CINE: "MUERTE EN VENECIA"
2023-03-09 20:00 UTC | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores, la mención de una obra realizada medio siglo atrás, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco, aburrido, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada».
Para los curiosos, y porque no afirmar valientes, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine, deslumbrante, maravilloso y real. Que sigue esperando, como la bella durmiente del cuento, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976), Gustav Mahler (1860-1911), Thomas Mann (1875-1955), cineasta y director de teatro y ópera, compositor musical y escritor, respectivamente, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos.
La historia sitúa al protagonista, prestigioso músico en horas bajas a causa, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda, en la isla de Lido, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio, el joven bello del grupo, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…», piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar, la sexualidad insatisfecha, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra, pero también su lado oscuro, abyecto, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres, lo bello y lo feo, la bondad y la maldad, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996), uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999), británico de flema, dando vida a un destartalado espíritu alemán, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989), una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine, el cine considerado como obra de expresión artística, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese, que poco a poco, como en una nueva Dictadura de las emociones, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan, una vez más, ser recuperadas.
MUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde, Silvana Mangano, Bjorn Andrésen, Marisa Berenson, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.

CINE "45 AÑOS" (45 years, 2015).
2016-03-17 20:00 - 22:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
«45 años» narra la historia que transcurre en los días previos a un gran festejo de aniversario de una pareja que lleva cuatro décadas y media de matrimonio. Sin hijos, vecinos de un barrio residencial en los alrededores de una gran ciudad inglesa, la vida cotidiana transcurre en una aparente placidez, compuesta de comprensión y viejos hábitos. Las comidas, las caminatas, las lecturas, los preparativos para la gran fiesta de aniversario, ocupan las horas de Kate y Geoff.
Pero una mañana les visita el cartero…
Un brillante ejercicio sobre la memoria, el pasado y el presente de unos seres humanos que creían que ya no habría nada nuevo entre ellos.
El director Andrew Haigh (1973) debuta en 2009 con un film que muestra las intimidades de la prostitución masculina en Inglaterra, «Greek Pete».
En 2011, con su segunda obra, «Weekend», alcanza éxito critico y público en Europa, también indagando en las cuestiones humanas. Y en 2015 presenta en el Festival de Cine de Berlín su obra » 45 Years», obteniendo enorme suceso y logrando los premios a los mejores interpretes para sus protagonistas.
Que son dos de las figuras mas importantes del cine europeo de los últimos 50 años: el actor Tom Courtenay (1937) famoso interprete de «Doctor Zhivago» (1965, David Lean), donde daba vida a Sasha, el revolucionario marido de Lara, y que también fue figura descollante del cine de esa década, con títulos clásicos como » El mundo frente a mi» (1963), «Algo de Verdad» (1964), «El caudillo de los desalmados» (1965), «Por la Patria (1963) o «La noche de los Generales». Sin embargo, tras esa década exitosa, el británico solo trabaja en forma esporádica hasta la actualidad, gozando siempre de enorme prestigio con sus interpretaciones.
Charlotte Rampling (1946) debuta en Inglaterra en 1965 y es descubierta al cine internacional por sus trabajos en Italia entre los años 1968 y 1973: «La caída de los dioses (1969) de Visconti, «Adiós hermano cruel», (1971) de Patroni-Griffi, «Giordano Bruno» (1973) de Montaldo y «El portero de noche» (1973), film-escándalo de la realizadora Liliana Cavani que la pone en órbita internacional. Trabajaría luego en Francia, USA (con Woody Allen, Sidney Lumet, Alan Parker), Italia y su tierra natal, Reino Unido, donde sin embargo son menores sus aportes.
«45 años» explora los caminos del cine intimista, sobre y para adultos. Una tradición que se ha convertido por el momento en un genero minoritario del cine mundial, pero que sigue siendo terreno abonado para los nuevos creadores, y siempre esperados por un sector del público ajeno a modas y espectáculos infantiloides, que son los que lamentablemente imperan en la actualidad.
El enorme éxito de esta obra (su actriz fue candidata al Oscar este año 2016) abre puertas a la permanente esperanza de un cine reflexivo, que investigue la naturaleza humana, y que sea a la vez atractivo para las nuevas generaciones de espectadores inconformistas.
«45 YEARS/ 45 AÑOS» (2015,Reino Unido). Director Andrew Haigh. Intérpretes Charlotte Rampling, Tom Courtenay. Duración 1.35 minutos. Color. Versión original con subtítulos en castellano.

Cine: "LO QUE NO FUE" (Brief Encounter,1945).
2016-03-31 20:00 - 22:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
Terminada la Segunda Guerra Mundial se estrena en Europa una de las películas que mayor fama internacional alcanzaría en los años siguientes: «Brief Encounter» (Breve Encuentro) conocida en 1947 en Argentina como «Lo que no fue».
Dirigida por David Lean, uno de los mayores cineastas británicos («El Puente sobre el Rio Kwai»,» Oliver Twist», «Lawrence de Arabia» o «Doctor Zhivago», entre otras), la obra está considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos.
Escribió el teórico Manuel Villegas López: «…lo que pudo ser y no fue. Y porque no fue, pudo serlo todo. Este es el secreto encanto del film: la belleza del umbral, de asomarse y no entrar, de comenzar y no seguir, del soñar y no buscar la realidad de lo soñado…».
Transcribo sus palabras porque expresan literariamente el significado de una obra emblemática de la modernidad cinematográfica, cuya estela puede verse en films tan diversos y distantes como «Hiroshima mon amour» de Alain Resnais o «Los puentes de Madison» de Clint Eastwood, cineastas que bebieron de este título fundamental del mejor cine británico.
Laura y Alec son personas casadas que cruzan sus caminos en una estación de trenes: él es medico del Hospital de la ciudad y ella llega de un pueblo cercano para realizar compras, visitar amigas o ir al cine. Serán citas semanales de intensidad cada vez mayor. El enamoramiento mas profundo e inesperado les obliga a replantearse sus vidas. Las presiones afectivas de cada uno, marcaran el devenir de su amorosa historia. Porque de eso trata «Lo que no fue»: del descubrimiento del amor olvidado por dos seres de vidas anodinas.
La película se construye desde una historia mínima pero repleta de detalles que van encadenándose hasta llegar a momentos de enorme tensión dramática y emocional. Los protagonistas aportan su enorme talento interpretativo y potencial cinematográfico al triunfo de esta realización de David Lean (1908-1991). Basada en la obra teatral de Noel Coward (1899-1973),autor y actor, este film forma parte de la primera etapa del realizador, cuando su mirada era mas intimista. A partir del éxito mundial de «El puente sobre el Rio Kwai», su carrera daría enorme vuelco hacia obras mas espectaculares, hasta arribar a la final de su obra: la imprescindible «Pasaje a la India» (1984).
El cineasta debutó en 1942, y en esta su cuarta realización, dirige por tercera y última vez a la actriz Celia Johnson (1908-1982). Ambos fueron nominados al Oscar 1946 por este título.
El protagonista masculino es Trevor Howard (1913-1988), quién debutó en el cine pocos años antes de este rodaje. Howard tuvo una extensa carrera hasta el final de su vida, y volvió a trabajar a las ordenes de Lean en «La Hija de Ryan», el poderoso melodrama que realizó tras el suceso de Zhivago. El actor también trabajo con directores como Carol Reed, Luchino Visconti o Alain Tanner.
«Lo que no fue» sigue siendo un film absolutamente vivo y ferozmente moderno: condiciones únicas de los clásicos.
«Brief Encounter» (Lo que no fue, 1945)/ Reino Unido/ Blanco y negro/ 1h 26 min./ Director David Lean/ Interpretes: Celia Johnson, Trevor Howard, Stanley Holloway, Joyce Carey.

Cine: "Gran Torino" (idem, 2008)
2016-04-03 19:00 - 21:30 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
Clint Eastwood (1930) ha dirigido hasta la fecha 36 largometrajes paralelamente a su actividad como actor. La misma se inició en los años 50 con pequeñas participaciones en largometrajes y en televisión. Entre 1959 y 1965 protagonizó la serie Rawhide (Cuero Crudo), una de las muchas que ambientadas en el Far West americano, fueron grandes éxitos hasta cerrada la década de los 60.
En 1964 es contratado para protagonizar un film de ese genero en Almería, al sur de España. Producción italiana que cosecharía éxito internacional: «Por un puñado de dólares» (Sergio Leone, 1964). Tras dos obras mas con el mismo director, «Por unos dólares mas» (1965) y «Lo bueno, lo malo y lo feo (1966) y similar suceso, regresa a su país convertido en superstar. Condición que no ha abandonado hasta la actualidad.
«Gran Torino», realizada a los 78 años de edad, es también protagonizada por él. Que aprovecha cada uno de los deterioros físicos de su edad, para convertirlos en enormes aciertos de su imagen cinematográfica..Así crea el personaje de Walt Kowalski, a quién vemos recientemente viudo y viviendo solitariamente en su casa de siempre. Pero los nuevos tiempos y la decadencia de su otrora prodigiosa ciudad, Detroit (Michigan,USA), marcaran desde ahora su presente.
Al vecindario llega una familia de origen asiático pertenecientes a la etnia hmong o miao, procedentes del sureste asiático.Lo cual no ocasiona la menor gracia a un hombre gruñón, racista y viejo. Pero un acontecimiento fortuito, el intento de robo de su adorado Torino, lo pondrá en contacto con esta nueva realidad, y tejerá a partir de aquel momento una intensa relación amistosa con un joven de ese origen: Thao, apenas un adolescente.
La relación afectuosa entre un anciano y un joven de diferentes procedencias y vivencias, ambos habitantes del nuevo entramado social del Siglo XXi: las sociedades multi- étnicas que pueblan occidente.
Un relato que incorpora una trama políciaca, vigorosa. Un testimonio sobre la violencia, la intolerancia y la aceptación del Otro. Del diferente.
Obra cálida, producto del sabio transcurrir del tiempo en uno de los autores mayores del cine actual. La figura que junto a Woody Allen mejor representa los valores de una cinematografía siempre renovada pero que también guarda un espacio para los creadores mayores.
«Gran Torino» (2008). USA /1h 56 min./ Color/ Director: Clint Eastwood/ Interpretes: Clint Eastwood, Bee Vang.

Cine " DESAPARECIDO" (Missing, 1982).
2016-04-10 18:30 - 21:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
Como consecuencia del Golpe de Estado chileno del 11-09-1973, surgen voces críticas en todo al mundo ante las atrocidades cometidas por los militares, a cuya cabeza se instala Augusto Pinochet.
Y comienza a acuñarse un término de trágico uso y contenido en los años siguientes.
No es anteriormente no hubieran ocurrido sucesos similares en todo el mundo. Pero si que se internacionaliza la palabra a partir de entonces, sobre todo por su uso en crónicas periodísticas del sector mas progresista e izquierdista de la prensa y de la literatura socio-política-económica.
En ese contexto, es escrita la obra del norteamericano Thomas Hauser: el ensayo «La ejecución de Charles Horman». Que narra los esfuerzos de un ciudadano de aquel país por encontrar a su hijo en paradero desconocido tras el 11 de septiembre de 1973 en las inmediaciones de Santiago y Valparaiso: Charly Horman era reportero fotográfico y los sucesos lo encuentran trabajando en Chile. A partir de su «desaparición», llega al país el padre, y junto a la compañera sentimental del hijo, inician una desesperada ronda de contactos con autoridades consulares en Santiago para dar con él.
Como reza la publicidad del poster cinematográfico: » Charlie Horman pensó que ser norteamericano garantizaba su seguridad. Su familia creyó que ser norteamericano garantizaba la verdad. Todos se equivocaron»… escuetas frases que resumen el sentido de la obra.
El film fue estrenado en el Festival de Cannes de 1982 y causó sensación: ganó la Palma de Oro a la mejor película y el premio al mejor actor para su protagonista, el enorme Jack Lemmon (1925-2001). En los Oscar del año siguiente se alzó con el de mejor guión.
Pero por sobre todas las cuestiones, impuso a la opinión pública mundial el termino «missing» (desaparecido) a través del enorme suceso que la obra alcanzó. Así como reacciones contrarias que su propia realización provocó en amplios sectores norteamericanos, heridos por las directas acusaciones de complicidad de la CIA y la política exterior norteamericana en los acontecimientos que llevaron al derrocamiento del gobierno democrático de Salvador Allende, muerto a manos de los golpistas.
También originó su prohibición en la mayoría de los países bajo Dictaduras Militares feroces en Latinoamérica, donde recién pudo verse al regreso de las prácticas democráticas en cada uno de ellos.
«Desaparecido» tiene entonces una categoría única: la de ser el primer film de éxito masivo ( no el primero en abordar el tema, ya que el realizador exiliado chileno Helvio Soto (1930-2001) había realizado en 1975 en Francia y sobre el mismo tema «Il pleut sur Santiago/ Llueve sobre Santiago») en narrar desde la perspectiva de un extranjero y no de un nativo afectado, una de las grandes tragedias del Siglo XX.
Internacionaliza entonces el drama de los Derechos Humanos violados y la capacidad represora y genocída de los militares anti-democráticos.
Con una labor interpretativa extraordinaria por parte de Lemmon y la gran Sissy Spacek (1949) ( que saltó a la fama interpretando a la «Carrie» de Stephen King en 1976) mas el resto del elenco, Costa-Gavras rodó este film durante el año 1981 en localizaciones de Acapulco, Méjico.
La imposibilidad de hacerlo en escenarios naturales chilenos, presenta la siguiente ironía: en el año 1972 pudo realizar allí bajo el gobierno de Allende, otra de sus famosas obras: ·»Estado de Sitio» (Etat de siegue, 1973) que narra sucesos recientes en la cercana Uruguay, desde 1973 a manos de dictadura militar.
El realizador nacido en las cercanías de Atenas, Grecia en 1933, se formó en Paris, donde luego de graduarse en Literatura comienza a frecuentar el cine como ayudante de dirección de prestigiosos cineastas. Gracias al contacto que hace desde este rol con los actores Yves Montand y Simone Signoret, es que puede conseguir financiación para realizar su primer largo en 1965, «Compartiment toeurs» / Crimen en el coche cama», protagonizada por ambos, mas Jean Louis Trintrignant, futuro co- gestor del film que lanzó a la fama internacional años después: «Z» (zeta).
El suceso de este film da inicio a una de las mas apasionantes y consecuentes carreras cinematográficas de la Historia del Cine, donde el cuestionamiento y denuncia de cualquier tipo de Totalitarismo será la espina dorsal de su cine.
La dictadura de los coroneles griegos («Z»,1969), el estalinísmo («La Confesión»,1970), el colaboracionísmo francés durante la Segunda Guerra Mundial («Sección Special»,1975), el fascismo latente en el Sur de USA («El sendero de la traición», 1988), las complicidades entre el Vaticano y Hitler («Amen», 2002), las guerrillas y dictaduras latinoamericanas («Estado de Sitio»,1973 y «Desaparecido»,1982), el ocultamiento de crímenes de guerra («La caja de música», 1989), los desmanes de los medios de comunicación («Mad City», 1997), el intervencionismo israelí en Medio Oriente y el aplastamiento de las causas árabes («Hanna K», 1983), mas tres temáticas de rabiosa actualidad en el mundo: el drama de los inmigrantes hacía Europa («Eden al Oeste», 2009), el de los nuevos desocupados a causa del capitalismo mas salvaje («Arcadia» ,2005) o los siniestros movimientos del mundo financiero en complicidad con los gobiernos europeos («El Capital», 2012), su última película hasta la fecha.
En medio de tanto compromiso político se toma un descanso para narrar una bella historia de amor entre dos adultos («Claro de Mujer»,1979) y una divertida mirada hacia la institución familiar («Consejo de Familia», 1986).
«Donde sobra un hombre» (1967) y «El pequeño Apocalipsis» (1993) completan su lista de largometrajes.
También realizó un documental para la TV francesa sobre la figura de su amigo y colaborador Yves Montand (1970), con quién realizó seis trabajos conjuntos, y segmentos para films colectivos franceses (1991 y dos en 1995).
Debutó con un corto en 1958, «Les Rates».
Ha dirigido a interpretes fundamentales como los tres nombres citados, mas Michel Piccoli, Irene Papas, Renato Salvatori, Jacques Perrin, Jean Claude Brialy, Romy Schneider, Johnny Halliday, Fanny Ardant, Jessica Lange, Dustin Hoffman o John Travolta, entre muchos otros.
Uno de los directores mas respetados del mundo en cuestión de Derechos Humanos.

«MISSING» /Desaparecido, USA-1982/ Director Konstantin Costa Gavras/ Interpretes Jack Lemmon, Sissy Spacek, Janice Rule y John Shea/ música Vangelis / Color /Duración 2hs 2 minutos.

Cine: "ASESINATO EN EL ORIENT-EXPRESS" (1974).
2016-04-21 20:00 - 22:30 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
Agatha Christie es uno de los nombres mas populares de la historia de la literatura británica y sus libros han sido vendidos y leídos en todo el planeta. Nacida en 1890, plena Era Victoriana y muerta en 1976, sus 86 años de existencia fueron sumamente prolíficos y escribió decenas de títulos. Su nombre fue sinónimo de misterio, suspenso y asesinatos, y aunque sus cualidades literarias no eran muy destacables, el entusiasmo contagioso con que construye su obra, le otorgan un lugar de lujo entre las escritoras mas famosas de la Historia.
En 1934 publica una de sus mas populares historias, donde el protagonista vuelve a ser el Inspector Poirot, de origen belga y siempre molesto por las confusiones que provoca su nacionalidad. Poirot es junto a Mrs.Marple, el personaje mas constante en la obra de la narradora.
«Asesinato en el Orient-Express» es llevada al cine en 1974 por productores británicos que rodarían tres títulos mas sobre Christie en los años siguientes, a causa del extraordinario impacto que esta película tuvo entre los espectadores. La obra está dirigida por un realizador norteamericano de enorme prestigio: Sidney Lumet ( 1924-2011) autor de films clásicos como «Doce hombres en pugna», «Sérpico» o » Tarde de Perros». Esta es una de sus escasas salidas de territorio americano para trabajar en cine. El notable resultado de tamaña empresa es en parte fruto de su talento al dirigir a un plantel deslumbrante de intérpretes. Actores y actrices que simbolizan distintas eras del cine: los años 40 (Ingrid Bergman, Lauren Bacall o Richard Widmark), los 60 (Sean Connery, Vanessa Redgrave, Anthony Perkins, Jean Pierre Cassel) y los propios 70 (Jacqueline Bisset, Michael York). Un grupo de formidables nombres de la escena y el cine británico (Wendy Hiller, John Gielgud, Rachel Roberts) completan la función.
El lujoso tren Orient-Express parte de Estambul rumbo a Paris. Su pasaje está repleto de extravagantes personajes: el Inspector Hercules Poirot, millonarios de toda clase y nacionalidad, policías, inspectores… y también gente común. A poco de iniciar su marcha, una tormenta de nieve paraliza el viaje. En medio del frío y la noche, alguien muere entre los pasajeros. Y la lista de sospechosos se concentra en un solo vagón del tren.
A partir de ese momento, las pesquisas comienzan y la trama se va embrollando cada vez mas. Lo típico en la narrativa de Agatha Christie: un festín para la intriga, la deducción, donde el espectador pasa a integrar la lista de los investigadores:… ¿quién mató al malvado Ratchett?.
Una película deslumbrante en fotografía, diseño, vestuario, música, modélica del cine de suspenso y asesinatos, que cuarenta años después de haberse estrenado, ha ganado en prestigio. Un clásico absoluto de los fabulosos años setenta, época de esplendor para todo tipo de cine y barrera del cine actual.
Un regreso a la era clásica.
«Asesinato en el Expreso de Oriente» (Murder on the Orient-Express, 1974) Reino Unido / Color / 2hs. 8 minutos / Dirección: Sidney Lumet, sobre original de Agatha Christie/ Interpretes Albert Finney, Lauren Bacall, Martin Balsam, Ingrid Bergman, Jacqueline Bisset, Jean Pierre Cassel, Sean Connery, John Gielgud, Wendy Hiller, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave, Richard Widmark, Michael York.

Cine "ESCÁNDALO" (Notes on a scandal, 2006).
2016-05-05 20:00 - 22:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
En el año 2006 se estrena una obra muy esperada para los seguidores del cine británico:»ESCÁNDALO» (Notes on a scandal). Su director, Richard Eyre (1943) había triunfado en 2001 con su acercamiento a la figura de la escritora Iris Murdoch y su enfermedad terminal en el film «IRIS», donde la protagonista tenía los rostros de dos enormes actrices: Judi Dench (1934) que la incorporaba en la actualidad, y Kate Winslet (1975) que lo hacía en su juventud.
En Argentina la obra se conoció con el título de «Escándalo». El director vuelve en la ocasión al estricto mundo femenino, y lo hace otra vez de la mano de dos enormes interpretes: la misma Judi Dench de su film anterior y la promesa de la nueva generación Cate Blanchett (1969). En todo caso, dos actrices sublimes capaces de llevar adelante los proyectos mas variopintos dentro de la producción actual.
En un colegio de clase media londinense cumple su etapa final como maestra Barbara Cosett, una rígida, reprimida y un punto desquiciada mujer de 70 años. Para ella no existe realidad fuera de la mas férrea disciplina y el orden con que ha imprimido su trabajo a lo largo de toda su vida (que es la de toda una nación de principios muy rígidos). Al centro, arriba una nueva docente inclinada al arte, la deslumbrante Sheba Hart. En las antípodas de la primera, la irrupción de esta joven treintañera revolucionará la vida de la adulta profesora.
Cuando ocurre un incidente que pone en peligro todos sus planes (y fantasías) y que involucra a Sheba, Barbará verá totalmente afectada su sensibilidad y comenzará a partir de ese momento, una destructiva carrera para apoderarse de la intimidad y persona de la otra. Que verá como se tambalea su hasta entonces controlado mundo familiar: casada con un hombre mayor (fue su profesor en la universidad) y con dos hijos adolescentes.
Los rígidos sistemas de parte de la sociedad británica son puestos al descubierto a través de la confrontación de dos personajes antagónicos: el de una mujer libre, capaz de transgredir los mas temidos limites de la hipocresía social y otra prisionera de ellos. La envidia, el deseo, la maldad acumulada que estalla de pronto, la terrible presencia de la prensa amarilla que potencia y perpetua las bajezas mayores de toda sociedad, son los temas apasionantes que propone esta obra, la mejor probablemente de su realizador. Un film vigoroso y apasionante, pleno de intriga que ocasiona una profunda complicidad en el espectador y lo obliga a tomar partido por alguna de las acciones que dibujan la trama.
Una obra comprometida, lograda, una película hermosa y dolorosa por partes iguales que nos recuerda nuestra irremediable y fascinante condición humana.
«NOTES ON A SCANDAL» /»ESCÁNDALO»/ 2006 / Director Richard Eyre / Interpretes Judi Dench, Cate Blanchett, Andrew Simpson, Bill Nighy/ 1h 32 minutos.

(Reino Unido, 2006). Director: Richard Eyre. Interpretes: Judi Dench, Cate Blanchett y Andrew Simpson. Duración 1.32 minutos. Color. Versión Original con subtítulos en castellano.

Cine: "VECINOS Y AMANTES" (Strangers when we meet, 1960)
2016-05-08 18:30 - 21:00 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
Los amantes. Los matrimonios. Los casados que se enamoran de casadas. Las casadas de casados, etc, etc, etc. La hipocresía de la sociedad…y la permanencia de los tópicos y los prejuicios a pesar de estar en el año 2016. Los cambios sociales no afectan a todos por igual: lo que puede (y debe) ser tolerado entre adultos, lo es solamente en espacios y sectores muy especiales. Las grandes ciudades cargan con el mito de que todo es posible en ellas…y menos en las del interior de los lugares de todo el planeta. Lo que diferencia a unas de otras es el anonimato, entre otras cosas.
«Vecinos y amantes» cuenta ya con 55 años desde su estreno. Y la temática sigue siendo curiosamente actual. A pesar de las décadas transcurridas, los enormes cambios en los hábitos y las costumbres que durante este largo período se han sucedido, algunas cosas no solamente no han variado, sino que parece que muchas han comenzado un tránsito a la inversa. El enamoramiento de terceros durante sus matrimonios, forma parte de las posibilidades humanas y este film enorme, habló y sigue hablando de ello. No todos se atreven a separarse y enfrentar su nueva realidad. Las vidas «paralelas» siguen teniendo curiosa vigencia a pesar de estar legitimado el divorcio.
Dirigida por un cineasta hoy olvidado y que dedicó la mayor parte de su carrera a la comedia, esta película no fue un gran suceso en el momento de su estreno a pesar de estar interpretada por dos de las mas grandes estrella/ interpretes de esos años. El tema tabú recién comenzaba a resquebrajarse, y corrió entonces la suerte de muchas pioneras: no ser atendidas. Pero los años y el tiempo suelen poner las cosas en su lugar y hoy goza de mucha vigencia y nos ayuda a comprender el peso de las transgresiones en las sociedades rígidas.
Kirk Douglas (1916) y Kim Novak (1933) formaron por única vez pareja en esta obra y sus potentes imágenes cinematográficas dan vida a Larry y Margaret. Ël, un arquitecto casado y ella, un ama de casa llena de insatisfacciones en su matrimonio. Se conocen frente al colegio donde van sus hijos y rápidamente quedan atraídos el uno por la otra. Pero la pasión no es todo en un ambiente donde la gente parece poner la mirada donde no le corresponde.
Richard Quine (1920-1989) fue uno de los grandes directores de la comedia americana y tuvo una colaboración estrecha con la la protagonista a quien dirigió en cuatro de sus mas populares films entre 1954 y 1962, entre ellas la recordada «Sortilegio de amor» (Bell, book and candles, 1958) donde la rubia interpretaba a una bruja actual con preferente dedicación a los gatos y a los hombres y que fue inspiración de una de las mas populares series telivisivas de los años 60: «Embrujada».
El director dirigió también a figuras como Jack Lemmon, James Stewart, Judy Holliday, Audrey Hepburn, Nathalie Wood o Henry Fonda. En 1989, deprimido por la falta de trabajo, se suicidó a los 69 años de edad. Los dos protagonistas, cuentan al momento de escribir estas lineas con 99 y 83 años de edad y sus presencias ocupan aun lugar en los medios de comunicación.
«VECINOS Y AMANTES» (Strangers when we meet) /1960 /Color / interpretes Kim Novak, Kirk Douglas, Barbara Rush, Ernie Kocaks, Walter Matthau / 117 minutos.

Cine: "ALMAS EN SUBASTA" ( Room at the top, 1959).
2016-05-19 20:00 - 22:15 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
«Almas en subasta» es una de las grandes películas de la historia del cine británico. Estrenada en 1959 por un director debutante en el largometraje, la obra ganó premios y público internacional en las temporadas siguientes.
Relata la historia de Joe Lampton, hombre joven, de origen pobre y sus intentos por ir ascendiendo socialmente. Su buena presencia física, su inteligente y seductora manera de relacionarse con mujeres y amigos, le facilitan los intentos en la ciudad donde recientemente ha llegado. Con la mirada puesta en una joven heredera de la región, su camino hacía ese «lugar en la cumbre» del que habla su título original, solo se verá afectado por el cruce con otra mujer. Una extranjera mayor que él, actriz y mujer de gran belleza y mejor condición humana. Pero «no se puede tener todo en la vida» y el personaje tendrá que resolver sus prioridades.
«Almas en subasta» reflexiona sobre un tema siempre candente y hoy, a 57 años de su estreno, conserva toda su carga expositiva, porque el comportamiento humano sigue siendo el mismo y la profundización del sistema capitalista en nuestra realidad no ha hecho mas que potenciar las mismas cuestiones que definen al personaje.
Dirigida por el gran cineasta Jack Clayton (1921-1995) que soló dirigió 7 largos entre 1958 y 1987, algunos de ellos obras maestras del cine (esta y «The Innocents»,1961) e interpretada por la gran actriz francesa Simone Signoret (1921-1984), el olvidado Laurence Harvey (1928-1973), figura de gran popularidad en los años 60, y Heather Sears, de fugaz carrera en el cine, la obra iniciatica del realizador conserva intacta sus virtudes.

Esta película estuvo nominada a los premios Oscar 1959 al Mejor Director, Mejor Film, Mejor Actor y ganó el de Mejor Actriz para Simone Signoret, siendo la segunda actriz de origen francés en tenerlo tras Claudette Colbert.
«Almas en Subasta» (Room at the top, 1959) /Reino Unido/ director Jack Clayton /Interpretes Laurence Harvey, Simone Signoret, Heather Sears, Donald Wolfit/ Blanco y Negro / 1h 55 minutos/

Cine "PERDIDOS EN LA NOCHE" (Midnight cowboy, 1969)
2016-05-21 18:30 - 21:00 | Buenos Aires
Con la proyección de esta película daremos inicio a un nuevo Ciclo de Cine en la ciudad de Azul, llamado «Recuperando Clásicos», que se proyectará en las instalaciones del Colegio Inmaculada Concepción en horarios y fechas que serán debidamente anunciadas (a partir de mayo de 2016).
El objetivo de estos encuentros cinematográficos con la población, es traer al presente películas convertidas en hitos de la pantalla anteriores a la llegada de las nuevas tecnologías.
Porque a partir de 1977 la forma de hacer, ver y exhibir cine cambió para siempre. La irrupción de deslumbrantes efectos especiales en films como «La Guerra de las Galaxias» (1977), «Encuentros Cercanos del Tercer Tipo» (1978), «Alien, el octavo pasajero» (1979) o «Blade Runner» (1982), mas la masificación de la televisión por cableado de los años ochenta, originaron el cierre progresivo de salas de cine en el planeta entero y la formación de nuevos hábitos en el consumo de entretenimientos. Y en el propio concepto del cine, como manifestación también artística.
Las dos últimas décadas no han hecho mas que profundizar estos cambios de hábitos. La proliferación de nuevas dimensiones y calidades visuales/ auditivas de las últimas generaciones de televisores, mas los nuevos formatos (computadoras, tablets, teléfonos celulares, etc) han traído como consecuencia una nueva manera de ver y de hacer cine.
Que es el que llena el 90% de los espacios reseñados. Y que, contradictoriamente, provocan vacíos que es preciso rellenar.
El regreso a la exhibición de cine en espacios pequeños y alternativos está ganando adeptos en las grandes ciudades del mundo. Por el momento, de manera muy minoritaria, pero parece resultar una tendencia en alza.
Estas proyecciones, combinadas con la modernización de las actuales salas cinematográficas que incorporan todos los adelantos digitales, dan como resultado un enriquecimiento en la oferta cinematográfica para todos los amantes de este arte ya centenario. Y enormemente atractivo para los públicos de todas las épocas que concurrieron tras su aparición en el año 1895.
Porque los espectadores que han sobrepasado los 50 años de edad, son los que básicamente echan en falta ese «otro cine». Que no es mas que el que vieron en sus primeras décadas de vida y que añoran volver a tener presente. Solo algunas ofertas televisivas se ocupan de esto y lo hacen, como no puede ser de otra manera, insatisfactoriamente.
El presente Ciclo de Cine está formado por películas realizadas entre los años 1950 y 1995, mas dos títulos de fechas anteriores que serán mostrados como ejemplos de cine clásico y moderno a la vez. Todas estas obras seleccionadas guardan en común el haber sido títulos muy apreciados en momento de su estreno y haber gozado de largas temporadas de exhibición hasta convertirse en hitos de su historia.
Como citamos al inicio, el título escogido para inaugurar este ciclo es «PERDIDOS EN LA NOCHE». Estrenada en el año 1969 (al siguiente en nuestro país) y dirigida por el realizador de origen inglés John Schlessinger (1926-2003), autor de obras emblemáticas del cine como «Darling»(1965), «Lejos del Mundanal Ruido» (1967), «Dos Amores en Conflicto» (1971), «Como Plaga de Langosta» (1975) o «Maratón de la muerte» (1976), la película causó sensación al estrenarse y ganó varios premios Oscar de esa temporada, convirtiéndose en una de las abanderadas de un nuevo tipo de cine libre de censuras y que llevaba a un primer plano temáticas hasta entonces poco vistas en el cine norteamericano.
Es la historia del encuentro entre dos hombres, Ratso y Joe. El primero sobrevive malamente en las entrañas de New York y el segundo es un provinciano que llega a la ciudad dispuesto a conquistarla. Son dos hombre jóvenes pero con una amarga trayectoria cada uno y la suerte los reunirá en las calles de la metrópoli. Se establece entre ambos una relación de necesidad que luego dará paso a una afectividad real, necesaria para enfrentar las situaciones que la cotidianidad les impone. En el camino, una serie de personajes se incorporan a sus vidas: mujeres y hombres, como ellos, perdidos en la jungla humana de finales de los sesenta, una época convulsa que daría lugar a una nueva manera de vivir la vida en todo occidente.
Esta película conserva intacta sus cualidades de entonces y a pesar del tiempo transcurrido nos demuestra que la condición humana se mantiene fiel a si misma: en los mejores y también en los peores aspectos que la conforman.
La banda sonora contiene un tema ya mítico » Everybody’s talking» (Todos hablan) de Harry Nilsson y por sobre todas las consideraciones, de las primeras actuaciones en las carreras de dos interpretes fundamentales del cine americano: Dustin Hoffman (1937) y Jon Voight (1938), dos de los mas prodigiosos interpretes del cine. El primero venia de triunfar en «El Graduado» (1967) y el segundo se consagró con este film. La carrera de ambos se dispara a partir de este título, y 47 años después siguen en activo. Un elenco donde sobresalen tres actrices hoy olvidadas e igualmente talentosas, como Brenda Vaccaro, Sylvia Miles y Jennifer Salt, les acompañan.
Radiografía de una época y uno de los títulos clásicos con que se cerraron los años 60, década de vanguardias artísticas y movimientos sociales que conserva ecos en nuestros días.
MIDNIGHT COWBOY/ PERDIDOS EN LA NOCHE/ 1969 /USA /Color / 1h 53 minutos / UNITED ARTISTS.

Cine: "EL OTRO LADO DE LA CAMA" (2002)
2016-06-05 18:30 - 20:30 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
«El otro lado de la cama» es una comedia de enredos entre parejas amigas y amigos de las parejas, que intercala momentos musicales donde los protagonistas entonan canciones pop del repertorio español de los años noventa. Y las letras de estos temas se adaptan a las tramas que unen a los personajes. Es un homenaje al cine musical americano de los años cincuenta pero con una adaptación absolutamente fiel a los tiempos actuales. Las historias y desventuras de Sonia, Paula, Javier y Pedro se entroncan a partir de los secretos y mentiras que cada uno practica.
La película se convirtió en todo un fenómeno popular en España y fue adaptada años después como pieza teatral de igual éxito, con representaciones en otros países, entre ellos Argentina. También tuvo una secuela en 2005, pero el suceso no acompañó estas segundas aventuras de los amigos protagonistas.
Javier y Pedro están en la treintena y ambos tienen como novias a dos mujeres muy bellas: Sonia y Paula, que también dicen ser amigas. Pero la realidad es muy diferente ya que tras esa aparente calma se esconden secretos y traiciones entre ellos. Las mentiras se van enredando unas con otras y finalmente complican las vidas de todos.
Desde el humor mas desenfrenado y la falta de tapujos para tratar la sexualidad en el mundo de los jóvenes, el film se convierte en un retrato generacional y cultural de la Europa de principios de milenio, con características que pueden reflejar otras realidades mas distantes, como las de ciertos sectores sociales latinoamericanos.
Un grupo de interpretes jóvenes y talentosos dan cuerpo y alma a estas criaturas que viven en la confusión mas absoluta y con muchas dificultades para alcanzar la adultez. Tampoco han variado demasiado las cosas quince años después.
Emilio Martinez- Lázaro (1945) es un director español activo en la dirección de largometrajes y series de televisión desde el año 1971. Dos de sus obras están entre las mas vistas de la historia del cine español: ésta y » 8 apellidos vascos» (2014) y está considerado como uno de los referentes en la comedia cinematográfica española.
«El Otro Lado de la Cama» (2002) España / director Emilio Martinez Lázaro. Interpretes Ernesto Alterio, Paz Vega, Guillermo Toledo, Natalia Verbeke, Alberto San Juan, Maria Estevez / Color / 1h 44 minutos.

Cine " MUERTE EN UN FUNERAL" (2007)
2016-06-09 20:00 - 22:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
Frank Oz (1944) es un inspirado director británico que inició su carrera en 1982 en el cine de animación, para convertirse a continuación en autor de comedias de Hollywood. En 2007 regresa a su tierra y rueda este film de humor negro.
El cine británico cuenta con una larga trayectoria en el genero de la comedia, siendo los años 50 unas de la eras doradas de esta variante de la narrativa cinematográfica. Esta obra es continuadora directa de esta modalidad.
El patriarca de una extravagante familia muere y sus familiares organizan un funeral para honrar su memoria. Pero el lugar de semejante encuentro no resulta ser el mas adecuado para integrantes de personalidades tan variopintas. Y lo que debería ser un acto solemne y de respeto a la memoria del muerto, se convierte en un desfile de desastres y de conflictos entre todos ellos. Asomaran las realidades escondidas de cada uno y secretos inconfesables del hombre desaparecido.
La comedia de humor negro es una de las alternativas mas sugerentes y complejas del genero, que requiere mucha sutileza por parte de sus hacedores. En esta ocasión, salvo algunos prescindibles altibajos, las reglas del juego funcionan a la perfección.
Un reparto de veteranos del espectáculo inglés como Jane Asher, Peter Vaughan o Rupert Graves comparten sus trayectorias con actores nóveles como Matthew Macfadyen o Alan Tudyk, todos excelentes en sus caracterizaciones.
DEATH AT THE FUNERAL / UK-2007/ Director Frank Oz /Interpretes Matthew Macfadyen, Jane Asher, Alan Tudyk, Ewen Bremer, Peter Vaughan, Rupert Graves / Color / 1h 28 minutos.

CINE "OMAGH" (2004).
2016-06-23 20:00 - 22:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
«OMAGH» es el título de un film irlandés de 2004 que toma el nombre de la ciudad homónima, ubicada en Irlanda del Norte. La obra recrea un atentado terrorista ocurrido en esta localidad el 15 de agosto de 1998, perpetrado por una facción disidente del histórico grupo revolucionario fundado en la década de 1920 tras la Independencia de Irlanda: el IRA (Irish Republican Army) o Ejercito Republicano Irlandés es su traducción al castellano.
Cuando el 10 de abril de ese mismo 1998 se firma el Acuerdo del Viernes Santo ( Good Friday Agreement) o Acuerdo de Belfast entre la República de Irlanda, Irlanda del Norte y el Reino Unido, que intenta poner fin a siete décadas sangrientas en los territorios de las Islas Británicas, un pequeño grupo de militantes que no está de acuerdo con estas políticas (en 2005 se estima que no llegan a las 150 personas), decide realizar una acción violenta para demostrar que el deseo de una nación unificada sigue estando vigente.
Y realizan un atentado en el centro de la ciudad que deja 29 muertos y centenares de heridos. La película recrea la historia de la familia de una de esas victimas y sus esfuerzos para pedir justicia a la autoridades en unión con otros afectados. Los momentos previos al suceso, el mismo y sus consecuencias, forman la trama de esta valiosa obra cinematográfica que forma parte de una serie de retratos sobre el conflicto entre Irlanda y Reino Unido, que tienen como precedentes famosos las obras «El Delator» (1935) de John Ford, «Larga es la Noche» (1947) de Carol Reed y «La hija de Ryan» (1970) de David Lean, tres cineastas enormes que retrataron con maestría el conflicto desde una perspectiva humana: las consecuencias de la violencia en los protagonistas de los acontecimientos. A partir del éxito en 1990 de la obra de Ken Loach «Agenda Oculta», una larga serie de films han tratado esta temática hasta la actualidad. Entre los mas populares están: » Juego de Lagrimas» (1992), «En el nombre del padre» (1993), «Michael Collins» (1996) y «El viento que acaricia el prado» (2006).
El Terrorismo es un tema de furiosa actualidad hoy y lo fue durante gran parte del siglo XX en diferentes rincones del planeta. El del IRA, junto al vasco ETA y al italiano Brigadas Rojas, tres de los mas dolorosos que han atravesado la reciente historia europea.
«Omagh». 2004 / Irlanda- Reino Unido / Director Pete Travis / Interpretes: Gerard McSorley, Michele Forges, Brenda Fricker/ Color / Duración 106 minutos.

CINE: "LA DAMA DE ORO" (2015).
2016-06-26 17:30 - 19:30 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
En el año 1912, el mismo del hundimiento del Titanic, el gran artista austriaco Gustav Klimt (1862-1918) realiza una de sus mas famosas pinturas: el retrato de Adele Bloch-Bauer, la mas habitual de sus modelos. A sus 30 años, Adele destaca por su belleza y prestigio social en Viena. Muere joven en 1925. Una de sus sobrinas, Maria Altmann (1916. 2011) luchara por la herencia de este y otros cuadros, décadas mas tarde, a finales del Siglo XX.
Refugiada judía tras la invasión de Austria por los Nazis, la mujer descubre en su vejez que tiene la posibilidad de reclamar al gobierno austriaco la pertenencia de esos tesoros artísticos pertenecientes a su familia y robados por los alemanes durante la ocupación del país europeo. Con la colaboración de un abogado heredero de otro gran apellido, Randy Schoenberg, nieto del transgresor músico, inicia la recuperación de las obras…y de su pasado.
Con la interpretación de la gran actriz británica Helen Mirren, ganadora del Oscar por su interpretación de la reina de Inglaterra en » The Queen», la película trata en realidad de la búsqueda y recuperación de una memoria sepultada por los horrores de la Segunda Guerra Mundial y los desastres provocados por Hitler y su gobierno en millones de seres humanos que padecieron el período mas dramático de la Europa del Siglo XX.
«La dama de oro» narra la historia de esta mujer que regresa tras haber jurado no hacerlo, a su país natal. Y el enfrentamiento con las autoridades por una propiedad usurpada. La recuperación de su memoria a través de una ciudad que habitó y vivió en su infancia y juventud. Donde ningún afecto familiar ha sobrevivido pero si los recuerdos, los lugares, el sitio de donde huyó en busca de la salvación.
«La dama de oro» (Woman in gold, 2015)- Reino Unido-USA / Director: Simon Curtis (Interpretes: Helen Mirren, Ryan Reynolds, Daniel Bruhl, Elizabeth MacGovern, Katie Holmes.

Cine: "EL RETORNO DEL SOLDADO" (1982)
2016-07-14 20:00 - 22:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina

Cine "UNA VEZ EN LA VIDA / HERIDA" (Damage, 1992).
2016-08-07 17:30 - 19:30 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
Stephen e Ingrid son los padres de Martin. Forman una familia acomodada en el mundo de la política londinense. Cuando el joven conoce, se enamora y casa con Anna, una mujer francesa, la historia familiar toma un matiz insospechado. La reciente nuera se convierte en amante del renombrado político y el drama se dibuja en el horizonte del grupo humano. Los aspectos mas oscuros y turbulentos de esta condición se muestran en su plenitud entonces.
«Herida» ( que no merece el absurdo y banal título que se le dio al film en Argentina) es el penúltimo film que dirigió el maravilloso cineasta francés Louis Malle (1932-1995) en sus fértiles 63 años de vida. Que estuvo llena de logros en lo profesional desde que debutara como co-director junto al científico y oceanógrafo Cousteau en la obra «El mundo del silencio» (1956), uno de los primeros largos que filmó los abismos marinos del planeta. Esta faceta como documentalista daría otros títulos a lo largo de su carrera. Pero es principalmente en la ficción donde el nombre del director destaca. Su obra es contemporánea a la de los autores que compusieron la Nouvelle Vague, movimiento cinematográfico francés surgido a partir del debut en la dirección de anteriores críticos y pensadores del Cine, como Chabrol, Truffaut, Rohmer, Rivette y Godard. A él no le agradaba ser incluido en este apartado.
Autor de obras legendarias como «Ascensor para el cadalso», «Zazie en el Metro», «Fuego Fatuo», «Soplo al Corazón», «Lacombe Lucien» o «Atlantic City» (realizadas en sus dos países de residencia, Francia y USA) Louis Malle regresa a su tierra nativa para retomar los temas que siempre marcaron su creatividad: el análisis de los comportamientos mas turbios, complejos y ocultos de los seres humanos, y retoma deliberadamente las enseñanzas de la antigua tragedia griega para dibujar las andanzas de sus criaturas.
Se fortalece en la elección de tres intérpretes surgidos durante los años 80, como son los británicos Jeremy Irons, Miranda Richardson y Rupert Graves y la francesa Juliette Binoche, figuras que desde entonces no han parado de trabajar, con resultados diferentes en sus respectivas carreras (Binoche ha sido la figura mas perdurable y rigurosa en la elección de sus trabajos y es hoy una de las grandes divas del cine europeo con incursiones en cinematografías como la de USA o bajo la dirección de cineastas extranjeros que trabajan en Europa).
Una actriz legendaria completa el elenco protagónico: Leslie Caron, la deslumbrante bailarina francesa compañera de Gene Kelly ( y descubierta por él) en «Un Americano en Paris», legendario musical de los años 50 e intérprete de gran talento dramático como lo demostró en trabajos como » La habitación indiscreta» o sus trabajos a las órdenes de Zanussi, el cineasta polaco que la contó en varios de sus trabajos en los años 80, Truffaut o Russell, entre otros.
«Herida», a 23 años de su estreno, mantiene intactas las condiciones de gran cine y es una de las obras capitales de la última etapa del realizador.
«DAMAGE» (Una vez en la vida.Herida, 1992) /Francia- Reino Unido / Color / 1hora 51 minutos / Interpretes: Juliette Binoche, Jeremy Irons, Miranda Richardson Rupert Graves, Leslie Caron.

Cine: "LUNAS DE HIEL" (1992).
2016-08-11 20:00 - 22:30 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
En 1962, tras rodar 9 cortometrajes entre esa fecha y 1955, el director nacido en París (pero formado en Polonia, patria de sus padres inmigrantes) Roman Polanski, rueda su primer largo: «El cuchillo bajo el agua». La historia, un triangulo amoroso que discurre a bordo de un barco, contiene ya todos los elementos que estarían presentes en su obra hasta el presente. Una de las trayectorias mas coherentes del cine de los últimos 50 años que destaca por su calidad casi generalizada (con caídas abruptas como corresponde a los grandes creadores).
«Bitter Moon» (1992) es una coproducción entre UK, Francia y USA, tres de los países que estuvieron siempre tras el gran realizador al dejar su país natal, y retoma de alguna manera el escenario y trama de su primer film. Se estrenó en Argentina con el deformado título «Perversa lunas de miel», que nada tiene con el irónico » lunas de hiel» original.
A bordo de un crucero por las Islas Griegas se produce el encuentro de dos parejas antagónicas: Fiona y Nigel, unos aburridos casados británicos que intentan reverdecer viejas épocas y Oscar y Mimí, un escritor americano y su esposa francesa que representan todo lo contrario a la correcta y aparentemente calma pareja de ingleses. Nigel cae fulminado ante el atractivo sexual que Mimi ofrece sin pudor alguno. Pero Oscar, compañero lisiado de la explosiva rubia lo percibe en el acto y a partir de allí («…mira como me ha dejado ami…», le dice), a modo de advertencia ( y mucho narcisismo) se ocupará de relatar al joven quién es verdaderamente esta mujer. Un relato en el que la cuarta parte, Fiona, resulta ser la testigo mas distante. Pero ese es solo el comienzo de la trama…
Interpretada por un actor en alza en el momento del rodaje (y luego perdido en la televisión y films intrascendentes) PeterCoyote (1941) que realiza una extraordinaria composición de Oscar y la esposa del director Polanski, la francesa Emmanuelle Seigner (1966), con quién ha colaborado hasta el momento en otros tres films («Frenético», «La Novena Puerta» y «La Venus en Piel») la obra insiste en las temáticas tan queridas por el realizador: los aspectos mas perturbadores, oscuros, escondidos, silenciados de la naturaleza humana. La condición del amor, la pasión y su reverso, el odio. Las relaciones que comienzan iluminadas y a poco van opacándose, atrapando a los amantes en un juego de destrucción mutuo. Los testigos silenciosos y salpicados por estos aspectos personales. El Otro como espejo de Uno mismo.
Hugh Grant y Kristin Scott Tomas, dos de los interpretes claves del cine británico de las últimas décadas completan el cuarteto, interpretando a esa pareja cansada, aburrida, silenciosa, que observa con creciente perturbación el devenir de los acontecimientos en medio de un mar tan calmo como vibrante el interior de la nave que los transporta.
«Bitter Moon» (1992) forma con «Repulsión» (1965), «El Bebe de Rosemary» (1968), «Barrio Chino» (1974), «Tess» (1979) y «El Escritor» (2010) el grupo mas sólido de la obra de este enorme artista nacido en 1933.
«Bitter Moon» (Lunas de Hiel,1992) /Director: Roman Polanski / Música: Vángelis / Fotografía: Tonino Delli Colli / Interpretes: Peter Coyote, Emmanuelle Seigner, Kristin Scott-Thomas y Hugh Grant / Color / Reino Unido-Francia- Usa / Duración: 139 minutos.

Cine: "INTOCABLES" (Intouchables, 2011).
2016-08-21 17:30 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
Un millonario francés tetraplejico, que necesita cuidado constante para mover su silla de ruedas, se harta de ser tratado como un pobre hombre por sus cuidadores. Y como el dinero todo lo puede, y sus caprichos también, apuesta por un inexperto joven senegalés para ocupar el puesto vacante.
La historia ha dado lugar a uno de los sucesos cinematográficos mas espectaculares de la historia del cine de Francia, donde esta obra fue vista en los meses siguientes a su estreno por una cifra superior a los 20 millones de espectadores, que convirtieron al film en todo un acontecimiento sociológico. Pocas películas tienen este destino, y la calidad de las mismas pasa a ocupar un segundo plano en términos artísticos.
Pero resulta que esta obra está bien equilibrada y se convierte en un valioso retrato de un tema hoy mas candente que nunca en toda Europa: la cuestión de las masivas migraciones que desde todos los rincones del planeta llegan a este territorio huyendo de sus tierras nativas, ya sea por cuestiones de supervivencia por motivos de guerra o por cuestiones económicas que empuja a estos seres humanos a recorrer enormes y peligrosas distancias en pos de un paraíso que no es tal. Elegir la vía de la comedia no impide mostrar la realidad de este sector de la población que habita enormes barrios en las metrópolis e interior de los diferentes países..
«Intocables» ha dado lugar en nuestro nación a una novedad: por primera vez y de manera directa se adapta una producción extranjera. El camino inverso es el conocido por la industria argentina desde principios de los años cuarenta, cuando un éxito de entonces, «Los Martes Orquideas» (1941) fue adaptada en Hollywood. Y Rita Hayworth transformó el personaje de Mirtha Legrand en heroína de comedia musical. En los años sesenta se rodó en España, con director argentino y estrella norteamericana, una remake de otro clásico del cine nativo: «Pampa Bárbara» (1945) de Lucas Demare. Y este año se conoció en Buenos Aires la versión norteamericana de «El secreto de sus ojos» (2009), con los personajes adaptados y transformados para los rostros de Nicole Kidman y Julia Roberts.
En agosto de 2016 se estrena este film con el nombre de «Inseparables», dirigida por Marcos Carnevale e interpretada por Oscar Martinez y Rodrigo de la Serna en los personajes protagónicos.
«INTOUCHABLES» / Intocables, 2011 / Francia / Color / duración 112′ / Directores: Olivier Nakache y Eric Toledano / Interpretes: Francois Cluzet y Omar Sy / Comedia /

Cine: "EN ESTE MUNDO" ( In this world, 2002)
2016-09-01 20:00 - 22:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
El realizador británico Michael Winterbottom (1961) es uno de los mas prestigiosos de los últimos 20 años, cuando en 1992 debutó con el largo «Under the Sun». Desde entonces su carrera ha intercalado cine, televisión en ficciones o documentales. Entre sus obras mas significativas figuran «Jude» (1996), «El Perdón» (2000), «Camino a Guantánamo» (2006) y «La doctrina del shock»(2009).
En 2002 rueda » En este mundo» (In this world) con la que gana el premio mayor del Festival de Cine de Berlín de 2003: el Oso de Oro al mejor film. El realizador indaga a través de sus trabajos, los problemas mas significativos de su época, desde la guerra que destrozó Yugoeslavia en los 90, la cárcel de Guantánamo y sus prisioneros carentes de toda defensa legal, o la crisis financiera desatada en 2008.
«En este mundo», un título que alcanza su significado en las últimas escenas, relata el viaje por tierra entre Pakistán y Londres que llevan a cabo dos refugiados afganos tras los bombardeos que USA acomete sobre su castigado país después de los atentados del 11-09-2001. Jamal y Enaya son jóvenes y sus familiares imaginan para ellos un futuro mejor lejos de allí. Con el dinero reunido, intentan que estos lleguen por tierra a su destino, llevados de la mano de los traficantes de personas que controlan rutas y mares. El viaje les hará recorrer los territorios intermedios de tan extensa y peligrosa travesía: Pakistán, Irán, Turquía, el Mediterráneo, Italia, Francia. Un viaje en condiciones peligrosas que los hombres enfrentan con enorme entereza e ilusión por la llegada a esa otra vida soñada. Un sueño compartido hoy por miles de seres humanos que huyen de hambrunas o conflictos bélicos en sus tierras nativas. África, Asia y el Medio Oriente son tres puntos del globo que no cesas en expulsar a parte de sus habitantes en busca de otra vida, lejos de esos infiernos. Pero Occidente guarda sus cartas. Y los titulares sobres esta tragedia moderna ocupa espacios todas las semanas.
«EN ESTE MUNDO» (In this world, 2002) Reino Unido / Dirección Michael Winterbottom / Interpretes Jamal Udin Torabi y Enaya Tullah / Color / Con subtítulos en castellano / Duración 85′ /

Cine: "AGOSTO" ( August-Osage County, 2013).
2016-09-04 18:30 - 21:00 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
«AGOSTO» es una adaptación de la obra teatral del mismo nombre, cuyo autor Tracy Letts ganó el Premio Pulitzer, uno de los mas prestigiosos en USA. La obra ha sido representada en capitales de Occidente, siempre con enorme suceso crítico y público. En 2013 el astro George Clooney produce su traspaso a la pantalla. Y lo hace de la mano de John Wells (1956) productor de televisión y cine y ocasional director ( este es el segundo de sus tres largos a la fecha), que dirige un impresionante elenco encabezado por dos actrices ya míticas de Hollywood: Meryl Streep (1949) y Julia Roberts (1967), entre los nombres mas populares de las tres últimas décadas del cine.
La familia Weston se compone de muchos integrantes: Violet es la matriarca de la casa y desde su tiranía, intenta controlar la vida de todos sus componentes. Enferma de cáncer, adicta a los medicamentos, no sabe ni conoce el significado del termino » buen trato». Viviendo en soledad con su marido Beverly, que intenta domesticar sin éxito a la fiera, transcurre su vida amarga. Padres de tres hijas muy diferentes, Barbara, Ivy y Karen.
Una tragedia los volverá a unir y el encuentro dará lugar a toda una catarata de reproches que envenenan el ambiente. La película intenta ser la radiografía de una familia desestructurada, donde todos sus integrantes parecen tener algo que esconder. Y que saldrá inevitablemente a la superficie a partir del pésimo comportamiento y la nula afectividad que parece demostrar la enardecida Violet. Uno tras otro irán cayendo los secretos escondidos por años. La historia parece hacer realidad el verso de Jorge Luis Borges que dice «…no nos une el amor sino el espanto…»
«Agosto» forma parte de una tendencia actual del espectáculo y la literatura occidental como es la mirada descarnada sobre la institución familiar, absolutamente puesta en la picota en esta época convulsa de la civilización.
«AGOSTO» / August-Osage County / USA / 2013 / Dirección John Wells / Intérpretes Meryl Streep, Julia Roberts, Ewan McGregor, Sam Shepard, Benedict Cumberland, Juliette Lewis, Julianne Nicholson, Margo Martindale, Dermot Mulroney / Color / Duración 120′ / Inglés con subtítulos en castellano /

Cine: "LA VIDA EMPIEZA HOY" (2010).
2016-09-18 18:30 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
En 2010 se estrena en las pantallas de España una comedia de gran éxito que toca un tema escasamente tratado en el cine. Como los tabúes siguen existiendo, la cuestión de la sexualidad en la tercera edad, se convierte en uno de los mas persistentes. Y la realizadora Laura Mañá (1968) de origen barcelones, se atreve a tratarlo en el tono mas digerible de todos: el de la comedia. Este es su quinto largometraje estrenado, en una carrera que también comparte con la de actriz.
El estado español propicia una potente política social en función de todos los colectivos mas vulnerables, en este caso el de los mayores. O los viejos para usar un término mas realista. A través de innumerables talleres con diferentes propuestas, ofrece a las personas la posibilidad no solo de ocupar su tiempo libre una vez jubilados, sino de hacerlos partícipe de todos los progresos educativos del momento. Lo cual enriquece la vida de quienes acuden a ellos.
Juanita, Pepe, Herminia, Rosita o Julian son algunos de los asistentes que bajo la batuta de la educadora Olga, escuchan y hablan en este espacio de lo que deben esconder en su vida cotidiana. Con toda la libertad del mundo, se liberan y ponen en palabras sus dudas e inquietudes, para compartirlas con los otros y de ahí, encontrar respuestas. La soledad de algunos, la frustración de otros, todo encuentra su cauce de expresión en este taller. Los hijos, las parejas, los nietos, las alegrias, las tristezas, los vivos, los muertos…todo cabe en esta historia.
Una de las mejores comedias españolas de los últimos años, una película que desde su estreno, sirve también para ilustrar la temática en espacios que van mas allá de las salas cinematográficas, convirtiéndose entonces en un formidable ejercicio para el aprendizaje y la comunicación.
«LA VIDA EMPIEZA HOY» / España, 2010 / Dirección Laura Mañá / Interpretes Pilar Bardem, Rosa Maria Sardá, Osvaldo Santoro, Mariana Cordero, Eduardo Blanco, Maria Barranco, Lluis Marco / Color / Castellano / Duración 90′ /

Cine: "UN CAMINO PARA DOS" (Two for the raod, 1967).
2016-09-22 20:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
«Un camino para dos» se estrena en 1967: en ese momento resulta una película «extraña» o en todo caso diferente a lo que se esperaba tras los nombres del director y la actriz principal. La historia de una pareja de doce años es contada de una manera distinta a la del cine clásico del que ambos artistas provenían. En lugar de optar por la forma lineal de la narración tradicional, el argumento entremezcla los tiempos y así, nos encontramos pasando de una etapa a otra de la vida en común de los personajes. Son en total cuatro períodos los que veremos pasar ante nuestros ojos. Y cuatro viajes en memorables coches a través de Francia, desde la Normandía a la Costa Azul, con filmaciones en Nice y Saint Tropez, entre otros lugares.
Considerada como una de las mejores películas de la temporada, se alzó con el premio mayor del Festival de Cine de San Sebastían, España, ademas de otros reconocimientos y nominaciones para diferentes premios. En todo caso, la originalidad de su propuesta contentó a los mas inquietos y disgustó a los mas conservadores. Vista a cincuenta años de su rodaje, se nos presenta como una obra todavía misteriosa y moderna.
Los protagonistas principales actuaron juntos por única vez en esta ocasión, pero la química entre ambos resulta indiscutible. Los siete años de diferencia entre la actriz y el actor son notables pero a la vez le da un toque original y fuera de las convenciones a las que tenía acostumbrada la actriz: Audrey Hepburn. De origen belga, inició su carrera muy joven, y tras interpretar papeles secundarios en una serie de films británicos, debuta en el teatro newyorkino en 1951. Su éxito le vale ser contratada para protagonizar en Hollywood un clásico instantáneo: «La princesa que quería vivir» (Roman Holiday, 1953). El Oscar que ganó a la mejor actriz por este trabajo la ubica desde entonces y hasta 1967 en primera linea del estrellato femenino. En 1988 Steven Spielberg la dirige en su último trabajo «Always». Muere a los 63 años en 1993.
Albert Finney (1936) debuta en 1960 en Inglaterra y con solo cuatro films entre ese año y 1964, se convierte en uno de los grandes nombres del cine británico. Su último trabajo hasta la fecha, lo realizó en 2012 en » Skyfall», de la serie Bond. En un personaje breve y secundario actúa Jacqueline Bisset (1944) que saltaría a Hollywood y a la fama en ese mismo año de 1967. La música estuvo a cargo de Henry Mancini (1924-1994), maestro indiscutible de la banda sonora y autor de obras memorables como las melodías de » Charada», «Días de Vino y Rosas» o «La Pantera Rosa», un tema enormemente popular. El realizador del film fue Stanley Donen(1924), director americano que tras triunfar en Hollywood como realizador de «Cantando bajo la lluvia», «Siete novias para siete hermanos» o «Charada», filma en Reino Unido varios títulos ademas de este, como «Un fausto moderno» o «La Escalera». El realizador cuenta con 92 años en la actualidad, lo que lo convierte en el último superviviente del período clásico del cine USA. Diseñadores de moda como Paco Rabanne o Mary Quant, visten a la protagonista, convirtiendo todo el film en pieza iconica de los años sesenta.
«UN CAMINO PARA DOS» (1967) / Two for the road» / Reino Unido- USA / Color / Duración 111′ / Dirección Stanley Donen / Interpretes Audrey Hepburn, Albert Finney, Eleonor Bron, Jacqueline Bisset / Música Henry Mancini / Guión Frederic Raphael.

Cine "NEBRASKA" (2013)
2016-10-02 18:30 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
Nebraska es el nombre de un estado de USA y también el del último film estrenado de Alexander Payne (1961), uno de los directores de cine mas brillantes del panorama actual. Nebraska es tambíen un estado anímico: el de Woody, hombre envejecido y enfermo y el de sus familiares. Woody cree haber ganado un premio millonario y escapa de su ciudad para llegar a destino y cobrar la recompensa. No importa que su mujer e hijos le digan que no es cierto, él cree que si y eso es suficiente para huir una y otra vez de ellos. El deseo final y permanente de libertad, hundido entre las mentiras del contexto de su vida, un mundo y una familia que parecen haber quedado definitivamente atrás. Pero el reencuentro con su hijo menor, alterará los planes…y todo volverá a empezar.
Con el rostro, el cuerpo, el talento inagotable de uno de los grandes intérpretes del cine USA de los años 60 y 70, el enorme Bruce Dern (1936) , secundario en series míticas de la televisión como «Rumbo a lo desconocido», » La hora de Alfred Hitchcock», «Ruta 66», «Caravana», «Cuero Crudo», «Bonanza» o «El fugitivo», protagonista de»Los Angeles Salvajes» (1966, Roger Corman), «Baile de ilusiones» (1969, Sidney Pollack), «Naves Misteriosas» (1972, Douglas Trumbull), «El Gran Gatsby» (1974, Jack Clayton), «Trama macabra» (1976, Alfred Hitchcock), «Regreso sin gloria» (1978, Hal Ashby) o «Driver» (1978, Walter Hill). Estrella recuperada en 2012 y 2015 por Quentin Tarantino, y finalmente ganador de premios por este trabajo en «Nebraska», como el obtenido en el Festival de Cine de Cannes 2014.
Una obra que recupera para el cine la dignidad de los viejos, haciéndolos protagonistas de una de las mas humanas películas de los últimos años. El blanco y negro deslumbrante de la fotografía, colabora en el logro de este ejercicio mayor del cine moderno.
«NEBRASKA» (idem, 2013) USA / Blanco y Negro / Duración 1h 55minutos / Interpretes Bruce Dern, Stacy Keach, Will Forte, June Squibb /Comedia dramática.

Cine: LEJOS DEL MUNDANAL RUIDO (2015)
2016-10-20 20:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
Inglaterra, zona rural, año 1870. Bathsheba Crowd hereda tierras de su padre y decide llevar adelante la explotación de las mismas sin la ayuda de nadie. Es una joven de gran caracter, bella y gran defensora de la condición femenina, lo cual la convierte en plena Era Victoriana en extraña criatura. Tres hombres rondan su persona, atraídos por la impronta de la mujer: Gabriel, un pastor de ovejas, William, un pequeño terrateniente y Frank Troy, militar de mediano rango que es quién despierta su interés..Los cuatro se verán inmersos en una historia de luchas, pasiones y desengaños en medio de una tierra hostil y poco generosa con sus habitantes.
Segunda versión cinematográfica de la grandiosa novela del autor ingles Thomas Hardy (1840-1928), autor entre otras, de obras también llevadas al cine en dos enormes películas: » Tess d’Urbervilles» (1891) que tuvo su versión en 1979 a través de Roman Polanski en «Tess» , y «Jude el Oscuro» (1895) que fue llevada a la pantalla en 1996 por Michael Winterbottom con el nombre de «Jude». «Lejos del mundanal ruido» fue editada en 1874 y desde ese momento gozó de amplio apoyo y difusión en el ambiente literario. La obra de este autor retrata a seres humanos en lucha continua contra las adversidades de su época, donde el aspecto social de sus historias goza de amplio protagonismo.
En 1967 se estrenó la primer versión cinematográfica de este texto dirigida por el gran realizador británico John Schlessinger y fue protagonizada por Julie Christie, Terence Stamp, Alan Bates y Peter Finch. En esta ocasión la realización estuvo a cargo del director dinamarques Thomas Vinterberg, autor de dos grandes películas: «La Caza» y » Celebración». La interprete es una de las grandes actrices jóvenes del presente, la inglesa Carey Mulligan, protagonista de films ya clásicos del cine moderno como son «Driver», «Shame» o «An Education». También estuvo en la nueva versión de «El Gran Gatsby» al lado del astro Leonardo di Caprio. Los actores que la acompañan, actores de nueva generación, todos impecables.
«Lejos del mundanal ruido» combina lo mejor de la narración clásico con la actualización de la problemática femenina y el mundo machista que la rodea, donde el tiempo parece haber no transcurrido en muchos aspectos, por lo que la historia continúa teniendo una vigencia que sería deseable hubiera caducado. Una de las mas hermosas y cálidas reflexiones sobre la mujer del cine de los últimos años.
«FAR FROM THE MADDING CROWD» / Lejos del mundanal ruido / UK-USA, 2015/ Color / Duración 2hs / Director Thomas Vinterberg / Interpretes CareyMulligan, Matthias Schoenaerts, Michael Sheen, Tom Sturridge, Juno Temple.

Cine: "LA OTRA BOLENA" (2008).
2016-10-23 18:30 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
La realidad histórica no siempre se ve reflejada en la ficción cinematográfica. Guionistas y gestores de films toman licencias para llevar las realidades al campo que les interesa, optando por lo verosímil y no por lo verdadero. Al público en general estos detalles no le interesan y lo que finalmente termina valorándose es la calidad final del producto. Algunas otras veces se opta por el camino opuesto: la mas posible fidelidad a los acontecimientos relatados lo cual no significa que todo haya sido como nos lo cuentan, porque el cine jamas alcanzará esa supuesta realidad al ser en todo caso, copia de ella.
Esta introducción sirve para esta realización del año 2008 donde se recurre una vez mas a la Historia para recrearla ficcionalmente: el reinado de Enrique Vlll (Henry Tudor), uno de los mas populares monarcas de Inglaterra y sus amores con una de sus varias esposas, la bella Ana Bolena (Anne Boleyn). El Rey, en su imperiosa búsqueda de un heredero varón que sirviera de continuidad en el Trono, va de matrimonio en matrimonio a lo largo de su vida sin poder conseguir al preciado descendiente. La película adapta una novela del mismo nombre de la autora Philippa Gregory y lo hace de una manera suntuosa y exquisita a través de uno de los géneros cinematográficos mas apreciados de siempre: el drama o melodrama histórico, que tantos sucesos ha dado al cine y también a la televisión, donde en la última década se han realizado, entre otras, series a mayor gloria de la corona británica. «Los Tudor» es uno de los títulos mas exitosos.
«La otra Bolena» narra la historia de dos hermanas, Anna y Mary y el uso que de ellas hacen sus padres, cortesanos empeñados en lograr que sus hijas ocupen lo mas alto de la escala social: el propio Rey de Inglaterra. Sin piedad y sin descanso, crían a sus hijas en esas enseñanzas y logran que la rivalidad absoluta se imponga entre ellas. La frialdad calculadora de la primera choca con cierta humanidad de la segunda y de esos conflictos y las relaciones de ambas con el poder, se nutre la trama. Los entresijos de la vida aristocrática quedan mostrados sin tapujos dentro de la mejor tradición clásica de la narración cinematográfica.
Con un elenco extraordinario de interpretes, ambientación, vestuario lujosos y detallistas, mas una música y fotografía acordes, se logra un producto de primera calidad, donde la dirección del debutante en largometrajes, Justin Chadwick se impone a una producción de alto coste.
Con dos actrices que comenzaron sus carreras en la infancia, las bellas y talentosas Natalie Portman (1981) y Scarlett Johansson (1984) en los roles de las hermanas Bolena y el talentoso Eric Bana (1968) como el monarca, el elenco está repleto de figuras talentosas de la escena británica, como Kristin Scott Thomas y el ganador del Oscar Eddie Redmayne en uno de sus primeros roles.
La historia de la pareja Bolena-Tudor ha sido tratada con anterioridad en varias películas, siendo este monarca figura presente a través de la historia del cine desde los inicios del sonoro. Una de sus mas famosas representaciones fue la dada en el film de 1969 «Ana de los Mil Días», un film modélico del género, donde los protagonistas fueron Richard Burton y Genevieve Bujold.
«THE OTHER BOLEYN GIRL» /La otra Bolena / UK-USA / 2008 / Color (Duración 1.45 minutos / Dirección Justin Chadwick / Intérpretes Natalie Portman, Scarlett Johansson, Eric Bana, Kristin Scott-Thomas, Mark Rylance, Jim Sturgess, Benedic Cumberbatch, Ana Torrent, Eddie Redmayne.

CINE: "GERNIKA" (2016, España-USA).
2017-05-14 19:00 | Buenos Aires
Un joven cineasta de origen vasco, Koldo Serra, recibe el encargo de realizar una película sobre el bombardeo de Gernika, población a 35 kms.de Bilbao que fue bombardeada el 26 de abril de 1937 y cuyo nombre va asociado al de una pintura de Pablo Picasso que se exhibe desde hace tres décadas en uno de los principales museos de Madrid.
Así germina este film estrenada en octubre de 2016 y que ha tenido críticas de lo mas variadas, a favor y en contra. Tratar un tema espinoso dentro de la tragedia de la Guerra Civil Española tiene sus costos, sobre todo cuando transcurridos 80 años del suceso, poco cine de ficción, o casi nada, se ha realizado sobre el particular. Si se han filmado documentales y hasta una ficción para la televisión. El tema fue abordado en 1975 por el artista multifacético Fernando Arrabal (1932) en una producción poco vista de origen francés. Su tratamiento vanguardista y su estilo críptico la han dejado en el vagón de las curiosidades a re-descubrir en el Cine: «L’arbre de Guernica».
«Gernika» es un drama de guerra que deja a esta como telón de fondo sobre el que va construyéndose una historia de amores, odios, traiciones, intereses que dan como resultado un retrato humano mas que bélico de la cuestión. Teresa es una joven que trabaja en un departamento de prensa donde las noticias deben ser filtradas por la Censura para evitar que se conviertan en propaganda para el enemigo: el bando «nacional» encabezado por Francisco Franco que el 18 de julio de 1936 encabezó un levantamiento militar que originaría una guerra civil y haría saltar por los aires la idea de una España republicana. Y que tras tres años de muerte en todo el territorio, traería como consecuencia una de las mas largas y terribles dictaduras del siglo XX en Europa. Una dictadura que fue apoyada poco a poco por (casi) todo Occidente y que acabó con la muerte del dictador en 1975.
En todo este tiempo, el Cine se olvidó de Gernika en pos de otros espacios de la Guerra Civil Española que alimentan la cinematografía ibérica de los últimos 40 años. Pero ahora ha llegado esta obra para recordar que las atrocidades que inspiraron a Picasso (1881- 1973) en su popular cuadro, siguen vigentes en la memoria colectiva de toda una nación. La historia de Teresa, sus amores y desencuentros breves e intensos con el periodista yanki Henry y el delegado soviético Vasyl en los días previos al bombardeo que la legión Cóndor, compuesta por 31 bombarderos y 26 cazas realizó mortíferamente sobre la pacífica población vasca, cumpliendo las ordenes de Franco y sus aliados nazis de destruir y aterrar lo mas posible a todo un país y también advertir a todo un continente de la fuerza devastadora de los legionarios de Adolf Hitler, nos trae al presente uno de los tantos episodios aterradores de nuestra historia humana que a pesar de los ejemplos sufridos, no cesa en su capacidad de destruir, y para ello busca y encuentra nuevos territorios. Quizás hoy Siria, entre otros menos publicitados, no sea mas que la continuidad de una nefasta costumbre de la Humanidad: la Guerra.
La película recuerda las obras del cine clásico en escenarios de conflictos bélicos y lo hace con dignidad y la elegancia que estos emprendimientos conllevan, pero sin olvidar el rigor en la narración de los hechos, que al tener un tinte necesariamente político, será contemplada desde distintas perspectivas, que en todo caso no hacen mas que provocar y refrescar memorias dormidas. Teresa entonces, se convertirá en algo mas que un personaje, para devenir una entrañable encarnación de la propia República perdida. Una obra hermosa, serena, digna, discutible y aterradora, como nuestra propia naturaleza. Humanos somos todos.
«GERNIKA» / 2016 / Nacionalidad: España-USA / Dirección: Koldo Serra / Intérpretes: Maria Valverde, James D’Arcy, Jack Davenport, Ingrid Garcia Jonsson, Alex Garcia, Irene Escolar/ Duración: 1h 59 min. / Color / Hablada en castellano, euskera, inglés y alemán con subtítulos en castellano /

CINE: "ALIADOS" ( Allied, 2016)
2017-05-18 20:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
«Aliados» nos lleva a los primeros años cuarenta del Siglo XX cuando el norte de Africa era terreno convulso de la Segunda Guerra Mundial. Un hombre y una mujer se encuentran de una «extraña» manera: representan ser esposos para los amigos de Casablanca (Marruecos), ciudad ya mítica por excelencia a partir del film homónimo del año 1942. Pronto sabremos qué ocultan en realidad y la historia derivará hacía terrenos mas íntimos. Lo bélico otra vez como trasfondo de los conflictos humanos. La película aborda temas clásicos como el amor, la fidelidad o la traición a las causas en que nos comprometemos y lo hace de una manera magistral, donde la fotografía, la música, el guión y las interpretaciones son tenidas en cuenta para dar aires nuevos a temas antiguos. Que como la vida misma, son en Cine los que siguen atrayéndonos. Lo Artístico, toma entonces otra dimensión al indagar en el territorio de lo Clásico mas que en el de la Vanguardia, las dos torres sobre las que fundamentalmente se han mantenido todas nuestras aspiraciones creativas.
«Aliados» es la última realización de Robert Zemeckis (1952) uno de los mas talentosos directores de cine actual. Esta afirmación puede no ser compartida por quienes busquen en el cine el sello de lo «artístico» si SOLO es dado por ciertos países europeos (Francia a la cabeza) o eventuales lugares exóticos ( Irán, Turquía, Rumanía, Taiwan, Corea del Sur o inclusive la propia Argentina). Me refiero al permanente «conflicto» que mucha gente tiene con el cine USA en cuanto a calidad se refiere. Introduzco esta apreciación porque una de las características de cierto público argentino es un antiguo y absurdo prejuicio que afirma que » en Hollywood todo es basura». Semejante afirmación no puede responder mas que a una eventual miopía o simplemente ignorancia pura. Ya que no tenemos mas que mirar hacía atrás, quienes amamos, respetamos y apoyamos al Cine, para darnos cuenta que son tan grandes algunas películas (no todas las que hicieron) de directores como Federico Fellini, Jean Luc Godard, Lars von Trier, por citar tres clásicos ya aceptados ( y que jamas quisieron filmar allí, opción respetable en cuanto artistas), como las de John Ford, Fritz Lang, Alfred Hitchcock, Jean Renoir, Vincente Minelli o mas actuales, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Paul Schrader, Tim Burton, David Fincher, Woody Allen, los hermanos Cohen, o Clint Eastwood ,por citar gente que realizó cine (y realiza) en el país del Norte y que ni siquiera eran todos de esa nacionalidad.
Zemeckis cuenta con el apoyo al inicio de su carrera de Steven Spielberg (1946) como productor ejecutivo en 1978 de «Locas por Ellos», una divertida comedia que reflexiona livianamente sobre la llegada de The Beatles a USA en los primeros sesenta. El nombre se Spielberg es otro ejemplo de la confusión a la hora de valorar los films USA: dentro de su amplisima obra hay para todos los gustos: buenos, malos y algunos grandes films (» Reto a Muerte» (1971), «Tiburón» (1975), » Encuentros Cercanos…» (1977), » Inteligencia Artificial» (2001), » Atrápame si puedes» (2002), » Munich» (2005), » La Guerra de los Mundos» (2005) o «Lincoln» (2012). En todo caso fue quién descubrió el potencial talento de nuestro director, quien a lo largo de su carrera fue perfeccionando el cine de entretenimiento («Tras la esmeralda verde» (1984), la saga » Volver al Futuro» (1985, 1989, 1990), «La muerte le sienta bien» (1992)) hasta llegar a su primer «film serio», «Forrest Gump» (1994) que luego, tras las inesperadas mediocridades de «Contacto» (1997) o » Revelaciones» (2000), encontraría la adultez de » Naufrago» (2000), «El Vuelo» (2012), «En la cuerda floja» (2105) o las maravillosas experimentaciones entre animación y personajes reales o digitalizados que comenzó en «¿Quien engaño a Roger Rabbit?» (1988) y culminó en «Expreso Polar» (2004), «Beowulf,la leyenda» (2007) y » Los fantasmas de Scrooge» (2009), tres joyas del cine moderno. Con «Aliados» alcanza un alto grado de perfección de todas sus propuestas y lo convierte a sus 55 años en uno de los mas potentes talentos del mejor Hollywood actual.
Citaremos a sus dos protagonistas: Brad Pitt (1963), el mayor, inició su carrera en la adolescencia y pronto se convierte en icono para la juventud global femenina. En 1991 con su aparición en «Thelma y Louise» y 1994 con «Entrevista con el Vampiro», alcanza el estrellato. Pero sus dotes actorales son nulas y solo su belleza física impone los films donde aparece. Pero, la madurez le aporta también cierto talento, y en 2007, contra todo pronóstico, gana el prestigioso premio al Mejor Actor en el Festival de Venecia por su actuación en la compleja, valiosa y poco vista » El Asesinato de Jesse James…». El año anterior, con «Babel» (2006) había dado su primer paso en la consideración de directores serios que a partir de allí lo reclamarían para ambiciosas obras como «El curioso caso de Benjamín Button» (2008), cuyo director David Fincher ya había apostado por él con menor fortuna en dos clásicos como » Pecados Capitales» (1995) y » El club de la pelea» (1999), » Quemese después de leerse» (2008) «El árbol de la vida» (2011) o «La gran apuesta» (2015).
Marion Cotillard (1975) es francesa y está activa en cine desde 1994. A partir de 2003 trabaja en Estados Unidos con su primer aparición en un film de habla inglesa: «Gran Pez» de Tim Burtón. En 2007 estrena » La Vie en Rose» donde da vida a una inolvidable Edith Piaf y este film la convierte en la segunda actriz tras Sophia Loren en obtener un Oscar a la mejor actriz en habla no inglesa. Un fenómeno solo dos veces ocurrido en la historia de Hollywood. Los mejores directores se la disputan desde entonces: Michael Mann, Rob Marshall, Christopher Nolan, Woody Allen, Steven Soderberg o James Gray la convierten en protagonista femenina de «Enemigos Públicos» ( 2009), «Nine» ( 2009), «El Origen» (2010), «Medianoche en Paris» ( 2011), «Contagio» (2011), «Batman» (2012) y «La Inmigrante» (2013). En Francia deslumbra con dos trabajos: » Metal y Hueso» (2012) y » Dos días, una noche» ( 2014) dirigida por los Hermanos Dardenne y Jacques Audiard, dentro de lo mas grande del actual cine europeo. En «Aliados», Cotillard alcanza la cumbre del estrellato en el mejor sentido hollywoodense del término: su trabajo la pone a la altura de las grandes divas del Cine: el fantasma de otra europea, Ingrid Bergman, late tras su maravillosa interpretación. Lo triste (y bello) es a que a ella también siempre » le quedará Paris en el recuerdo». Una actriz prodigiosa, sin mas. Talento y belleza= clasisismo y modernidad.
«ALIADOS» (Allied, 2016) / USA-UK / Director Robert Zemeckis / Intérpretes Brad Pitt y Marion Cotillard / Ingles y francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 2hs 4 minutos.
Cotillard&Pitt en escena del film

CINE: "TU ÚLTIMA OPORTUNIDAD"
2017-05-21 18:30 | Buenos Aires
«Tu última oportunidad» es una película que habla del derecho a la felicidad que todos los seres humanos tenemos y que con tan poca frecuencia realizamos. Su título original es mucho mas explícito: «Last Change Harvey» ya que se refiere a una persona, el protagonista del film: Charley Shine, un hombre que ha sobrepasado los 70 años de edad y se encuentra con dos columnas vertebrales de su vida afectadas: el amor y el trabajo. El amor por su hija que está distanciada de él, en geografía pero sobre todo en el interior de su persona. Es un hombre que ha trabajado en lo que amaba, la escritura, los medios, pero que ahora descubre que ha quedado simplemente, obsoleto. Como millones de seres humanos que cometen el pecado de cumplir años. En un mundo, el actual, que solo parece glorificar la juventud y el aspecto mas efímero de ella: el físico. Marginando por tanto, y también, a quienes no poseen ese sobrevalorado y destructivo «bien» de la belleza.
«Tú última oportunidad» habla de todo ello con el lenguaje clásico de la narración cinematográfica llevado a la comedia romántica actual. Pero lo hace con gracia y talento y se diferencia de la mayoría de los films de este tipo, que en la actualidad apuestan por la banalidad, la grosería o la mas ramplona cursilería a la hora de abordar semejante temática. Temática que ha atrapado a millones de espectadores en el ya largo siglo y cuarto de vida que llevan las películas dando placer a la gente.
El film es una co-producción entre dos potencias como USA y Reino Unido y cuenta en sus dos actores principales el autentico toque de gracia de la obra: el norteamericano Dustin Hoffman (1937) a punto de cumplir sus 80 y en pleno estado de gracia actoral, y la ya clásica Emma Thompson (1959), mucho mas joven pero no menos talentosa. El trabajo conjunto de estos dos interpretes levanta todas las debilidades que una historia convencional como esta pueda tener. Verlos en pantalla es hacernos creer que Harvey y Kate existen y nos implicamos en sus idas y venidas, acercamientos y distancias, malentendidos, sinsabores y sobre todo, una enorme emoción por haberse conocido a esas alturas de su vida.
Su director es un cineasta de corta trayectoria, Joel Hopkins (1970) dirigida hacía la comedia y que busca en la intimidad de sus personajes dar una dimensión mas humana a este género cinematográfico tan arraigado en el inconsciente colectivo. Ha realizado hasta el presente cuatro largos ademas de este su segundo trabajo: la magnifica » Jump Tomorrow» (2001) donde narra amores inter-raciales, » Love Punch» ( 2013), segunda comedia con Emma Thompson,y acaba de rodar con la actriz Diane Keaton, «Hampstead» (2017) donde esperamos disfrutar del talento madurado de este nuevo y estimulante director.
Una película que refleja magnificamente ese anhelo tan humano y tan complejo de lograr la felicidad aunque sea algunas veces en nuestras vidas.
«TU ÚLTIMA OPORTUNIDAD» (Last Chance Harvey, 2008) / Director Joel Hopkins / Interpretes Dustin Hoffman, Emma Thompson, Eileen Atkins, Liane Balaban, Kathy Baker, James Brolin / En inglés con subtítulos en castellano ( Duración 1 h 33 minutos / Color.

"DE-MARAVILLAS" (De-Lovely, 2004)
2017-06-07 20:00 | Buenos Aires
Esta película estrenada en 2004 con muy discreto suceso y limitada difusión internacional, es un homenaje a la vida y a la obra de Cole Porter (1891-1964) uno de los mas grandes nombres de la música popular norteamericana. Autor de canciones míticas como » Night and Day», «Begin the Beguine» o «Anything Goes», éxitos teatrales como «Kiss me Kate» (1948), «Can Can» (1953), «Medias de Seda» (1954) o letras de películas como «Alta Sociedad» (1956), donde Frank Sinatra, Bing Crosby y la bella Grace Kelly interpretaron sus creaciones, su nombre sigue estando vigente a mas de medio siglo de su muerte.
Educado en la música desde los seis años e integrante de una familia adinerada, su vida estuvo marcada por un talento innato y la vivió de manera desahogada, hedonista, irreverente y desenfrenada desde muy joven. En los años 20 del siglo pasado, tras participar en la Primera Guerra Mundial, se radica en Europa, contrae matrimonio con una millonaria muchos años mayor que él y se convierte en uno de los grandes protagonistas de esa era donde los ricos dejan su impronta en las grandes ciudades, viviendo vidas a años luz de la de la realidad de sus contemporáneos.
A partir de 1928 su éxito va en aumento y ese tiempo llegaría hasta finales de los años cincuenta, cuando enfermo se retira paulatinamente de la vida pública. La relación particular que mantiene con su esposa, quien consiente su homosexualidad, marcará la vida del músico a lo largo de tres décadas que dejaran su sello en el cancionero popular de Occidente al ser sus canciones interpretadas por nombres claves como los de Ella Fitzgerald, Billie Holliday o Frank Sinatra. El cine de Hollywood y el teatro de Broadway serían sus lanzaderas al resto del planeta. Las obras teatrales se estrenarían en escenarios tan distantes como los de New York, Londres, Paris o Buenos Aires.
De todo esto y bastante mas, habla «De Maravillas», la segunda película en abordar su vida tras el intento frustrado del año 1946 en «Night and Day», donde el astro Cary Grant le da vida en medio de una historia tan edulcorada que provoca la irritación del músico. No eran aquellas, épocas para las transgresiones que una figura como la suya cometía una y otra vez. En cambio, en 2004, los tiempos habilitaban para un acercamiento mas honesto a la figura de una personalidad tan compleja.
Estructurada a través de los recuerdos y fantasías que un anciano Porter y un productor teatral llamado Gabe manifiestan sobre la platea de un teatro vacío, la vida del hombre va brotando a lo largo de ciudades como París, Londres, Venecia o Los Angeles: épocas, amigos y amantes, mecenas y productores. Dos personas que también pueden ser dos fantasmas que desde otra dimensión reflexionan sobre la vida pasada y que les permite un ir y venir a temporal mechado de deslumbrantes canciones interpretadas por nombres claves del pop como Robbie Williams, Diana Krall, Nathalie Cole o Alanis Morissette, quienes prestan sus voces y figuras para convertir este film en un regalo visual y sonoro que provocan un continuo movimiento de pies en los espectadores que se dejan encantar por tanta magia.
«DE-LOVELY» (2004) /Dirección Irwin Winkler / Intérpretes Kevin Kline, Ashley Judd, Jonathan Pryce/ Color / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 2hs

CINE: "TASIO" (1984)
2017-06-11 19:00 | Buenos Aires
El film fue estrenado en 1984 en toda España y fue saludado con muy buena repercusión pública y crítica, que lo convirtió en un suceso de la temporada, y 33 años mas tarde en un clásico del cine realizado en el País Vasco. Tanto su director, como productor e intérpretes nacieron es aquella geografía, que la película refleja con precisión y espíritu realista.
Tasio es el personaje que sustenta la historia y nos es mostrado en tres etapas de su trayectoria: niño, adolescente y joven. Que también sirve de excusa para narrarnos la vida en la zona rural de Navarra durante el Franquismo y la llamada Transición hasta llegar al presente de los años ochenta cuando fue filmada. Está interpretado por tres formidables actores de edad semejante a la del personaje. Tasio es hijo de un carbonero, oficio muy noble y tradicional en los bosques y montes del norte del territorio español, por tanto testigo del devenir de la historia de su familia y de la propia geografía e historia en épocas especialmente significativas en el devenir de la nación vasca.
El escritor Sergi Sanchez publicó un artículo conmemorativo a los 25 años del estreno en 2009 (Revista «Cahieurs de Cinema España) y define magistralmente así al personaje: « A Tasio no le gustan las palabras, actúa y punto, existe como hombre que hace, testarudo y poco dado a las sutilezas. De su honesto primitivismo, de su condición de «buen salvaje», surge un relato brusco y primario, fuertemente telúrico, que encuentra sus mejores soluciones narrativas en la elegancia de sus radicales elipsis…sin atender a falsos sentimentalismos, como si las viéramos a través de los ojos del lacónico protagonista.»
Elias Querejeta (Hernani 1934- Madrid 2013) fue el mas importante productor del cine español desde su debut en 1963 hasta su muerte: fue quién dio oportunidades a nombres como Saura, Erice, Regueiro, Franco, Gutierrez Aragón o León de Aranoa, que se encuentran entre los mejores del cine hispano moderno. Y estuvo tras otros trabajos de Montxo Arméndáriz (Navarra, 1949) quién debutó en el largometraje con este «Tasio» y ha dirigido hasta 2011 importantes films como «27 horas» (1986), «Las Cartas de Alou» (1990), «Silencio Roto» (2001) o «No Tengas Miedo» (2011) abordando temáticas siempre complejas: la droga en los jóvenes, la inmigración, la posguerra o el incesto.
«Tasio» sigue brillando como radiografía del ser humano en relación a las fuerzas de la Naturaleza y a la de los semejantes y nos ayuda, aquí en Argentina, a comprender las raíces de nuestros antepasados inmigrantes, que como el personaje central y como cita el escritor Sanchez, eran parcos en palabras, trabajadores y testarudos. Cambiaron de geografías pero mantuvieron intactas las vivencias de sus orígenes en territorio vasco, y hoy nos sirven para acercarnos a nosotros, los herederos, a una comprensión cabal de su naturaleza humana.
«TASIO» / España 1984/ Director: Montxo Armendáriz / Intérpretes: Patxi Bisquert (Tasio joven), Garikoitz Mendigutxia (Tasio niño), Isidro Jose Solano (Tasio adolescente), Amaia Lasa (esposa), Jose Maria Asin (padre)/ Color/ En castellano / Duración: 1h 35 minutos.
