Alfredo Vivarelli

CINE: "MUERTE EN VENECIA"
2023-03-09 20:00 UTC | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores, la mención de una obra realizada medio siglo atrás, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco, aburrido, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada».
Para los curiosos, y porque no afirmar valientes, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine, deslumbrante, maravilloso y real. Que sigue esperando, como la bella durmiente del cuento, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976), Gustav Mahler (1860-1911), Thomas Mann (1875-1955), cineasta y director de teatro y ópera, compositor musical y escritor, respectivamente, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos.
La historia sitúa al protagonista, prestigioso músico en horas bajas a causa, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda, en la isla de Lido, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio, el joven bello del grupo, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…», piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar, la sexualidad insatisfecha, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra, pero también su lado oscuro, abyecto, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres, lo bello y lo feo, la bondad y la maldad, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996), uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999), británico de flema, dando vida a un destartalado espíritu alemán, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989), una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine, el cine considerado como obra de expresión artística, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese, que poco a poco, como en una nueva Dictadura de las emociones, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan, una vez más, ser recuperadas.
MUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde, Silvana Mangano, Bjorn Andrésen, Marisa Berenson, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.

Sesión de Cine en Chillar
2014-10-26 19:00 - 21:00 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
Film a definir

Proyección de "La noche del Cazador".
2015-01-22 22:00 | Buenos Aires
Este film data del año 1955 y se trata del único largometraje dirigido por el actor británico Charles Laughton,de larga trayectoria en el cine de su país y en el de Hollywood. Considerada como una Obra Maestra de la cinematografía, la trama recorre la relación entre un convicto que aparenta ser predicador y unos pequeños, hermanos e hijo de un antiguo compañero de celda.La infancia perturbada a causa del mundo de los adultos: su fragilidad y también su entereza.La influencia nefasta de una mal practicada religiosidad en la sociedad primitiva del interior de un gran país. Lo negro y lo blanco del alma humana. Una película de intensa belleza visual con las interpretaciones memorables de tres grandes nombres de la interpretación: Robert Mitchum, Shelley Winters y la mítica Lillian Gish, figura clave del cine Mudo. También la inolvidable actuación de los niños, olvidados hoy, pero ya en el olimpo de las interpretaciones infantiles. Esta obra forma parte del actual ciclo de cine de verano, donde se intenta tejer un hilo entre todos los títulos ofrecidos sobre el poder de la violencia en la realidad del ser humano. Para entretenerse inteligentemente y reflexionar.

Proyección del film "La violencia está en nosotros" (Deliverance,1972)
2015-01-29 22:00 - 2015-01-30 01:00 | Buenos Aires
Estrenada en 1972 , dirigida por el cineasta británico John Boorman e interpretada por Jon Voight,Burt Reynolds,Ronny Cox y Ned Beatty. Un grupo de amigos de la ciudad viaja a un bosque del interior para remontar un río y pasar un buen fin de semana.Pero sus expectativas quedaran truncadas a partir del encuentro con lugareños,que los miran con escasa simpatía. El duelo metrópoli-pueblo queda patente de una manera salvaje, irracional, que saca a la luz lo peor del ser humano. La violencia engendra mas violencia, y así, la ronda sin final que danzamos hasta nuestros días. Un clásico exponente del gran cine norteamericano de los años setenta, cuando explota en creatividad y audacia. Esta película alcanzo gran repercusión en todo el mundo en el momento de su estreno, siendo considerada una de las grandes obras de aquel año, con numerosas nominaciones al Oscar, entre otros premios.

Proeyección del film "Lenny" (idem,1974).
2015-02-05 22:00 | Buenos Aires
En 1974 el director de cine y teatro, el gran coreografo Bob Fosse (1927-1987) estrena el tercero de los cinco títulos que componen su breve obra como realizador.Se trata de «Lenny» interpretada por el actor Dustin Hoffman. Inspirado en la vida de Lenny Bruce (1925-1966), cómico irreverente, provocador, transgresor (tildado incluso de blasfemo) que actuó en escenarios de New York y California durante los años cincuenta y sesenta, hasta su temprana muerte a los 41 años. El film, rodado en sublime blanco y negro, forma parte del gran cine norte- americano de los años setenta, la ultima edad gloriosa de la pantalla yanqui hasta la llegada de Ronald Reagan al poder, y por consiguiente, la instauración de una pátina reaccionaria sobre la cultura que, con la inestimable ayuda de Steven Spielberg y George Lucas en el campo cinematográfico, dio carpetazo a ese brillante periodo creativo que inunda hasta hoy las pantallas: los mejores Scorsese y Coppola, De Palma, Schrader, Rafelson, Ashby, Pakula, Nichols, Carpenter, Peckinpah, Sarafian, Polanski, Forman, entre otros. La obra consiguió premios en Cannes para su actriz, la hermosa, sexy y olvidada Valerie Perrine y premios y nominaciones de aquella temporada. Un cine visceral, necesario, cuya incomodidad debe ser estimulo para la reflexión actual. La obra capital del autor de «Cabaret» (1972) y «All that Jazz» (1979), sus dos mayores éxitos y «Sweet Charity» (1968) y «Star 80″(1983).

Proyección del film "Carrera contra el Destino" (Vanishing Point, 1971)
2015-02-12 22:00 | Buenos Aires
Nihilismo: negación de toda creencia o todo principio moral religioso, político o social. Esta definición explica el significado de una palabra que con frecuencia se usa como adjetivo de ciertas expresiones de la creatividad.En cine, ante películas como «Thelma y Louise» de Ridley Scott, o mucho mas, en el caso de esta «Vanishing Point», producción del gran cineasta Richard C.Sarafian (1930-2013). La definición, discutible en términos de exactitud, es sin embargo apropiada para entender la psicología del protagonista, un hombre que huye de todo y de todos y es perseguido a lo largo de la geografía entre una ciudad y otra de USA sin que, en principio, sepamos por qué. La banda sonora, la escasez interpretativa de Barry Newman el protagonista, los personajes episodicos, el paisaje…todos forman parte de la brillantez de este retrato sobre la soledad del ser humano, del sin-sentido de la vida. Sarafian se inició en TV en los años cincuenta, y dirigió entre otros, episodios de series míticas como Maverick, Bronco, Cheyenne, 77 Sunset Strip y algún episodio de la genial The twilight zone. En cine destaca su periodo 1970 (debut)- 1976 cuando realiza su último titulo valioso «The next man», un insólito acercamiento a la problemática terrorista en el mundo musulmán, interpretada por Sean Connery. Luego, hasta 2o11 cuando concluye su carrera, alternaría tv y cine sin destacar en ninguno de ellos. Otro caso de creatividad sujeta a un periodo. Como Coppola o Bertolucci.

Proyección del film "HAIR" (idem,1979).
2015-02-19 22:00 | Buenos Aires
Hair es primero, el titulo de una experiencia única en teatro. Fue la puesta en escena de una realidad que venía marcando la agenda de la juventud americana de loa años 60′: los movimientos hippies, los no violentos, la contra-cultura escondida, el antibelicismo, la guerra en Vietnam… las batallas contra lo establecido en una sociedad conservadora, católica o protestante. A finales de esa década se convierte en una de los acontecimientos teatrales mas recordados. Y se dispara desde USA a los teatros del mundo, incluidos los de Buenos Aires, donde llega a principios de los setenta y, por supuesto, ocasiona controversias en la sociedad también conservadora (¿alguna vez no lo fue?) de Argentina. La obra y sus interpretes o mejor dicho, sus personajes, explotan en el ambiente al ritmo de melodías tan impactantes como «Acuario» o «Deja que entre el sol». En 1979, el cineasta checo Milos Forman la lleva al cine, en plena etapa de elaboración por parte de la sociedad americana, del trauma post-vietnam, con títulos ya míticos como «Apocalipsis now» (1979) o «El Francotirador» (1977). Interpretada por Treat Williams, John Savage y Beverly d’Angelo, entre otros, la versión cinematográfica potencia y mejora los puntos fuertes del original teatral, consiguiendo un resultado potente, enérgico, una feroz denuncia disfrazada tras los rasgos de musical. La escena final, uno de los momentos mas memorables de la emoción cinematográfica de aquellos años. Sin embargo, la película no alcanzó el éxito esperado. La gente ya no estaba para tanta sutileza…

Proyección del film "TRAIGAN LA CABEZA DE ALFREDO GARCIA" (1974)
2015-02-26 22:00 | Buenos Aires
Cerramos el ciclo de Cine de Verano con la proyección de la obra maestra del genial, potente, único realizador Sam Peckinpah (1925-1984), una de las figuras mas controvertidas, discutidas, admiradas del cine USA. Inconformista, siempre en guerra contra sus productores, fue autor de una obra que abarca entre 1961 y 1983 y que destaca con films míticos como «Los perros de paja» «La balada del desierto» o esta «Traigan la cabeza de Alfredo Garcia» del año 1974, que fue también el último guión que escribió. La película narra las peripecias de un caza-recompensas por hacerse con la captura del tal Garcia, un hombre buscado por un poderoso terrateniente en la frontera Mejico-USA, cuya hija ha sido «deshonrada» por el fugitivo. Acompaña al personaje una bella mejicana y juntos vivirán experiencias limites en su travesía a lo largo de un territorio tan salvaje como la gente que lo puebla. Esta película fue prohibida en tiempos del censor Miguel Tato, brazo ejecutor en cine de las políticas totalitarias de Isabel Peron y Lopez Rega. Por supuesto, representaba todo lo que ellos querían ocultar. Una film increíblemente libre, sugestivo, subversivo, bello. Como su mítico realizador: el maravilloso Sam Peckinpah.

Cine :"LEJOS DEL PARAÍSO" (2002).
2015-08-30 18:00 - 20:30 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
El domingo 30 de agosto iniciaremos la temporada de cine 2015 en la Biblioteca Popular (Asociación Cultural de Chillar), calle Cortázar 1037 (teléfono 2281- 49-7325). Se inaugurará un espacio dedicado a eventos especiales como la proyección de Cine que ampliará la oferta de cultura y entretenimiento de la población.
El título elegido para la fecha es «LEJOS DEL PARAÍSO» (Far for Heaven, USA-2002). Se trata de una realización del director Todd Haynes, uno de los mayores creadores del cine norte-americano del último cuarto de siglo, autor de títulos como Poison (1991), Safe (1995) o Velvet Goldmine, obras transgresoras que lo ubican en la primera linea de los grandes talentos. En 2011 realiza para la TV «Mildred Pierce», remake de un clásico de Hollywood interpretado por la británica Kate Winlest que goza de enorme popularidad, incrementando la calidad de la oferta televisiva tan notable en los últimos diez años. En 2015 estrena en Cannes su última obra, «Carol» interpretada por Cate Blanchet y según la critica especializada, uno de los grandes films del último festival.
En «LEJOS DEL PARAÍSO» el director retoma la linea de los melodramas de los años cincuenta que gozaron de enorme popularidad en la época, pero lo hace desde la mirada actual que le permite mostrar, narrar e investigar lo que en aquellos años quedaba oculto tras la Censura imperante en la cinematografía. A través de la historia de un matrimonio y sus devenires, el cineasta logra una radiografía plena del alma humana: sus dolores, frustraciones, dichas y demás variables. Una mujer que ve tambalear su existencía a partir de la infidelidad de su marido. Todo un mundo de hipocresías y convencionalismos es puesto a prueba entonces: el racismo, el machismo, la homofobia virulenta de una población plagada de secretos y mentiras.
La interpretación de la gran Julianne Moore, una de las mayores actrices actuales, articula el relato, acompañada de formidables interpretes como Dennis Quaid, Dennis Haybert o Patricia Clarkson.
La película fue una de las mas exitosas de la temporada 2002/2003 y ganó o estuvo nominada para los grandes premios de entonces. Una obra entonces totalmente recomendable. Duración 107 minutos.

Cine: "EL INOCENTE" (1976).
2015-09-10 20:00 - 22:30 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
A finales del año 1975, con el rodaje iniciado, el director italiano Luchino Visconti sufre un accidente que deteriora su ya maltrecha salud. Enfermo y en sillas de ruedas prosigue la realización del que sería su último film: «El Inocente». Al morir pocos meses mas tarde, no vería el estreno de este trabajo. Un testamento fílmico impresionante.
Luchino Visconti (1906-1976) fue uno de los impulsores del Neorrealismo, grupo de films rodados en Italia al filo de la Segunda Guerra Mundial. A partir de «La terra trema» y «Obssesione» inicia un camino de éxitos entre los que destacan «Senso», «Rocco y sus Hermanos», «El Gatopardo», «Muerte en Venecia» y sus dos mas grandes obras: «Vague stelle dell’Orsa» (Atavismo Impúdico) y «Ludwig» mutilada en ocasión de su estreno y recuperada felizmente en su metraje original décadas mas tarde. Con «El Inocente» cierra una de las grandes obras del cine universal.
Basada en un relato del escritor Gabrielle D’Annunzio, la historia narra las relaciones entre Tullio y Giuliana, un matrimonio de la alta aristocracia de finales del siglo XIX en el norte italiano. De una belleza extraordinaria, la mujer no goza del amor ni de los favores de su marido, quien en un momento le dice » te quiero como si fueses mi hermana». Este se encuentra bajo los efectos fascinantes de una condesa, Teresa quien le manipula con sus caprichos y exigencias. Pero Giuliana descubrirá que es importante para otro hombre y a partir de ese momento toda la historia se verá modificada. Los celos, el egoísmo, el desamor, las pasiones arrebatadas, el crimen.
Una de las numerosas radiografías que de su propia clase social realizó el autor italiano, siendo esta una constante a lo largo de su carrera luego de los trabajos iniciales en los que se ocupó de lo contrario: las clases mas desfavorecidas.
Laura Antonelli (1941-2015) una de las mas bellas mujeres que dio el cine peninsular en los años setenta (es junto a Ornella Muti el aporte mas espectacular de ese tiempo), interprete de comedias , «Sexo Loco», «Malicia» o » Dios Mio que bajo he caído» y dramas «Gran Bollito» o » Passione d’amore». Dirigida por maestros como Dino Risi, Mauro Bolognini, Luigi Comencini, Luigi Zampa o Ettore Scola, compañera de Sordi, Gassman, Belmondo o Mastroianni, interpreta a la protagonista femenina, acompañada por Giancarlo Gianini (1942) y la americana Jennifer O^Neill. protagonista de la recordada «Verano del 42» (1971).
Una película que ha ganado con el paso de los años y es hoy una de las cumbres del cine europeo de los años setenta.

Cine: "AMELIA" (2009).
2015-09-13 19:00 - 21:30 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
En 2009 la realizadora de origen hindú, Mira Nair (1957) estrena su versión de la pionera de la aviación Amelia Earhart (1987-1937), la primer mujer en atravesar el Océano Atlántico.
La realizadora, formada cinematográficamente en USA, regresa a su tierra natal donde realiza trabajos a partir de 1979, consiguiendo en 1988 el reconocimiento mundial con su obra «Salaam Bombay», un crudo y poético retrato sobre la infancia pobre en las calles de la gran metrópoli india. Este título, con sus premios y éxíto comercial, le abre las puertas a una carrera internacional y la convierte en la primer cineasta asiática en encontrar difusión por el mundo. Su carrera no es muy prolífica pero mantiene continuidad, sin haber alcanzado jamas el reconocimiento ni los logros de sus inicios.
«Amelia» es uno de sus trabajos mas logrados y menos reconocido. Tomando como base la narración biográfica de personajes celebres, se centra en el aspecto profesional de la protagonista tanto como en el personal, sin profundizar jamas en el mismo, pero logrando una escritura agradable, delicada y respetuosa con la vida de la mujer. Aprovecha los tintes feministas de la historia para reflexionar sobre el rol femenino en su época, aspecto que reivindica desde su propio lugar de mujer. Amelia es una figura transgresora para su tiempo y ademas triunfadora en sus cometidos: los aviones y los hombres son manejados desde su particular mirada y va tejiendo entre ellos su propia vida.
La película se apoya en una preciosista fotografía, dando lugar a escenas de enorme belleza desde las alturas, transmitiendo al espectador el descubrimiento que ella misma va realizando del paisaje y la geografía a través de sus viajes.
La interpretación de la gran Hilary Swank da entidad a la historia. Esta actriz representa uno de los valores mas atípicos de la última generación USA de interpretes: con un rostro y un cuerpo que evoca lo masculino, ha dado vida a personajes emblemáticos como los de «Los chicos no lloran» (1999) o » Million Dolar Baby» (2004) que le rindieron dos premios Oscar. A pesar de este triunfo, su carrera es y ha sido itinerante e irregular, destacando muy pocos títulos de calidad en su filmografía.
Richard Gere (1949), gran astro (que no actor) desde su debut en los años 70 y el británico Ewan McGregor (1971), uno de los mayores talentos masculinos desde «Trainspotting»(1996), acompañan a la actriz en este film aportando el glamour necesario a un genero que dio títulos como » Out of Africa» (África mía/Lejos de África, 1985), relatos donde las pasiones amorosas se mezclan con el paisaje y la tragedia.
Una directora, una actriz y un personaje real se unifican para reflexionar sobre la condición femenina.
«Amelia» tiene una duración de 111 minutos.
Trailer en Versión Original Inglés.

Cine: "RACHEL, RACHEL" (1968)
2015-09-24 20:00 - 22:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
En 1968 el actor Paul Newman (1925-2008) debuta como director de cine, siguiendo la linea de otros compañeros de profesión que, con menor o mayor fortuna, compatibilizaron sus dotes interpretativas con otros aspectos de la cinematografía (guionistas, productores, directores). Entre sus predecesores o contemporáneos están Marlon Brando, Laurence Olivier, Orson Welles, Charles Laughton, Hugo del Carril, Mario Soffici, Alberto Sordi, Fernando Fernan Gómez, por citar los que mayor calidad alcanzaron con sus obras. Luego hicieron lo mismo Alain Delon, Ugo Tognazzi, Kevin Costner o Mel Gibson.
Su segunda esposa, la actriz Joanne Woodward (1930) colabora interpretando personajes en cinco de sus seis largometrajes, obteniendo premios y nominaciones por alguno de ellos, como fue el caso de este título inicial.
Rachel tiene 35 años, una edad lo suficientemente alta en el entorno social en que vive (años 60 en una ciudad del interior de USA) como para ser señalada con el dedo acusador de la hipocresía reinante como una «solterona».
Es profesora de un colegio y comparte vivienda con su severa madre, que no pierde ocasión de recordarle el paso del tiempo y su incapacidad para llevar una vida «normal».
Rachel conoce a un recién llegado, o mejor expresado, descubre en él a un antiguo compañero de infancia que marchó del lugar. Este hecho provocará un terremoto en su rutinaria existencia y a partir de allí la necesidad de transitar otros rumbos.
Joanne Woodward es una de las grandes actrices americanas surgidas en los años cincuenta del siglo pasado. Rubia, de una extraña belleza, alcanzó reconocimiento desde el inicio de su carrera en 1955, ganando un Oscar por su interpretación de 1957 «Tres caras tiene Eva» (The three faces of Eve, Nunnally Johnson), uno de sus primeros trabajos. Fue nominada en varias ocasiones mas, entre ellas en 1968 por la labor en este film.
Compañera de trabajo de su marido en mas de una decena de trabajos, formaron una de las parejas profesionales mas sólidas y efectivas de Hollywood. Su último rol interpretativo data del año 2005, «Empire Falls» un film para TV donde también se despidió del cine el enorme Paul Newman.
«Rachel, Rachel» es una de las mas hermosas y olvidadas obras de un tiempo de transición, donde títulos como «Bonnie and Clyde» (1967), «El Graduado» (1967), «Busco Mi Destino» (1969) o «Perdidos en la Noche» (1969) marcaron el inicio de una nueva manera de hacer cine dentro del ya añejo sistema de estudios que gobernó la industria cinematográfica desde sus inicios hasta, precisamente estos años. En otras palabras, el llamado «nuevo cine americano».
«RACHEL, RACHEL» (1968) Warner Bros Seven Arts. Productor y director: Paul Newman. Interpretes Joanne Woodward, James Olson, Estelle Parsons, Geraldine Fitzgerald, Kate Harrington y Nell Potts (la niña que interpreta a Rachel en su niñez e hija de Woodward y Newman).

Cine: "LA JAURÍA HUMANA" (1966)
2015-09-27 19:00 - 21:00 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
«La Jauría Humana» (The Chase,1966) es una película que retrata la vida pueblerina en sus hábitos mas escondidos. Un preso escapa de la cárcel e intenta llegar a su pueblo para solicitar colaboración de amigos que le permita emprender una escapada definitiva. El comisario local cuenta con la antipatía de los poderosos de la zona, que lo consideran demasiado «humano» para desarrollar una tarea como la suya. Su tolerancia hacía los oprimidos y marginales no es bien vista y a partir del rumor sobre la fuga del presidiario, se iniciara una actividad frenética entre los habitantes del lugar.
El film es obra de uno de los grandes cineastas norteamericanos de todos los tiempos, Arthur Penn, director de un film mítico como «Bonnie & Clyde» (1967), la obra que rodó tras este titulo, también emblemático del cine contestatario y progresista de los años 60.
Basado en un guión de la escritora Lillian Hellman, una de las grandes voces izquierdistas del siglo pasado, está interpretada por un elenco de grandes actores y actrices: Marlon Brando, Robert Redford, Robert Duvall, Jane Fonda, Angie Dickinson y Miriam Hopkins, una de las grandes estrellas del primer cine sonoro.
«La Jauría Humana» es una película que mantiene vigente esquemas tópicos de las pequeñas poblaciones, donde los rumores, envidias, diferencias sociales y conductas sexuales siguen siendo tan actuales hoy como entonces porque responden a lo mas intimo e inalterable de nuestra condición: la humana.

Cine "Mamma Mia!" (2008)
2015-10-18 19:30 - 21:30 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
El 6/4/ 1999 se presenta en los escenarios de Londres una obra teatral inspirada en las canciones del grupo pop de origen sueco «ABBA», uno de los grandes fenómenos discográficos de finales del Siglo XX. El proyecto fue orquestado por tres mujeres: Judy Craymer, productora, Catherine Johnson, dramatúrga y Phyllida Lloyd, directora, que debieron luchar por años contra las resistencias de Bjorn Ulvaeus, uno de lo integrantes y voz cantante del grupo, que finalmente cedió a los requerimientos de la productora. Ël, Anni-Frid Lyngstad y Benny Anderson (queda excluida Agnetha Faltskog la mas atractiva y voz destacada de la banda) son parte de la producción del film.
Desde aquella fecha, la obra ha sido vista por 60.000 millones de espectadores en teatros de todo el mundo, incluyendo Argentina donde se representó en 2012 con menor interés que en otros países (en New York y Londres se da sin interrupción desde hace 16 años).
En 2008 llega al cine de la mano de la misma realizadora teatral que debuta entonces en este otro medio. La película obtuvo éxito similar al teatral. Interpretada por Meryl Streep, Amanda Seyfried en los dos personajes protagónicos y con un elenco de figuras notables como Pierce Brosnam, Colin Firth, Julie Walters, Christine Beranski o Stellan Skarsgard, todos talentos de primera linea.
La historia es una versión actualizada (y no reconocida) de una comedia de 1968: «Buona Sera, Mrs.Campbell» donde Gina Lollobrigida interpreta a una madre soltera que se ve en complicaciones a la hora de explicar a su hija quien es su padre, ya que tres hombres eran sus compañeros en el momento del embarazo. Un punto de partida nada original para dar pie a una típica y clásica comedia de los años sesenta, donde el componente sexual era ya moneda frecuente en las tramas que intentaban actualizar el genero.
«Mamma Mia!» camina por un sendero similar, pero la inclusión de temas tan populares de la banda «ABBA ( que se mantuvo activa entre 1972 y 1982) como «Gracias por la música», «Dancing Queen», «Va todo al ganador», «Voulez Vous» o la propia «Mamma Mia» dan un ritmo trepidante y único a la historia.
El film fue rodado en parajes originales de una isla en el Mar Egeo, Grecia y una de sus características es el espíritu de alegría, diversión e intrascendencia que transmiten todos los actores, sobre todos los adultos, al interpretar sus personajes. Que es trasladado al público de manera casi contagiosa, logrando que todos se olviden de la liviandad de lo narrado, de su falta absoluta de originalidad.
«Mamma Mia!» pertenece a la categoría de cine-evasión en su máxima expresión, sin ningún complejo intelectual por parte de sus promotores.
Y funciona así como pieza de relojería, donde cada posible bajada de atención, es «tocada» por las melodías pegadizas y las letras simples de sus canciones.
Recuerdo la reacción del publico en el cine donde la vi: los golpes de los zapatos sobre el suelo de la sala reforzaban el aspecto de divertimento que llegaba desde la pantalla.
Pocas obras hoy producen efecto semejante: «Mamma Mia!» o un viaje sin culpa a la mas absoluta frivolidad. Pero realizada con categoría y talento.

Cine "A Pleno Sol" (1960)
2015-10-22 20:00 - 22:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
En 1960 el actor francés Alain Delon (1935) filma su sexta película, la que lo lanzará definitivamente a la fama internacional. Dirigida por el director Rene Clement, uno de los clásicos del cine francés, quién dirigiría al actor en tres ocasiones posteriores, la trama es una adaptación de la novela de 1955 «The talented Mr.Ripley» de la autora norteamericana Patricia Highsmith, literata considerada una de las mayores voces del policíaco como genero literario, repite personaje (Tom Ripley) en otras novelas de su autoría, que también han sido llevadas a la pantalla.
Tom Ripley es un joven de origen humilde que llega al Mediterráneo desde Los Angeles con la misión de lograr el regreso a casa de su amigo el millonario Philippe, por cuya acción recibirá una recompensa de manos del padre de este.
La relación de los dos hombre está sustentada en un permanente juego de poder del rico hacía el pobre, que soporta por ello continuas humillaciones. En alta mar, viajando los dos solos, las cosas cambiarán para siempre a partir de un juego de cartas. Y Ripley dará rienda suelta a sus instintos mas ocultos. Marge, la novia del amigo, será otro de sus objetivos en una historia donde el cambio de identidad es el tema principal.
«A pleno sol» fue un éxito inmediato en todo el mundo y aun hoy sigue siendo una película modélica del genero policíaco y de suspense. Con una narración eminentemente cinematográfica, el realizador Clement realiza una de sus obras cumbres y consagra a Alain Delon como uno de los grandes rostros del cine europeo, dando inicio a una de las grandes carreras de los años 60, 70 y 80.
El actor cumple 80 años de edad en noviembre próximo, ausente de las pantallas desde 2012, tras una extensa carrera que contiene obras tan significativas como «Rocco y sus hermanos» y «El Gatopardo» de Luchino Visconti, «El Eclipse» de Antonioni, «Primera noche de quietud» de Valerio Zurlini o «El asesinato de Trotsky» y » Mr.Klein» de Joseph Losey, autores clásicos del mejor cine europeo.
También filmo en USA títulos como «Fui un ladrón», «Téxas a través del río», «Talla de valientes» o «Scorpio». En su lista de éxitos los clásicos de capa y espada «El Tulipán Negro» y «Zorro».
Pero su especialidad fueron los policíacos: «El Circulo Rojo», «El Clan de los Siciliano» y varios títulos a las ordenes de Jacques Deray y George Lautner.
Junto a astros como Jean Paul Belmondo o Lino Ventura realizó los clásicos «Borsalino» y «Los Aventureros».
Y compartió pantalla con bellezas de la categoría de Brigitte Bardot, Jeanne Moreau, Catherine Deneuve, Annie Girardot, Claudia Cardinale, Monica Vitti, Virna Lisi, Ornella Muti, Ursula Andress, Ann-Margret, Jane Fonda o sus compañeras sentimentales Romy Schneider, Nathalie Delon, Mireille Darc y Anne Parillaud.
Entre sus directores: Jean Luc Godard, Agnes Varda, Patrice Leconte, Bertrand Blier, Volker Schlondorff, Alain Jessua, Jean Pierre Melville, Jose Giovanni, Pierre Granier-Deferre, Henri Verneuil, Louis Malle, Alain Cavalier, Anthony Asquitt o Julien Duvivier, todos realizadores con luz propia.
«Plein Soleil» /A pleno sol, 1960- Francia/ Italia. Dirección Rene Clement. Interpretes Alain Delon, Marie Laforet, Maurice Ronet. Color. Duración 115′.

Cine "Loca de Amor" (2002)
2015-11-01 19:30 - 21:30 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
En el año 2002 se estrena en Francia y luego en Argentina y otros países, el film «A la folie…pas de tout», conocido aquí como «Loca de Amor». Es una película dirigida por una joven realizadora, Laetitia Colombani (1976) que alterna esta función con la de actriz: fue su debut, y a pesar de haber sido un éxito, solo realizó hasta el momento otro largo y varios cortometrajes.
El personaje central, Angelique, una joven de 24 años, se enamora locamente de su médico y a partir de ese instante luchará para que el hombre abandone a su esposa y se una definitivamente a ella. Pero el doctor tiene sus propios planes y las ensoñaciones de la mujer irán derivando hacía aspectos mas delicados y peligrosos de su personalidad.
Angelique está enamorada y siente que todo debe funcionar con la precisión de un reloj: sus deseos insatisfechos la van convirtiendo en una peligrosa e inquietante enamorada. Pero este es solo su punto de vista: las parejas suelen formarse de a dos…o no.
Interpretada por dos talentos del cine francés, Audrey Tautou y Samuel Le Bihan, ambos debutantes de finales del milenio pasado, la obra es un emocionante viaje hacia el interior de la psique humana y las derivaciones que pueden ocasionar en una mujer joven sus ideas obsesivas. Una historia compleja de la que se darán a lo largo de la trama, dos versiones, para formar ambas un delicado mosaico humano.
La interprete que saltó a la fama con su interpretación en el film «Amelie» y mas tarde triunfó con «El Codigo Da Vinci», da muestras aquí de su enorme talento, el que ha sido su pasaporte para convertirse en uno de los grandes nombres del cine actual.
«A LA FOLIE…PAS DE TOUT» (Francia, 2002). Dirección de Laetitia Colombani. Drama romántico/suspenso. Interpretes Audrey Tautou, Samuel Le Bihan, Isabelle Carré y Sophie Guillemin. Duración: 95′.

Cine "TIERRA" (1998).
2015-11-19 20:00 - 22:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
La realizadora Deepa Metha nació en 1950 en Amritsar, India. Se formó en Filosofía y en 1973 emigra de su tierra y se radica en Canadá. Realiza entre 1996 y 2005 tres films que forman la Trilogía de los Elementos y que le dan reconocimiento universal, convirtiéndose en una de las grandes voces femeninas del cine contemporáneo.
Meses atrás exhibimos en en el Museo López Claro, Azul, la tercera parte de la misma, «Agua» (Water, 2005), la mas difundida y premiada de las tres. Pero esta trilogía cuenta con la ventaja de no tener continuidad entre ellas, lo que facilita su visión en cualquier orden. Siendo un caso diferente al de sagas populares como «Star Wars» de Lucas o «Lord of the Rings» de Jackson, por citar éxitos populares.
En este caso la obra se forma de tres títulos: «Fuego» (Fire, 1996), «Tierra»( Earth, 1998) y «Agua» (Water, 2005). La realizadora utiliza los elementos fundamentales para evocar temas que le interesan sobre su tierra natal y reflexionar sobre ellos: la pasión amorosa, el desmembramiento de un país o la condición de las mujeres viudas. Estas son las tres grandes temáticas abordadas en su cine.
«Tierra» está ambientada en el año 1947, fecha en la que el Imperio Británico decide la partición del territorio ocupado en dos zonas: Pakistán y la India. Como lo haría en esas fechas con la creación del Estado de Israel. Dicho en otras palabras, el cambio de ciclo en su afán imperialista que desataría conflictos aun no resueltos en la actualidad, casi 70 años después.
Las diferentes religiones que pueblan el lugar son afectadas por esta partición de la Tierra que los ha albergado y contenido en sus diferencias durante milenios. Y dará rienda suelta a sus mas primarios instintos de supervivencia, intolerancia y odios reprimidos.El odio y la violencia como herramientas de improbable solución a los conflictos.
La sensibilidad de la directora, su capacidad para convertir en poéticos los hechos mas desgarrados, para hacer tolerable lo mas oscuro del comportamiento humano, hacen de sus obras un cine enormemente potente y accesible para el publico de diferentes culturas y geografías. El hecho de ser ella misma inmigrante, le permite una mirada distante y lúcida de sus orígenes, solo posible en quienes se distancian de lo amado y de lo odiado también.
Protagonizada por la bellisima y talentosa Nandita Das (1969) y por Aamir Khan, la obra cuenta con un enorme reparto de actores y actrices desconocidos para Occidente pero de solidas carreras en el país que mas películas realiza en el mundo: la India.
Deepa Metha se suma a la lista de realizadoras femeninas que aparecen en el cine a partir de los años 80 del Siglo XX y que han dado una nueva mirada a la propia condición femenina, tan necesaria en un mundo como el cinematográfico dominado casi siempre por los hombres. Estas mujeres que han seguido y profundizado la linea de precursoras como Dorothy Azner, Ida Lupino, Agnes Varda o Mai Zetterling o en nuestro cine argentino la pionera y desconocida Vlasta Lah, quien abrió el camino que hoy transitan entre otras Albertina Carri o Lucrecia Martel.

"Los Girasoles de Rusia" (1969)
2015-11-29 19:30 - 21:30 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
«Los girasoles de Rusia» (I Girasoli, Italia-URSS, 1969) es una co-producción entre países distantes en términos geográficos y políticos. Sirva como muestra de la capacidad de la Cinematografía para estrechar relaciones entre opuestos. Porque la historia narrada habla precisamente de diferencias, guerras y pérdidas humanas.
Giovanna y Antonio viven su amor en tiempos duros: la Segunda Guerra Mundial en la Italia destrozada por la contienda, que sin embargo no logra apagar las pasiones de los amantes. Él es movilizado y parte al frente ruso. Para no regresar ni aparecer al final del conflicto. Mas Giovanna «sabe» que él está vivo y tras años de espera parte en su busqueda. La URSS que encuentra le brinda el apoyo para llegar hasta su amado…para descubrir que su Antonio ya no es el hombre que quiso. A partir de este reencuentro, la relación de ambos entrará en una nueva etapa.
La película, una de las grandes producciones de Carlo Ponti (1912-2007), marido y mentor de la protagonista, la gran belleza Sophia Loren (1934), fue la séptima de las doce colaboraciones que la actriz compartió con Marcello Mastroianni (1924-1996) y una de las mas taquilleras a nivel mundial. Formaron una de las parejas cinematográficas mas populares entre 1954 y 1994, tres décadas de éxitos como «Ayer, Hoy y Mañana» (1963), «Matrimonio a la Italiana» (1964) o «Un día muy particular»(1977).
Dirigida por Vittorio de Sica, la obra fue filmada en Italia y Rusia y cuenta con la fotografía de Giuseppe Rottunno, la música de Henry Mancini (1901-1974) y un guión de Cesare Zavattini y Tonino Guerra, todos nombres consagrados en sus campos respectivos. Director y actriz realizaron una amplia obra conjunta formada por ocho títulos, con momentos cumbres como «El Oro de Napoles» (Lóro di Napoli, 1954) o «Dos Mujeres» (La Ciociara, 1961), film por el que la actriz ganó el primer Oscar a interpretación femenina para una actriz en habla no inglesa.
«Los girasoles de Rusia» es una reflexión sobria sobre la vida de los adultos y las consecuencias que los conflictos bélicos imponen a sus víctimas. Una historia de amor narrada con sutileza y con rigor, sin falsos sentimentalismos, en el mejor estilo del cine italiano.
«I GIRASOLI» (1969). Italia-URSS. Producción de Carlo Ponti y los Estudios Mosfilm de Moscú con la colaboración de Les Films Concorede (Paris). Interpretes: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Ljudmila Saveljeva, Anna Carena. Technicolor.107′.

CINE "45 AÑOS" (45 years, 2015).
2016-03-17 20:00 - 22:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
«45 años» narra la historia que transcurre en los días previos a un gran festejo de aniversario de una pareja que lleva cuatro décadas y media de matrimonio. Sin hijos, vecinos de un barrio residencial en los alrededores de una gran ciudad inglesa, la vida cotidiana transcurre en una aparente placidez, compuesta de comprensión y viejos hábitos. Las comidas, las caminatas, las lecturas, los preparativos para la gran fiesta de aniversario, ocupan las horas de Kate y Geoff.
Pero una mañana les visita el cartero…
Un brillante ejercicio sobre la memoria, el pasado y el presente de unos seres humanos que creían que ya no habría nada nuevo entre ellos.
El director Andrew Haigh (1973) debuta en 2009 con un film que muestra las intimidades de la prostitución masculina en Inglaterra, «Greek Pete».
En 2011, con su segunda obra, «Weekend», alcanza éxito critico y público en Europa, también indagando en las cuestiones humanas. Y en 2015 presenta en el Festival de Cine de Berlín su obra » 45 Years», obteniendo enorme suceso y logrando los premios a los mejores interpretes para sus protagonistas.
Que son dos de las figuras mas importantes del cine europeo de los últimos 50 años: el actor Tom Courtenay (1937) famoso interprete de «Doctor Zhivago» (1965, David Lean), donde daba vida a Sasha, el revolucionario marido de Lara, y que también fue figura descollante del cine de esa década, con títulos clásicos como » El mundo frente a mi» (1963), «Algo de Verdad» (1964), «El caudillo de los desalmados» (1965), «Por la Patria (1963) o «La noche de los Generales». Sin embargo, tras esa década exitosa, el británico solo trabaja en forma esporádica hasta la actualidad, gozando siempre de enorme prestigio con sus interpretaciones.
Charlotte Rampling (1946) debuta en Inglaterra en 1965 y es descubierta al cine internacional por sus trabajos en Italia entre los años 1968 y 1973: «La caída de los dioses (1969) de Visconti, «Adiós hermano cruel», (1971) de Patroni-Griffi, «Giordano Bruno» (1973) de Montaldo y «El portero de noche» (1973), film-escándalo de la realizadora Liliana Cavani que la pone en órbita internacional. Trabajaría luego en Francia, USA (con Woody Allen, Sidney Lumet, Alan Parker), Italia y su tierra natal, Reino Unido, donde sin embargo son menores sus aportes.
«45 años» explora los caminos del cine intimista, sobre y para adultos. Una tradición que se ha convertido por el momento en un genero minoritario del cine mundial, pero que sigue siendo terreno abonado para los nuevos creadores, y siempre esperados por un sector del público ajeno a modas y espectáculos infantiloides, que son los que lamentablemente imperan en la actualidad.
El enorme éxito de esta obra (su actriz fue candidata al Oscar este año 2016) abre puertas a la permanente esperanza de un cine reflexivo, que investigue la naturaleza humana, y que sea a la vez atractivo para las nuevas generaciones de espectadores inconformistas.
«45 YEARS/ 45 AÑOS» (2015,Reino Unido). Director Andrew Haigh. Intérpretes Charlotte Rampling, Tom Courtenay. Duración 1.35 minutos. Color. Versión original con subtítulos en castellano.

Cine: "LO QUE NO FUE" (Brief Encounter,1945).
2016-03-31 20:00 - 22:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
Terminada la Segunda Guerra Mundial se estrena en Europa una de las películas que mayor fama internacional alcanzaría en los años siguientes: «Brief Encounter» (Breve Encuentro) conocida en 1947 en Argentina como «Lo que no fue».
Dirigida por David Lean, uno de los mayores cineastas británicos («El Puente sobre el Rio Kwai»,» Oliver Twist», «Lawrence de Arabia» o «Doctor Zhivago», entre otras), la obra está considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos.
Escribió el teórico Manuel Villegas López: «…lo que pudo ser y no fue. Y porque no fue, pudo serlo todo. Este es el secreto encanto del film: la belleza del umbral, de asomarse y no entrar, de comenzar y no seguir, del soñar y no buscar la realidad de lo soñado…».
Transcribo sus palabras porque expresan literariamente el significado de una obra emblemática de la modernidad cinematográfica, cuya estela puede verse en films tan diversos y distantes como «Hiroshima mon amour» de Alain Resnais o «Los puentes de Madison» de Clint Eastwood, cineastas que bebieron de este título fundamental del mejor cine británico.
Laura y Alec son personas casadas que cruzan sus caminos en una estación de trenes: él es medico del Hospital de la ciudad y ella llega de un pueblo cercano para realizar compras, visitar amigas o ir al cine. Serán citas semanales de intensidad cada vez mayor. El enamoramiento mas profundo e inesperado les obliga a replantearse sus vidas. Las presiones afectivas de cada uno, marcaran el devenir de su amorosa historia. Porque de eso trata «Lo que no fue»: del descubrimiento del amor olvidado por dos seres de vidas anodinas.
La película se construye desde una historia mínima pero repleta de detalles que van encadenándose hasta llegar a momentos de enorme tensión dramática y emocional. Los protagonistas aportan su enorme talento interpretativo y potencial cinematográfico al triunfo de esta realización de David Lean (1908-1991). Basada en la obra teatral de Noel Coward (1899-1973),autor y actor, este film forma parte de la primera etapa del realizador, cuando su mirada era mas intimista. A partir del éxito mundial de «El puente sobre el Rio Kwai», su carrera daría enorme vuelco hacia obras mas espectaculares, hasta arribar a la final de su obra: la imprescindible «Pasaje a la India» (1984).
El cineasta debutó en 1942, y en esta su cuarta realización, dirige por tercera y última vez a la actriz Celia Johnson (1908-1982). Ambos fueron nominados al Oscar 1946 por este título.
El protagonista masculino es Trevor Howard (1913-1988), quién debutó en el cine pocos años antes de este rodaje. Howard tuvo una extensa carrera hasta el final de su vida, y volvió a trabajar a las ordenes de Lean en «La Hija de Ryan», el poderoso melodrama que realizó tras el suceso de Zhivago. El actor también trabajo con directores como Carol Reed, Luchino Visconti o Alain Tanner.
«Lo que no fue» sigue siendo un film absolutamente vivo y ferozmente moderno: condiciones únicas de los clásicos.
«Brief Encounter» (Lo que no fue, 1945)/ Reino Unido/ Blanco y negro/ 1h 26 min./ Director David Lean/ Interpretes: Celia Johnson, Trevor Howard, Stanley Holloway, Joyce Carey.

Cine: "Gran Torino" (idem, 2008)
2016-04-03 19:00 - 21:30 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
Clint Eastwood (1930) ha dirigido hasta la fecha 36 largometrajes paralelamente a su actividad como actor. La misma se inició en los años 50 con pequeñas participaciones en largometrajes y en televisión. Entre 1959 y 1965 protagonizó la serie Rawhide (Cuero Crudo), una de las muchas que ambientadas en el Far West americano, fueron grandes éxitos hasta cerrada la década de los 60.
En 1964 es contratado para protagonizar un film de ese genero en Almería, al sur de España. Producción italiana que cosecharía éxito internacional: «Por un puñado de dólares» (Sergio Leone, 1964). Tras dos obras mas con el mismo director, «Por unos dólares mas» (1965) y «Lo bueno, lo malo y lo feo (1966) y similar suceso, regresa a su país convertido en superstar. Condición que no ha abandonado hasta la actualidad.
«Gran Torino», realizada a los 78 años de edad, es también protagonizada por él. Que aprovecha cada uno de los deterioros físicos de su edad, para convertirlos en enormes aciertos de su imagen cinematográfica..Así crea el personaje de Walt Kowalski, a quién vemos recientemente viudo y viviendo solitariamente en su casa de siempre. Pero los nuevos tiempos y la decadencia de su otrora prodigiosa ciudad, Detroit (Michigan,USA), marcaran desde ahora su presente.
Al vecindario llega una familia de origen asiático pertenecientes a la etnia hmong o miao, procedentes del sureste asiático.Lo cual no ocasiona la menor gracia a un hombre gruñón, racista y viejo. Pero un acontecimiento fortuito, el intento de robo de su adorado Torino, lo pondrá en contacto con esta nueva realidad, y tejerá a partir de aquel momento una intensa relación amistosa con un joven de ese origen: Thao, apenas un adolescente.
La relación afectuosa entre un anciano y un joven de diferentes procedencias y vivencias, ambos habitantes del nuevo entramado social del Siglo XXi: las sociedades multi- étnicas que pueblan occidente.
Un relato que incorpora una trama políciaca, vigorosa. Un testimonio sobre la violencia, la intolerancia y la aceptación del Otro. Del diferente.
Obra cálida, producto del sabio transcurrir del tiempo en uno de los autores mayores del cine actual. La figura que junto a Woody Allen mejor representa los valores de una cinematografía siempre renovada pero que también guarda un espacio para los creadores mayores.
«Gran Torino» (2008). USA /1h 56 min./ Color/ Director: Clint Eastwood/ Interpretes: Clint Eastwood, Bee Vang.

Cine " DESAPARECIDO" (Missing, 1982).
2016-04-10 18:30 - 21:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
Como consecuencia del Golpe de Estado chileno del 11-09-1973, surgen voces críticas en todo al mundo ante las atrocidades cometidas por los militares, a cuya cabeza se instala Augusto Pinochet.
Y comienza a acuñarse un término de trágico uso y contenido en los años siguientes.
No es anteriormente no hubieran ocurrido sucesos similares en todo el mundo. Pero si que se internacionaliza la palabra a partir de entonces, sobre todo por su uso en crónicas periodísticas del sector mas progresista e izquierdista de la prensa y de la literatura socio-política-económica.
En ese contexto, es escrita la obra del norteamericano Thomas Hauser: el ensayo «La ejecución de Charles Horman». Que narra los esfuerzos de un ciudadano de aquel país por encontrar a su hijo en paradero desconocido tras el 11 de septiembre de 1973 en las inmediaciones de Santiago y Valparaiso: Charly Horman era reportero fotográfico y los sucesos lo encuentran trabajando en Chile. A partir de su «desaparición», llega al país el padre, y junto a la compañera sentimental del hijo, inician una desesperada ronda de contactos con autoridades consulares en Santiago para dar con él.
Como reza la publicidad del poster cinematográfico: » Charlie Horman pensó que ser norteamericano garantizaba su seguridad. Su familia creyó que ser norteamericano garantizaba la verdad. Todos se equivocaron»… escuetas frases que resumen el sentido de la obra.
El film fue estrenado en el Festival de Cannes de 1982 y causó sensación: ganó la Palma de Oro a la mejor película y el premio al mejor actor para su protagonista, el enorme Jack Lemmon (1925-2001). En los Oscar del año siguiente se alzó con el de mejor guión.
Pero por sobre todas las cuestiones, impuso a la opinión pública mundial el termino «missing» (desaparecido) a través del enorme suceso que la obra alcanzó. Así como reacciones contrarias que su propia realización provocó en amplios sectores norteamericanos, heridos por las directas acusaciones de complicidad de la CIA y la política exterior norteamericana en los acontecimientos que llevaron al derrocamiento del gobierno democrático de Salvador Allende, muerto a manos de los golpistas.
También originó su prohibición en la mayoría de los países bajo Dictaduras Militares feroces en Latinoamérica, donde recién pudo verse al regreso de las prácticas democráticas en cada uno de ellos.
«Desaparecido» tiene entonces una categoría única: la de ser el primer film de éxito masivo ( no el primero en abordar el tema, ya que el realizador exiliado chileno Helvio Soto (1930-2001) había realizado en 1975 en Francia y sobre el mismo tema «Il pleut sur Santiago/ Llueve sobre Santiago») en narrar desde la perspectiva de un extranjero y no de un nativo afectado, una de las grandes tragedias del Siglo XX.
Internacionaliza entonces el drama de los Derechos Humanos violados y la capacidad represora y genocída de los militares anti-democráticos.
Con una labor interpretativa extraordinaria por parte de Lemmon y la gran Sissy Spacek (1949) ( que saltó a la fama interpretando a la «Carrie» de Stephen King en 1976) mas el resto del elenco, Costa-Gavras rodó este film durante el año 1981 en localizaciones de Acapulco, Méjico.
La imposibilidad de hacerlo en escenarios naturales chilenos, presenta la siguiente ironía: en el año 1972 pudo realizar allí bajo el gobierno de Allende, otra de sus famosas obras: ·»Estado de Sitio» (Etat de siegue, 1973) que narra sucesos recientes en la cercana Uruguay, desde 1973 a manos de dictadura militar.
El realizador nacido en las cercanías de Atenas, Grecia en 1933, se formó en Paris, donde luego de graduarse en Literatura comienza a frecuentar el cine como ayudante de dirección de prestigiosos cineastas. Gracias al contacto que hace desde este rol con los actores Yves Montand y Simone Signoret, es que puede conseguir financiación para realizar su primer largo en 1965, «Compartiment toeurs» / Crimen en el coche cama», protagonizada por ambos, mas Jean Louis Trintrignant, futuro co- gestor del film que lanzó a la fama internacional años después: «Z» (zeta).
El suceso de este film da inicio a una de las mas apasionantes y consecuentes carreras cinematográficas de la Historia del Cine, donde el cuestionamiento y denuncia de cualquier tipo de Totalitarismo será la espina dorsal de su cine.
La dictadura de los coroneles griegos («Z»,1969), el estalinísmo («La Confesión»,1970), el colaboracionísmo francés durante la Segunda Guerra Mundial («Sección Special»,1975), el fascismo latente en el Sur de USA («El sendero de la traición», 1988), las complicidades entre el Vaticano y Hitler («Amen», 2002), las guerrillas y dictaduras latinoamericanas («Estado de Sitio»,1973 y «Desaparecido»,1982), el ocultamiento de crímenes de guerra («La caja de música», 1989), los desmanes de los medios de comunicación («Mad City», 1997), el intervencionismo israelí en Medio Oriente y el aplastamiento de las causas árabes («Hanna K», 1983), mas tres temáticas de rabiosa actualidad en el mundo: el drama de los inmigrantes hacía Europa («Eden al Oeste», 2009), el de los nuevos desocupados a causa del capitalismo mas salvaje («Arcadia» ,2005) o los siniestros movimientos del mundo financiero en complicidad con los gobiernos europeos («El Capital», 2012), su última película hasta la fecha.
En medio de tanto compromiso político se toma un descanso para narrar una bella historia de amor entre dos adultos («Claro de Mujer»,1979) y una divertida mirada hacia la institución familiar («Consejo de Familia», 1986).
«Donde sobra un hombre» (1967) y «El pequeño Apocalipsis» (1993) completan su lista de largometrajes.
También realizó un documental para la TV francesa sobre la figura de su amigo y colaborador Yves Montand (1970), con quién realizó seis trabajos conjuntos, y segmentos para films colectivos franceses (1991 y dos en 1995).
Debutó con un corto en 1958, «Les Rates».
Ha dirigido a interpretes fundamentales como los tres nombres citados, mas Michel Piccoli, Irene Papas, Renato Salvatori, Jacques Perrin, Jean Claude Brialy, Romy Schneider, Johnny Halliday, Fanny Ardant, Jessica Lange, Dustin Hoffman o John Travolta, entre muchos otros.
Uno de los directores mas respetados del mundo en cuestión de Derechos Humanos.

«MISSING» /Desaparecido, USA-1982/ Director Konstantin Costa Gavras/ Interpretes Jack Lemmon, Sissy Spacek, Janice Rule y John Shea/ música Vangelis / Color /Duración 2hs 2 minutos.

Cine: "ASESINATO EN EL ORIENT-EXPRESS" (1974).
2016-04-21 20:00 - 22:30 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
Agatha Christie es uno de los nombres mas populares de la historia de la literatura británica y sus libros han sido vendidos y leídos en todo el planeta. Nacida en 1890, plena Era Victoriana y muerta en 1976, sus 86 años de existencia fueron sumamente prolíficos y escribió decenas de títulos. Su nombre fue sinónimo de misterio, suspenso y asesinatos, y aunque sus cualidades literarias no eran muy destacables, el entusiasmo contagioso con que construye su obra, le otorgan un lugar de lujo entre las escritoras mas famosas de la Historia.
En 1934 publica una de sus mas populares historias, donde el protagonista vuelve a ser el Inspector Poirot, de origen belga y siempre molesto por las confusiones que provoca su nacionalidad. Poirot es junto a Mrs.Marple, el personaje mas constante en la obra de la narradora.
«Asesinato en el Orient-Express» es llevada al cine en 1974 por productores británicos que rodarían tres títulos mas sobre Christie en los años siguientes, a causa del extraordinario impacto que esta película tuvo entre los espectadores. La obra está dirigida por un realizador norteamericano de enorme prestigio: Sidney Lumet ( 1924-2011) autor de films clásicos como «Doce hombres en pugna», «Sérpico» o » Tarde de Perros». Esta es una de sus escasas salidas de territorio americano para trabajar en cine. El notable resultado de tamaña empresa es en parte fruto de su talento al dirigir a un plantel deslumbrante de intérpretes. Actores y actrices que simbolizan distintas eras del cine: los años 40 (Ingrid Bergman, Lauren Bacall o Richard Widmark), los 60 (Sean Connery, Vanessa Redgrave, Anthony Perkins, Jean Pierre Cassel) y los propios 70 (Jacqueline Bisset, Michael York). Un grupo de formidables nombres de la escena y el cine británico (Wendy Hiller, John Gielgud, Rachel Roberts) completan la función.
El lujoso tren Orient-Express parte de Estambul rumbo a Paris. Su pasaje está repleto de extravagantes personajes: el Inspector Hercules Poirot, millonarios de toda clase y nacionalidad, policías, inspectores… y también gente común. A poco de iniciar su marcha, una tormenta de nieve paraliza el viaje. En medio del frío y la noche, alguien muere entre los pasajeros. Y la lista de sospechosos se concentra en un solo vagón del tren.
A partir de ese momento, las pesquisas comienzan y la trama se va embrollando cada vez mas. Lo típico en la narrativa de Agatha Christie: un festín para la intriga, la deducción, donde el espectador pasa a integrar la lista de los investigadores:… ¿quién mató al malvado Ratchett?.
Una película deslumbrante en fotografía, diseño, vestuario, música, modélica del cine de suspenso y asesinatos, que cuarenta años después de haberse estrenado, ha ganado en prestigio. Un clásico absoluto de los fabulosos años setenta, época de esplendor para todo tipo de cine y barrera del cine actual.
Un regreso a la era clásica.
«Asesinato en el Expreso de Oriente» (Murder on the Orient-Express, 1974) Reino Unido / Color / 2hs. 8 minutos / Dirección: Sidney Lumet, sobre original de Agatha Christie/ Interpretes Albert Finney, Lauren Bacall, Martin Balsam, Ingrid Bergman, Jacqueline Bisset, Jean Pierre Cassel, Sean Connery, John Gielgud, Wendy Hiller, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave, Richard Widmark, Michael York.

Cine "ESCÁNDALO" (Notes on a scandal, 2006).
2016-05-05 20:00 - 22:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
En el año 2006 se estrena una obra muy esperada para los seguidores del cine británico:»ESCÁNDALO» (Notes on a scandal). Su director, Richard Eyre (1943) había triunfado en 2001 con su acercamiento a la figura de la escritora Iris Murdoch y su enfermedad terminal en el film «IRIS», donde la protagonista tenía los rostros de dos enormes actrices: Judi Dench (1934) que la incorporaba en la actualidad, y Kate Winslet (1975) que lo hacía en su juventud.
En Argentina la obra se conoció con el título de «Escándalo». El director vuelve en la ocasión al estricto mundo femenino, y lo hace otra vez de la mano de dos enormes interpretes: la misma Judi Dench de su film anterior y la promesa de la nueva generación Cate Blanchett (1969). En todo caso, dos actrices sublimes capaces de llevar adelante los proyectos mas variopintos dentro de la producción actual.
En un colegio de clase media londinense cumple su etapa final como maestra Barbara Cosett, una rígida, reprimida y un punto desquiciada mujer de 70 años. Para ella no existe realidad fuera de la mas férrea disciplina y el orden con que ha imprimido su trabajo a lo largo de toda su vida (que es la de toda una nación de principios muy rígidos). Al centro, arriba una nueva docente inclinada al arte, la deslumbrante Sheba Hart. En las antípodas de la primera, la irrupción de esta joven treintañera revolucionará la vida de la adulta profesora.
Cuando ocurre un incidente que pone en peligro todos sus planes (y fantasías) y que involucra a Sheba, Barbará verá totalmente afectada su sensibilidad y comenzará a partir de ese momento, una destructiva carrera para apoderarse de la intimidad y persona de la otra. Que verá como se tambalea su hasta entonces controlado mundo familiar: casada con un hombre mayor (fue su profesor en la universidad) y con dos hijos adolescentes.
Los rígidos sistemas de parte de la sociedad británica son puestos al descubierto a través de la confrontación de dos personajes antagónicos: el de una mujer libre, capaz de transgredir los mas temidos limites de la hipocresía social y otra prisionera de ellos. La envidia, el deseo, la maldad acumulada que estalla de pronto, la terrible presencia de la prensa amarilla que potencia y perpetua las bajezas mayores de toda sociedad, son los temas apasionantes que propone esta obra, la mejor probablemente de su realizador. Un film vigoroso y apasionante, pleno de intriga que ocasiona una profunda complicidad en el espectador y lo obliga a tomar partido por alguna de las acciones que dibujan la trama.
Una obra comprometida, lograda, una película hermosa y dolorosa por partes iguales que nos recuerda nuestra irremediable y fascinante condición humana.
«NOTES ON A SCANDAL» /»ESCÁNDALO»/ 2006 / Director Richard Eyre / Interpretes Judi Dench, Cate Blanchett, Andrew Simpson, Bill Nighy/ 1h 32 minutos.

(Reino Unido, 2006). Director: Richard Eyre. Interpretes: Judi Dench, Cate Blanchett y Andrew Simpson. Duración 1.32 minutos. Color. Versión Original con subtítulos en castellano.

Cine: "VECINOS Y AMANTES" (Strangers when we meet, 1960)
2016-05-08 18:30 - 21:00 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
Los amantes. Los matrimonios. Los casados que se enamoran de casadas. Las casadas de casados, etc, etc, etc. La hipocresía de la sociedad…y la permanencia de los tópicos y los prejuicios a pesar de estar en el año 2016. Los cambios sociales no afectan a todos por igual: lo que puede (y debe) ser tolerado entre adultos, lo es solamente en espacios y sectores muy especiales. Las grandes ciudades cargan con el mito de que todo es posible en ellas…y menos en las del interior de los lugares de todo el planeta. Lo que diferencia a unas de otras es el anonimato, entre otras cosas.
«Vecinos y amantes» cuenta ya con 55 años desde su estreno. Y la temática sigue siendo curiosamente actual. A pesar de las décadas transcurridas, los enormes cambios en los hábitos y las costumbres que durante este largo período se han sucedido, algunas cosas no solamente no han variado, sino que parece que muchas han comenzado un tránsito a la inversa. El enamoramiento de terceros durante sus matrimonios, forma parte de las posibilidades humanas y este film enorme, habló y sigue hablando de ello. No todos se atreven a separarse y enfrentar su nueva realidad. Las vidas «paralelas» siguen teniendo curiosa vigencia a pesar de estar legitimado el divorcio.
Dirigida por un cineasta hoy olvidado y que dedicó la mayor parte de su carrera a la comedia, esta película no fue un gran suceso en el momento de su estreno a pesar de estar interpretada por dos de las mas grandes estrella/ interpretes de esos años. El tema tabú recién comenzaba a resquebrajarse, y corrió entonces la suerte de muchas pioneras: no ser atendidas. Pero los años y el tiempo suelen poner las cosas en su lugar y hoy goza de mucha vigencia y nos ayuda a comprender el peso de las transgresiones en las sociedades rígidas.
Kirk Douglas (1916) y Kim Novak (1933) formaron por única vez pareja en esta obra y sus potentes imágenes cinematográficas dan vida a Larry y Margaret. Ël, un arquitecto casado y ella, un ama de casa llena de insatisfacciones en su matrimonio. Se conocen frente al colegio donde van sus hijos y rápidamente quedan atraídos el uno por la otra. Pero la pasión no es todo en un ambiente donde la gente parece poner la mirada donde no le corresponde.
Richard Quine (1920-1989) fue uno de los grandes directores de la comedia americana y tuvo una colaboración estrecha con la la protagonista a quien dirigió en cuatro de sus mas populares films entre 1954 y 1962, entre ellas la recordada «Sortilegio de amor» (Bell, book and candles, 1958) donde la rubia interpretaba a una bruja actual con preferente dedicación a los gatos y a los hombres y que fue inspiración de una de las mas populares series telivisivas de los años 60: «Embrujada».
El director dirigió también a figuras como Jack Lemmon, James Stewart, Judy Holliday, Audrey Hepburn, Nathalie Wood o Henry Fonda. En 1989, deprimido por la falta de trabajo, se suicidó a los 69 años de edad. Los dos protagonistas, cuentan al momento de escribir estas lineas con 99 y 83 años de edad y sus presencias ocupan aun lugar en los medios de comunicación.
«VECINOS Y AMANTES» (Strangers when we meet) /1960 /Color / interpretes Kim Novak, Kirk Douglas, Barbara Rush, Ernie Kocaks, Walter Matthau / 117 minutos.

Cine: "ALMAS EN SUBASTA" ( Room at the top, 1959).
2016-05-19 20:00 - 22:15 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
«Almas en subasta» es una de las grandes películas de la historia del cine británico. Estrenada en 1959 por un director debutante en el largometraje, la obra ganó premios y público internacional en las temporadas siguientes.
Relata la historia de Joe Lampton, hombre joven, de origen pobre y sus intentos por ir ascendiendo socialmente. Su buena presencia física, su inteligente y seductora manera de relacionarse con mujeres y amigos, le facilitan los intentos en la ciudad donde recientemente ha llegado. Con la mirada puesta en una joven heredera de la región, su camino hacía ese «lugar en la cumbre» del que habla su título original, solo se verá afectado por el cruce con otra mujer. Una extranjera mayor que él, actriz y mujer de gran belleza y mejor condición humana. Pero «no se puede tener todo en la vida» y el personaje tendrá que resolver sus prioridades.
«Almas en subasta» reflexiona sobre un tema siempre candente y hoy, a 57 años de su estreno, conserva toda su carga expositiva, porque el comportamiento humano sigue siendo el mismo y la profundización del sistema capitalista en nuestra realidad no ha hecho mas que potenciar las mismas cuestiones que definen al personaje.
Dirigida por el gran cineasta Jack Clayton (1921-1995) que soló dirigió 7 largos entre 1958 y 1987, algunos de ellos obras maestras del cine (esta y «The Innocents»,1961) e interpretada por la gran actriz francesa Simone Signoret (1921-1984), el olvidado Laurence Harvey (1928-1973), figura de gran popularidad en los años 60, y Heather Sears, de fugaz carrera en el cine, la obra iniciatica del realizador conserva intacta sus virtudes.

Esta película estuvo nominada a los premios Oscar 1959 al Mejor Director, Mejor Film, Mejor Actor y ganó el de Mejor Actriz para Simone Signoret, siendo la segunda actriz de origen francés en tenerlo tras Claudette Colbert.
«Almas en Subasta» (Room at the top, 1959) /Reino Unido/ director Jack Clayton /Interpretes Laurence Harvey, Simone Signoret, Heather Sears, Donald Wolfit/ Blanco y Negro / 1h 55 minutos/

Cine "PERDIDOS EN LA NOCHE" (Midnight cowboy, 1969)
2016-05-21 18:30 - 21:00 | Buenos Aires
Con la proyección de esta película daremos inicio a un nuevo Ciclo de Cine en la ciudad de Azul, llamado «Recuperando Clásicos», que se proyectará en las instalaciones del Colegio Inmaculada Concepción en horarios y fechas que serán debidamente anunciadas (a partir de mayo de 2016).
El objetivo de estos encuentros cinematográficos con la población, es traer al presente películas convertidas en hitos de la pantalla anteriores a la llegada de las nuevas tecnologías.
Porque a partir de 1977 la forma de hacer, ver y exhibir cine cambió para siempre. La irrupción de deslumbrantes efectos especiales en films como «La Guerra de las Galaxias» (1977), «Encuentros Cercanos del Tercer Tipo» (1978), «Alien, el octavo pasajero» (1979) o «Blade Runner» (1982), mas la masificación de la televisión por cableado de los años ochenta, originaron el cierre progresivo de salas de cine en el planeta entero y la formación de nuevos hábitos en el consumo de entretenimientos. Y en el propio concepto del cine, como manifestación también artística.
Las dos últimas décadas no han hecho mas que profundizar estos cambios de hábitos. La proliferación de nuevas dimensiones y calidades visuales/ auditivas de las últimas generaciones de televisores, mas los nuevos formatos (computadoras, tablets, teléfonos celulares, etc) han traído como consecuencia una nueva manera de ver y de hacer cine.
Que es el que llena el 90% de los espacios reseñados. Y que, contradictoriamente, provocan vacíos que es preciso rellenar.
El regreso a la exhibición de cine en espacios pequeños y alternativos está ganando adeptos en las grandes ciudades del mundo. Por el momento, de manera muy minoritaria, pero parece resultar una tendencia en alza.
Estas proyecciones, combinadas con la modernización de las actuales salas cinematográficas que incorporan todos los adelantos digitales, dan como resultado un enriquecimiento en la oferta cinematográfica para todos los amantes de este arte ya centenario. Y enormemente atractivo para los públicos de todas las épocas que concurrieron tras su aparición en el año 1895.
Porque los espectadores que han sobrepasado los 50 años de edad, son los que básicamente echan en falta ese «otro cine». Que no es mas que el que vieron en sus primeras décadas de vida y que añoran volver a tener presente. Solo algunas ofertas televisivas se ocupan de esto y lo hacen, como no puede ser de otra manera, insatisfactoriamente.
El presente Ciclo de Cine está formado por películas realizadas entre los años 1950 y 1995, mas dos títulos de fechas anteriores que serán mostrados como ejemplos de cine clásico y moderno a la vez. Todas estas obras seleccionadas guardan en común el haber sido títulos muy apreciados en momento de su estreno y haber gozado de largas temporadas de exhibición hasta convertirse en hitos de su historia.
Como citamos al inicio, el título escogido para inaugurar este ciclo es «PERDIDOS EN LA NOCHE». Estrenada en el año 1969 (al siguiente en nuestro país) y dirigida por el realizador de origen inglés John Schlessinger (1926-2003), autor de obras emblemáticas del cine como «Darling»(1965), «Lejos del Mundanal Ruido» (1967), «Dos Amores en Conflicto» (1971), «Como Plaga de Langosta» (1975) o «Maratón de la muerte» (1976), la película causó sensación al estrenarse y ganó varios premios Oscar de esa temporada, convirtiéndose en una de las abanderadas de un nuevo tipo de cine libre de censuras y que llevaba a un primer plano temáticas hasta entonces poco vistas en el cine norteamericano.
Es la historia del encuentro entre dos hombres, Ratso y Joe. El primero sobrevive malamente en las entrañas de New York y el segundo es un provinciano que llega a la ciudad dispuesto a conquistarla. Son dos hombre jóvenes pero con una amarga trayectoria cada uno y la suerte los reunirá en las calles de la metrópoli. Se establece entre ambos una relación de necesidad que luego dará paso a una afectividad real, necesaria para enfrentar las situaciones que la cotidianidad les impone. En el camino, una serie de personajes se incorporan a sus vidas: mujeres y hombres, como ellos, perdidos en la jungla humana de finales de los sesenta, una época convulsa que daría lugar a una nueva manera de vivir la vida en todo occidente.
Esta película conserva intacta sus cualidades de entonces y a pesar del tiempo transcurrido nos demuestra que la condición humana se mantiene fiel a si misma: en los mejores y también en los peores aspectos que la conforman.
La banda sonora contiene un tema ya mítico » Everybody’s talking» (Todos hablan) de Harry Nilsson y por sobre todas las consideraciones, de las primeras actuaciones en las carreras de dos interpretes fundamentales del cine americano: Dustin Hoffman (1937) y Jon Voight (1938), dos de los mas prodigiosos interpretes del cine. El primero venia de triunfar en «El Graduado» (1967) y el segundo se consagró con este film. La carrera de ambos se dispara a partir de este título, y 47 años después siguen en activo. Un elenco donde sobresalen tres actrices hoy olvidadas e igualmente talentosas, como Brenda Vaccaro, Sylvia Miles y Jennifer Salt, les acompañan.
Radiografía de una época y uno de los títulos clásicos con que se cerraron los años 60, década de vanguardias artísticas y movimientos sociales que conserva ecos en nuestros días.
MIDNIGHT COWBOY/ PERDIDOS EN LA NOCHE/ 1969 /USA /Color / 1h 53 minutos / UNITED ARTISTS.

Cine: "EL OTRO LADO DE LA CAMA" (2002)
2016-06-05 18:30 - 20:30 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
«El otro lado de la cama» es una comedia de enredos entre parejas amigas y amigos de las parejas, que intercala momentos musicales donde los protagonistas entonan canciones pop del repertorio español de los años noventa. Y las letras de estos temas se adaptan a las tramas que unen a los personajes. Es un homenaje al cine musical americano de los años cincuenta pero con una adaptación absolutamente fiel a los tiempos actuales. Las historias y desventuras de Sonia, Paula, Javier y Pedro se entroncan a partir de los secretos y mentiras que cada uno practica.
La película se convirtió en todo un fenómeno popular en España y fue adaptada años después como pieza teatral de igual éxito, con representaciones en otros países, entre ellos Argentina. También tuvo una secuela en 2005, pero el suceso no acompañó estas segundas aventuras de los amigos protagonistas.
Javier y Pedro están en la treintena y ambos tienen como novias a dos mujeres muy bellas: Sonia y Paula, que también dicen ser amigas. Pero la realidad es muy diferente ya que tras esa aparente calma se esconden secretos y traiciones entre ellos. Las mentiras se van enredando unas con otras y finalmente complican las vidas de todos.
Desde el humor mas desenfrenado y la falta de tapujos para tratar la sexualidad en el mundo de los jóvenes, el film se convierte en un retrato generacional y cultural de la Europa de principios de milenio, con características que pueden reflejar otras realidades mas distantes, como las de ciertos sectores sociales latinoamericanos.
Un grupo de interpretes jóvenes y talentosos dan cuerpo y alma a estas criaturas que viven en la confusión mas absoluta y con muchas dificultades para alcanzar la adultez. Tampoco han variado demasiado las cosas quince años después.
Emilio Martinez- Lázaro (1945) es un director español activo en la dirección de largometrajes y series de televisión desde el año 1971. Dos de sus obras están entre las mas vistas de la historia del cine español: ésta y » 8 apellidos vascos» (2014) y está considerado como uno de los referentes en la comedia cinematográfica española.
«El Otro Lado de la Cama» (2002) España / director Emilio Martinez Lázaro. Interpretes Ernesto Alterio, Paz Vega, Guillermo Toledo, Natalia Verbeke, Alberto San Juan, Maria Estevez / Color / 1h 44 minutos.

Cine " MUERTE EN UN FUNERAL" (2007)
2016-06-09 20:00 - 22:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
Frank Oz (1944) es un inspirado director británico que inició su carrera en 1982 en el cine de animación, para convertirse a continuación en autor de comedias de Hollywood. En 2007 regresa a su tierra y rueda este film de humor negro.
El cine británico cuenta con una larga trayectoria en el genero de la comedia, siendo los años 50 unas de la eras doradas de esta variante de la narrativa cinematográfica. Esta obra es continuadora directa de esta modalidad.
El patriarca de una extravagante familia muere y sus familiares organizan un funeral para honrar su memoria. Pero el lugar de semejante encuentro no resulta ser el mas adecuado para integrantes de personalidades tan variopintas. Y lo que debería ser un acto solemne y de respeto a la memoria del muerto, se convierte en un desfile de desastres y de conflictos entre todos ellos. Asomaran las realidades escondidas de cada uno y secretos inconfesables del hombre desaparecido.
La comedia de humor negro es una de las alternativas mas sugerentes y complejas del genero, que requiere mucha sutileza por parte de sus hacedores. En esta ocasión, salvo algunos prescindibles altibajos, las reglas del juego funcionan a la perfección.
Un reparto de veteranos del espectáculo inglés como Jane Asher, Peter Vaughan o Rupert Graves comparten sus trayectorias con actores nóveles como Matthew Macfadyen o Alan Tudyk, todos excelentes en sus caracterizaciones.
DEATH AT THE FUNERAL / UK-2007/ Director Frank Oz /Interpretes Matthew Macfadyen, Jane Asher, Alan Tudyk, Ewen Bremer, Peter Vaughan, Rupert Graves / Color / 1h 28 minutos.

CINE "OMAGH" (2004).
2016-06-23 20:00 - 22:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
«OMAGH» es el título de un film irlandés de 2004 que toma el nombre de la ciudad homónima, ubicada en Irlanda del Norte. La obra recrea un atentado terrorista ocurrido en esta localidad el 15 de agosto de 1998, perpetrado por una facción disidente del histórico grupo revolucionario fundado en la década de 1920 tras la Independencia de Irlanda: el IRA (Irish Republican Army) o Ejercito Republicano Irlandés es su traducción al castellano.
Cuando el 10 de abril de ese mismo 1998 se firma el Acuerdo del Viernes Santo ( Good Friday Agreement) o Acuerdo de Belfast entre la República de Irlanda, Irlanda del Norte y el Reino Unido, que intenta poner fin a siete décadas sangrientas en los territorios de las Islas Británicas, un pequeño grupo de militantes que no está de acuerdo con estas políticas (en 2005 se estima que no llegan a las 150 personas), decide realizar una acción violenta para demostrar que el deseo de una nación unificada sigue estando vigente.
Y realizan un atentado en el centro de la ciudad que deja 29 muertos y centenares de heridos. La película recrea la historia de la familia de una de esas victimas y sus esfuerzos para pedir justicia a la autoridades en unión con otros afectados. Los momentos previos al suceso, el mismo y sus consecuencias, forman la trama de esta valiosa obra cinematográfica que forma parte de una serie de retratos sobre el conflicto entre Irlanda y Reino Unido, que tienen como precedentes famosos las obras «El Delator» (1935) de John Ford, «Larga es la Noche» (1947) de Carol Reed y «La hija de Ryan» (1970) de David Lean, tres cineastas enormes que retrataron con maestría el conflicto desde una perspectiva humana: las consecuencias de la violencia en los protagonistas de los acontecimientos. A partir del éxito en 1990 de la obra de Ken Loach «Agenda Oculta», una larga serie de films han tratado esta temática hasta la actualidad. Entre los mas populares están: » Juego de Lagrimas» (1992), «En el nombre del padre» (1993), «Michael Collins» (1996) y «El viento que acaricia el prado» (2006).
El Terrorismo es un tema de furiosa actualidad hoy y lo fue durante gran parte del siglo XX en diferentes rincones del planeta. El del IRA, junto al vasco ETA y al italiano Brigadas Rojas, tres de los mas dolorosos que han atravesado la reciente historia europea.
«Omagh». 2004 / Irlanda- Reino Unido / Director Pete Travis / Interpretes: Gerard McSorley, Michele Forges, Brenda Fricker/ Color / Duración 106 minutos.
