de una gran potencia cinematográfica como es Francia y el protagonismo de una de las grandes figuras del panorama interpretativo actual como es Charlotte Gainsbourg\, que nacida en 1971\, debutó siendo adolescente y no ha dejado de trabajar hasta el presente. En esta obra\, su composición de Nina Kacew\, esa madre tan fuerte como frágil\, es uno de los grandes trabajos de su trayectoria. Una película formidable. \n«PROMESA AL AMANECER» ( La promesse de l’aube) / 2017 / Francia / Director Eric Barbier / Intérpretes Charlotte Gainsbourg\, Pierre Niney\, Catherine McKormack\, Pawel Puchalski\, Nemo Schiffman / Color / Hablada en francés con subtítulos en español / Duración 2 hs /
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-promesa-al-amanecer-2017/
LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "CINE Y CENSURA: 1969/2019\, MEDIO SIGLO DE LA CREACIÓN DEL ENTE DE CALIFICACIÓN CINEMATOGRÁFICA""
DESCRIPTION:El Ente de Calificación Cinematográfica fue creado en Enero de 1969 por medio de una Ley: la 18.019 del gobierno de la segunda junta militar de la autodenominada Revolución Argentina (1966-1973). Esto no significa que antes no existiera censura\, lo cual ocurrió desde la instalación propia del Cine como espectáculo de masas\, sino que un gobierno dictatorial de facto le puso un rostro definitivo. El 6 de septiembre de 1930 se fija como la fecha del primer triunfo total de un golpe militar en nuestro país\, cuando fuerzas ultra-conservadoras derrocan al Presidente Yrigoyen e instalan los primeros controles sobre lo que el Público puede o no ver y el 22 de febrero de 1984 se anuncia la disolución del Ente: estos 54 años de nuestra Historia concentran todo el poder censor sobre cine. Las tensiones entre Cine y Poder existieron siempre ante determinadas películas que por diferentes motivos eran merecedoras de una atención especial por las fuerzas del orden e instituciones siempre retrógradas que se adjudicaban el derecho de velar por la moral y la supervivencia de los valores del público. Desde su instauración y hasta fines de 1983 prohibió\, censuró o mutiló 727 títulos (¡setecientos veinte y siete!) y\, algo mas grave aun\, promovió la auto censura tanto en los cineastas argentinos como en los profesionales que distribuían cine extranjero en Argentina. El primer censor fue el abogado Ramiro de la Fuente que luego fue reemplazado por el mas «popular» de todos: el periodista Miguel Paulino Tato. Hubo un tercero hasta la disolución del mismo y una especie de «primavera» muy breve de tres meses a finales de 1973 donde Octavio Getino liberó la exhibición de unas ochenta peliculas nacionales y extranjeras que\, ya fuera del cargo\, fueron vueltas a prohibir. El Erotismo\, la Violencia y el Crimen\, son aspectos inseparables de la cinematografía de todos los tiempos y su inevitable respuesta\, la Censura. Esta breve introducción sirve para ejemplificar la intención de este Tercer Ciclo de Cine que proponemos desde el Museo Histórico Y Etnográfico Enrique Squirru donde se exhibirán a lo largo de tres viernes tres películas ilustrativas sobre la cuestión\, que de ninguna manera pueden reemplazar a las cientos de obras de cine afectadas pero ilustran en nuestro presente de 2019 toda una época que\, como muchas de la Historia\, permanecen olvidadas o simplemente desconocidas por gran parte de la ciudadanía presente. \nVIERNES 25 DE OCTUBRE: «BOB Y CAROL Y TED Y ALICE» (Bob&Carol&Ted&Alice\,1969) / Dirección Paul Mazursky / Intérpretes Nathalie Wood\, Robert Culp\, Elliot Gould y Dyan Cannon / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos / Sobre la obra: esta realización llegó a Argentina dos años después de su estreno en EE.UU. a causa de demoras del Ente censor que veía en ella una obra subversiva en tanto cuestionaba la institución familiar y sus valores. La película narra la historia de dos matrimonios jovenes y de buena posición social que se enfrentan a la sexualidad de su época donde el final de una década de enormes cambios sociales y de paradigmas en todos los sentidos\, les obliga a reflexionar sobre deseos y posicionamientos propios. Todo Occidente se encontraba entonces en una encrucijada sobre cuestiones que las nuevas generaciones habían traído a un primer plano: las luchas por los derechos civiles de la población negra\, los movimientos feministas\, anti-bélicos\, el hipismo\, las revoluciones cubanas y africanas\, los golpes de estado\, formaban entre otros\, un cóctel explosivo donde el realizador Mazursky encuentra material para su película y los censores para sus tijeras siempre hambrientas. El film se estrena a principios de 1971 con varios cortes que no alteran la comprensión del film pero si su ritmo narrativo. Ahora\, la exhibición de la copia restaurada y completa nos permite disfrutar de una gran comedia donde a través de las relaciones entre esos cuatro seres humanos se nos pinta parte del comportamiento de las clases media de entonces. La obra permanece fresca y actual a medio siglo de su realización y demuestra el incomparable valor y permanencia de la mejor comedia\, un genero que siempre habilitó a los autores para hablar de los temas mas incómodos\, cualquiera fuera el contexto donde fueron generadas. La presencia de una de las actrices mas emblemáticas y rebeldes de Hollywood\, la tan bella como malograda Nathalie Wood\, da un encanto especial a un elenco donde los otros tres integrantes eran figuras noveles o llegadas de la televisión que impusieron nuevos nombres al cine venidero. La música del maestro Burt Bacharach\, músico emblemático de los 60 y 70\, colabora en el placer de este film recuperado. \nVIERNES 1 DE NOVIEMBRE: «REFLEJOS EN UN OJO DORADO» (Reflections in a golden eye\, 1967) / Director John Huston / Intérpretes Elizabeth Taylor\, Marlon Brando\, Brian Keith\, Julie Harris\, Robert \, Zorro David / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 50 minutos / Sobre el film: la autora norteamericana Carson McCullers (1917-1967) tuvo una vida tan breve como intensa que le convirtió en referente de su época. Una mujer se atrevía a firmar libros complejos que ahondaban en las profundidades de la criatura humana. El mismo año de su muerte a una edad temprana\, 50\, es el que se estrena esta obra llena de nombres legendarios: su director y pareja protagónica se encuentran entre los grandes nombres del cine de todos los tiempos: Huston-Taylor-Brando. Esta obra esta considerada como la primera dentro del cine comercial en tratar abiertamente varios temas tabúes que durante décadas fueron censurados: las malas relaciones (adulterios) en la intimidad matrimonial\, el peso de la educación militar en hombres y en consecuencia\, sus familias\, y la homosexualidad. Temas controvertidos a mediado de los sesenta\, y lamentablemente también hoy\, a pesar del tiempo transcurrido. La película nos ubica en una población habitada exclusivamente por militares de diferentes rangos y sus familias. Leonora esta casada con el Mayor Weldon. Sin hijos\, se detestan profundamente\, pero la obligación de guardar las apariencias les mantiene juntos. El matrimonio amigo compuesto por el Coronel Morris y su esposa Allison componen el cuarteto protagonista. Pero otros dos personajes rondan y transgreden todas las hipocresías: el sirviente Anacleto y el soldado Williams\, ambos referentes de todo lo que le mundo militar abomina y esconde. El realizador Huston consideraba esta obra entre sus predilectas y mas queridas\, como un hijo enfermo al que la sociedad (espectadores) había rechazado y por ello mismo\, él mas quería. El estrellato de Liz Taylor y Marlon Brando\, dos nombres top de su tiempo no alcanzó para calmar las iras de los censores locales que mutilaron la película hasta volverla casi incomprensible para el público\, que huyó de las salas tanto por la incomprensión de la misma como el fastidio que provocaba y afectaba la hipocresía reinante. Los críticos de cine (mayoría)\, ciegos como de costumbre ante una obra transgresora\, hicieron su parte y la película pasó pronto al olvido. Esta copia restaurada y completa sin cortes nos permite reflexionar sobre sus temáticas propuestas\, aun transgresoras e incomodas para amplios sectores de la población\, que permite en nuestro presente un retroceso intolerable de los logros alcanzados a lo largo de las décadas transcurridas desde la realización del film. La belleza\, el talento\, la fuerza única ante la cámara de Taylor y Brando\, colabora en el atractivo de estos reflejos que aun siguen perturbando las mentes. \nVIERNES 8 DE NOVIEMBRE: «CRISTO SE DETUVO EN EBOLI / Cristo si é fermato a Eboli\, 1979 / Italia / Director Francesco Rosi / Intérpretes Gian María Volonté\, Paolo Bonacelli\, Alain Cuny\, Francois Simon\, Irene Papas\, Lea Massari / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 2hs 15 minutos / Sobre el film: Francesco Rosi (1922-2015) fue uno de los grandes directores del cine italiano. Debutó en 1958 y filmó su última película en 1997. Dentro de sus 16 largometrajes de ficción destacan «Salvatore Giuliano» (1962)\, «El Caso Mattei» (1972)\, «Lucky Luciano» (1973) y «Cadáveres Exquisitos» (1976)\, que junto al presente\, forma el grupo de su mejor rama política\, denunciando las interioridades y bajezas del poder italiano. También realizó obras maestras como «Tres Hermanos» (1980) o la versión de la ópera clásica «Carmen» (1983). Para esta realización adapta la novela del mismo nombre de Carlo Levi (1902-1975)\, quién estudió medicina pero se volcó a la pintura y la literatura. Figura de fuerte posicionamiento antifascista\, fue ·desterrado» en varias ocasiones por el régimen de Mussolini. En el segundo de ellos\, lo destinan al «mezzogiorno»\, zona del sur\, Lucania entonces y actualmente Basilicata. Eboli\, en las cercanias de Salerno es hasta donde llega el tren. De ahí\, el sentido del título. Luego recorrerá el interior hasta dar con el poblado de Aliano (en el libro lo muta a Gagliano por respeto a sus habitantes). Durante el año que dura su castigo\, descubrirá y luego describirá en un texto\, las retrógradas condiciones en que vive el pueblo bajo el mandato de la élite local (iglesia\, gobierno y aristocracia terrateniente). Levi\, hombre culto\, formado\, militante\, observa y actúa en consecuencia. La película describe con enorme arte cinematográfico y transforma un lenguaje en otro: la literatura se hace cine. El humanismo del autor se potencia en manos del cineasta. La censura argentina odiaba especialmente el cine politizado\, y ésta\, como cientos de obras de diferentes países\, cayeron bajo sus tijeras. Hubo que esperar años para su estreno y con la Democracia se produjo. Hoy la recuperamos para este ciclo como pieza final del brevisimo recorrido por lo que no nos dejaron ver entonces. El actor Gian Maria Volonté (1933-1994)\, uno de los mas comprometidos de su tiempo\, presta toda su figura para dar vida a Carlo Levi\, testigo y artista de ese tiempo oscuro al que el cine regresa para reivindicarlo. El cine Italiano mantiene vivas las cualidades que lo hicieron destacar\, formando parte del mejor de todos los tiempos\, del clásico\, el que resiste el paso de los años. Y de las tijeras. Esta versión completa nos permitirá reflexionar sobre un tiempo pasado de censuras y uno presente donde ciertas cuestiones que se consideraban obsoletas demuestran no estarlo: las fuerzas conservadoras actuales que guían gran parte de la civilización parece seguir despreciando este tipo de cine y cuenta  cuenta con nuevas armas para silenciarlo dentro de los valores democráticos. Esta será cuestión de otras reflexiones. La Cinematografía que no se ajusta puramente a los parámetros mas comerciales\, sigue emitiendo brillos como un diamante. Su resistencia y valor\, permanecen como un faro que ilumina y señala lo mejor de la creatividad humana.
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LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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