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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-muerte-en-venecia/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "DOÑA FLOR Y SUS DOS MARIDOS" (1976)
DESCRIPTION:Jorge Amado (1912-2001) fue reconocido escritor brasilero autor de textos tan populares como «Gabriela\, clavo y canela» (1958)\, «Tienda de los Milagros» (1969)\, «Tieta de Agreste» (1977) (todas llevadas al Cine o a la Televisión) o «Doña Flor y sus dos maridos» (1966) de cuya protagonista escribió: » De todas las criaturas que creé en mis libros\, ninguna mas mansa y mas dulce\, mas suave y mas tierna que Doña Flor\, la que tuvo dos maridos y a cada uno se acomodó y obedeció. siendo como fueron\, tan diferentes el uno del otro». Amado llevaba vendidos mas de 6.000.000 de ejemplares de sus libros cuando la versión cinematográfica de esta obra se estrenó en Buenos Aires en septiembre de 1978\, dos años después de su presentación en Brasil. Fue un éxito mundial y su fama perdura cuatro décadas mas tarde. \nFlor está casada con Vadinho\, quién da mas importancia a su pasión por el juego\, el baile y las mujeres que a su propia esposa. Ella le acepta\, quiere y sufre por su condición de marido y un día recibe con desesperación la noticia de su muerte. Pasado el tiempo se enfrenta a un segundo matrimonio con el farmacéutico Teodoro. Pero la paz del nuevo estado se verá alterada con la aparición del fantasma de Vadinho\, que desde el «otro mundo» llega para reconquistar a su adorada y sensual Flor. La pasión y el fuego volverán a correr por las venas de la ahora abnegada mujer… \nDirigida a los 20 años de edad por Bruno Barreto\, hijo prodigioso de un afamado cineasta brasilero\, la película lleva el nombre de Brasil a las máximas alturas del reconocimiento internacional\, lo que permite que muchos films de esa nacionalidad lleguen\, entre otros países\, al nuestro. En plena Dictadura (1976-1983) muchas obras de esa nacionalidad llenan nuestras pantallas: «Xica da Silva»\, » Ellos no usan smoking»\, «La tienda de los milagros» entre ellas. El director ha continuado filmando hasta la actualidad\, donde dos de sus últimos trabajos han logrado gran aceptación en Brasil: «»Flores Raras» y » Cro: o filme»\, ambas de 2013. También rodó en EE.UU. \nJosé Wilker (1944-2014) y Mauro Mendonca interpretan los roles masculinos\, pero la mas beneficiada de este suceso fue la protagonista Sonia Braga. Nacida en 1950 y activa desde sus 18 años\, en 1975 consigue gran éxito con una comedia: «La Pareja»\, donde actúa junto al mismo Jose Wilker y tras «Doña Flor…»\, el año siguiente\, alcanza fama mundial\, convirtiéndose en una de las mujeres mas deseadas por el mundo masculino. Desde entonces ha rodado mas de 80 films entre su tierra natal\, Europa y EE.UU. Fue dirigida por grandes cineastas como Hector Babenco («El beso de la mujer araña»\, 1985)\, Clint Eastwood («El Principiante»\, 1990)\, Robert Redford («El secreto de Milagro»\, 1988)\, Carlos Diegues ( » Tieta de Agreste»\,1996) o el propio Bruno Barreto («Gabriela»\, 1983)\, estas dos últimas sobre otros textos de Jorge Amado. En 2016 su nombre vuelve a brillar en el Festival de Cannes por su actuación en «Aquarius»\, uno de sus esporádicos regresos a Brasil\, donde logra sus mejores resultados. Actriz de belleza y talento deslumbrante\, en la actualidad ha rodado junto a grandes actrices como Julia Roberts o Susan Sarandon\, en «Going Places» y «Wonder»\, que se estrenarán proximamente. Es una de las escasas figuras de origen latinoamericano cuyo nombre ha logrado traspasar las fronteras del cine latino para arribar a Hollywood. \n«DOÑA FLOR Y SUS DOS MARIDOS» / Dona Flor e seus dois maridos / 1976 / Brasil / Director: Bruno Barreto / Intérpretes: Sonia Braga \, Jose Wilker y Mauro Mendonca / Color / Hablada en portugués con subtítulos en castellano / Duración 1h 50 minutos.
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LOCATION:CÍRCULO MÉDICO DE AZUL\, San Martín 691\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "GRACE DE MÓNACO" (2014).
DESCRIPTION:En 1962\, la norteamericana Grace Kelly lleva mas de 6 años retirada del Cine y es la Princesa de Mónaco (después del Vaticano\, el Estado mas pequeño del mundo). El lugar\, espacio de conflictos durante siglos (entre su independencia y su absorción por naciones vecinas) es ahora un lugar casi mítico para millonarios de todo el planeta que ven en su territorio el lugar idóneo para hacer negocios y ahorrar millones a causa de su particular disciplina impositiva. Lo cual lleva a Francia\, harta de la fuga de sus empresarios hacia tan soñado paraje\, a amenazar al Principado con una invasión. El conflicto que el gobierno galo mantiene con su colonia Argelia\, de enorme gravedad\, no hace mas que empeorar los ánimos de las complejas relaciones entre un diminuto país y el gigante europeo. La figura de la ahora princesa y antes diva del cine\, ocupará un lugar fundamental en el relato ficcionado que de toda esta realidad\, hace la película. El director cinematográfico Alfred Hitchcock dirigió en el pasado a la bella rubia en tres de sus grandes éxitos de los años cincuenta y ahora quiere recuperarla para la pantalla ofreciéndole un guión especialmente escrito para ella. El conflicto que se establece entre la actriz y princesa afecta la realidad de todo el entorno de la Corte: su marido\, su cuñada\, los diplomáticos franceses\, los millonarios amenazados en sus intereses servirán de complemento a la trama de la película. Una obra que no convenció ni a los herederos de Mónaco ni a los críticos de cine ni a los productores de la misma. Sin embargo\, el film contiene a pesar de sus altibajos\, el suficiente interés para ser rescatado y visto por los espectadores\, que tras su escasa difusión comercial\, encontraran motivos para el debate sobre las reglas del poder y las intrigas y secretos que este siempre conlleva. Con una brillante interpretación de la actriz Nicole Kidman(1967) y el británico Tim Roth(1961)\, dos de las mas talentosas figuras del cine de los últimos 20 años\, el realizador francés Olivier Daham (1967) nos ofrece su particular versión de una trama apasionante ocurrida en el sur de Francia en la década de los sesenta. Para descubrir y debatir. \n«GRACE DE MÓNACO» (Grace of Mónaco\, 2014)/ Francia-Suiza-Bélgica- Italia / Dirección Olivier Dahan / Intérpretes Nicole Kidman\, Tim Roth\, Frank Langella\, Paz Vega\, Parker Posey\, Derek Jacobi / Hablada en francés e inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 42 minutos.
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SUMMARY:CINE: "GENIO ( PASIÓN POR LAS LETRAS) (2016).
DESCRIPTION:En 1929 el editor norteamericano Maxwell Perkins\, que estuvo tras las publicaciones de Ernest Hemingway y Francis Scott Fitzgerald\, recibe una enorme cantidad de páginas escritas por Thomas Wolfe\, quién tras ser rechazado por todo Nueva York es aceptado por este legendario personaje de las letras de su tiempo. El editor descubre en las páginas de «El Ängel que nos Mira» la huella de un maestro de la literatura. El libro es publicado y se convierte en inmediato suceso. Como lo será la segunda obra: «Del Tiempo y del Rio». Dos textos fundamentales en la narrativa del Siglo XX\, pero escasamente leídos y reeditados. Sin embargo el nombre de Tom Wolfe es citado por maestros contemporáneos como los arriba nombrados\, mas William Faulkner o en la actualidad Paul Auster. De este material se nutre el film «Genio / Pasión por las Letras»\, que narra el encuentro y posterior amistad entre dos hombres que aman la escritura pero también están atravesados por diferentes maneras de vivir la vida. La intensidad del escritor al enfrentarse a su tarea deja cualquier otra actividad en segundo plano\, los amores entre ellas. La mirada afectuosa del editor\, que le abre las puertas no solo al éxito sino al interior de su propia familia\, intenta humanizarlo. Una relación que también es el retrato de una época\, los años 30 cuando la Gran Depresión hacía estragos entre esa población que como afirma el personaje en un momento del film\, «jamas leerá ni una sola de mis páginas». El film fue dirigido por Michael Grandage y cuenta con la interpretación de cuatro grandes nombres del cine contemporáneo: los británicos Colin Firth y Jude Law dan vida a Perkins y a Wolfe y las talentosas Laura Linney y Nicole Kidman a sus compañeras de viaje. Hablada en inglés con subtítulos en castellano y con una duración de 1h 40 minutos. Producción entre USA y Reino Unido.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL AMOR PERJUDICA SERIAMENTE LA SALUD".
DESCRIPTION:Diana Balaguer es una de las mujeres mas famosas de España por su colección de maridos famosos. Santi Garcia es uno delos integrantes del séquito que rodea al Rey de España. Desde hace tres décadas son amantes\, aunque como le dice ella en un momento: «…sumando todos los ratos que nos vimos no estuvimos juntos ni una semana…». Porque treinta años atrás\, cuando eran muy jóvenes se conocieron en un hotel que ocupaban The Beatles en su gira por España\, y desde entonces\, una y otra vez se han encontrado. Cada cual con sus vidas y sus parejas\, con mundos absolutamente opuestos\, una rica y el otro no\, las circunstancias los han mantenido ocasionalmente juntos a través de los años. Pero ahora las cosas han cambiado y en este presente que los encuentra\, las cosas parecen empezar a cambiar\, tal vez porque como señala el título\, el amor perjudica seriamente la salud… \nManuel Gomez Pereira (1958) es uno de los directores de Cine y Televisión mas prestigiosos de España. Director de series de tanta audiencia como «Velvet» (2015-2016) o «Gran Reserva» (2011-2013) y logró fama por unas cuantas comedias que marcaron la cinematografía hispana entre 1992 y 2004\, cuando estrenó títulos tan exitosos como «Salsa Rosa» (1992)\, » ¿Por que lo llaman amor cuando quieren decir sexo?»(1993)\, «Todos los hombres son iguales» (1994) o esta que nos ocupa en 1996\, convirtiéndose en uno de los mayores sucesos de su carrera. Comedías que trajeron un nuevo aire al cine hispano de su tiempo\, con guiones bien estructurados muy respetuosos de la comedia clásica norteamericana pero de barniz inequívocamente castizo. En esta ocasión\, el realizador cuenta con dos de las mujeres mas respetadas en su cinematografía: la actriz y cantante Ana Belen (1951)\, intérprete iconica desde los 15 años y presente en títulos fundamentales como «Sonámbulos» (1979)\, «Demonios en el Jardín» (1982) o comedias del post-franquismo\, y Penélope Cruz (1974)\, la primer actriz de raíz verdaderamente internacional que ha deparado el cine español y que a sus 40 años de edad parece entrar en una nueva etapa de madurez donde cineastas tan talentosos como Todd Solondz\, el iraní Asghar Farhadi\, Kenneth Branagh\, y Fernando León de Aranoa\, se suman a la lista donde ya la han dirigido Pedro Almodovar\, Fernando Trueba\, Julio Medem o Woody Allen. En está ocasión\, las dos actrices dan vida a una misma mujer\, Diana\, en diferentes etapas de su vida. La Juventud y la Madurez que encuentran en los rostros de las actrices a sus intérpretes ideales para esta comedia\, que como las buenas\, pasan de la risa a la mueca de amargura durante le devenir de su historia. \n«EL AMOR PERJUDICA SERIAMENTE LA SALUD» (idem\, 1996) / España- Francia / Dirección Manuel Gómez Pereira / Intérpretes Ana Belén\, Juanjo Puigcorbé\, Penélope Cruz\, Gabino Diego / Hablada en castellano / Color / Duración 1h 50 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "MI DULCE BEBÉ" (1985).
DESCRIPTION:El director y la protagonista de «BAGDAD CAFÉ»\, un gran suceso de los años 80\, realizaron antes otra película no menos estimulante: «MI DULCE BEBÉ» (Zuckerbaby\,1985). El clima. el estilo del realizador alemán\, ya tomaba forma en esta primera colaboración entre ambos\, donde se relata en tono de comedia (que gira con facilidad hacia el drama y luego regresa a la risa) la historia de Marianne\, una mujer de 38 años muy cargada de kilos y con una vida solitaria que se desarrolla entre un poco simpático trabajo y su casa\, lugar que utiliza para comer dulces y caramelos mientras se duerme frente a un televisor. En uno de sus diarios viajes conoce a Uber\, el joven conductor del subte en la ciudad de Munich. A partir de ese breve instante de enamoramiento fulminante\, la oronda dama se propone seducir al apuesto rubio. Y lo consigue. Lo que vendrá después será tan dulce como sus comidas hasta que la esposa del chofer regrese a la ciudad e intente poner las cosas en su lugar… \nPercy Adlon (1935\, Munich) debuta en el cine en 1980 y tras una serie de talentosas películas\, su nombre trasciende Alemania al rodar en EE.UU el film «Bagdad Café»\, que le dará reconocimiento global. Marianne Sagebrecht (1945)\, la protagonista de la misma\, es actriz de enorme popularidad en su país\, que también logra reconocimiento con este título ya clásico de la comedia de los años ochenta. \nEl director y la actriz consiguen dotar a sus criaturas de una enorme humanidad\, indagando en aspectos que rara vez son tratados en el cine comercial\, como ciertos oficios y trabajos que la gente realiza pero son despreciados o mal vistos por sus semejantes. O estados físicos como la obesidad sin caer en la burla obvia que desde siempre ha servido para ridiculizar a quienes no obedecen a mandatos estéticos enfermizos y predominantes en la cultura occidental. Al enfrentarse a ellos\, los humaniza y nos hace a nosotros espectadores\, reflexionar sobre el valor de ciertas imágenes. La actualidad no parece haber aprendido algo de toda esta enseñanza y ciertos mitos despectivos siguen aun latiendo con lamentable fuerza. Por esto\, la obra del realizador alemán es digna de ser tenida en cuenta\, recuperada y revalorizada. Su último trabajo hasta la fecha data del año 2010\, cuando se acercó a personajes de la vida real (y pasada): Freud\, Mahler y su mujer\, Alma. La actriz \, sin embargo\, no ha parado de trabajar\, aunque sus trabajos no sean tan visibles fuera de las fronteras alemanas. \n«MI DULCE BEBÉ» ( Zuckerbaby\, 1985) / Alemania / Director Percy Adlon / Intérpretes Marianne Sagebretch y Eisi Gulp / Hablada en alemán con subtítulos es castellano / Color / Duración 1h 20 minutos.
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SUMMARY:CINE: "PLENILUNIO" (2000)
DESCRIPTION:Un inspector de policía llega a una ciudad de Castilla escapando de las amenazas de ETA en las provincias Vascongadas. Con un pasado complicado en lo profesional y en la particular\, donde la violencia ha dejado sus huellas\, el hombre inicia una nueva vida ocupándose de descifrar los crímenes que aterran a la población. El asesino es el otro protagonista\, que conocemos a poco de comenzar la historia. Susana será el tercer integrante de la trama. La intriga reside en como descubrir al asesino para impedir que continúe con sus andanza\, y no sobre quién es. El retrato intimista sobre estas tres personas de realidades tan diferentes\, nos evocan desde el cine policial y de intriga\, el retrato de toda una sociedad con conflictos  similares a los de cualquier geografía que habite el hombre. La Luna llena\, ese plenilunio del que habla el título\, ilumina sobre la ciudad el rostro de todos sus personajes\, sacándolos de sus respectivas oscuridades. \nDirigido por Imanol Uribe (1950)\, cineasta pionero en España en retratar la problemática vasca desde los inicios de la democracia tras la desaparición de Franco\, en 1979 se da a conocer con «El Proceso de Burgos»\, largometraje documental que recupera un hecho muy importante en la lucha entre Estado y Terrorismo. A pesar del género elegido\, siempre minoritario\, encuentra eco en el público y crítica del momento y su obra se convierte en título de referencia del nuevo cine español\, donde la problemática socio-política vasca encontrará un lugar preponderante en los años venideros. En 1981 estrena otro éxito: «La Fuga de Segovia»\, que también recrea un suceso real. En 1983\, con «La Muerte de Mikel»\, su nombre se instala en la memoria colectiva de los espectadores como el del primer cineasta «vasco» en términos de reconocimiento. Y junto al de Montxo Armendariz\, que presenta su «Tasio» en las mismas fechas\, serán las figuras pioneras mas visibles de una cinematografía que no ha hecho mas que avanzar con el paso de las décadas. Sin embargo\, a partir de este último suceso\, Uribe cambia de rumbo y sus miradas se alejan de aquella problemática\, a la que solo regresará ocasionalmente con dos títulos\, que de alguna manera forman una trilogía junto a » Mikel»: en 1994 estrena uno de sus mayores sucesos: «Dïas Contados»\, que narra la preparación de un atentado terrorista en Madrid y en 2000 esta «Plenilunio»\, donde las secuelas de la violencia quedan marcadas en el alma del personaje central\, el Inspector. \nProtagonizada por dos actores de origen argentino\, Miguel Angel Sola (1950)\, en su primer film en España y Juan Diego Botto\, residente allí desde niño y uno de los actores jóvenes mas respetados del cine\, el teatro y la televisión ibérica y la actriz Adriana Ozores (1959)\, encontramos en el reparto en breves apariciones a dos figuras clásicas: Fernando Fernan Gomez y Charo Lopez. Entre los cinco forman un formidable equipo de ínterpretes muy bien conducidos por el director. \n«PLENILUNIO» / idem / España\, 2000 / Director Imanol Uribe / Intérpretes Miguel Angel Solá\, Juan Diego Botto\, Adriana Ozores\, Chete Lara\, Charo López\, Fernando Fernán Gómez  / Hablada en castellano / Color / Duración 111 minutos.
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SUMMARY:CINE: "NUESTROS AÑOS FELICES" (1973)
DESCRIPTION:Esta obra gozó de aprobación mayoritaria en el momento de su estreno y hoy\, cuatro décadas mas tarde\, se mantiene como  referente de su época y es ya un Clásico del cine de Hollywood. Del mejor\, para mayor dato. Realizada en un tiempo especialmente convulso en la Historia de EE.UU\, con el final de la Guerra de Vietnam \, el escándalo Watergate (que llevó a la dimisión de su presidente Nixon) y el amanecer de una situación energética global marcada por el Petroleo (su precio y su ubicación geográfica) definieron todo el estado animoso de una sociedad. La película resultó transgresora porque hablaba de un tema tabú en Hollywood: el Macartismo\, el tiempo de las listas negras (años 50′)\, que integraban simpatizantes con ideas de izquierda\, muchos de los cuales acabaron en la cárcel por el solo motivo de creer en ellas  y defenderlas\, en un clima mas propio de un Totalitarismo que de la República que la nación decía ser.. El que estuviera protagonizado por dos de los mayores astros cinematográficos (ya clásicos también) favoreció su «digestión» por las plateas globales. Los años setenta fueron años de enorme crisis\, similar a la cantidad de creatividad y talento que inundó la cinematografía de la década. Cuando parte de la Historia del país fue revisitada por los creadores desde diferentes campos del Arte y la Cultura. Así\, el propio escándalo Watergate\, donde el Gobierno en activo espió a la oposición con el uso de micrófonos ocultos en sus habitaciones privadas\, fue mostrado en «Todos los hombres del presidente» (1976) o la Guerra de Vietnam en títulos memorables como » El Francotirador» (1977) \, «Regreso sin Gloria» (1978) o «Apocalypse Now» (1979). \nKatie y Hubbell\, los protagonistas\, comparten muchos años de vida y el film los muestra en cuatro etapas de ese tiempo (¿fueron realmente felices como afirma el título argentino\, que no original del film?): cuando se conocen en los estudios a finales de los años treinta\, durante la Segunda Guerra Mundial en sus actividades en Nueva York\, en Hollywood donde él triunfa como guionista y finalmente en la Nueva York de finales de los cincuenta cuando se vive la etapa final del relato. Ella es de origen judío\, pobre\, con ideas cercanas al marxismo\, militante activa en las causas de los desfavorecidos y él es rubio\, apuesto\, de buena familia y representa el ideal blanco y conservador de la Sociedad. Sin embargo se atraen: son compañeros de estudio\, novios\, matrimonio y también fracaso. Las diferencias ideológicas acaban marcando la vida en común y una grieta enorme (hoy seguimos igual) se produce entre ambos. El amor no basta para sostener las estructuras que los humanos construimos para estar cerca. La conflictividad exterior afecta a los personajes (también seguimos igual). \nDirigida por Sidney Pollack (1934- 2008)\, realizador muy irregular\, cuya carrera va desde el debut exitoso en 1965 con el film «Con la Vida en un Hilo» hasta » Äfrica Mía» (1985) \, con dos décadas de triunfos ( «Baile de Ilusiones» (1969)\, «La ley del Talión» (1973)\, «Los tres días del Cóndor» (1975)\, «Tootsie» (1982)) que acabaría en una larga decadencia hasta 2005 cuando firma su último trabajo («La Intérprete» con Nicole Kidman y Sean Penn). En esta ocasión\, el realizador alcanza lo mejor de si mismo y nos deja una película plena de emociones y lucidez. También actor ocasional\, Pollack colaboró con Robert Redford dirigiéndolo en  seis ocasiones a lo largo de su trayecto. El actor\, que también es realizador ( 9 largos hasta hoy) alcanzó el reconocimiento (tras un largo tiempo como figura de televisión y secundario de cine) cuando protagonizó junto a Paul Newman el western «Butch Cassidy» (1969) que lo convirtió en una de las grandes figuras al responder a los misteriosos criterios de estrella que rara vez se alcanza en el Cine. Su nombre integra hoy la escasa lista de nombres verdaderamente inmortales. Con un aspecto físico envidiable\, el actor participó en films generalmente comprometidos con la realidad socio-política de su nación. A la que ama y critica por igual en sus trabajos delante y tras la cámara. Barbra Streisand (1942)\, como ambos\, también es actriz y directora\, pero por sobre todas las consideraciones\, propietaria de una de las grandes voces de la historia de la música popular norteamericana. Iniciada como cantante en el mundo de los locales nocturnos newyorkinos\, alcanza pronto notoriedad en los escenarios teatrales de la ciudad y en 1968 protagoniza su primer film (adaptación de su éxito teatral) «Funny Girl» junto a Omar Sharif\, labor por la que gana el Oscar a la mejor actriz y se convierte en una de las pocas divas de los setenta junto a Jane Fonda y Faye Dunaway. Su carrera cinematográfica es breve en títulos pero continua en el tiempo\, cuando de tanto en tanto regresa a la pantalla. \n«NUESTROS AÑOS FELICES» (The way we were\, 1973) 7 EE.UU / Director Sidney Pollack / Intérpretes Robert Redford\, Barbra Streisand\, Bradford Dillman\, Viveca Lindfors\, Patrick O’Neal\, Lois Chiles / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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SUMMARY:CINE: "LA ODISEA" (2016).
DESCRIPTION:La figura de Jacques-Yves Cousteau (1910-1997) es recreada por esta película centrándose en treinta años de su vida\, los que van de 1949 a 1979\, cuando la presencia del marino\, oceonógrafo\, investigador y cineasta alcanza su máximo reconocimiento. También es la historia de la relación que mantiene con su mujer Simone y con sus dos hijos\, Jean Michel y Philippe\, que fue el preferido del padre. Uno de los hombres mas populares de la segunda mitad del pasado siglo donde su trayectoria llevó a la opinión publica todo un mundo desconocido hasta entonces: el de las profundidades marinas que retrató a través del cine y luego la televisión. La trama comienza cuando consigue financiación para sus investigaciones en aguas del Mar Rojo gracias al apoyo de bancos y compañías que necesitan descubrir pozos petrolíferos en el fondo del mar. Con el dinero de su esposa\, ferviente defensora de sus causas\, se hace con un barco al que recomponen con un numero de entusiastas colaboradores y que luego se convertirá en distintivo mayor de su vida: el » Calypso». Desde allí\, los descubrimientos serán cada vez mas asombrosos y darán pie a dos largometrajes ya clásicos: «El mundo del Silencio» (1956)\, que ganó el premio mayor en Cannes y el Oscar al Mejor Documental y » Mundo sin Sol» (1964). Estos dos films están considerados pioneros en su temática y son materia de referencia para los grandes documentalistas que vinieron después. \nLa película se adentra en las intimidades del clan Cousteau: un hombre cuyo mayor desafío es la aventura\, dejando en lugar secundario la parte afectiva que incluye a su esposa e hijos\, a quienes arrastra en sus proyectos hasta que los menores crecen y se plantean otros retos. Hombre mujeriego y fascinado por su propio personaje mediático\, habitual presencia en sets de televisión mas allá de sus propias producciones. «El mundo submarino de Jacques Cousteau» comenzó a emitirse en 1969\, el mismo año de la llegada del Hombre a la Luna y sus casi 40 episodios llenaron décadas en las pantallas de todo el planeta. La fascinación que provocaron sus descubrimientos fue fielmente retratada con cámaras cinematográficas en muchos casos pioneras y donde la curiosidad del científico fue punto impulsor de su desarrollo. \nEl director francés Jérome Sallé ( 1971) dirigió films exitosos del último decenio como «Anthony Zimmer» y las dos entregas de «Largo Winch»\, tramas repletas de espionaje\, misterio y suspenso donde muestra un gran dominio de los resortes de este tipo de cine\, así como en el retrato de las entramadas relaciones entre sus personajes. Lambert Wilson (1958) es actor francés de larga trayectoria y Audrey  Tautou (1976) una actriz que alcanzó enorme popularidad con el film «Amelie»\, convirtiéndose en una de las figuras europeas mas populares. El trío protagónico lo completa un nuevo rostro galo\, Pierre Niney que da vida al hijo Philippe\, de enorme importancia en esta historia al plantear los conflictos de la relación padre-hijo. Con imágenes espectaculares que nos llevan\, entre otros lugares\, al territorio Antártico\, la película es una hermosa ocasión de recordar la gran importancia que el cine de aventuras ha tenido para nosotros los espectadores de todos los tiempos y edades. \n«L’ODYSSÉE» (La Odisea\, 2017) / Francia / Director Jérome Sallé / Intérpretes: Lambert Wilson\, Pierre Niney\, Audrey Tautou\, Benjamin Laverne / Color / Hablada en francés e inglés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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SUMMARY:CINE: "CAPITÁN FANTÁSTICO" (2016).
DESCRIPTION:Señalar que este título no tiene nada que ver con películas de héroes que inundan las pantallas desde hace años. En todo caso puede tomarse como una ironía sobre esos personajes. «Capitán Fantástico» es una de los mejores títulos estrenados esta temporada y no gozó del éxito que merecía por estar muy alejada del cine acomodaticío y poco reflexivo que prevalece en la actualidad. Es una obra que muestra formas de vidas alternativas y donde el rol de educadores de los padres es fundamental en la construcción de la identidad de los hijos. En todo caso\, una alternativa extrema para hoy\, que sin embargo nos recuerda que en el pasado (los años sesenta fue una época idónea para estos propósitos) una parte de la sociedad creyó en estas posibilidades y las puso en práctica en comunidades distantes de los grandes núcleos urbanos. La película nos habla de una pareja con seis hijos que han abandonado la ciudad y se han instalado en los bosques del norte de EE.UU. Allí han organizado una vida donde la naturaleza y los libros comparten la realidad del grupo. Con enorme admiración por los pensadores progresistas (Noam Chomsky aparece como su «dios») intentan llevar esas doctrinas a la práctica. Pero la Realidad no es tan sencilla de abandonar y a partir de un incidente que desencadena la madre\, toda la tribu (parecen eso mas que otra cosa) tendrá que poner a prueba sus convicciones en un nuevo choque con la Sociedad. Interpretada por el inmenso Viggo Mortensen (1958)\, uno de los actores mas enigmáticos del presente\, «Capitán Fantástico» se presenta como una de las mejores películas del presente y nos recuerda las inmensas posibilidades del cine como instrumento cultural. Una de los films más reconocidos por la crítica internacional de este año\, que lo convierten en candidato a Clásico de estos tiempos de deriva en los que al parecer nos ha instalado la Globalización. «CAPTAIN FANTASTIC» ( Capitán Fantástico\, 2016) / EE.UU / Director Matt Ross / Intérpretes: Viggo Mortensen\, Frank Langella\, George McKay\, Samantha Isler\, Annalise Basso\, Nicolas Hamilton\, Shree Crooks\, Charlie Shotwell\, Trin Miller /.Hablada en inglés con subtítulos en castellano./ Duración: 2 hs.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "TARDE PARA LA IRA"(2016).
DESCRIPTION:«Tarde para la ira» pertenece al genero del policíaco español\, que en la última década ha alcanzado gran repercusión y refinamiento hasta convertirlo en uno de los mas valiosos del panorama actual.. Este film fue el ganador de los máximos premios de la temporada pasada\, entre ellos el «Goya»\, equivalente al Oscar hollywoodense\, al Mejor Film de 2016. Narra la historia de Jose\, un hombre silencioso\, con problemas de insomnio\, que pasa largas horas en el bar de un amigo compartiendo ese tiempo entre juegos de cartas\, charlas banales y su mirada siempre atenta a la figura de Ana\, hermana del dueño. La relación entre ellos aumenta con el pasar de los días y por las noches intercambian mensajes por internet. Pero la mujer\, ademas de su trabajo como camarera\, tiene un hijo pequeño a su cargo y un marido en la cárcel por un delito cometido ocho años atrás. Cuando este hombre recupera la libertad\, la historia da un giro completo y entonces comprendemos cuales han sido las intenciones de José durante todo este espacio transcurrido en la rutina de ese bar de barrio. \nLa película aborda a los personajes desde una perspectiva psicológica y va tramando entre ellos unas sutiles redes que llevan como telón de fondo la realidad social de un país sumergido en una crisis de valores de todo tipo. Una radiografía del Madrid actual que poco tiene de turístico y  mucho de realista. El agobio en que ha caído gran parte de la población mas vulnerable encuentra ocasionalmente en la violencia un camino hacia la fuga de una rutina asfixiante. \nInterpretada por un grupo de talentosos actores españoles de la última generación\, destaca entre ellos el impecable trabajo que realiza  Antonio de la Torre\, uno de los nombre mas notables del cine\, teatro y la televisión hispana en la actualidad. Y tras la cámara\, en la dirección por primera vez\, otro enorme actor de la misma generación: Raul Arévalo\, quien en este trabajo descubre un inesperado talento en la creación de atmósferas y dirección de actores. Uno de los grandes films del cine europeo actual\, que hunde en las raíces del policíaco toda una mirada sobre las consecuencias de la crisis financiera del año 2008\, que ha provocado efectos devastadores en el tejido socioeconómico de toda una parte de la población europea. \n«TARDE PARA LA IRA» (idem\, 2017) / España / Dirección Raul Arevalo / Interpretes: Antonio de la Torre\, Luis Callejo\, Raul Jimenez\, Ruth Diaz. / Color / Hablada en castellano / Duración: 1h 31 minutos
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SUMMARY:CINE: "EL MARINERO DE GIBRALTAR" (1967)
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SUMMARY:CINE: "EL TENIENTE OTOMANO" (2017)
DESCRIPTION:En pleno auge de las telenovelas de países orientales en Occidente\, se estrena esta co-producción entre EE.UU y Turquía que nos lleva al antiguo cine de historias de amor en el marco de conflictos de alto peso histórico. Como en la mayoría de los casos\, estos quedan supeditados a las aventuras y desventuras de sus protagonistas y el género continúa su marcha a pesar del paso del tiempo: los gustos de cierto sector del público permanecen intactos. Se nos narra la historia de una joven idealista de 23 años que deja su confortable mundo en EE.UU para viajar a una perdida misión de médicos en las profundidades del Imperio Otomano\, en el mismo periodo que se produce su momento final: la Primera Guerra Mundial. Un imperio que gobernó durante seis siglos y que tuvo sus orígenes en una de las civilizaciones mas antiguas. Hasta ese remoto paraje llega la bella Lillie con sus intenciones de ayudar a los enfermos y necesitados. La acompaña un militar y una pequeña escolta con la que atraviesan una deslumbrante y peligrosa geografía\, plagada de conflictos y violencias que llevaran a un estado bélico que definirá hasta la actualidad nuevas fronteras. Ismail es el teniente que se enfrentará a otro hombre por las atenciones de la joven mujer: el doctor Jude. El cuarto personaje de la historia es otro médico\, Wordruff\, el único que parece estar consciente de los peligros que acecha a la recién llegada a tan hostil tierra. Con estos ingredientes se arma la narración de una película que encuentra en la belleza y exotismo de los paisajes sus mejores basas: desde las demenciales formas de la Capadocia hasta la imponente vista del Monte Ararat\, donde según la leyenda se esconden los restos del Arca del Noe bíblico\, la trama avanza entre conflictos de todo índole que mantienen la atención del espectador y nos recuerda que este «antiguo» cine sigue tan vivo como las propias narraciones que nos persiguen a lo largo de nuestras vidas. \nSus protagonistas son el holandés Huisman\, uno de los protagonistas de la televisiva «Juego de Tronos»\, la islandesa Hera Hilmar\, el británico protagonista de «Gandhi» (Oscar 1983 al Mejor Actor)\, el enorme Ben Kingsley y el hollywoodense Josh Hartnett\, un rostro que se diluyó tras su espectacular aparición en «Pearl Harbour» y otros éxitos de los primeros años dosmil. Un grupo de intérpretes tan expresivos como los paisajes que pueblan la película. Es todo lo que se ofrece y es todo lo que hay. \n«EL TENIENTE OTOMANO» (The Ottoman Lieutenant\, 2017) / EE.UU- Turquía / Dirección Joseph Ruben / Intérpretes Michiel Huisman\, Hera Hilmar\, Josh Hartnett y Ben Kingsley / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 46 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "CELOS ESTILO ITALIANO" (1970)
DESCRIPTION:El cine Italiano gozó a lo largo de su Historia de varios períodos de esplendor. En las primeras décadas del Siglo XX fue junto al francés al mas importante y sus películas llegaron a los principales centros occidentales. Tras la Segunda Guerra Mundial y hasta finales de los años setenta\, vivió el segundo y mas completo y complejo de ellos. Desde la irrupción del Neorrealismo en 1945\, pasando por la comedia que definió toda una manera de hacerla\, hasta la aparición de un grupo de enormes artistas que sentaron cátedra en todo el mundo (Fellini\, Antonioni\, Visconti\, Pasolini)\, Italia fue sinónimo de calidad en lo popular y en lo artístico\, un fenómeno del que pocas naciones pueden presumir. De este largo período de tres décadas y media forman parte nombres gloriosos como Marcello Mastroianni\, Monica Vitti\, Giancarlo Giannini\, intérpretes y Ettore Scola\, guionista y director. Los cuatro unen sus inmensos talentos en un film de 1970 que en Argentina se conoce como «Celos Estilo Italiano». \nSe narran las relaciones de una pareja integrada por Oreste\, albañil y Adelaide\, sin profesión definida. Desde el primer momento en que se encuentran (él tirado en un basural y ella descubriéndolo desde las alturas de un Parque de Diversiones)\, la pasión mas feroz se desata entre ellos. Pero poco después aparece Nello\, pizzero y seductor y entonces la pareja se convierte en triángulo y todo se dispara en direcciones que los protagonistas no pueden controlar. El tono de comedia tiñe de risas y sonrisas un drama que desgarra a sus componentes. Y esa es la cualidad de este enorme cine: barnizar a través de un genero mas accesible a los espectadores\, otro que esconde una visión mas despiadada de los componentes humanos. Allí radica su enorme grandeza y el motivo por el que durante años el cine italiano y sus protagonistas fueron tan aceptados por nosotros\, sus herederos argentinos. \n«Celos Estilo Italiano» brindó al gran Mastroianni (1924-1996) la oportunidad de ganar el premio al Mejor Actor en el Festival de Cannes. Realizó hasta su muerte (a los 72 años por cáncer) cerca de 150 trabajos bajo la dirección de maestros como Fellini\, Monicelli\, Antonioni\, Comecini\, Visconti\, Zurlini\, De Sica y actrices como Sophia Loren\, Catherine Deneuve\, Romy Schneider\, Faye Dunaway o Gina Lollobrigida. Monica Vitti (1931) fue la protagonista de grandes obras de Antonioni (La Aventura\, La Noche\, El Eclipse\, El Desierto Rojo y El Misterio de Oberwald) y también maestra en la comedia ligera de su tiempo\, donde compartió espacio junto a Gassman\, Sordi\, Tognazzi o Manfredi\, genios del género. Giancarlo Giannini(1942) saltó a la fama en los setenta con sus trabajos para la realizadora Lina wertmuller\, con quien protagonizó clásicos del momento como «Mimi Metalurgico» o «Pascualino Siete Bellezas»\, que le abrieron las puertas al exterior y que continúa con una incansable carrera hasta el presente. Ettore Scola ((1931-2016) realizó «Nos habíamos amado tanto»\, «Brutos\, feos y malos» o «Pasión de amor»\, entre otras grandes obras maestras. Lo mejor del cine «tano» en una de sus grandes obras para recuperar y redescubrir talentos olvidados. \n«CELOS ESTILO ITALIANO» ( Dramma della gelosia\, tutti i particolari in cronaca\, 1970) / ITALIA / Dirección Ettore Scola / Intérpretes Marcello Mastroianni\, Monica Vitti\, Giancarlo Giannini\, Marisa Merlini\, Manuel Zarzo / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 46 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LA EMIGRANTE" (2013).
DESCRIPTION:Ellis Island es una isla que está frente a la ciudad de Nueva York y que fue durante décadas el primer lugar americano que pisaron los migrantes que llegaban desde Europa. A principios de los años 20 del Siglo pasado\, la cantidad de personas que huían de la tierra devastada tras la Primer Guerra Mundial llené el espacio de demandantes que buscaban una vida digna\, ademas de buena en los EE.UU (también en el resto de Latinoamérica). Ewa y Magda son hermanas y arriban desde su Polonia natal y el recibimiento no puede ser mas desolador: la segunda de ella es apartada en la fila de ingreso por estar enferma y la primera\, nuestra protagonista\, por considerar que no ha demostrado tener una buena «moral» durante la travesía. Pero en el lugar también se encuentra Bruno\, un joven judío newyorkino que deslumbrado por la belleza de la mujer\, se ofrece a dar una solución al grave conflicto. Dirigida por James Gray (1969)\, uno de los mayores cineastas actuales en EE.UU con una obra tan breve como talentosa ( seis films estrenados desde 1994 y uno en rodaje) «LA EMIGRANTE»\, su quinta película nos propone una reflexión sobre la condición humana en situaciones y épocas de crisis. Con una deslumbrante recreación de época que recuerda al mejor Ford Coppola de «El Padrino segunda parte»\, cuidada fotografía y puesta en escena\, el film cuenta con una arrolladora interpretación de sus protagonistas: la enorme actriz francesa Marion Cotillard (!975) y el actor fetiche del director\, Joaquin Phoenix (1974)\, presente en otras tres de sus realizaciones. La actriz ganó el Oscar a la mejor actuación femenina por su personificación de Edith Piaf en «La Vie en Rose» (2007) y desde entonces su carrera se desarrolla entre su Francia natal y EE.UU\, donde su talento ha estado a disposición de cineastas como Ridley Scott\, Michael Mann\,Tim Burton\, Jacques Audiard\, los Hermanos Dardenne\,Steven Soderberg\, Woody Allen o Robert Zemeckis\, lo mejor del cine contemporáneo. «LA EMIGRANTE» es una de las mejores películas de los últimos años y su difusión ha sido escasa\, formando parte de las grandes obras cinematográficas que no ocupan el lugar que merecen en las salas de todo el planeta. \n«LA EMIGRANTE» ( The Innmigrant\, 2013) / EE.UU / Director James Grey / Intérpretes Marion Cotillard\, Joaquin Phoenix\, Jeremy Renner\, Angela Sarafyan / Color / Hablada en inglés y polaco con subtítulos en castellano / Duración 2hs
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SUMMARY:CINE: "LA PISCINA" (1969).
DESCRIPTION:Jean Paul y Marianne viven una apasionada historia de amor desde hace dos años. En su casa del sur francés\, a orillas del Mediterráneo pasan sus vacaciones entre calores externos e internos. La soledad de la pareja se ve interrumpida por la llegada de dos inesperados visitantes: Harry y su hija Penélope. Entre los cuatro personajes se irá tejiendo una telaraña de celos\, miradas y vueltas a un pasado que ninguno parece querer recordar. Un acontecimiento extraordinario\, la muerte de uno de ellos\, hará replantear el lugar de cada uno de los tres restantes. «LA PISCINA» fue estrenada en el mundo entero mientras el Hombre llegaba a la Luna y su éxito inmediato en todas partes\, entre ellas nuestro país\, que vivía entonces una enorme devoción por su protagonista masculino\, el francés Alain Delon (1935). Este suceso se arrastraba desde el éxito de «El Gatopardo» (1964) y se extendería durante toda la década de los setenta. Un actor de escasa expresividad actoral pero con una arrolladora presencia física\, que lo convirtió junto a Belmondo y Mastroianni\, en un auténtico Mito del cine europeo. «LA PISCINA» forma parte del genero policíaco\, donde la psicología de los personajes y las relaciones que desde allí se crean son protagonistas tanto como los crímenes que dan motivo para indagar en los comportamientos de los humanos. En esta obra destaca el componente erótico que une no solo a los dos protagonistas\, sino a todos los integrantes principales de la historia: dos hombres y dos mujeres que compiten entre ellos como si se tratara de presas de caza. La belleza clásica de la austríaca Romy Schneider (1938-1982)\, una de las grandes personalidades de la Historia del Cine\, de impagable belleza y enorme talento interpretativo\, forma junto a Delon una de las parejas clásicas de la década de los 60\, cuando un romance tempestuoso saltó a la primera planas de su tiempo tras rodar un film muy taquillero\, «Christine». Luego actuarían juntos en teatro y en 1972 por cuarta vez en Cine en el film «El asesinato de Trotsky». La temprana muerte de la actriz a los 43 años de edad truncó una de las carreras mas solidas de su tiempo. «LA PISCINA» está considerada hoy un auténtico clásico del Cine Francés y su visión nos invita a introducirnos en nuestro propio túnel del tiempo para recuperar un estilo de películas hoy casi olvidado. Su director Jacques Deray (1929-2003) fue uno de los maestros del género y rodó junto al intérprete ocho largometrajes\, todos de indudable valor y considerados entre lo mas destacable de la producción gala. \n«LA PISCINE» (La Piscina\, 1969) Francia- Italia / Dirección Jacques Deray / Intérpretes Alain Delon\, Romy Schneider\, Maurice Ronet\, Jane Birkin\, Paul Crauchet / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 2hs.
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SUMMARY:CINE: "VIVIR POR VIVIR" (1967).
DESCRIPTION:«Vivir por Vivir» fue la película que el realizador francés Claude Lelouch (1937) filmó después del enorme suceso mundial de «Un hombre y una mujer» (gano el Festival de Cannes 1966 y el Oscar al Mejor Film Extranjero entre otros premios) convirtiéndolo en uno de los directores mas famosos del mundo. Fama que se prolongaría hasta entrados los años ochenta con el éxito de «Los Unos y los Otros » (1981)\, tras títulos como «El Hombre que Amo»\, «Simón el Bribón»\, «Una dama y un canalla»\, «La Aventura es la Aventura» o «Toda una Vida»\, películas que en Argentina batieron récords de asistencia e hicieron de él uno de los pocos nombres «reconocibles» de directores de cine. En este trabajo Lelouch aborda la historia de otra pareja\, tema emblemático de su obra y los conflictos que surgen cuando el hastío y el cansancio ocupan lugar en su presente. Robert es un periodista que realiza tantos trabajos para la televisión como mujeres colecciona a partir de los desplazamientos que la profesión le obliga. Catherine es la esposa que deja de ser paciente ante las continúas infidelidades de su marido. La llegada de una joven y bella norteamericana\, Candice\, provocará una ruptura y la mujer intentará abrir nuevos horizontes para su vida. Lo que despierta rápidamente los celos del posesivo hombre que no acepta estas » reglas del juego». La película\, como otras de Lelouch\, retrata paisajes lejanos\, exóticos y muy bien filmados por la siempre inquieta cámara del también gran camarógrafo. El cine lelouchiano forma parte de un tiempo ya pasado pero guarda encanto para los espectadores de entonces y ofrece a los nuevos un panorama de como se gestaban sucesos cincuenta años atrás. Los tres intérpretes del film forman parte de la mitología cinematográfica de los años sesenta: Yves Montand (1921-1991)\,  Annie Girardot (1931-2011) y la entonces novel Candice Bergen (1946)\, una de las grandes bellezas de la época con su estilo que recordaba a rubias aristocráticas como Grace Kelly. La banda sonora del film es otro aliciente para la memoria y testigo de un tiempo donde la música de cine ocupaba destacado lugar en la venta de discos y sobre todo en el gusto de toda una generación de amantes del Cine. Es entonces la oportunidad de regresar a ver estas películas y re-pensarlas desde nuestra actualidad madura. \n«VIVIR POR VIVIR» (Vivre pour Vivre\, 1967) / Francia / Director Claude Lelouch / Intérpretes Yves Montand\, Annie Girardot\, Candice Bergen\, Irene Tunc\, Anouk Ferjac / Hablada en francés e inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 2 hs 05 minutos.
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LOCATION:Buenos Aires
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SUMMARY:CINE: " CALLAS FOREVER" (2002)
DESCRIPTION:Hace cuarenta años moría Maria Callas. Tenía 53 años de edad\, una de las carreras de soprano mas deslumbrantes de la Historia y una enorme melancolía por el paso del tiempo y la pérdida de su don mas preciado: la Voz. El realizador italiano Franco Zeffirelli (1923) autor de sucesos como «La Fierecilla Domada» (1966)\, «Romeo y Julieta» (1968) o «Hamlet» (1990)\, tres incursiones muy logradas en el universo de Shakespeare\, dirigió en 1964 un documental sobre la diva en una actuación en Londres. También estuvo detrás de algunas de sus actuaciones en teatros y mantuvo una relación amistosa hasta la muerte de la mujer en Paris. Y en el año 2002 filma su último largometraje «Callas Forever»\, donde a partir de todo lo expresado\, construye una fantasía (o no) de lo que fueron sus últimos meses de vida. Un productor de música pop (o el propio director)\, viejo amigo de la cantante\, se acerca a su domicilio casi impenetrable en la capital francesa donde vive bajo los cuidados de una acompañante\, para ofrecerle un regreso por todo lo alto: filmaran en España una versión cinematográfica de la ópera de Bizet «Carmen». El proyecto parece sacar a la mujer de su letargo y la sangre vuelve a correr por sus venas. Pero la realidad nunca corresponde con la fantasía y el proyecto amenaza con derivar hacia otros senderos. Una película valiente\, transgresora\, que mezcla acontecimientos reales con otros puramente ficticios y siembra en el espectador atento la enorme duda si todo lo narrado pudo haber acontecido en la realidad. Interpretada por la gran actriz francesa Fanny Ardant (1949) acompañada por Jeremy Irons (1949)\, que realiza una impresionante caracterización de la gran cantante\, el film nos brinda la ocasión de recordar y escuchar algunas de sus mas grandes versiones de la opera clásica. \n«CALLAS FOREVER» (2002) Francia- Italia- Uk- España-Rumanía / Director Franco Zeffirelli / Intérpretes Fanny Ardant\, Jeremy Irons\, Joan Plowright\, Manuel de Blas\, Jay Rodan / Color / Hablada en inglés y francés con subtítulos en castellano / Duración: 1h 48 hs
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-callas-forever-2002/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL GRADUADO" (1967)
DESCRIPTION:Ben Braddock termina sus estudios y se dedica a descansar y perder el tiempo mientras sus padres cubren gastos y caprichos del joven.Se baña en la pileta\, conduce un descapotable. Para este nuevo graduado no hay planes a la vista. Una noche en una fiesta familiar\, a la que acude con desgano como trofeo a ser presentado ante todos los adultos\, descubre la mirada insistente de una amiga de los padres: la misteriosa y fascinante Sra. Robinson. Pronto cae en sus redes seductoras y el secreto de su aventura da sentido a su existencia. Los encuentros se suceden en la intimidad de lujosos hoteles hasta un día en que reencuentra a una conocida de su infancia. Que se llama Elaine\, ha crecido y convertido en una bella joven. El problema es que su madre no es otra que la mismísima Sra.Robinson. Ahora si que Ben tendrá con que entretenerse. «El Graduado» se estrenó en EE.UU durante 1967 e inmediatamente se convirtió en uno de los grandes sucesos del cine. Lo mismo ocurrió en el resto del planeta y e hizo del casi debutante Dustin Hoffman (1937)  el astro del momento. Y a la deslumbrante Anne Bancroft (1931- 2005) en símbolo erótico maduro de toda una generación. Ambos eclipsaron la belleza y el talento de la tercer integrante del tríangulo\, la hermosa Katharine Ross que poco después triunfaría como la mujer por la que compiten dos hombres en «Butch Cassidy» (1969). La diferencia de edad entre los protagonistas amante-joven era de 6 años\, lo que no impidió que sus interpretaciones fueran creíbles: Hoffman aparentaba menos edad y Bancroft un poco mas: secretos y trampas del celuloide. El film está considerado como uno de los fundamentales de un nuevo tiempo de Hollywood\, cuando la Censura que había imperado durante décadas comenzaba a desaparecer y podían tratarse abiertamente temas antes prohibidos\, entre otros los que conllevaban un fuerte contenido erótico. A cincuenta años del estreno continúa manteniendo su encanto inicial con imágenes que emocionan al compás de la inolvidable banda sonora de Simon & Garfunkel\, con clásicos como » The sounds of silence» y » Mrs.Robinson». Una película deliciosa. \n«EL GRADUADO» (The Graduate\, 1967) / EE.UU / Dirección Mike Nichols / Intérpretes Anne Bancroft\, Dustin Hoffman\, Katharine Ross\, Murray Hamilton / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 46 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-graduado-1967/
LOCATION:CÍRCULO MÉDICO DE AZUL\, San Martín 691\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "OBABA" (2005).
DESCRIPTION:«Obaba» es la adaptación al Cine de un libro ya clásico de la literatura vasca editado en 1988 y llamado «Obabakoak». Su autor escribe y publica en euskera y sus textos han sido traducidos a decenas de idioma: Bernardo Atxaga (1951) nació en Guipúzcoa y con esta obra alcanzó enorme popularidad. El libro consta de 28 relatos que reflejan con enorme precisión la identidad de los vascos\, desde la propia condición humana hasta los paisajes que definen a su gente. El director Montxo Armendáriz (1949) trabajó durante años en la adaptación de un lenguaje a otro y mas de una vez creyó imposible hacerlo. La complejidad del relato\, la cantidad de personajes y situaciones no encontraban sencilla respuesta a la hora de transformar páginas en imágenes. Pero finalmente consiguió hacerlo y en 2005 estrenó en el Festival de Cine de San Sebastian su obra. El director de «Tasio»\, «Secretos del Corazón» y «No tengas miedo» nos trae al Cine a los pobladores de Obaba\, un lugar mas mítico que real donde la gente mide las distancias en curvas o pasos y cree en el poder mágico de algunos animales como los pequeños lagartos. Que pueden introducirse en el cuerpo humano para modificar conductas o ser simplemente metáforas de un mundo perdido. \nEl director crea dos personajes ausentes en el relato original para dar rienda suelta a una construcción cinematográfica: Lourdes es una joven estudiante de Cine que decide acercarse a Obaba para realizar un trabajo audiovisual sobre la gente del lugar. Su condición de extraña la pone en el punto de mira de los lugareños y será a través del descubrimiento de una antigua fotografía donde nacerá su historia: un grupo de alumnos se retratan junto a una bella maestra. El tiempo ha pasado y muchos de ellos son adultos que habitan el lugar mientras otros han desaparecido. Al investigar con y sobre ellos\, la mujer descubre secretos ocultos e historias que van interrelacionándose. El amor\, la soledad\, la identidad\, la violencia o la infancia son algunos de los complejos temas que aborda el film. Que como episodios aislados van ofreciéndose al espectador para alcanzar finalmente la forma de un rompecabezas sugerente. \nReflexiona Montxo Armendáriz sobre que es Obaba:  “Muchas cosas\, pero sobre todo\, como dice Bernardo Atxaga\, es un mundo dentro del mundo. No es un lugar que se extinga ni que exista. No es algo tangible\, desde luego\, es un microcosmos en el que está en juego la condición humana y el misterio del tiempo. Obaba es una forma de entender la vida y de vivirla que conecta con la búsqueda de lo desconocido. Los lagartos de Obaba son una metáfora de ese misterio que se te mete en el cerebro\, en determinado momento\, y que cambia el rumbo de tu percepción de la vida. Lo puede cambiar para bien o para mal. Ese es el misterio. A un personaje lo deja atontado\, a otro le aporta lucidez”. \nComo dice uno de sus personajes\, el joven Miguel: » cualquier sitio es bueno para vivir siempre que esté a gusto consigo mismo». Y Obaba resulta ser para muchos de sus protagonistas el mejor lugar del mundo. Un film a re descubrir. \n«OBABA» (idem\, 2005) /España/ Dirección Montxo Armendariz / Intérpretes Barbara Lennie\, Pilar Lopez de Ayala\, Mercedes Sampietro\, Belén Lopez\, Juan Diego Botto\, Eduard Fernandez\, Lluis Homar / Hablada en euskera con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40minutos.
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LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "JULIA" (1977).
DESCRIPTION:Esta película recrea aspectos de la vida de una famosa escritora norteamericana\, Lillian Hellman (1905-1984) y las relaciones que mantuvo a lo largo de 30 años con otro famoso escritor\, Dashiell Hammett (1894-1961)\, autor clave de la «Novela Negra»\, entre cuyos escritos se hallan «El Halcón Maltés» o «La Maldición de los Dain»\, dos clásicos. Pero paralelo a este relato\, transcurre otro\, el que cuenta la amistad de infancia y adolescencia entre ella y Julia\, hija de una adinerada familia. La juventud las separa y mientras Lillian destaca en su carrera como escritora\, la otra mujer se traslada a Viena en plena expansión del Nazismo para convertirse en ferviente defensora de los oprimidos por la barbarie nazi. El film cuenta una misión que Lillian realiza en pleno apogeo de Hitler para llevar dinero que alimente causas resistentes\, cuando también pretende encontrar a su antigua y querida amiga en paradero desconocido. El ambiente enrarecido y dramático de la época es el telón de fondo de esta película\, ya un clásico de los años 70. Basado en un relato del libro «Pentimento» publicado en 1973 por la autora\, el mismo es discutido como verídico por los especialistas\, lo cual no quita verosimilitud al enfoque cinematográfico. \nDirigida por el realizador Fred Zinnemann (1907-1997)\, autor de «A la hora señalada» (1952)\, «De aquí a la Eternidad» (1953)\, «Historia de una Monja» (1959)\, «Un hombre de dos reinos» (1966) y «El día del Chacal» (1973)\, grandes obras de la narrativa fílmica\, «JULIA» fue su penúltimo trabajo y enorme suceso\, como los anteriores citados. Interpretada por un cuarteto de grandes figuras\, el film supone el debut en cine de otra clásica\, Meryl Streep\, que compone un personaje secundario a las puertas de su imparable trayectoria. Jane Fonda (1938)\, Vanessa Redgrave (1937)\, Jason Robards(1922-2000) y Maximilian Schell (1930-2014) dan vida a los protagonistas. Todos fueron nominados a los premios máximos de esa temporada y Redgrave y Robards ganaron Oscar a los Mejores Actores Secundarios. El film fue éxito de taquilla y abrió una época en los films de protagonismo femenino. También uno de los grandes estrenos de Argentina del año 1978 en plena Dictadura Militar\,  que acentuó para el público sensible los valores libertarios del film\, muchas de cuyas situaciones podían verse como reflejos del presente argentino. La Censura pasó de largo ante semejantes sutilezas fílmicas. \n«JULIA» pertenece al terreno de las narraciones cinematográficas clásicas en el mas noble sentido del término\, y a cuarenta años de su estreno mantiene vigente su estructura: temas permanentes de la condición humana como son la amistad\, el amor\, el compromiso\, las ideologías\, el dolor\, la alegría o la muerte. Un cine siempre dispuesto a despertar la atención del público inteligente\, que busca un espacio que les ofrezca alternativa a la mediocridad reinante de este presente que parece haber olvidado completamente su pasado. Un cine necesario\, riguroso\, siempre vigente. \n«JULIA» (idem\, 1977)/ EE.UU / Director Fred Zinnemann / Intérpretes Jane Fonda\, Vanessa Redgrave\, Jason Robards\, Maximilian Schell\, Meryl Streep / Color / Hablada en inglés\, francés\, alemán y ruso con subtítulos en castellano / Duración 1h 55 minutos.
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SUMMARY:CINE: "MALENA" (2000)
DESCRIPTION:En un solo día pasan tres cosas muy importantes para un chico de 12 años: comienza la Guerra\, le regalan la primer bicicleta y descubre a Malena\, la mujer mas hermosa que ha visto en su vida. Pero ella es una adulta\, su marido parte a la guerra y queda a merced de la mirada y la envidia de los hombres y las mujeres de Siracusa\, en la profunda Sicilia. Renato inicia entonces una etapa fundamental en su existencia que le dejará huellas para siempre. «Malena» es una de las mas exitosas obras del autor de uno de los films italianos mas populares: «Cinema Paradiso»\, donde también Giuseppe Tornatore (1956) indaga en el mundo infantil y en el paso a la adolescencia o lo que es lo mismo\, el descubrimiento de los secretos de la vida de los adultos. Interpretada por Monica Bellucci (1964)\, que sigue la linea de las grandes bellezas mediterráneas como Loren\, Lollobrigida\, Cardinale\, Antonelli o Muti\, mujeres morochas de deslumbrantes curvas\, rostros únicos y talentos interpretativos\, su creación del personaje de esta mujer asediada por la mirada ajena y llevada por las circunstancias de la guerra a un destino amargo\, es uno de los mas recordados de una carrera que comenzó en 1991 en «La Riffa»\, continuó en 1992 en una breve aparición en «Dracula» de Francis Ford Coppola y se extiende hasta la actualidad en una carrera realizada entre su Italia natal\, Francia\, EE.UU y otros países europeos. Tornatore\, por su parte\, ha realizado hasta el presente mas de 10 largometrajes\, destacándose ademas de los citados\, su extraña obra de 1994 «Pura Formalidad»\, donde Gerard Depardieu y Roman Polanski dan vida a personajes que lindan con lo fantástico. «Malena» transita la estela de las grandes comedias de la Cinematografía Italiana\, una de las mas prestigiosas del Mundo. \n«MALENA» ( idem\, 2000/ Italia-Usa / Director: Giuseppe Tornatore / Intérpretes: Monica Bellucci y Giuseppe Sulfaro / Color / Idioma italiano e inglés con subtítulos en castellano / Duración:  1h 49 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL ENGAÑO" (1971)
DESCRIPTION:Clint Eastwood (1930) regresó en 1968 a EE.UU convertido en una estrella de cine tras su triunfal paso por Italia\, donde filmó tres memorables películas dirigidas por Sergio Leone (1929-1989): «Por un puñado de dolares»\, «Por unos dolares mas» y «Lo bueno\, lo feo\, lo malo». A principios de los setenta ya era uno de los grandes reclamos de taquilla en todo el mundo y de ese tiempo es «El Engaño»\, que sin embargo no gozó del suceso de otras obras del actor. Su temática escapaba del cine de pura acción que venía filmando y al apostar por un relato mas centrado en lo psicológico\, el film espantó a muchos de sus admiradores. Sin embargo fue muy bien tratado por la critica\, no fue un fracaso económico y hoy destaca como una de las menos conocidas y mayores obras de su carrera. El titulo original se refiere no a un engaño sino a un engañado o en otra acepción del termino\, un seducido. Es John McBurney\, que herido gravemente en plena Guerra de Secesión (1861-1865) es rescatado por un niña pupila de un Colegio de Señoritas. Cuando el apuesto hombre es llevado y escondido en una habitación subterránea (es enemigo norteño en pleno territorio sudista)\, su presencia desata las verdades mas ocultas y los deseos mas reprimidos del grupo de mujeres de toda edad que habitan el lugar. Martha\, la superiora\, Edwina y Carol\, jóvenes pupilas  del lugar\,y varias mas\, convierten en presa al convaleciente. Mientras John cree poder dominar la situación\, va cayendo poco a poco en una trampa de inesperadas consecuencias. Un retrato lúcido sobre la sexualidad y la represión de la misma en un entorno claustrofóbico y dictatorial que ha dado lugar a un remake o segunda versión\, estrenado recientemente con el mismo título original y conocido ahora como «El Seductor»\, donde Colin Farrel recupera el personaje de Eastwood y Nicole Kidman el de la protagonista femenina en una obra dirigida por Sofia Coppola y que resulta ser una revisión desde la mirada feminista. Una buena ocasión para recuperar el original. \n«EL ENGAÑO» (The Beguiled\, 1971)/ EE.UU. / Director Donald Siegel / Intérpretes Clint Eastwood\, Geraldine Page\, Elizabeth Hartman\, Jo Ann Harris / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.
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SUMMARY:CINE: "CRÓNICA FAMILIAR" (1962)
DESCRIPTION:Un cineasta y un escritor\, ambos de origen italiano y hoy desconocidos u olvidados por las nuevas generaciones\, fueron dos de las voces mas brillantes y humanas del arte italiano del Siglo XX. El escritor Vasco Pratolini (1913-1991) y el director y guionista Valerio Zurlini son autores de algunos de los mas grandes títulos escritos o filmados entre 1945 y 1976. Y unieron sus caminos en dos ocasiones: en 1955 con el debut de Zurlini adaptando una novela del autor: «Le Ragazze di SanFrediano» y en 1962 con el film ya clásico «Cronaca Familiare» (Dos hermanos\, dos destinos\, en Argentina). \n«Cronaca Familiare» es un relato escrito en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial\, cuando el Fascismo caía bajo el avance de los Aliados y el fracaso del eje que mantuvo con la Alemania Nazi lo hundió en la parte mas negra de la contienda. Pratolini la publica en 1947 junto a otro de sus mas recordador libros: «Crónica de los pobres amantes» y el éxito de estos dos textos lo convierten en figura celebre del momento\, que era el del Neorrelaismo\, con desviaciones hacía el Cine\, la Literatura y otras disciplinas artísticas. Y que fuera eclipsado poco después por corrientes literarias llegadas de Francia. Es la narración mas abiertamente autobiográfica del autor\, donde narra la relación que mantuvo con su hermano menor\, que al morir la madre y ante la ausencia del padre e imposibilidad de su abuela de criarlos juntos debido a su extrema pobreza\, es entregado al cuidado del mayordomo de una familia rica. En la ficción el autor toma el nombre de Enrico y su hermano es Lorenzo. Ambos con una salud frágil\, viven distanciados y se reencuentran en la juventud del menor. Entonces\, la relación de los hermanos entra en una nueva fase que ira consolidando el amor apagado que había entre ellos. Las diferencias de crianza\, la memoria del mayor sobre la madre muerta\, la relación que ambos mantienen con la abuela\, único nexo familiar\, la aparición de los primeros síntomas y posterior enfermedad de Enrico\, nutren las páginas de esta memorable escritura. \nAl comienzo del libro el autor escribe: «Este libro no es una obra de fantasía. Es un coloquio del autor con su hermano muerto. El autor\, al escribir\, buscaba consolación\, no otra cosa. Le remuerde pensar que intuyó apenas la espiritualidad del hermano\, y demasiado tarde. Estas páginas son ofrecidas\, por lo tanto\, como una estéril expiación.» \nEn su adaptación al Cine\, el realizador respeta la narración en primera persona y se atreve a serle fiel hasta en las primeras palabras que se leen y se escuchan en el film. El protagonista irá orquestando\, mediante idas y venidas en el tiempo\, un rompecabezas que al terminar de ser armado nos dejará una amorosa mirada sobre las relaciones humanas\, la imposibilidad de concretarlas y el peso terrible de la muerte en la construcción de otra realidad. La pobreza como condicionante de una vida y los intentos de trascenderla para lograr los objetivos. Que en el caso de Pratolini fueron realizados en parte al lograr transformar su dolor vital en brillante literatura. \nEntre los títulos publicados\, ademas de los citados\, se encuentran «Un héroe de nuestro tiempo» (1947)\, la trilogía «Una historia romana» compuesta por «Metello» (1955)\, «Lo Scialo» (1960) y un tercer volumen en 1966\, «Alegoría y Escarnio»\, «La constancia de la razón» (1963) y los dos volúmenes de «Epistolario con Alessandro Parronchi» (1992 y 1996). Parte de su obra fue llevada al cine por nombres como Carlo Lizzani\, Pasquele Festa Campanille o Mauro Bolognini\, en películas generalmente logradas. Todas ellas se estrenaron en Buenos Aires durante los años 50\, 60 y 70. También escribió guiones cinematográficos para tres clásicos del cine italiano: «Paisá» (1946) de Roberto Rossellini\, «Rocco y sus hermanos» (1960) de Luchino Visconti y » La Viaccia» (La mala calle»)(1961)de Mauro Bolognini. \nEl realizador Valerio Zurlini debutó en 1950 con cortos documentales\, luego realizó dos largos no ficcionales hasta su debut en el primer acercamiento a la obra del autor: «Le ragazze di SanFrediano». Su carrera es muy breve en cantidad\, sumando una totalidad de ocho largometrajes de ficción entre los que destacan «Verano Violento» (1959)\, » La Muchacha con la Valija» (1961)\, «La primera noche de quietud» (1972) y «El desierto de los Tártaros» (1976). Su muerte temprana lo encontró adaptando un texto de Ernest Hemingway «Al otro lado del río y entre los árboles»\, proyecto que hasta el momento ningún otro cineasta ha retomado. \nLos interpretes principales son Marcello Mastroianni (1924-1996) uno de los mayores actores de la Historia del Cine Europeo\, que trabajó con maestros como Visconti\, Fellini\, Antonioni\, Monicelli\, Risi\, Bolognini\, Dassin\, Ferreri\, Petri\, Scola\, Wertmuller\, Cavani\, Magni\, Varda\, Altman\, Boorman. Wenders\, Angelopoulos\, Mijalkov\, Tornatore\, Demy\, Bellocchio\, Lattuada\, Blassetti\, Loy\, Comencini\, Camerini\, De Sica\,los hermanos Taviani\, Polanski\, Malle\, Germi o Pietrangeli. Ningún otro actor ha tenido una carrera semejante. Mastroianni es la viva encarnación del mejor cine de su tiempo\, que fue el transcurrió entre su debut a finales de los cuarenta y su muerte en 1996. Su ultimo trabajo se estreno póstumamente. Jacques Perrin (1941) protagonizó otros films de Zurlini y la actriz francesa Sylvie (1883-1970) que interpreta a la abuela\, fue una actriz activa desde el cine mudo hasta su muerte también. \n«CRONACA FAMILIARE» (Crónica Familiar o Dos hermanos\, dos destinos) /1962 / Italia / Dirección Valerio Zurlini / Intérpretes Marcello Mastroianni\, Jacques Perrin\, Sylvie\, Salvo Randone\, Serena Vergano\, Valeria Ciangottini / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h 43 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LOS ÚLTIMOS AÑOS DEL ARTISTA" (Powidoki /Afterimage\, 2016).
DESCRIPTION:Con este título se conoce en castellano (redes sociales y estreno en España) el último trabajo del cineasta polaco Andrzej Wajda estrenado el mismo año de su muerte. Nacido en 1926 el artista filmó hasta el final de su vida y construyó una de las carreras mas solidas del cine europeo de la posguerra. Gozó de enorme aceptación en Argentina desde el estreno del film que lo llevó al reconocimiento internacional desde un país tan desconocido para Occidente (en términos cinematográficos) como lo era Polonia: «Cenizas y Diamantes» (1958). Y fue particularmente en la década de 1970 cuando en Buenos Aires se exhibió gran parte de su obra\, donde destacan éxitos tan memorables como «El bosque de los abedules» o «Las señoritas de Wilko»\, películas que convocaban público ávido del mejor cine. Con los años\, su nombre fue desvaneciéndose en las carteleras globales junto al de otros maestros. Pero en su etapa final Wajda fue premiado con un Oscar a su carrera y algunos de sus films\, al conseguir nominaciones para el mismo premio\, trajeron brevemente su nombre al presente: «Katyn» (2007)\, un feroz retrato de acontecimientos silenciados de la Segunda Guerra Mundial\, y esta «Afterimage»(2016) han sido sus trabajos mejor tratados por la crítica de cine. \n«Los últimos años del artista» recupera la figura de uno de los mayores pintores polacos del Siglo XX: Wladislaw Strzeminski (1893-1952) que irrumpió en la Vanguardia de los años 20 y vio afectada su carrera al oponerse al poder del gobierno comunista. Su afán por la libertad creativa y de expresión llevaron a que sus últimos años los viviera en la mas absoluta marginalidad y pobreza. El film reflexiona sobre esta cuestión mientras narra la historia de su intimidad en relación a las mujeres\, hija y amigos que le acompañan en su devenir de lucha contra un sistema autoritario que limita y asfixia a sus artistas. \nInterpretado por uno de los máximos nombres del panorama actoral polaco (y desconocido para el resto del mundo)\, Buguslaw Linda (1952)\, el film recupera y honra la Memoria de un hombre de inmenso talento víctima de las circunstancias de su tiempo\, inmerso en cuestiones políticas e ideológicas\, que como en todos las épocas y geografías\, han ocultado y destrozado la trayectoria de las personas que apostaron toda su mirada del mundo hacía la Creatividad. Y pagaron un alto precio por ello. \nWajda tuvo la suerte de poder filmar hasta el final de su vida. Con 90 años rueda este último título\, lo cual es algo necesario de destacar teniendo en cuanta la escasa cantidad de cineastas que pudieron hacer algo semejante en todos los tiempos. Wajda pertenece al grupo de directores de cine surgidos tras el final de la Segunda Guerra Mundial\, cuando el mapa geo-político de Europa se definió radicalmente. Las políticas de «bloques» hicieron que los vencedores de la contienda se «apropiaran» cada cual de «sus» territorios. La URSS quedó sobre los conocidos como Países del Este: Polonia\, Hungría\,Checoeslovaquia\, entre ellos. Y de estas tres geografías surgieron cineastas talentosos que relataron con enorme sutileza y herramientas artísticas\, la vida en aquellos años. Sorteando la Censura la mayoría de las veces pero imponiendo a cambio una mirada tan original que ha logrado sobrevivir al paso del tiempo\, permanece la obra de nombres como Jerzy Slolimowski\, Jerzy Kawalerowicz\, Vera Chytilova\, Karel Kachyna Jaromil Jires\, Zoltan Fabri\, Milos Forman\, Ivan Passer\, Roman Polanski. El nombre de Andrezj Wajda les envuelve a todos ellos y ya forman parte de la Cultura Universal. \n«LOS ÚLTIMOS AÑOS DEL ARTISTA» ( Powidoki / Afterimage\, 2016) / Polonia / Director Andrzej Wajda / Intérpretes Buguslaw Linda\, Bronislawa Zamachowska\, Alexsandra Justa\, Zofia Wichlacz / Color / Hablada en polaco con subtítulos en castellano / Duración 1h 38 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-los-ultimos-anos-del-artista-powidoki-afterimage-2016/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "UNA PELÍCULA HABLADA"(2003)
DESCRIPTION:«Una película hablada» es el título de esta producción entre Portugal y Francia que fue realizada por un hombre casi desconocido en Argentina que contaba con 95 años de edad en el momento de rodarla: Manoel de Oliveira..La trama es de una enorme sencillez y precisamente en esta premisa se esconde la grandeza de esta obra casi desconocida. Rosa María es una profesora de Historia que viaja con su pequeña hija María Joana en un crucero desde Lisboa hasta la India. Allí\, en Bombay\, les espera el esposo y padre. El barco realiza paradas en Marsella\, Napoles y Atenas. Y mas tarde en Estambul\, Suez\,  El Cairo y Adén. En cada una de estas ciudades la madre explica y responde las preguntas de la hija ante cada nuevo conocimiento que del lugar aporta. Y nosotros espectadores nos convertimos en alumnos de esta mujer y de esta propuesta que trata el tema de la enseñanza de una manera nunca vista en el Cine. Porque a través de los relatos de la profesora y de los paisajes deslumbrantes de las ciudades citadas\, vamos recuperando la historia del Mediterráneo\, que es la historia de nuestra Civilización con milenios detrás. Pasado y presente se conjugan para retratar una mirada lúcida de la Europa actual aquejada por una enorme crisis de valores que parecen encaminarla a un tiempo de decadencia\, mas allá de la mirada turística\, tan prioritaria desde estas latitudes. Infancia\, adultez\,pasado\, presente y un inquietante futuro aparecen en los relatos que luego complementan tres mujeres que suben en cada una de las ciudades: una francesa\, una italiana y una griega. Mas el Comandante del barco que se convierte en anfitrión y testigo de las voces de estas cinco féminas de diferentes edades que reflexionan sobre Historia\, Filosofía\, Política y Vida en una especie de lección magistral para curiosos y reflexivos.. \nEl director portugués nacido en 1908 y fallecido en 2015 a los 106 años de edad se convirtió en el Cineasta en activo mas longevo de la Historia del Cine. Habiendo debutado en los inicios del cine sonoro de su tierra\, realizó su primer largometraje en 1942 («Aniki Bobo») y el último en 2012 («Gebo et L’ombre»). Entre ellos\, 64 trabajos forman su deslumbrante y original filmogafía: cortos\, mediometrajes\, documentales y ficciones pueblan la vida de este singular cineasta. Con el detalle exclusivo de haber alcanzado la notoriedad internacional a los 73 años y haber realizado hasta su muerte decenas de films. \nSu intérprete de muchos films Leonor Silveira\, lo es también de este. Y para los demás personajes cuenta con la colaboración de intérpretes consagrados que se prestan generosamente a ser dirigidos por el maestro portugués junto a la pequeña y deslumbrante Filipa de Almeida. \n«Una Película Hablada»\, a 15 años de su estreno\, forma ya parte del patrimonio cultural de principios de milenio y será en el futuro\, título de referencia para comprender este presente que nos toca vivir. \n«UNA PELÍCULA HABLADA» (Um filme falado) Portugal-Francia /2003/ Director Manoel de Oliveira / Intérpretes: Leonor Silveira\, Filipa de Almeida\, Catherine Deneuve\, Stefania Sandrelli\, Irene Papas\, John Malkovich / Color / Hablada en portugués\, francés\, italiano y griego con subtítulos en castellano / Duración 1h 36 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-una-pelicula-hablada2003/
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SUMMARY:CINE: "ANICETO" (2008)
DESCRIPTION:Aniceto es pobre y vive en un pequeño pueblo de Mendoza. Bien parecido y sin trabajo definido\, se gana la vida jugando en riñas de gallos. Es un seductor empedernido y el éxito con las mujeres es una constante en su vida. En uno de las bailes a los que asiste conoce a la Francisca e inician un romance. Ella le atiende\, cuida y sirve en la humildad de su casa. Aniceto dice amarla pero la aparición de la Lucia le aleja de su anterior enamorada. Las dos mujeres representan valores contrapuestos: la sencillez y humildad de una frente a la arrogancia y desenfado de la otra. Y Aniceto comienza a perder el control de toda su rutina. \nLeonardo Favio (1938-2012) fue primero actor de fuerte perfil desde su debut en 1957 y se convirtió en actor fetiche del gran Leopoldo Torre Nilsson (seis largos). También trabajó para Fernando Ayala\, Daniel Tinayre\, Jose Martinez Suarez y Manuel Antin\, todos directores importantes del cine argentino. Pero cambio de lugar y se puso tras la cámara: a lo largo de nueve largometrajes desarrolló una de las obras mas significativas del arte argentino en cine: «Crónica de un niño solo»\, «El Dependiente»\, «Juan Moreira»\, «Nazareno Cruz y el Lobo»\, «Soñar\, soñar»\, «Gatica el mono»\, «Perón: sinfonía de un sentimiento». Su segunda obra fue la que a su vez acabó inspirando la novena y última: «El romance del Aniceto y la Francisca»\, que en 1967 irrumpió con enorme fuerza en el alicaído panorama cinematográfico argentino de su tiempo y se convirtió en film de culto y luego en clásico. Cuarenta años mas tarde\, el artista Favio realiza una nueva versión de su film\,  donde la danza suplanta a la actuación y se complementa con diálogos que los actores/danzarines alternan entre imágenes de enorme belleza y sugestión al son de una banda sonora repleta de magníficos aportes musicales\, dando como resultado una obra absolutamente innovadora y única en el panorama nacional. Cuenta con el aporte de tres brillantes nombres de la danza argentina: Hernán Piquin\, Natalia Pelayo y Alejandra Baldoni\, que con sus talentos enormes cierran la suma de elementos artísticos que destacan el largometraje. \n«ANICETO» Argentina\, 2008/ Director Leonardo Favio / Intérpretes Hernán Piquin\, Natalia Pelayo y Alejandra Baldoni /Color / En castellano / Duración 1h 22 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-aniceto-2008/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:TALLER DE CINE: "LOVING" (2016).
DESCRIPTION:Loving significa en inglés amando. Pero también es el apellido de los personajes de este film. Una historia basada en sucesos y personajes reales que pasaron a la Historia por ser los pioneros en una de las innumerables causas por los derechos civiles que los humanos han transitado a lo largo del Siglo XX. Un tiempo donde a pesar de todos los progresos científicos y tecnológicos\, ciertas cuestiones básicas permanecieron demasiado sin resolverse. En el mismo instante en que el Hombre ya había puestos satélites en órbita de la Tierra\, en EE.UU regían conceptos retrógrados como la imposibilidad en muchos estados e la Unión de contraer matrimonio entre seres humanos de diferente color de piel. \nMildred es joven\, trabajadora y negra. Richard también\, pero blanco. Y cometen el pecado de casarse. A partir de entonces pagaran un alto precio social\, policial y legal. Su historia está contada como lo que principalmente es: una de amor. Porque esta mujer y este hombre se aman por encima de todas las consideraciones. Son honestos y saben que nada malo hay en este vinculo. Pero la sociedad no piensa lo mismo. O gran parte de ella\, la que somete al resto. En 1955 Rosa Parks (1913-2005) se niega a sus 41 años a ceder su asiento en un autobús a un hombre blanco. Este acto reviste valor histórico porque da pie a muchos avances y logros de la ciudadanía negra. Y los Loving siguen su imparable (pero no acabada) estela. Porque el tema racial sigue mas vivo que nunca en todo el Planeta\, disfrazado a veces tras insostenibles máscaras. \nEl cine norteamericano sigue mostrando el enorme vigor de siempre\, y su contribución a la reflexión y al conocimiento vive en este presente de 2018 un nuevo tiempo de esplendor\, eclipsado quizá por el formidable suceso de las series de televisión\, que van quitando espacios en la oferta global.. Por ello mismo\, el desembarco de continuos nuevos realizadores le hace mas valioso en cuanto acto de resistencia. \nJeff Nichols (1978) debutó en 2007 con «Shotgun Stories»\, un film (como el presente) inédito en las carteleras argentinas. Sus dos siguientes trabajos conocieron estreno: «Atormentado» (2011) y » Mud» (2012). Estrenó en 2016 dos largos. «Midnight Special» y «Loving». Esta última alcanzó cierto renombre popular por la nominación a los premios de Hollywood en varias categorías\, incluidas las de mejor actriz y actor. Con 5 largometrajes ha logrado colocarse en el primer pelotón de talentos USA. Sigue siendo cine minoritario y de escasa distribución en la mayoría de los países. «Loving» persigue la estela de los grandes títulos que han reflexionado sobre la condición humana en sus aspectos mas vulnerables\, como lo son el racismo\, la injusticia\, el dolor innecesario por el que millones de personas han transitado y transitan el paso de la Historia. Desde clásicos como «Las Uvas del Mal» donde los efectos devastadores de la Depresión económica de los años 1930 causaron estragos en un amplio sector de la población\, hasta presentes títulos como «The Post: Los secretos del Pentágono»\, el cine ha contribuido a que estos acontecimientos fuesen visibles para millones de nosotros espectadores\, que creemos que en la majestuosidad de este Arte único: la Cinematografía. \n«LOVING»/ EE.UU. / 2016 / Director Jeff Nichols / Intérpretes Ruth Negga\, Joel Edgerton\, Will Dalton / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración  2hs 3 minutos.
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SUMMARY:CINE: "AZUL OSCURO CASI NEGRO" (2006)
DESCRIPTION:Una década atrás\, la sociedad española y europea en general\, comienza a manifestar los síntomas de una crisis que hoy es realidad: el modelo de la Unión Europea basado en el Euro\, la moneda común a todos sus integrantes\, mostraba sus mas evidentes grietas. Los jóvenes pertenecen al sector mas afectado en cuanto a perspectivas de futuro se refiere: Jorge ha heredado el trabajo de su padre y también su cuidado y atención. Tiene un título universitario\, pero las circunstancias no le han permitido ejercer su profesión. Su hermano Antonio está en la cárcel y la madre se ha marchado. Pero una enorme vitalidad lo atraviesa y las esperanzas de un futuro\, simbolizado en un traje que es azul oscuro casi negro\, lo mantienen activo y alerta. Su amigo\, un antiguo amor que regresa y las circunstancias que van apareciendo en el camino\, conforman la base narrativa de una de las películas mas premiadas\, vistas y reconocidas del último cine hispano. \nEl realizador\, nacido en 1970\, debuta a los 36 años con este largo e instala su nombre como una de las grandes promesas cinematográficas que facilitan el relevo generacional tras los nombre de cineastas como Pedro Almodovar\, la figura mas internacional del panorama español. Con un reparto de actores que hoy forman la plana mayor de su cine y televisión\, la película propone un retrato serio\, inteligente\, alejado de toda hipocresía sobre un tiempo donde todos los valores establecidos son puestos bajo la lupa para de esa manera hacerlos visibles y establecer nuevos códigos de convivencia. La amistad\, la familia\, la pareja\, intimidades y secretos mas guardados salen a la luz para conformar uno de los grandes frescos del cine europeo actual\, un cine que no es el mas habitual en las múltiples pantallas que habitan nuestro suelo. Pero es el Cine que testimonia y deja rastros para el futuro. Un futuro hecho realidad desde la mirada de un director que se atrevió a sugerirlo 12 años atrás. \n«AZUL OSCURO CASI NEGRO» / España / 2006 / Director Daniel Sanchez Arévalo / Intérpretes Quim Gutierrez\, Marta Etura\, Antonio de la Torre\, Hector Colomé\, Raul Arévalo\, Eva Pallarés\, Ana Wegener\, Manuel Morón / Hablada en castellano con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 45 minutos.
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SUMMARY:TALLER DE CINE: EL MARIDO DE LA PELUQUERA (1990)
DESCRIPTION:Antoine tiene 60 años y aun guarda la fascinación por un recuerdo: de niño acudía a cortarse el pelo con demasiada frecuencia. Porque se había enamorado de la peluquera de su pueblo\, mujer voluptuosa y dulce que le transportaba a otro mundo cuando posaba sus manos (y sus tijeras) sobre su infantil cabeza. La infancia perdida encuentra en esta evocación una fuente constante de bienestar en el adulto. Hasta que descubre a otra mujer en otra peluquería. Pero ya no es niño y el tiempo se le escapa de sus manos. Mathilde es mas joven que él\, pero esto no es obstáculo para seducirla y declararle su amor. El misterio que la mujer desprende parece no impactar plenamente en la psique del hombre maduro. \nEsta película de hace 28 años\, fue en su momento un enorme suceso comercial en Francia\, que se contagió a países de varias latitudes. Una extraña combinación de comedia y drama latente se esconden bajo sus imágenes. Y la originalidad de la propuesta es orquestada con maestría por un director que rara vez volvió a alcanzar semejante intensidad. \nPatrice Leconte (1947) debutó en 1976 con un film también interpretado por el protagonista de este: Jean Rochefort (1930.2017)\, formidable actor que trabajó en mas de 100 films a lo largo de su carrera y se convirtió en uno de los rostros mas famosos y peculiares del cine galo. Con enorme capacidad para transitar de la comedia al drama\, uno de sus últimos trabajos lo realizó interpretando al escultor mayor y abatido que renace ante la llegada de una joven muy bella en la película española «El Artista y la Modelo». El director Leconte  contó con él en varias oportunidades. \nLa carrera de este cineasta tuvo un nivel ascendente a través de una serie de exitosas comedias populares hasta el año 1989\, cuando abandona el genero y se introduce en el dramático adaptando una novela de Simenon en otro de sus destacables trabajos: «Monsiuer Hire». Tras el suceso de «El marido de la peluquera» e instalado en una zona de privilegio en la cinematografía de su país\, el autor no supo mantener el nivel y su linea fue descendente desde entonces. En 1998 reunió nuevamente a los astros Delon y Belmondo en «Los Profesionales». Pero el éxito no volvió a repetirse. \nQueda entonces esta pieza como un destacado hito en su trayectoria. El film analiza la transformación de un niño en adulto sin abandonar muchas de las condiciones del primero. Una elección del personaje que le encamina hacia la melancolía ante la imposibilidad de perpetuar el deseo del instante preciso\, aquel en el que sus fantasías se hacen realidad por un tiempo que él desea eterno. La búsqueda de esa felicidad es el motor que le moviliza y condena. La mujer\, en su caso\, es mas objeto de deseo que sujeto real. Por ello mismo\,su dificultad en retenerla. \nLa protagonista femenina es una mujer de extraña belleza que tuvo un momento de gloria en su carrera con este film\, pero que como la propia criatura a la que da vida\, no logra mantener en el tiempo. Ha sido trabajando hasta la actualidad. \nEl film permanece entonces como un momento muy especial en la carrera de director y actriz\, fenómeno frecuente en la Historia del Cien. El de nombres que parecían indicar grandes carreras pero quedaron solo en logros esporádicos. Su condición de «perla» es la que la ubica en ese espacio del celuloide integrado por películas realizadas por autores que acariciaron la brillantez para luego regresar a la modestia cuando no a la mediocridad mas absoluta. En todo caso\, se la puede considerar un clásico del cine galo. \n«EL MARIDO DE LA PELUQUERA» ( Le mari de la coiffeuse\, 1990) Francia / Director Patrice Leconte / Intérpretes Jean Rochefort\, Anna Galiena\, Roland Bertin / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 22 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/taller-de-cine-el-marido-de-la-peluquera-1990/
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