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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-muerte-en-venecia/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:TALLER DE CINE: "SEMBRANDO ILUSIONES" (1972).
DESCRIPTION:En una de las colinas que rodean Roma hay una enorme mansión. Y pocos metros hacia abajo una villa miseria no menos grande. A la primera llega La Millonaria\, que como todos los años pasa unas semanas en la ciudad. Y desde la barriada miserable ascienden Peppino y Antonia para jugar una partida de naipes que les puede hacer ganar un dinero que\, año tras año se les escapa de las manos. Porque no es la primera (ni será la última) vez que suben hasta la gran casona a compartir el tiempo de la caprichosa millonaria norteamericana. Lo que para ellos es una posibilidad de ganar dinero\, para ella no resulta mas que otro ejercicio de maldad\, perfidia y sadismo donde los roles de ricos y pobres circulan en una rueda ya milenaria. \nCon esta premisa y utilizando un humor clasicamente italiano\, el director Luigi Comencini (1916-2007) realiza otra de sus grandes películas. En una carrera que abarca mas de 50 trabajos para el Cine y la Televisión\, destacan sus criaturas siempre en situaciones de crisis con la sociedad\, sean niños\, adultos o ancianos. La comedia y el drama mas amargo se dan la mano en sus creaciones. Con una cualidad especial para indagar en el mundo de la infancia\, entre sus films destacan «Pan\, amor y fantasía» (1953)\, «Pan amor y celos» (1954)\, «Tutti a casa» (1960)\, «A caballo del tigre» (1961)\, «La ragazza di Bube» (1964)\, «El gran embotellamiento» (1979) y sus relatos sobre chicos «El Incomprendido» (1967) y «Las aventuras de Pinocho» (1971). \n«Sembrando Ilusiones» es una de sus mayores obras de los años setenta y en ella se indaga a través de un humor caustico\, negro\, doloroso\, en la realidad de Italia\, siempre en conflicto.Las diferencias de clases\, la perpetuación de grandes núcleos de pobreza ajenos al bienestar y recuperación posterior a la segunda guerra mundial\, la humanidad de sus personajes ya sean de alta o baja escala social\, hacen de este realizador uno de los grandes maestros de la Historia del cine peninsular. Su nombre destaca junto a los de Pietro Germi\, Luigi Zampa\, Nanny Loy\, Dino Risi o Luigi Magni\, dentro de una generación que sentó cátedra para las generaciones posteriores. Es un cine siempre vivo a pesar del transcurso del tiempo. Sus criaturas son reconocibles y en ellas nos encontramos nosotros\, sus descendientes latinoamericanos. El cine italiano es posiblemente de todos los europeos\, el que mas éxito cosechó en Argentina\, que tuvo su época de esplendor entre los años cincuenta y ochenta del siglo pasado. \nCon un quinteto de intérpretes legendarios\, el film se convierte en un festival de grandes actuaciones. Con la singularidad de contar con tres figuras míticas italianas acompañadas en la ocasión por dos leyendas del cine de Hollywood: combinación que se dio en muchas ocasiones entre los dos países. Alberto Sordi (1920- 2003)\, Silvana Mangano (1930-1989) y Domenico Modugno (1928-1994)\, cantante y actor\, se enfrentan a Bette Davis (1908-1989) y Joseph Cotten (1905-1994) en esta enorme concentración de talentos interpretativos. La vida en la mansión\, en la villa miseria\, en las calles mas sucias y abandonadas de Roma son retratadas implacablemente por director y actores. Una película para recuperar. \n«SEMBRANDO ILUSIONES» (Lo Scopone Scientifico) / 1972 / Italia / Director Luigi Comencini / Intérpretes Silvana Mangano\, Bette Davis\, Alberto Sordi\, Joseph Cotten\, Domenico Modugno / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h 53 minutos.
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SUMMARY:CINE: "UNA SERENA PASIÓN" (2016).
DESCRIPTION:Una de las mas prestigiosas poetisas norteamericanas fue Emily Dickinson (1830-1886) y su nombre brilla a la par de los de Edgar Allan Poe o Walt Whitman\, formando una especie de Olimpo del país del norte en esta disciplina del Arte que es la Poesía. El realizador británico Terence Davies (1945)\, uno de los grandes cineastas contemporáneos\, ha llevado al cine parte de su vida. La encuentra cuando es una joven y luego en su adultez\, siguiéndola hasta el ocaso. Una vida extraña que pasó mayoritariamente encerrada entre las paredes de su propia casa\, población del estado de Massachusetts. Nieta e hija de jueces (y también diputado fue su padre)\, la mujer encuentra refugio en un solo espacio: el del lenguaje. La rigidez del entorno puritano\, religioso\, formal y de bienestar económico en que su historia discurre\, la forma y condiciona. El amor para ella está representado en sus lazos familiares y en un hombre que pasa fugazmente por su camino. La enfermedad y su condición de ermitaña harán el resto. En el medio\, la guerra civil o de secesión que arrasó su tierra enfrentando su norte con el sur esclavista. \nEntre sus 1800 poemas encontramos «Ensueño»\, que dice así: «Para fugarnos de la Tierra / Un libro es el mejor bajel / Y se viaja mejor en el poema / Que en el mas brioso y rápido corcel / Aun el mas pobre puede hacerlo / Nada por ello ha de pagar / El alma en el transporte de su sueño / Se nutre solo de silencio y paz /». En esta brevedad parece sintetizado su paso por la Tierra. \nTerence Davies ha realizado 8 largometrajes de los cuales pocos se conocen en Argentina. Este y «La Casa de la Alegría» (2000)\, manteniéndose desconocidos el resto\, entre los que destacan «Voces Distantes» (1988) y » El profundo mar azul» (2011)\, dos films capitales del cinema contemporáneo. Un director que filma pausadamente en tiempo y también en cada una de sus piezas\, auténticos tesoros del mejor Cine. La actriz de la serie » Sex and the City»\, «Ley y Orden»\, entre otras\, la norteamericana Cynthia Nixon(1966) da un salto en el registro actoral y se introduce en el  cuerpo y el espíritu de la genial artista\, haciendo que nosotros espectadores tengamos una nueva forma de acercarnos a ella\, mas allá de la presencia de sus deslumbrantes libros. El Cine entonces\, se convierte en arma formidable para reflejar las demás Artes. Un lenguaje atravesado y articulado por otro. \n«UNA SERENA PASIÓN» ( A Quiet Passion\, 2016) / Reino Unido- Bélgica / Director Terence Davies / Intérpretes Cynthia Nixon\, Emma Bell\, Keith Carradine / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2hs. 5 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL FARO DE LAS ORCAS" (2016).
DESCRIPTION:En los confines del continente americano\, las costas atlánticas de Chubut\, hay una enorme bahía custodiada en sus extremos por un Faro. Allí vive solitario Beto. Apartado de toda vida social\, con lo elemental como única compañía\, el hombre parece vivir en paz con el entorno. Los lobos marinos deben escapar de las fauces de las orcas\, lo que le resulta fascinante. Un día dos viajeros trastocan su soledad: Lola y su pequeño hijo Tristán llegan en busca de respuestas. Vienen del otro lado del mar porque la solución a sus conflictivas vidas parece esconderse en estos desolados paisajes. Un hombre\, una mujer\, un niño. No forman necesariamente una familia. El realizador español Gerardo Olivares (1964) cuenta con una amplia obra donde sus películas parecen encadenarse unas con otras a través de relatos que transcurren en parajes remotos\, donde los seres humanos deben poner a prueba sus aptitudes para sobrevivir. De los desiertos africanos a los mares polares\, desde el Norte del Globo al extremo Sur. Su cámara rastreas paisajes y rostros intentando lograr comunión entre ellos. «El Faro de las Orcas» narra la historia de varios aprendizajes. Sobre la naturaleza agreste y sobre todo\, la humana. Interpretada por uno de los actores mas talentosos de la nueva generación argentina\, Joaquin Furriel y Maribel Verdú\, figura emblemática del cine español desde hace tres décadas\, el film encuentra en el niño Joaquin Rapalini el tercer personaje de la historia: Tristán\, que deberá enfrentarse al mayor desafío de su corta vida: saber que hay mas allá de esa misteriosa enfermedad conocida como Autismo. Un cine que bucea en los aspectos mas complejos de la condición humana para despertar en ellos emociones dormidas. La belleza del paisaje compite con la de los animales que pueblan sus costas. Una película diferente y necesaria. \n«EL FARO DE LAS ORCAS» (2016) España-Argentina / Director Gerardo Olivares / Intérpretes Joaquin Furriel\, Maribel Verdú\, Joaquin Rapalini\, Osvaldo Santoro\, Ana Celentano / Color / Hablada en castellano / Duración 1h 50 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL MAGO DE LAS MENTIRAS" (2017).
DESCRIPTION:«El Mago de las Mentiras» es una película muy actual\, está producida para la Televisión norteamericana pero ha tenido una amplia difusión mas allá de la pequeña pantalla. Porque su temática de rabiosa actualidad es formidable para explicar y hacer comprensible a los espectadores el alcance de una Crisis Financiera gestada a partir del año 2007 y cuyas consecuencias arrastra hasta el presente. Así como a partir de un «día negro» de 1929 cuando la Bolsa de Nueva York desató otra crisis que afectó al país y al exterior hasta la intervención de EE.UU. en la Segunda Guerra Mundial\, esta llamada «Gran Recesión» (o Segunda Gran Depresión) llega con sus tentáculos hasta nuestros días. El 15 de septiembre de 2008\, y tras un año de alarmantes síntomas de diferentes Bancos norteamericanos\, el cuarto en orden de importancia\, Lehman Brothers\, fundado en 1850\, colapsa. Y el 11 de diciembre explota la bomba de una Firma de Inversión activa desde 1960: la de Bernard («Bernie» para amigos y enemigos) Madoff. Con su detención queda al descubierto una de las mayores estafas de la Historia. Con su actividad en forma de esquema piramidal (suma de clientes ilimitadamente pero que no deben reclamar sus beneficios todos a la vez)\, llevó a la ruina a miles de personas por una suma cercana a los 65.000 millones de dolares en todo el Planeta.. En la actualidad está en prisión cumpliendo pena de 150 años de prisión y el decomiso de 17.179 millones de dólares. Con todo este material\, el director Barry Levinson (1942) realiza una película que se centra en las consecuencias de este suceso en las entrañas de la propia familia de Madoff: como en una tragedia griega\, sus integrantes vas sufriendo las consecuencias de los actos de un padre terrible que ademas les ha engañado a todos ellos. Sus tres hijos\, Mark\, Andrew y Peter son las principales víctimas. Mientras que su esposa Ruth parece escapada de una obra de Shakespeare\, mezcla de Lady Macbeth y de inocente Julieta capaz de todo por acompañar a su amor. La película se convierte en uno de los grandes retratos contemporáneos sobre la importancia del Dinero en la sociedad hiper-capitalista\, donde son muchas las víctimas y muy pocos los reales ganadores. Aunque muchos de ellos no hagan mas que esquivar a la Justicia una y otra vez. \nInterpretada por uno de los mayores actores de la Historia del Cine\, Robert de Niro (1943)\, intérprete de mas de un centenar de películas entre las que destacan las realizadas en el período 1968 (año de debut)- 1990 cuando realiza «Buenos Muchachos»\, una de sus varias colaboraciones con el cineasta Martin Scorsese y que cierra de alguna manera su tiempo de actor serio y comprometido. A partir de entonces y hasta la actualidad\, ha trabajado incansablemente en películas muy olvidables\, dando demasiado lugar a las comedias o policiales intrascendentes pero que le han mantenido como figura taquillera a lo largo de las décadas. «El Mago de las Mentiras» nos trae lo mejor de su arte y lo confirma como lo que siempre fue: uno de los mas grandes. Recordemos entre sus mayores contribuciones los siguientes títulos: «Calles Salvajes» (1973)\, «El Padrino II» (1974)\, «Taxi Driver»\, «Novecento» y «El Último Magnate»\, todas de 1976\, «New York\, New York» (1977)\, «El Francotirador» (1978)\, «El Toro Salvaje» (1980)\, «Confesiones Verdaderas» (1981)\, «Erase una vez en América» (1984)\, «Los Intocables» (1987)\, «Casino» (1995)\, «Jackie Brown» (1997) y «Ronin» (1998). Ha dirigido dos excelentes films: «Una luz en el Infierno» (1993) y «El Buen Pastor» (2006)\, obra cumbre del cine norteamericano contemporáneo donde indaga sobre los entre-telones de los servicios secretos\, un mundo tan oscuro como el de las finanzas. \n«EL MAGO DE LAS MENTIRAS» (The wizard of lies) 2017 / EE.UU. / Director Berry Levinson / Intérpretes Robert de Niro\, Michelle Pffeifer\, Alessandro Nivola\, Nathan Darrow\, Michael Kostroff / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2hs 13 minutos. \n 
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SUMMARY:CINE: "LA TERNURA" (2017).
DESCRIPTION:La película se cierra con una cita de un antiguo poeta árabe a quién no se nombra: «La Felicidad no es un objetivo a alcanzar\, siempre habrá un lugar para regresar\, que no está adelante\, está atrás. Vuelve\, no vayas. Ninguno de nosotros lo sabe». Como toda poesía\, guarda misterio e interpretaciones diferentes. En la película del gran realizador italiano Gianni Amelio parece evocar determinada ausencia de sentimientos humanos. Un abogado recién retirado\, pasado los setenta años\, se enfrenta en su Napoles natal a una serie de circunstancias que le obligan a replantear cuestiones fundamentales de su vida\, entre ellas\, la relación amarga que mantiene con sus hijos ya adultos. Estos\, también plantean una mirada diferente hacia su padre. Un matrimonio joven con hijos pequeños se convierten en vecinos. Y sensaciones anestesiadas parecen despertar en el hombre. El realizador es uno de los mayores nombres del arte italiano desde que inició su carrera tres décadas atrás con una obra audiovisual compuesta de cortometrajes\, largos documentales y de ficción\, para cine y televisión\, donde destacan «Puertas Abiertas»\, «Ladrón de niños»\, «Lamerica» y «Las llaves de casa». En ellas indaga sobre temas siempre actuales como son la corrupción política\, la infancia abandonada\, la realidad de países que generan migraciones masivas hacia Italia o la enfermedad y la relación de esta entre familiares. «La Ternura» bucea en la situación social de la Europa actual muy alejada de la estampa turística. En la Napoles que el director retrata no hay lugar para otro paisaje que no sea el humano. Una de las mejores películas europeas del año pasado que está protagonizada por Renato Carpintieri\, un hombre del teatro y la cultura que debutó en cine a los 50 años en una obra de este mismo director\, y que desde entonces no ha parado de trabajar\, compartiendo esta labor con la de director de uno de los grandes espacios teatrales napolitanos. Lo acompañan un grupo notable de intérpretes\, entre los que destacan los niños co-protagonistas. \n«LA TERNURA» (La Tenerezza) /2017 / Italia / Director Gianni Amelio / Intérpretes Renato Carpintieri\, Giovanna Mezzogiorno\, Elio Germano\, Greta Scacchi\, Micaela Ramazotti\, Hieb Khili / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h. 50 minutos.
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SUMMARY:CINE "MANHATTAN" (1979).
DESCRIPTION:La comedia cinematográfica es un genero que permite hablar muchas veces de situaciones dramáticas a través del humor y lograr de esta manera que el efecto sobre el público sea diferente al provocado por un drama. Sin embargo\, y aunque parezca contradictorio\, si nos ajustamos a definiciones de diccionario\, forma parte de la Obra Dramática\, pero con elementos que divierten\, hacen reír y tienen desenlace feliz. No es obligatorio ceñirse a esta afirmación\, y los grandes cineastas se han encargado de reflexionar a través de ella de toda una galería de situaciones y personajes que presentan su humanidad desnudamente\, «disfrazándola» detrás del humor. Buster Keaton y Charles Chaplin fueron dos de sus máximos exponentes en los primeros tiempos del Cine con obras como «The Kid» (El Pibe\, 1921) o «Our Hospitality» (La ley de la hospitalidad\, 1923) donde se interrogan por temas tan poco divertidos como la infancia miserable o las hipocresías familiares\, haciendo que ellos aparezcan ante el espectador de una manera mas accesible o digerible. El efecto\, sin embargo\, no dejará a nadie indiferente ante lo dramático de lo representado. \nWoody Allen (1935) ha desarrollado desde los años sesenta una amplia obra como actor\, guionista y director de cine (también de teatro\, televisión y shows nocturnos) que lo convirtió en uno de los mayores cronistas de la Norteamérica contemporánea y mas tarde\, podríamos decir\, de todo un sector de la cultura occidental. Ha dirigido cerca de 50 largos para la pantalla entre las que destacan comedias y dramas en estado puro\, pero también una cierta combinación de ambas formas que podríamos definir como comedias dramáticas ( cientos de cineastas lo han hecho también). Destacan entre sus títulos: «Bananas» (1971)\, «Dos extraños amantes» (Annie Hall) (1977)\, «Zelig» (1983)\, «La rosa púrpura del Cairo» (1985)\, «Crímenes y Pecados» (1988)\, «Todos dicen te quiero» (1996)\, «Ladrones de medio pelo» (2000)\, «Blue Jazmine» (2013) y los cuatro films que rodó en Gran Bretaña: «Match Point» (2005)\, «Scoop» (2006)\, «El sueño de Cassandra» (2007) y «Conocerás al hombre de tus sueños» (2010). \n«MANHATTAN» (1979) fue una de sus obras mas aplaudidas\, donde humor y drama comenzaron a combinarse de una manera mas evidente. Narra la historia de un hombre en crisis (personaje permanente de los interpretados por él mismo) que a los 42 años se encuentra harto de su trabajo y se queda sin él. Tres mujeres circulan por su presente: una joven de 17 años profundamente enamorada\, una ex-esposa a punto de publicar un libro sobre su propia experiencia matrimonial y la neurótica amante de su mejor amigo que pronto lo será también suya. Con el telón de fondo de la ciudad que da nombre al film\, de la cual el personaje confiesa estar literalmente enamorado\, la narración se desliza armoniosamente bajo la deslumbrante música de Gershwin «Rhapsody in Blue» y nos brinda una de las primeras interpretaciones de la actriz Meryl Streep. Obra fílmica que mantiene intactos sus encantos a casi cuarenta años del estreno. Un Clásico de la comedia cuyas palabras finales hablan de la necesidad de creer que no todo el mundo está corrompido y que por tanto nos merecemos la esperanza. Una de las secuencias finales mas conmovedoras del cine y ejemplo magistral del talento de uno de los grandes cineastas del cine contemporáneo. \n«MANHATTAN» (ide\,\, 1979) / EE.UU. / Director Woody Allen / Intérpretes Woody Allen\, Diane Keaton\, Michael Murphy\, Mariel Hemingway\, Meryl Streep / Blanco y Negro / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 35 minutos.
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SUMMARY:CINE: "SUNSET BOULEVARD" (El Ocaso de una Vida) 1950.
DESCRIPTION:Está considerada como una de las grandes obras maestras de la cinematografía. Muchas películas han abordado el tema de como se hacen las películas\, o sobre vidas de intérpretes\, guionistas\, directores. Y entre ellas destacan perlas como esta. Estrenada en 1950\, narra la historia de tres personajes: un guionista sin trabajo y con muchas deudas\, una actriz que fue famosa durante la época del cine mudo y un director que se ha convertido en su sirviente. Los tres se encuentran en una decadente mansión sobre la calle que da título a este film. Una célebre arteria que atraviesa grandes extensiones de la ciudad de Los Ángeles y que ya es nombre mítico para  viajeros\, curiosos y amantes del celuloide. La modernidad de la obra se manifiesta a casi 70 años de su realización(1949) y ello se debe al talento indiscutible de sus responsables que logran el prodigio de emocionar a espectadores actuales a través de mecanismos eminentemente cinematográficos: un guión deslumbrante\, localizaciones\, escenografías reales y armadas\, fotografía y música que le dan identidad propia y furiosa. El realizador Billy Wilder (1906-2002) cuenta con trabajos memorables como «Pacto de Sangre» (1944)\, «Días sin Huellas» (1945\, «Sabrina» (1954)\, «Una Eva y dos Adanes» (1959) o «»Primera Plana» (1974)\, todos clásicos. Recupera para este film la figura entonces semi-olvidada de una de las mayores figuras del Cine Mudo: Gloria Swanson (1899-1982) \, actriz prodigiosa que hace de su creación\, Norma Desmond\, uno de los grandes personajes femeninos de todos los tiempos: estrella decadente que paga con la locura el precio del olvido de espectadores y profesionales de su medio. El amor desbocado que siente por un hombre mucho menor\, será la gota que colmará su vaso. Una historia de pasiones no correspondidas\, demencia\, poder\, intriga y crimen en el centro de Hollywood. Junto a ella actúan dos hombres no menos célebres: el actor William Holden (1818-1981)\, ídolo indiscutible de los años 50 y 60\, y Erich von Stroheim\, gran y genial director del cine mudo\, maestro de maestros\, figura revulsiva y transgresora que tiene en su haber clásicos como «Avaricia» (Greed\,1924)\, considerada una de las obras capitales de este arte. Un título imprescindible para cualquier amante del cine. \n«SUNSET BOULEVARD / EL OCASO DE UNA VIDA» (1950) / Director Billy Wilder / Intérpretes William Holden\, Gloria Swanson\, Erich von Strohein\, Nancy Olson / Blanco y Negro / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 55 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "BUENAS NOCHES\, ALEJANDRO" (1968).
DESCRIPTION:Un Hombre y un Perro\, protagonistas. En 1968 se estrena en Buenos Aires esta película que se convierte en éxito inmediato y será uno de los films mas vistos por los espectadores argentinos en los siguientes años\, cuando una y otra vez se repuso en Salas de Arte (o Cine-Clubs) de todo el territorio. Un tiempo donde el público mas exigente acudía a ver títulos europeos en busca de una diferencia que no siempre encontraba en el de Hollywood. Las comedias francesas e italianas eran ampliamente apoyadas por este sector de amantes de la gran pantalla. Y esta obra del muy reputado director galo Yves Robert ((1920-2002)\, autor de sucesos como «La Guerra de los Botones» (1962)\, «Alto\, Rubio y con un zapato negro» (1972)\, «El regreso del alto y rubio» (1974)\, ambas con el comediante Pierre Richard\, «Un elefante con una trompa enorme» (1976) o «Todos iremos al Paraíso» (1977)\, cumplió ampliamente con estas inquietudes. \nAlejandro en un hombre bonachón de menos de 40 años que trabaja el campo de sol a sol\, siempre bajo la implacable batuta y mirada de su esposa\, alias «La Grande»: mujer tiránica y abusadora que no deja de exigirle cosas al sufrido amante del buen vivir (en sus fantasías). No todo acaba con las tareas del campo ya que después de las cenas también debe satisfacer deseos íntimos de la dama. Los padres de ésta no se privan tampoco de ejercer presión sobre la «víctima». Pero un accidente de auto cambiará todo la realidad y a partir de allí\, Alejandro decidirá hacer literalmente lo que le da la gana. O lo que es lo mismo\, nada. Estar durmiendo\, comiendo y disfrutando de la compañía de su mejor y único amigo: un perro que le sigue en todo y se convierte en el mejor aliado de aventuras. Pero no hay dicha que dure cien años ni nueva mujer irresistible que se cruce en su camino… \nEl enorme actor francés Philippe Noiret (1930-2006) se consagró popularmente con esta película. Había debutado en uno de los títulos clásicos del cine galo: «La Pointe Courte»(1955)de Agnes Varda\, considerado el título «inicial» de la Nouvelle Vague (Nueva Ola)\, movimiento cinematográfico emblemático del período 1955-1965\, cuando un puñado de jóvenes cineastas revolucionaron el panorama fílmico global. Noiret aparecería en otros dos films de Culto: «Zazie en el Metro» (1960) de Louis Malle y «Therese Desqueyroux» (1962) de Georges Franju. Luego\, filmó con maestros como George Cukor\, Alfred Hitchcock\, Philippe de Brocca\, Marco Ferreri\, Mario Monicelli\, Alain Robbe-Grillet o Bernard Tavernier. En 1988 su nombre vuelve a brillar en lo mas alto al protagonizar «Cinema Paradiso» de Giuseppe Tornatore y en 1994\, su último suceso\, «El Cartero»\, donde dio vida al escritor Pablo Neruda. Forma parte del núcleo mayor de interpretes de Francia\, al lado de nombres como Jean Gabin\, Fernandel\, Charles Boyer\, Lino Ventura o Yves Montand. Sin la apostura de ellos ni de la de Alain Delon\, Jean Paul Belmondo o Jean Louis Trintrignant\, su nombre engalana esta exquisita «lista de los mejores». \n«Buenas Noches\, Alejandro» cumple 50 años de su estreno y nos brinda la posibilidad de volver a enfrentarnos a ella para entender como le han pasado los años así como a nosotros los espectadores.Su título original lo define como «Alexander el bienaventurado o el bendito»\, una licencia del lenguaje aplicada a la comedia mas pura y también mas profunda: la que a través de la comicidad nos permite acercarnos a los aspectos menos alegre de la vida. Un clásico. \n«BUENAS NOCHES\, ALEJANDRO» (Alexandre\, le bienheureux) Francia /1968 / Director Yves Robert / Intérpretes Philippe Noiret\, Francoise Brion\, Marlene Jobert\, Tsilla Chleton\, Pierre Richard / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 40 minutos. \n 
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SUMMARY:CINE :"PRIMAVERA EN OTOÑO" (1970).
DESCRIPTION:CENTRO DE JUBILADOS GRUPO RECREATIVO GENERAL PAZ 679. \nIniciamos esta tarde unas funciones que llamaremos\, en recuerdo de nuestra memoria y de las salas cinematográficas que había en ciudades como Azul y todo el País\, «MATINÉES DE CINE». En los tiempos en que se proyectaban películas a diferentes horarios\, los nombres que recibían cada uno eran: «matinée» (primera hora de la tarde)\, «vermouth» (sobre las 19.00 hs) o «trasnoches» (pasadas las 0.30 hs). La función central siempre rondaba las 21.00 hs. Y así\, la opción para cada uno estaba servida. En esta nueva oferta del Centro de Jubilados se exhibirán mensualmente y en horario de Domingo a las 15.00 hs.una serie de películas interpretadas por actrices y actores clásicos del cine como Ingrid Bergman\, Audrey Hepburn\, Kim Novak\, Humphrey Bogart\, William Holden\, Sophia Loren\, Paul Newman\, Marlon Brando\, Brigitte Bardot\, Deborah Kerr\, Burt Lancaster\, Elizabeth Taylor\, Marilyn Monroe\, Tony Curtis\, Jack Lemmon o Rita Hayworth. Lo que significa que los mayores de 50 años serán sus primeros destinatarios. Para recuperar un tiempo hoy perdido de ver películas en la intimidad de una sala. Cuando generaciones enteras de espectadores hicieron de esta actividad una de las primeras en el entretenimiento popular y masivo. \nEl primer título a exhibir es «PRIMAVERA EN OTOÑO». Una película de origen norteamericano realizada en el año 1970 e interpretada por dos figuras que ya eran históricas entonces: Ingrid Bergman\, nacida en Suecia y Anthony Quinn\, procedente de México\, que desarrollaron la mayor parte de su trabajo en Hollywood\, California. La actriz se había consagrado en la década de los 40 cuando sus interpretaciones en films como «Casablanca»\, » Recuerda Tu Pasado»\, «Luz de Gas» o «Anastasia» la convirtieron en una de las preferidas de público y críticos. El actor comenzó interpretando roles secundarios hasta alcanzar protagonismo y destacar en obras como «Viva Zapata»\, «Viento Salvaje» «Los Cañones de Navarone»\, «Lawrence de Arabia»\,» Zorba el Griego»\, «La Hora 25» o «Las Sandalias del Pescador». \n«PRIMAVERA EN OTOÑO» cuenta la historia de Libby y Will\, ambos de 55 años que se enamoran a pesar de estar casados y tener familias desde mucho tiempo atrás. Un romance que lo viven en secreto y en medio de un ambiente alejado de la gran ciudad. La mujer vive con un escritor y deciden pasar una temporada en el campo para lograr mayor inspiración en el trabajo del hombre. Will es el encargado de mantener la casa y solucionar los conflictos que eventualmente surjan. Pero la atracción mutua que sienten desde el primer momento en que se ven\, les obligará a replantear sus vidas y su futuro. \nDirigida por un experimentado realizador de origen inglés\, Guy Green\, el film ha sido escasamente visto después de su estreno y en este nuevo ciclo se recuperaran obras de esta clase con la intención de brindar a los espectadores el placer del reencuentro con un tipo de intérpretes y películas de difícil acceso en la actualidad. \nEsperamos poder crear con el paso del tiempo y la sumatoria de funciones\, un público fiel y que encuentre el placer en esta cita de los domingos por la tarde. Los esperamos. \n«PRIMAVERA EN OTOÑO» (A walk in the spring rain\, 1970) / EE.UU / Director Guy Green / Intérpretes Ingrid Bergman\, Anthony Quinn\, Fritz Waver\, Katharine Crawford\, Tom Holland / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 38 minutos.
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LOCATION:Centro de Jubilados Grupo Recreativo\, General Paz 679\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "JULIETA" (2016).
DESCRIPTION:Pedro Almodóvar (La Mancha\, 1949) es el director de cine español con mas proyección internacional después de Luis Buñuel (1900-1983). Ambos han sido los embajadores mas reconocibles a nivel global de una cinematografía tan rica como desconocida fuera de sus fronteras. «JULIETA»  es su último trabajo estrenado hasta el presente\, mientras se prepara para el rodaje de su largometraje Nº 21. Cuenta otra historia de mujeres\, su especialidad desde los inicios de carrera\, Empleado administrativo de Telefónica Española\, entre 1974 y 1978\, filma en sus ratos libres una decena de cortometrajes en formato Súper 8 y debuta en 1980 en el largo con un título ya mítico del cine hispano: «Pepi\, Luci\, Bom y otras chicas del montón». Desde entonces\, ha encadenado un suceso con otro\, aunque en la última década ha ido perdiendo el apoyo del público masivo en su tierra\, no así fuera de las fronteras españolas\, donde su nombre cuenta entre los realizadores mas influyentes del cine contemporáneo. \nNarra la historia de Julieta en dos tiempos: pasado y presente. Una mujer que lleva 12 años sin tener noticias de su hija Antia\, lo que la tiene sumida en una depresión sin remedio. Una mañana se cruza en la calle con una antigua amiga de la joven y le dice que ésta vive en Suiza con su familia. Entonces la vida de la mujer da un vuelco e intentará desde ese momento contactar a través de cartas que lucen como diarios privados donde nos va relatando su historia. Tan compleja y llena de vericuetos como lo son todas las heroínas de Almodóvar. Los personajes masculinos parecen haberle interesado menos al realizador\, aunque algunas de sus películas los tengan como protagonistas. «Matador» (1986) fue el primer intento de indagar en la figura de un hombre y «La Mala Educación» probablemente su dedicación mas certera. El resto de su filmografía se comprende con personajes interpretados por actrices como Carmen Maura (su musa inicial y luego declarada enemiga)\, Marisa Paredes\, Rossy de Palma o Penélope Cruz. En «JULIETA» dirige por primera vez a una de las grandes actrices del panorama artístico español: Emma Suarez (1964) que debuto siendo adolescente en 1980 y ha dibujado una carrera sin pausas desde entonces. Entre su filmografía destacan tres trabajos con Julio Medem\, el cineasta vasco y dos con Pilar Miró\, una de las mas prestigiosas directoras de la península: sin ellos » Vacas» (1992)\, «La ardilla roja» (1993)\, «Tierra» (1996)\, del primero y «Tu nombre envenena mis sueños» y «El perro del hortelano» \, ambas de 1996\, de la segunda. El resto del elenco está formado por un grupo de formidables rostros femeninos\, una inquietud siempre presente en el cine del transgresor realizador nacido en tierras del Quijote. Como este\, y salvando todas las distancias (no es un genio\, en primer lugar)\, cabalga por el mundo del arte en busca de nuevas aventuras para la pantalla. Cine y Literatura manchegas de primera categoría. \n«JULIETA» / IDEM / España / 2016 / Director Pedro Almodóvar / Intérpretes Emma Suarez\, Adriana Ugarte\, Inma Cuesta\, Dario Grandinetti\, Daniel Grao\, Rossy de Palma\, Michelle Jenner / Color / Hablada en castellano con subtítulos / Duración 1h 40 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "MENTIRAS MORTALES" (2012).
DESCRIPTION:Robert Miller es un afamado hombre de negocios. Su imagen pública está construida sobre una idílica vida familiar compuesta con su mujer Ellen y su hija Brooke\, quién fascinada por la figura del padre\, intenta seguir su camino en el mundo de las altas finanzas. Pero la realidad no es tan ejemplar\, ya que el hombre esconde un turbio manejo de ciertos negocios. También una vida paralela con su bella amante francesa. Una noche y en pocos segundos\, toda su vida dará un cambio radical y entonces sus estrategias para seguir siendo el número uno se pondrán en marcha. «Mentiras Mortales» es una película que indaga en vidas reales detrás de las fachadas que los medios de comunicación construyen para vender lo que ellos quieren. Y los personajes que llenan sus espacios también. Porque tras las carreras de éxitos y sucesos se esconden los verdaderos peldaños que han construido sus engañosas figuras. El presente nos demuestra que la imagen no lo es todo. Y films como este\, en un genero tan atractivo como el de las intrigas en el mundo de los poderosos\, nos recuerdan que el mundo real es otro. Interpretada por uno de los grandes astros del cine global de los últimos cuarenta años\, el norteamericano Richard Gere\, la película nos conduce por un sendero lleno de suspenso\, intriga\, romances prohibidos y otros públicos\, relaciones familiares construidas sobre el engaño que hacen al buen cine. Un trío de intérpretes igualmente atractivos acompañan a Gere: Tim Roth\, uno de los grandes actores contemporáneos\, la enorme Susan Sarandon y la bella actriz y modelo francesa Laetitia Casta. \n«MENTIRAS MORTALES» / Arbitrage / 2012 / EE.UU- Polonia / Director Nicholas Jarecki / Intérpretes Richard Gere\, Susan Sarndon\, Tim Roth\, Laetitia Casta\, Brit Marling / Color / Hablada en ingles con subtítulos en castellano / Duración 1h 47 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "DEPHAAN"(2015).
DESCRIPTION:Los protagonistas de este film francés son refugiados que llegan a Europa huyendo de las matanzas que una guerra civil y étnica provoca en su país de origen: Sri Lanka\, la antigua Ceylan. \nIsla ubicada al sur de la India\, en el Océano Índico\, vivió un conflicto armado que se extendió entre 1983 y 2009. Iniciado por un grupo guerrillero que representaba la minoría étnica tamil\, provocó la muerte de alrededor de 100.000 personas\, todas generadas por los dos bandos enfrentados. El Gobierno no escatimó víctimas civiles en su afán exterminador\, objetivo que alcanzó tras liquidar a la cúpula militar de los conocidos popularmente como Tigres Tamiles. La ONU jamas intervino en la cuestión por los vetos de China y Rusia\, que consideraban al exterminio un «problema interno». \nEl gran cineasta Jacques Audiard (1952)\, uno de los mayores talentos actuales del Cine Europeo\, rueda su séptimo film ganado el premio mayor del Festival de Cine de Cannes 2015: la preciada Palma de Oro. Autor de la memorable «Un Profeta» (2009)\, radiografía de cárceles y delincuencia francesas actuales\, el director encuentra en los tres personajes protagonicos el terreno fértil para desarrollar su historia de violencia\, migraciones y humanidades en situaciones extremas de supervivencia. Una historia de amor diferente atraviesa la narración: un hombre\, una mujer y una niña de 9 años simulan ser una familia para escapar de la isla y encontrar refugio en la civilizada Europa. Al llegar al suburbio de París que les ha tocado en suerte\, descubren que la violencia también es dueña del lugar. No es una guerra civil\, sino otra encubierta entre pandillas rivales que luchan por controlar el negocio de la droga. Trabajando como portero de edificio él y como cuidadora de un incapacitado ella\, la niña será quién mas fácil acceso tendrá a una cultura diferente\, que desconocen y los menosprecia. La sorpresa de los personajes al descubrir el mundo que late tras las ventanas de su departamento («parece que estuviéramos viendo una película»\, afirman en un momento) se traslada a nosotros\, espectadores de una geografía distante a los dos escenarios que muestra el film. \nUna obra extraordinaria donde las personas están antes que los acontecimientos. El realizador desarrolla con extremo talento su escritura fílmica con una cámara siempre ágil que no deja un momento de respiro. Las imágenes de un elefante que se mueve sigilosamente entre el verdor de las selvas tropicales de la perdida Ceylan\, da pie para reflexionar sobre la realidad convulsa de nuestra civilización. Donde parece no haber lugares pacíficos sino meras fantasías de ellos. Mientras los medios masivos de comunicación siguen digitando que o no mostrar (y la población creyendo lo que quiere creer)\, el Cine artístico\, comprometido\, social y político sigue ofreciéndonos la posibilidad de descubrir esas verdades que las otras pantallas nos escamotean. \n«Dephan» se convierte entonces en una de las manifestaciones mas poderosas del celuloide contemporáneo. El que permanecerá en el tiempo para futuras generaciones que quieran saber que ocurría en otros momentos de la Historia\, entre ellos el nuestro. El Arte\, alimento imperecedero de lo mejor de nosotros\, las Personas. \n«DEPHAAN» /idem / 2015 / Francia / Director Jacques Audiard / Intérpretes Jesuthasan Antonythasan\, Kalieaswari Srinvasan\, Claudine Vinasithamby\, Vincent Rotiers\, Marc Zinga / Color / Hablada en tamil y francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 50 minutos.
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LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "SARABANDA" (2003).
DESCRIPTION:Un hombre y una mujer se reencuentran después de treinta años. Han sido pareja y padres de dos hijas. Pero en todo ese lapso no han vuelto a verse. En una casa perdida en medio del bosque viven su nuevo tiempo juntos. Un hijo de un matrimonio anterior de él y su hija\, nieta del anciano\, comparten los días en que Marianne y Johan intentarán descubrir quienes son ahora. El presente que va armándose con retazos de un pasado distante pero jamas olvidado. La memoria y la vida fluyen por las venas de ambos. Y en la de esos dos recién llegados a la vida de la visitante. Con esta trama en apariencia sencilla\, el genial artista sueco Ingmar Bergman (1918-2007) se despide del cine. Y lo hace utilizando las nuevas tecnologías digitales\, experimentando con un tipo de imagen diferente al celuloide y al vídeo televisivo con los cuales trabajó a lo largo de toda su vida\, desde que debutara en los años cuarenta. El Teatro y la Literatura fueron sus otros territorios y en todos fue igualmente deslumbrante. Uno de los pocos genios de la Historia del Cine y de los mayores nombres de todo el Siglo XX. Quién quiera encontrar retratos del ser humano en su mas profundo sentido\, tendrá en la obra del sueco el mejor material entre sus manos y delante de sus ojos. Porque tras la sencillez citada se encuentra todo un complejo entramado de emociones\, sensaciones\, reflexiones\, sueños y realidades que trascienden la cuestión de un país\, de una idiosincrasia\, de una cultura. El ser humano bergmaniano somos todos y todas. Como un investigador que no aparta jamas la lupa de sus criaturas\, el cineasta narra con el lenguaje cinematográfico lo que pocos habían logrado antes. Y complementa con su mirada la obra de otros genios del cine como Griffith\, Chaplin\, Stroheim\, Lang\, Buñuel\, Ford\, Hitchcock\, Renoir o de Sica. Todos hacedores  del deslumbrante Arte surgido en las postrimerias del Siglo XIX. \nLa actriz Liv Ullmann (1938) nacida en Tokyo de padre noruego\, fue descubierta por el Maestro en su film de 1966 «Persona». Desde entonces rodaron una decena de películas que son ya parte de la Historia del Cine\, como «Vergüenza» (1968)\, «Gritos y Susurros» (1972)\, «Escenas de la vida conyugal» (1973) o «Sonata de Otoño» (1978). Otro actor querido por el realizador\, Erland Josephson(1923-2012) encarna al protagonista masculino. Ambos continúan con los personajes que construyeron en el citado título de 1973\, que fue primero serie de televisión en cinco episodios y luego película para los cines. En la actualidad\, transformada en obra de teatro\, «Escenas de la vida conyugal» recorre los escenarios de Argentina\, España y otros países con sus personajes emblemáticos que siguen demostrando la vigencia del artista nórdico\, quién explica así el título de su obra final: » evoca la bella suite para violonchelo de Bach. Una zarabanda es\, de hecho\, un baile por parejas. Se describe como muy erótico y fue prohibido en la España del Siglo XVI. Finalmente se convirtió en uno de los cuatro bailes prefijados en las suites instrumentales barrocas\, al principio como el último movimiento y posteriormente como el tercero. La película sigue la estructura de una zarabanda. Siempre hay dos personas que se encuentran. En diez escenas y un epílogo.» Palabra de Bergman. \n«SARABANDA» (SARABAND\, 2003) / Suecia / Director Ingmar Bergman / Intérpretes Liv Ullmann\, Erland  Josephson\, Borje Ahistedt\, Julia Dufvenius\, Gunnel Fred / Color / Hablada en sueco con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LOS INÚTILES" (1953).
DESCRIPTION:Años cincuenta. Han pasado siete desde el final de la Guerra e Italia intenta recuperarse poco a poco del desastre. Un pueblo de provincias y sus habitantes. Entre ellos cinco amigos con sus vidas privadas y públicas. Cinco hombres que nos acercan la realidad italiana de la época. Siempre tienen un momento para reunirse alrededor de la mesa de un bar y hablar de sus cosas. Las mujeres están entre sus prioridades y la amistad les mantiene vivos. Para muchos de sus conciudadanos son simplemente unos «inútiles». En realidad son seres humanos que hacen lo que pueden\, y lo que quieren o anhelan se mantiene como una promesa o fantasía de fuga hacía las grandes ciudades. En este escenario se desarrolla el tercer largometraje de uno de los grandes artistas del cine europeo de toda la Historia y de los pocos genios que la Cinematografía ha contado en su mas de un siglo de vida. Federico Fellini vivió 73 años. Nacido en 1920\, su infancia y adolescencia transcurrió en Rimini\, un pueblo de la costa este de Italia sobre el Mar Adriático. Desde allí viajó a Roma donde comenzó a trabajar en periódicos. En 1950 co-dirige su primer film\, «Luces de Variedad» junto a Alberto Lattuada y a lo largo de cuatro décadas rueda 19 largometrajes\, un film para TV y tres episodios en films colectivos\, entre los que se encuentran dos de sus mejores trabajos: los de «Bocaccio 70» (1962) y de «Historias Prohibidas» (1968). Destacan joyas como «La Strada» (1954)\, «La Dolce Vita» (1960)\, el título que lo popularizó internacionalmente\, «8 y Medio» (1962)\, «Amarcord» (1973)\, entre sus hermosas creaciones. «LOS INÚTILES» fue su tercer trabajo y el primer éxito notable. Interpretada por un grupo de actores imprescindibles del cine italiano\, destaca el nombre de Alberto Sordi\, nacido como él en 1920. Uno de los grandes histriónicos de todos los tiempos\, comenzó siendo muy joven durante los años 30′ en pleno apogeo de Mussolini. Pero sería recién entrados los 50′ cuando su nombre destaca como primera figura. Lugar que ocupó hasta su muerte en 2003. Junto a Mastroianni\, Tognazzi\, Gassman y Manfredi\, forma el gran quinteto de actores italianos que alumbró la pantalla tras la Segunda Guerra Mundial y dieron a conocer todo un periodo de esplendor que en Argentina convirtió a este cine en uno de los preferidos del público durante décadas.Con «LOS INÚTILES» Fellini realiza otra de sus memorables radiografías sobre el pueblo italiano en un estilo mas realista\, que iría abandonando progresivamente hasta la llegada de «La Dolce Vita». Tras este título\, el cineasta daría un giro hacia un cine mas complejo donde lo onírico junto a la metafórico serían el sello distintivo. El tratamiento humorístico de sus creaciones escondió siempre un trasfondo mas amargo que con los años fue haciéndose cada mas evidente hasta llegar a su estallido final en «La Voz de la Luna»\, su último trabajo\, una película donde parece decir que todo un tipo de hacer cine ha muerto en pos del triunfo de la omnipotente televisión\, que alejó a la gente de las salas de cine para confinarlas en la soledad encubierta de sus hogares. Un cineasta profético y siempre enriquecedor. \n«LOS INÚTILES» (I Vitelloni) (1954) / Italia / Dirección Federico Fellini / Intérpretes Alberto Sordi\, Leopoldo Trieste\, Riccardo Fellini\, Franco Interlenghi\, Franco Fabrizi\, Leonora Ruffo / Blanco y Negro / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h 41 minutos.
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SUMMARY:CINE: "NOSOTROS EN LA NOCHE" (2017).
DESCRIPTION:Addie y Louis viven en una ciudad del interior. Vecinos\, casi no han tenido relación a lo largo de su vida. Padres y viudos\, sus vidas discurren en las rutinas que cada uno han desarrollado. Un día ella lo visita y le hace una oferta inesperada. Las noches son las horas mas difíciles y pasarlas juntos puede ser una buena solución. Así se inicia esta historia entre personas mayores que no han perdido la capacidad de descubrir nuevas vivencias. La calma del lugar\, los paisajes cercanos\, los colegas del club\, la amiga de toda la vida\, los hijos y nietos distantes. Las vidas que merecen ser vividas hasta el final. Esta es la trama que reúne por cuarta vez en sus carreras a dos figuras ya legendarias del Cine: Jane Fonda (1937) y Robert Redford (1936). En los años sesenta\, sus primeros tiempos en la pantalla\, compartieron pantalla en dos ocasiones y en 1979 la tercera.Han pasado casi cuatro décadas y el presente los encuentra activos y otra vez juntos. Esta vez ha sido para la pantalla de la televisión y de una nueva modalidad de verla: Netflix\, una plataforma de cine y series que poco a poco ha ido invadiendo hogares de todo el mundo y donde el público encuentra películas de ahora y de antes. El presente cinematográfico ha dejado un espacio importante para contar historias donde los jóvenes no son los protagonistas\, sino las personas mayores. Una adecuación a los tiempos modernos donde la tecnología en sus diferentes variantes permite disfrutar como nunca antes de  películas y series . Pero la pantalla del Cine sigue siendo una manera única de disfrutar de ellas y por eso esta obra se ha estrenado en principio en un Festival tan importante como el de Venecia\, donde los protagonistas tuvieron ocasión de enfrentarse al público presente y demostrarles que el talento\, la elegancia y la  buena presencia no tienen fecha de caducidad. Al menos para las personas que como ellos\, apuestan por vivir la vida a fondo. «Nosotros en la noche» quedará como el encuentro\, quizás final\, de dos de los nombres mas atractivos del cine de los últimos cincuenta años. Pocos alcanzan semejante categoría y nivel. La dirige un cineasta de la India que tras alcanzar gran suceso con un film en su país\, llega a Hollywood y entra por la puerta grande. \n«NOSOTROS EN LA NOCHE» (Our souls at night) / 2017 / EE.UU. / Director Ritesh Batra / Intérpretes Robert Redford\, Jane Fonda\, Mattias Schoenaerts\, Iain Armitage\, Bruce Dern\, Phyllis Somerville\, Judy Greer / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 43 minutos.
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SUMMARY:CINE: "DIRÉ TU NOMBRE" (2016).
DESCRIPTION:Una historia de amor en escenario de guerra. Amor y guerra\, dos palabras que han dado pie a incontables películas a lo largo de la Historia del Cine. Conflictos de tiempos pasados\, desde la Edad Media hasta la Segunda Guerra Mundial\, Vietnam\, Medio y Cercano Oriente\, se encuentran en títulos apreciados por público y crítica tanto como otros completamente ignorados. «Diré tu nombre» es un film reciente que no tuvo buen recibimiento cuando llegó al Festival de Cine de Cannes 2016 y que en Argentina no se estrenó en salas comerciales. Sin embargo se trata de una obra a reivindicar mas allá de algunas deficiencias. Que las tienen a montones otras películas que sin embargo gozan del beneplácito de los llamados «críticos». Término tras el cual se esconden a menudo personas que solo por tener la posibilidad de publicar en un medio\, se consideran portadores del «título». Esta obra es el quinto largometraje que ha rodado Sean Penn (1960)\, emblemático actor de Hollywood que ha compatibilizado su labor artística con la militancia política y el compromiso humanitario en diferentes causas a lo largo del planeta. Su faceta de realizador consta de cuatro films notables que preceden al actual y todos interesantes\, Destacan el primero y el cuarto\, «Bajo la misma sangre» (1991) con Viggo Mortensen y Charles Bronson y «Hacia rutas salvajes» (2007)\, que narra la historia de un hombre joven que se aleja de la civilización en busca de su propio yo. En esta ocasión\, El director se acerca a conflictos bélicos en el África actual y a la inmersión en ellos de médicos que pertenecen a ONG dispersas en zonas de guerra. Es muy complejo desde Occidente comprender la cuestión africana\, un continente que desde la llegada de los colonizadores europeos ha sido pasto del saqueo mas salvaje y desprecio por sus habitantes\, siempre mirados desde la soberbia «civilizada» como seres inferiores y por tanto así tratados. El presente no parece haber mejorado mucho esa imagen distorsionada que tenemos sobre ellos. Un presente plagado de conflictos en los que diariamente sigue muriendo gente ante la impasibilidad del llamado mundo progresista. Que utiliza los enfrentamientos regionales\, a menudo entre tribus ancestrales\, para armarlos hasta los dientes generando la gran economía de las armas\, una de las mayores industrias del mundo actual. Mientras tanto\, todo lo que huela a exportable\, es saqueado sin piedad por las multinacionales que se esconden tras fuertes nombres de reputación global. En ese contexto\, Penn rueda su film que narra la relación entre dos médicos que ponen sus cuerpos y profesiones al servicio de los mas desgraciados: las victimas civiles que padecen las consecuencias de estas miserias ejecutadas desde el poder mas alto. En un país de la costa atlántica africana se lucha despiadadamente\, enfermos y heridos no dejan de llegar al campamento de refugiados donde actúan los profesionales. Entre dos de ellos\, una historia de amor paralela a la realidad del lugar. El compromiso social se mezcla con las intenciones particulares y genera otra conflictividad\, bajo la mirada compasiva del director\, quien regresa al lugar que mas le atrae: el de los sentimientos humanos. Una posibilidad como espectadores de reflexionar sobre temas que los grandes medios escamotean a la opinión pública generando la sensación que tales conflictos no existen. Cuando ocurre todo lo contrario: «que brillan por su ausencia». El actor español Javer Bardem y la actriz de origen sudafricano Charlize Theron dan vida a los protagonistas. Dos interpretes que compatibilizan el atractivo físico con un enorme talento actoral. El cineasta comprometido se convierte en maestro de ceremonias de una danza donde se entrecruzan realidades siempre vigentes: el amor\, el odio\, el dolor\, la generosidad\, el compromiso\, la defensa de las personas mas vulnerables\,la infancia…la guerra. El Cine deja testimonio y el espectador decide. La reflexión está casi asegurada. \n«DIRÉ TU NOMBRE» (The Last Face\, 2016) / EE.UU / Director Sean Penn  /Intérpretes Javier Bardem\, Charlize Theron\, Jean Reno\, Mark de Villiers\, Brandon Philipps / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2h 10 minutos.
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SUMMARY:CINE: "MAUDIE" (2016).
DESCRIPTION:Maud Lewis fue una pintora canadiense. Convertida en una de la figuras mas populares de su país a partir de los años sesenta cuando desde una revista y un programa de televisión su obra alcanzó mayor visibilidad. Nacida en 1903 padece desde niña una variante de la artritis que le condiciona el resto de su vida. Influenciada por la madre se acerca a la pintura y no parará de hacerlo. A los 38 años se casa con un pescador de la región y en la pequeña casa de ambos experimenta sobre paredes\, vidrios y pequeñas superficies con su pincel\, llenando el espacio de flores\, animales y paisajes que la han acompañado desde su infancia. La brutalidad del hombre no le impide expresar sensibilidad por el trabajo de su esposa y la empuja a ofrecer sus tarjetas pintadas a compañeros de trabajo y vecinos del pueblo de Digby. Unos visitantes son los primeros compradores foráneos y a partir de aquello su trabajo será reconocido hasta traspasar la frontera del pequeño pueblo costero. En 1964 una revista de gran tirada publica un reportaje y al año siguiente un popular programa de televisión difunde su imagen a todo el país. Hasta la muerte en 1970\, la producción es incesante\, solo frenada por el avance de la enfermedad reumática que le dificulta cada vez mas el uso de su mano con el pincel. Pero Maud esconde secretos mas interesantes que su obra: su propia personalidad. La enfermedad se visibiliza y deforma el cuerpo: es renga y el caminar es dificultoso. Tanto como tener un pincel entre sus dedos y aplicarlo a la creación. Muertos sus padres\, el único hermano se desentiende de ella y apropia de la casa heredada. Una tía se ocupa de cuidarla pero no evita despreciarla\, lo mismo que los niños en la escuela y la gente en general. Pero la condena social por ser diferente no la amilana sino todo lo contrario: potencia su fuerza y enfrenta la realidad dentro de sus posibilidades. Hasta dar con Everett\, huraño\, tosco y pobre pescador al que conoce al respondiendo un anuncio en busca de mujer para la limpieza. Del choque entre ambos\, ella saldrá victoriosa en su constante exigencia de ser reconocida como ser humano. La bondad es su arma mas efectiva y la aceptación de sus limitaciones la hace cada vez mas fuerte y emprendedora. La relación amorosa que les une hasta el final de su vida es atípica y llena de contradicciones: el sometimiento y la valentía no dejan de sucederse. La belleza interior es el arma esgrimida para domesticar a la bestia. Del dolor y el sufrimiento emerge la fuerza y la potencia. Sus tarjetas y pequeños cuadros pintados seducen a la gente y el reconocimiento le insufla vida. \nLa directora irlandesa Aisling Walsh (1958)\, experimentada en televisión y con escasos largometrajes para el cine\, lleva a la pantalla la vida de esta deslumbrante mujer que se revela como modelo ante las adversidades y reflexiona sobre la creatividad artística como formidable armamento para enfrentar la realidad compleja. Interpretada por Sally Hawkins (1976)\, joven y brillante actriz Inglesa vista en «Blue Jazmine» de Woody Allen y protagonista de «La Forma del Agua» de Guillermo del Toro y Ethan Hawke (1970)\, actor que debutó a los 15 años bajo la tutela se Steven Spielberg y ha continuado hasta el presente dejando su presencia en «El club de los poetas muertos»\, «¡Viven!»\, «Antes del amanecer» (1995) y sus secuelas «Antes del atardecer» (2004) y «Antes de la medianoche» (2013)\, mas las intensas » Antes que el diablo sepas que has muerto» (2013) o «Boyhood» (2013). \n«Maudie» nos acerca a seres humanos en permanente búsqueda de la superación a través de personajes poco habituales en el cine contemporáneo: los marginales que alcanzan alturas insospechadas y ponen en jaque la mediocridad de muchos de los que los rodean y juzgan. Un cine absolutamente necesario en el contexto actual\, empecinado en ocultar los aspectos mas interesantes de las personas en pos de estériles entretenimientos que una y otra vez pretenden hacernos creer que solo una forma de realización es posible. «Maudie» y otras muchas películas nos recuerdan que esto es una falacia. También resta un espacio para los espectadores mas exigentes. \n«MAUDIE» /2016 / Irlanda- Canadá / Directora Aisling Walsh / Intérpretes Ethan Hawke\, Sally Hawkins\, Kari Mitchell\, Gabrielle Rose / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 55 minutos.
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SUMMARY:CINE: "CERCA DE TU CASA" (2016).
DESCRIPTION:La crisis financiera global iniciada\, hace ahora diez años\, desde las altas esferas del poder económico de EE.UU.\, se extendió como un tsunami a lo largo y ancho del Planeta. En España\, entre otros países europeos\, golpeó con tremenda fuerza y generó enormes pérdidas en los sectores mas endeudados con préstamos bancarios. No fue el único espacio afectado pero es el que toma esta película para desarrollar su historia. Un matrimonio joven\, padres de una hija de diez años\, ve como su realidad se transforma drasticamente a partir del impago de la hipoteca que pesa sobre su vivienda. Al haber sido trastocados sus ingresos por la pérdida de trabajo\, el banco les acerca la palabra mas temida: «desahucio». O lo que es lo mismo\, por la fuerza son obligados a abandonar su casa. El conflicto no hace mas que agravarse ya que no es suficiente semejante entrega para satisfacer el pago total: deberán seguir endeudados por la diferencia entre el precio actual y el préstamo concedido años atrás. Una de las mayores perversiones del sistema que en España sigue sin resolverse. Entregar la vivienda y no saldar entonces la deuda\, ensombrece aun mas la precaria situación de miles de ciudadanos de los que esta película se convierte en testigo y ejemplo. El regreso a la casa de los padres es a la vez posibilidad y complicación de agravar los estados anímicos de sus protagonistas. El film construye su historia con varios personajes que planean alrededor de ellos: fuerzas policiales encargadas de ejecutar la acción\, empleados bancarios amigos que nada pueden hacer para impedir la ejecución\, amores no correspondidos que parecen volverse en contra de ellos\, la infancia que no entiende de sistemas económicos… \nEl director Eduard Cortes (1959\, Barcelona) es uno de los cineastas mas sólidos del panorama cinematográfico español contemporáneo. Autor de otras dos películas comprometidas con la conflictividad derivada de las cuestiones económicas como son «La Vida de Nadie» (2002) su deslumbrante debut\, y «Otros días vendrán» (2005)\, el realizador aborda en esta ocasión un tema candente con la perspectiva de los años pasados desde el inicio del conflicto que a tanta gente ha afectado y lo hace con una mirada singular: utilizando el género del cine musical. Las letras de las canciones así como las danzas que movilizan a los personajes se integran a diálogos y a la narración clásica tiñendo todo el proyecto  de enorme frescura. El cine musical clásico ha tendido generalmente a la comedia y rara vez el drama ha sido abordado desde esta mirada. En 1982 el realizador Herbert Ross estrena «Dinero caído del cielo» donde trastoca la formula hacía la seriedad para contarnos una historia de amor truncada por la depresión económica de los años treinta del Siglo XX\, como en los años 90 lo haría el dinamarques Lars von Trier en «Bailarina en la Oscuridad»\, un film que reflexiona sobre la pena de muerte. Es ahora el turno de España y el resultado ha sido de similar calidad a los films anteriormente citados. La intérprete principal\, Silvia Perez Cruz es una cantante de música popular que ha grabado en castellano\, catalán\, portugués y gallego a lo largo de su carrera y ganó un premio Goya por una de las canciones de ésta película\, siendo igualmente nominada en calidad de actriz revelación. Una de las nuevas voces jóvenes de la península ibérica que acerca su talento a una de las propuestas mas singulares del cine social y comprometido de la actualidad. \n«CERCA DE TU CASA» /2016 / España / Director Eduard Cortes / Intérpretes Adriana Ozores\, Lluis Homar\, Ivan Massagué\, Silvia Perez Cruz\, Oriol Vila\, Manuel Morón. / Color/ Hablada en castellano sin subtítulos / Duración 1h 33 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LLÁMAME POR TU NOMBRE" (2017).
DESCRIPTION:En la última entrega de los premios Oscar de la Academia de Hollywood\, uno de los ganadores mas ovacionados fue James Ivory (1928)(«Lo que queda del día»\, «Howards’ End»\, «Un amor en Florencia») cuando subió a recoger el suyo por la adaptación que hizo al cine del libro en que se basa este film. Siendo uno de los cineastas mas prestigiosos de los últimos cuarenta años\, el reconocimiento de la estatuilla le llegaba por su participación en una película dirigida por otro cineasta. La prueba de su enorme condición humana. Este título también compitió por las nominaciones al mejor film y al mejor actor protagonista\, un deslumbrante intérprete de 22 años de edad. «Llámame por tu nombre» aborda una historia de amor entre un joven de 17 años y otro 10 años mayor. En los años 80 del siglo pasado\, un becario llega desde EE.UU. al norte de Italia para pasar un verano en la casa de unos investigadores de la arqueología. Una pareja de buen nivel económico que habita una hermosa casa en un paisaje idílico\, cercano a un pueblo lleno de historia y pasado\, de calma estival y de noches placenteras. Elio es el único hijo del matrimonio y se encuentra en plena efervescencia sexual. Los coqueteos con una chica de su edad van paralelos a los que realiza con Oliver\, el recién llegado. Ante la mirada de los padres tolerantes pero distantes\, respetuosos del vuelo del joven\, va desarrollándose la trama que muestra los aspectos dolorosos y placenteros de esta experiencia. Una mirada sobre el amor homosexual que el cineasta italiano Luca Guadagnino (1971) enfoca con enorme sensibilidad y con nula morbosidad\, concentrado en los aspectos humanos mas intensos y sin ninguna intención moralizadora\, siguiendo la huella de sus cuatro films anteriores\, algunos de ellos considerados entre los mejores del último cine italiano\, una cinematografía que parece ir despertando después de un profundo sueño generado por la desaparición de toda una generación de hacedores de uno de los mejores cines universales y del que este y otros autores y autoras parece ser heredero e impulsador de nuevas sangres. Un cine que reflexiona sobre la realidad contemporánea sin complejos y trae a primera plana temáticas demasiado silenciadas por el cine de gran producción. En una época de lamentable corrección política\, retrógrada en muchos sectores\, el Arte vuelve a recordarnos que nada esta prohibido para la mirada libre. «Llámame por tu nombre» es un claro ejemplo. \n«LLÁMAME POR TU NOMBRE» (Call me by your name\, 2017) / Italia- Francia- Brasil- USA./ Director Luca Guadagnino / Intérpretes Timothee Chalamet\, Armie Hammer\, Michael Stuhlbarg\, Amira Casar\, Esther Garrel / Color / Hablada en inglés\, italiano y francés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs. 10 minutos.
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SUMMARY:CINE: "NO TENGAS MIEDO" (2011).
DESCRIPTION:Durante 2017 y hasta la fecha\, el Ciclo de Cine Vasco ha presentado tres films del mas popular de los directores vascos: Montxo Armendáriz\, nacido en 1949 en Olleta\, Navarra. Los títulos fueron: «Tasio»\, «Obaba» y «Secretos del Corazón». Y ahora es el turno del último largometraje rodado hasta el presente: «No tengas miedo» El cineasta ha trabajado en temas relacionados con el comportamiento humano\, desde la vida de personajes situados en campos de carbón\, mitologías ancestrales\, definiciones de caracteres\, infancias que dejan huella en la vida adulta. En este trabajo vuelve al terreno de la niñez pero desde un lugar diferente al analizado en las anteriores ocasiones: Silvia tiene ocho años y es hija única. Una experiencia perturbadora con su padre cambia la rutina cotidiana y le dejará huellas que\, llegados los 25 años de edad decide enfrentar. Una temática compleja\, silenciada\, conocida por muchos y hablada por pocos. Otros secretos que en este caso\, enferman a la protagonista. El núcleo familiar es analizado por el director como si de un científico se tratara. Intentando descifrar la parte mas oscura de nosotros\, los seres humanos. Utilizando todas las herramientas que la cinematografía le brinda a los grandes creadores\, y Armendáriz lo es. Lejos del sensacionalismo y la morbosidad que semejante tema podría suponer\, el cineasta impone la sutileza\, la seriedad\, la buena comprensión para acercarnos a nosotros espectadores la posibilidad de reflexionar sobre cuestiones que marcan y han marcado conductas sociales desde siempre. Vivimos una época de enormes cambios donde los avances tecnológicos van modificando día a día la mirada que posamos sobre el mundo. Y muchas temáticas silenciadas por siglos de civilización van ocupando día a día el espacio que les corresponde. Para poder enfrentarlas desde el lugar que corresponde a una sociedad adulta y exigente de justicia. El realizador destaca como siempre en la dirección de los niños y jóvenes interpretes\, un terreno siempre complejo y que él maneja como pocos. Son tres las intérpretes que le dan vida a lo largo del tiempo y todas de enorme calidad. Los protagonistas de «Tasio» o «Secretos del corazón» encuentran en Silvia a otra compañera de viaje extraordinaria en la búsqueda de respuestas ante el comportamiento de esos adultos que no siempre están a la altura de las circunstancias. Un cine necesario y eficaz que merece ser mas visible. Tenemos otra oportunidad con esta hermosa y adulta historia de sentimientos encontrados. La protagonista Michelle Jenner nació en Barcelona y debutó en la televisión en su adolescencia. Tras protagonizar esta película destacó en la serie «Isabel»\, que durante 2011 y 2014 narró las andanzas de una reina española y se convirtió en uno de los programas mas populares de su tiempo. Luego ha participado en otros títulos populares como «El Ministerio del Tiempo» o » La Catedral del Mar»\, también para televisión\, o en cine con cineastas como Pedro Almodóvar en su film «Julieta». A su lado\, interpretando a los padres\, dos figuras de enorme prestigio actual\, Lluis Homar y Belén Rueda\, una de las mayores estrellas del cine hispano actual. \n«NO TENGAS MIEDO» / 2011 / España / Director Montxo Armendáriz / Intérpretes Iranzu Erro\, Irene Cervantes\, Michelle Jenner\, Lluis Homar\, Belén Rueda\, Cristina Plazas / Color / Hablada en castellano / Duración 90 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LAS ESTRELLAS DE CINE NUNCA MUEREN" (2017).
DESCRIPTION:Esta película forma parte de un «genero» muy específico del Cine: el que indaga sobre sus propios protagonistas o temas relacionados con el otro lado de la pantalla: desde la propia realización de un film hasta la recreación de la vida privada de personajes reales o ficticios\, que a la vez pueden estar inspirados en aquellos. Gloria Grahame (1923-1981) fue una actriz descubierta a  los 19 años de edad\, en pleno auge del «sistema de estrellas» (star system) de Hollywood. En su caso lo fue por la Metro Goldwyn Mayer\, uno de los mayores estudios de Cine de EE.UU. Tuvo una carrera tan ascendente como rápida fue la caída. Actúo en films clásicos junto a figuras como Glenn Ford\, Humphrey Bogart o Kirk Douglas\, dirigida por Nicholas Ray\, Fritz Lang o Vincente Minelli y ganó un Oscar a la mejor actriz secundaria en 1952. Se especializó en roles de mujer fatal\, malvada\, inescrupulosa\, pero su carrera colapsó antes de cumplir los 40 años. Luego trabajó en series de televisión a lo largo de los años 60 y en los 70 protagonizó films de dudosa calidad. Cuando murió a los 57 años\, solo los muy cinéfilos recordaban su nombre. El realizador británico Paul McGuigan(1963) se basa en las memorias de un hombre que fue su último compañero sentimental para trazar la historia de otra película\, la presente\, donde desde lo ficcional se recrean los últimos años de la intérprete. Una mujer aquejada por males de diversos orígenes entregada a una relación amorosa con un hombre mucho mas joven que ella que lucha por mantenerla en pie en medio de una decadencia generalizada. Una historia que puede remitirnos a otros romances similares que también se desenvuelven el la esfera del cinematógrafo\, como podría ser el ejemplo de «Sunset Boulevard» (1950) \, la memorable obra maestra de Billy Wilder que analiza otra decadencia y otro último romance. Pero en esta ocasión\, el tratamiento es mas leve o menos melodramático. La actriz se enfrenta a un presente que se le escapa de las manos. Perdida entre el ensueño y la realidad\, deambula por una Inglaterra de finales de los setenta donde su nombre aun puede encabezar una obra de teatro en salas de segunda categoría. Donde aun es capaz de seducir con su atractivo marchito peno no agotado\, a un hombre menor y lograr de este una entrega verdadera. Donde el peso del pasado es mas fuerte que el del presente\, o en todo caso\, mas atractivo en su variante melancólica. Una mujer que fue hermosa y está dejando de serlo. Que no puede soportar demasiado la imagen que el espejo le devuelve y  prefiere buscarse a si misma y mostrarse al enamorado desde la pantalla de un anónimo cine donde su versión en celuloide pervive sobre la sabana blanca. Una mujer que es tratada como una niña por su madre y hermana y que mantienen en la distancia a los cuatro hijos y a los padres de ellos\, todos formando parte del enorme rompecabezas en que se ha convertido su vida. De esto y de mucho mas habla la película\, una de la mas lúcidas miradas del cine actual al fenómeno del estrellato y la celebridad\, sobre sus luces y sobre todo\, sus alargadas sombras que no alcanzan para eclipsar tanta belleza fugaz y perdida en el tiempo real\, pero siempre vigente en la magia del cine y en la mirada de los jóvenes\, que como el protagonista\, cree que las estrellas de cine no mueren en Liverpool ni en ninguna otra parte. El mundo de los sueños será un mundo siempre presente porque el imaginario humano todo lo puede. Una película hermosa\, cálida\, humana. Como el Cine mismo. El talento enorme de Annette Bening (1958) sumado al del ex-niño protagonista de «Billy Elliot»\, el británico Jamie Bell (1986)\, redondean una función donde también aparece brevemente otra antigua gloria del cine: la mismísima Vanessa Redgrave interpretando a la madre de la atribulada Gloria.  El Cine dentro del Cine. Y la función continúa… \n«LAS ESTRELLAS DE CINE NUNCA MUEREN» / Film Stars Don’t Die in Liverpool / 2017 / Reino Unido / Director Paul McGuigan / Intérpretes Annette Bening\, Jamie Bell\, Julie Walters\, Vanessa Redgrave / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Color /Duración 1h 45 minutos.
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LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "CAMINO INVISIBLE: LAS HERMANAS BRONTÉ" (2016).
DESCRIPTION:Entre las figuras mas destacadas de la literatura del Siglo XIX figuran las hermanas Bronte\, autoras de tres clásicos: «Cumbres Borrascosas»\, «Jane Eyre» y «Agnes Grey». El primero de estos está considerado como uno de los grandes libros de la Historia. La directora televisiva Sally Wainwright (1964) nació en Yorkshire\, estado al norte de Inglaterra y la misma tierra que habitaron las hermanas escritoras y cuyos páramos y demás paisajes atraviesan la literatura de estas mujeres. Esta película rodada especialmente para la televisión se acerca al núcleo familiar compuesto además por un hermano menor y su padre\, hombre de enorme cultura y poder económico mediano que con su apoyo directo potencia la creatividad de sus hijas. El film se introduce en el hogar e indaga en las personalidades de cada uno de sus integrantes. Desde niñas la palabra se convierte en juego y la imaginación no descansa: mundos paralelos que las ayudan en su rutina pueblerina y potencian la creatividad. Decididas a darse a conocer\, esconden sus nombres tras apodos masculinos para intentar ser leídas por los editores de la castradora época victoriana que les toca transitar. En 1847 logran que sus obras se publiquen ante la enorme admiración de los lectores que descubren entre sus páginas mundos oscuros y fascinantes. Mujeres transgresoras que pronto se darán a conocer con sus verdaderas identidades\, causando sensación sobre todo con «Jane Eyre»\, de Charlotte (18181855)\, un texto de inmediato suceso. «Cumbres Borrascosas»\, la memorable historia de amor trágico de Emily (1818-1848) entre el bastardo Heathcliff y Cathy  rebelde y caprichosa heredera del decadente edificio perdido en los páramos\, trasciende su época para convertirse en uno de los grandes textos de todos los tiempos. La pasión\, el dolor por los amores frustrados\, la pintura feroz de época\, hacen de estos personajes uno de los platos mas codiciados por cineastas de todos los tiempos desde Wyler hasta Buñuel. Un grupo de jóvenes actrices acepta el desafío de darles vidas\, ahora\, a ellas mismas y no a sus fascinantes criaturas\, para crear una película donde el cine regresa a uno de sus preferidos puntos de partida: la Literatura. \n«CAMINO INVISIBLE: LAS HERMANAS BRONTE» / «To Walk Invisible: The Bronte Sisters» / 2016 / Reino Unido / Directora Sally Wainwright / Intérpretes Jonathan Pryce\, Charlie Murphy\, Chloe Pirrie\, Finn Atkins\, Adam Nagaitis / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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SUMMARY:CINE:"SABRINA" (1954).
DESCRIPTION:Sabrina es la hija del chofer de unos millonarios. Huérfana de madre\, vive en la gran mansión de sus jefes junto a su amado padre. Ha crecido viendo desde la distancia como transcurría la vida de los dueños de casa. Y con la llegada de la adolescencia sus ojos se pusieron sobre la figura del hijo menor de la familia. Cercana a los 20 años\, el progenitor le paga un viaje a Francia para que se eduque en la alta cocina. En París\, la joven irá transformándose en mujer refinada y mundana. No solo aprenderá a cocinar sino que también a vestir elegantemente. Y al regreso pocos la reconocerán. Mucho menos su antiguo enamorado\, quién fascinado por el descubrimiento de la joven belleza\, intentará conquistarla. Pero en el camino aparecerán las sorpresas: la mas novedosa de todas\, la del hermano mayor\, un solterón empedernido que caerá rendido a los encantos de la hija del chofer. Esta es la trama de una de las películas mas populares de la historia de Hollywood. En los años cincuenta\, la unión de los talentos de tres figuras consagradas como Audrey Hepburn\, Humphrey Bogart y William Holden dio como resultado una de las grandes comedias románticas de todos los tiempos. Bajo la dirección del Maestro del Cine\, el austriaco Billy Wilder\, autor de memorables películas como «Días sin Huellas»\, «El ocaso de una vida»\, «Una Eva y dos Adanes» o «Piso de Soltero»\, esta obra se mantiene viva a seis décadas de su estreno\, cuando se convirtió en suceso extraordinario en las pantallas de los cines de todo el mundo. Un tiempo y un estilo de películas que forman parte de lo mejor de la Historia del Celuloide. Bogart\, uno de los rostros clásicos por excelencia\, se une a unos mas jóvenes entonces\, la actriz de origen belga Audrey Hepburn y el galán de los años cuarenta y cincuenta William Holden\, conformando uno de los tríos mas memorables de todos los tiempos. «Sabrina» invita a recuperar el encanto y el placer de las tardes de cine pasadas en las grandes salas hoy desaparecidas. Los invitamos a disfrutarla juntos. \n«SABRINA» (idem) 1954 / EE.UU. / Director Billy Wilder / Intérpretes Humphrey Bogart\, Audrey Hepburn\, William Holden / Blanco y Negro / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 53 minutos.
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SUMMARY:CINE: "PHILOMENA" (2013).
DESCRIPTION:El día que una mujer cumple 80 años\, decide contar a su hija un secreto guardado durante toda la vida: cuando era joven y estaba pupila en un colegio religioso\, un hecho sacudió su existencia y la marcó para siempre. La joven escucha con atención el relato y decide ayudar a su madre en la búsqueda de respuestas tras décadas de silencio. Un periodista especializado en crónicas políticas cae en desgracia por un artículo publicado y su mundo parece colapsar. Estas dos historias se cruzan y de ese encuentro surge la narración de esta extraordinaria película que reflexiona sobre cuestiones humanas universales mas allá de culturas y geografías. Philomena pertenece al grupo de mujeres que han tenido que enfrentarse a circunstancias extremas a lo largo de su existencia\, que lejos de derrotarlas\, le han insuflado energía y fuerza arrolladora para salir adelante. Una mujer que en el ocaso de su vida decide ajustar cuentas con el pasado y\, sobre todo\, con su memoria para cerrar entonces\, el círculo vital y descubrirla en la plenitud de sus condiciones. Una madre que tiene a una hija como compañera de viaje. Y a un extraño que se presta a ser su guía en la búsqueda de respuestas. Un camino que la enfrentará al desafío de regresar al pasado donde todo ocurrió y donde todo permanece. Lo Oculto que lucha por emerger. Y lo hace a través de la verdad inclaudicable. La que se eleva sobre hipocresías\, convenciones e ideas retrógradas que a pesar de toda la evolución de nuestro tiempo\, permanecen fijas en amplios sectores de la población. Interpretada por una de las mayores actrices contemporáneas\, la británica Judi Dench (1934)\, la película está dirigida por uno de los mejores cineastas de las últimas décadas\, el también británico Stephen Frears (1941). «Philomena» se une entonces a la lista de películas modernas que vuelven la mirada sobre la geografía femenina para completar el amplio rompecabezas del cine contemporáneo que regresa una vez a su terreno mas propicio: el de investigar los abismos mas profundos de nosotros\, las personas\, para de esta manera\, aportar a través del Arte\, reflexiones sobre el devenir humano en un tiempo siempre complejo y a la vez\, deslumbrantemente fecundo en la comprensión de los secretos mas vedados. \n«PHILOMENA» (ídem) / 2013 / Reino Unido / Director Stephen Frears /Intérpretes Judi Dench\, Steve Coogan\, Sophie Kennedy Clark\, Mare Winningham\, Bárbara Jefford / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 36 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LA RELIGIOSA" (2013).
DESCRIPTION:Una de las novelas mas importantes de la literatura del Siglo XVIII fue «La Religiosa» (1760)\, donde su autor\, Denis Diderot\, realiza un trabajo crítico sobre la moral convencional de su tiempo. Han pasado mas de 250 años y nos encontramos con una realidad donde la permanencia de mucho de los tabúes que el autor describía\, continúan activos en el presente. El cine regresa al texto (ya adaptado en 1966 por el realizador Jacques Rivette en un film del mismo nombre que fue ¡prohibido! en la Francia de su tiempo y estrenado en nuestro país en 1968) para reflexionar sobre la cuestión religiosa que es tema central de la narración. Suzanne Simonin en una joven a quienes sus padres internan en un convento contra su voluntad. Perteneciente a una familia de la burguesía\, su destino se emparenta con el de ciento de mujeres de su tiempo. Pero Suzanne rechaza frontalmente el encierro y desde el primer momento se muestra combativa con el único fin de escapar del lugar. El período que pasará en el mismo irá educando su mirada y convirtiendo en una persona diferente. Diderot (1713-1784) fue uno de los mayores nombres del Siglo que terminó con la Revolución Francesa (1789-1799)\, un acontecimiento que está considerado en la Historia como el inicio de Edad Contemporánea. Escritor\, filósofo\, enciclopedista\, estudioso de varias disciplinas\, desde las matemáticas hasta la ciencias naturales\, está considerado como una de las figuras mas destacadas de la Ilustración\, y su muerte a cinco años del inicio de la Revolución\, lo deja para la Historia como uno de los grandes visionarios de una época condenada a morir en pos del inevitable progreso del pensamiento humano\, Fue redactor\, compilador y editor de «La Enciclopedia»\, obra magna de entonces\, y uno de los creadores de salones donde la Crítica se impuso como forma de encuentro entre personas modernas y progresistas. Vapuleado\, condenado y encarcelado por el Poder reinante\, muchas de sus obras ardieron en la hoguera. Espacio siempre reservado\, ayer y lamentablemente hoy vigente (aunque con diferentes métodos)\, para quienes niegan toda causa progresista y evocan arcaicos valores reaccionarios. El film de 2013 retoma todas estas cuestiones para traernos al panorama audiovisual temáticas siempre vigentes para la condición humana. Con un grupo de actrices formidables\, recrea el mundo cerrado\, claustrofóbico y castrador de las instituciones religiosas\, donde todo atisbo de libertad debe ser reprimido. Y de esa represión nace la lucha de la protagonista\, convertida en una autentica emancipada y por encima de todo\, moderna heroína de rabiosa actualidad. Nuestro tiempo\, ricos en avances científicos y tecnológicos. parece correr paralelo en el retroceso de muchos logros sociales obtenidos en las últimas décadas del Siglo XX. El Cine que escapa a lo convencional\, regresa una y otra vez a temáticas fundamentales para recordarnos que\, al menos desde el Arte y la Cultura\, no toda esperanza está perdida. El realizador francés\, desconocido en Argentina\, forma parte del pelotón mas activo de cineastas de un país que jamás dejo de cuidar a sus hacedores\, mimarlos\, protegerlos\, ayudarlos desde un Estado siempre confiado en el valor de estas cuestiones fundamentales en la vida de las Personas. Al menos\, las que luchan por caminar siempre hacía adelante. Y no hacía el pasado mas cavernícola. \n«LA RELIGIOSA» / La Religieuse / 2013 / Francia / Director Guillaume Nicloux / Intérpretes Pauline Etienne\, Isabelle Huppert\, Louise Bourgoin\, Martina Gedeck\, Lou Castel\,Fabrizio Rongione / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 50 minutos.
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SUMMARY:CINE:: "LO IMPORTANTE ES AMAR". (1975)
DESCRIPTION:«Lo importante es amar» es el título del film y a la vez una rotunda afirmación de su director\, el cineasta de origen polaco Andrzej Zulawski (1940-2016)\, uno de los directores mas controvertidos del cine europeo\, que durante su larga carrera apenas realizó 13 films\, alguno de ellos considerados entre lo mas destacado y escandaloso del periodo 1971 (debut) -2000 (cuando interrumpió por muchos años su trabajo cinematográfico). Esta película puede considerarse su obra mas emblemática y la que lo mantuvo en lo mas alto de la consideración crítica e incluso popular\, ya que su éxito traspasó las barreras de Francia\, patria de adopción y donde filmó la mayor parte de su cine. Narra una historia de amor entre dos personajes con un tercero como testigo y una especie de coro que les rodea mostrando los aspectos menos agradables de la existencia. Nadine es una actriz de treinta años que se gana la vida filmando películas malas y actuando en obras de teatro de dudosa calidad. En un rodaje es fotografiada por Servais\, reportero de publicaciones sensacionalistas que indaga en los bajos fondos de la sociedad. Un encuentro fortuito y furtivo que sin embargo\, a través de la intensidad de las miradas y de unas pocas palabras\, unirá el destino de ambos a partir de ese momento. El hombre se siente afectado por la sensibilidad de la mujer e intentará conquistarla. Pero ella posee una psicología compleja\, transgresora\, diferente a las que el fotógrafo ha conocido. El ambiente del cine erótico de baja calidad\, los usureros que prestan dinero para levantar obras de teatro\, el propio ambiente del escenario\, la casas que habitan todos los personajes\, son los espacios que el director recrea de la mano de una actriz formidable: Romy Schneider (1938-1982). Nacida durante la Segunda Guerra Mundial en Viena\, hija de actriz famosa\, debuta en la adolescencia en un tipo de cine que la convertirá en estrella absoluta de lo mas almibarado y comercial de la Europa de los años cincuenta mientras se levantaba desde las ruinas del conflicto bélico. Su personificación de la emperatriz Sissi en una trilogía muy popular\, la pone en primer plano y durante varios años\, hasta 1959\, su rostro estará en una decena de películas del mismo genero: historias de amor con final feliz tamizadas de lujos\, imperios y pobrezas siempre recompensadas. En 1958 conoce al actor Alain Delon y poco después al cineasta Luchino Visconti\, quienes le abren las puertas de otro tipo de cine. En «Bocaccio 70» (1962) es dirigida por el italiano en el rol de una esposa que se prostituye con su propio marido y jamás volverá a filmar películas como las que la hicieron popular. Su carrera remonta en 1969 y es imparable hasta su muerte trágica a los 43 años de edad. Uno de los rostros mas emblemáticos de la Historia del Cine conjugado con un cuerpo casi perfecto y un talento dramático único en mujeres de su condición. Sus trabajos durante los años setenta y primeros ochenta muestran a una de las actrices mas comprometidas con su tiempo y sus retratos de mujer son formidables. En esta película\, la actriz parece seguir ajustando cuentas con su pasado almibarado y nos entrega otra historia de amor donde éste es puesto en cuestión\, para luego afirmarnos que es lo único verdaderamente importante que podemos anhelar los seres humanos. Un cine dramático\, visualmente deslumbrante\, donde la música aparece en los momentos mas intensos dando a la imagen cinematográfica un verdadero sentido\, mas allá de la estridencia e histeria con la que por momentos invade cada fotograma. A cuarenta años de su estreno en Argentina tenemos la posibilidad de verla en Versión Integra\, sin los cortes que la censura le impuso en su momento. \n«LO IMPORTANTE ES AMAR» / L’important c’est d’aimer / 1975 / Francia- Italia- Alemania / Director Andrzej Zulawski / Intérpretes Romy Schneider\, Fabio Testi\, Jacques Dutronc\, Klaus Kinski\, Nicoletta Machiavelli\, Claude Dauphin\, Roger Blin / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1 hora 47 minutos.
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SUMMARY:CINE: "CUMBRES BORRASCOSAS" (1992).
DESCRIPTION:En 1847 aparece en Gran Bretaña un libro titulado «Wuthering Heights» (Cumbres Borrascosas) cuyo autor firma como Ellis Bell. Tiene un éxito moderado\, y años después se descubre que en realidad es una mujer quién lo ha escrito: Emily Bronté. Ella muere al poco tiempo y será su hermana Charlotte quien en una segunda edición\, hará de su nombre uno de los mayores de la Literatura de su tiempo. Una vida breve\, intensa\, que parece haber concentrado toda su fuerza en la elaboración de un texto que aun sigue perturbando al lector. El cine se sintió tentado por el libro desde siempre pero la dificultad de llevar el lenguaje profundamente literario a las imágenes dificultó y frustró proyectos hasta 1939\, cuando se estrena la versión hollywoodense dirigida por William Wyler e interpretada por Laurence Olivier y Merle Oberon. El resultado es un tímido y (para mi) frustrado intento\, que sin embargo cosecha éxito y admiración de parte de la critica. En 1953\, un cineasta mucho mejor dotado para llevar a cabo la tarea\, el maestro Luis Buñuel\, lo adapta a la realidad mexicana en «Abismos de Pasión». Nuevamente\, y a pesar de ciertos logros\, el espíritu de la obra se mantiene distante. La televisión y el Cine volvieron a el en varias ocasiones\, siendo la última en 2011 con una versión libre a cargo de una joven cineasta británica. La versión de 1992 es la que probablemente mas se ajuste a la narración original. Sin embargo el espíritu convulso\, apasionado\, trágico del libro\, parece seguir siendo imposible de trasladar a las imágenes. En todo caso\, al haber fracasado los intentos señalados en trasponer el «alma» de la obra de Bronté\, resta el placer secundario de contemplar la historia tal cual la imagino la autora. Heathcliff es un niño abandonado rescatado de la calle por Thomas Earnshaw\, el dueño de una gran estancia en el norte de Inglaterra\, en medio de los páramos de Yorkshire. Hasta la casa\, Cumbres Borrascosas\, llegan y son recibidos por los hijos del hombre\, Catherine y Hindley. Mientras el segundo lo rechaza ferozmente desde el comienzo\, la primera vivirá con el recién venido una historia de amor intensa que la acompañará hasta su muerte. De esa pasión habla la trama: la de dos personas que pasan sus vidas juntas desde la niñez hasta la juventud\, cuando el destino y las circunstancias los separen y conviertan a él en un monstruo pleno de rencor y ansias de venganza\, que dedicará su vida a destrozar la de los demás. Un personaje turbulento y fascinante que encarna las mayores bajezas humanas a la vez que una enorme capacidad de amar\, tanto como incapacidad de ser amado. Interpretada en su debut para el Cine por el británico Ralph Fiennes (1962)\, quién luego tendría una carrera de éxitos con films como «La Lista de Schindler» (1993)\, «El Paciente Inglés» (1996)\, «Spider» (2002)\, «El Jardinero Fiel» (2005) mas una serie de intervenciones en los mundos de Harry Potter y James Bond\, la película se apoya en su presencia siempre inquietante aunque mucho mas distante que la criatura nacida de la mente de Bronté. Carente del salvajismo y la negritud necesaria\, el actor interpreta a un ser acomplejado por el desprecio de sus semejantes y el olvido de su amada Cathy. La actriz francesa Juliette Binoche (1964) realiza una de sus primeras interpretaciones en inglés\, parte de su extensa carrera iniciada a los 20 años\, que cuenta con direcciones memorables de artistas como Godard\, Malle o Carax\, iconos del cine galo. Al inicio del film\, una mujer\, la propia autora devenida personaje de ficción\, nos introduce en el mágico y oscuro mundo que se esconde entre los páramos que rodean Cumbres Borrascosas. Desde allí\, nos devuelve en forma de imágenes a sus adoradas criaturas. El espíritu de la obra\, como los propios personajes\, se mantiene ausente y parece remitirnos al mundo de lo fantasmal. Alguna vez\, algún cineasta bien dotado\, quizás nos los devuelva como su autora imaginó. Mientras tanto\, regresar al libro original seguirá siendo fuente de los mayores placeres para la imaginación. Literatura y Cine\, dos lenguajes siempre intentando construir puentes. \n«CUMBRES BORRASCOSAS» / Wuthering Heights /1992 / EE.UU- Reino Unido / Director Peter Kosminsky / Intérpretes Juliette Binoche\, Ralph Fiennes\, Janet McTeer\, Sophie Ward\, Simon Stepherd\, Jeremy Northam / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.
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SUMMARY:CINE: "ENSÉÑAME EL CAMINO\, ISABEL..." (2006).
DESCRIPTION:Una comedia vasca entre tanto cine serio que llega de Euskadi. Los cineastas de este país se han decantado hacia el género dramático en su mayoría\, probablemente porque la realidad que les tocó vivir\, y desde donde crearon sus propuestas\, no daba para muchas risas tras los duros años del Franquismo y la irrupción de la violencia de ETA. Desde finales de los años setenta\, cuando se inicia el camino de esta cinematografía (con su prehistoria oculta) hasta el presente\, se han sucedido dos generaciones (al menos) de cineastas\, y muchos de los actuales indagan en las particularidades de los vascos desde el prisma de la comedia. Este film del año 2006 puede considerarse uno de los precursores del momento actual\, donde también desde las televisiones regionales se apuesta al genero con series muy exitosas. Juan Martín es un joven de la ciudad de San Sebastian que quiere mejorar sus conocimientos sobre la lengua patria: el euskera. Y decide que la mejor manera de hacerlo es viajar al interior y convivir una temporada con la gente de allí\, para poder aprender ademas sus costumbres y realidades. El enfrentamiento eterno ciudad/campo en una nueva versión. Es recibido por una familia con hijos que colaboran todos en bien de su «caserío»\, el espacio idóneo para entender mejor las realidades mas ancestrales. Pero las cosas no serán tan sencillas como el joven imaginaba y desde el primer momento entenderá las diferencia entre unos y otros. La película está estructurada sobre una serie de situaciones muy divertidas que desde el primer instante atrapan al espectador\, quién con entrega absoluta sigue las peripecias de Juan Martín a la vez que va aprendiendo en carne propia esa otra cultura que pervive con mas fuerza en el interior. El contacto con la tierra\, los animales\, la comida\, las fiestas y el inevitable enamoramiento que el protagonista sentirá por la hija de la familia\, la natural Ixabel\, que sin prejuicios observa al recién llegado como si de un extraterrestre se tratara. La pareja de directores noveles logra un debut casi redondo\, donde el naturalismo de los intérpretes se impone sobre otras consideraciones actorales. Así como la recreación de un tiempo\, finales de los años setenta\, a pocos días de una nueva década. Que para el País Vasco traería nuevas realidades a la par de libertades conseguidas y violencias que en ese tiempo alcanzarían cotas muy altas. Al elegir el camino del humor y centrarse en el aspecto mas positivo de las personas\, la realidad resulta menos espinosa de transitar. Basada en una novela de buen suceso escrita por Joxean Segastizabal\, ha sido dirigida por Bernués (1961) y Gabilondo (1965)\, cineastas detrás de una exitosa serie emitida entre 2005 y 2010\, » Mi querido Klikowsky» que narra la historia de un migrante argentino de ascendencia judía en tierras de Euskadi. Gabilondo en solitario ha dirigido una de las películas mas aclamadas del último cine vasco: «Las manos de mi madre» (Amaren Eskuak) y Bernués se encuentra\, 12 años mas tarde\, dirigiendo su segundo largometraje para el cine. Lo que demuestra las serias dificultades que aun persisten a la hora de seguir filmando. En todo caso y por una vez mas\, la calidad parece anteponerse a la cantidad. El camino elegido por un cine joven que pelea por encontrar espectadores mas allá de su propia tierra. \n«ENSÉÑAME EL CAMINO\, ISABEL» / Kutsidazu Bidea\, Ixabel / 2006 / País Vasco\, España / Directores Fernando Bernués y Mireia Gabilondo / Intérpretes Mikel Losada\, Ainere Tolosa\, Mireia Gabilondo\, Iñaki Trastorza / Hablada en euskera y castellano con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-ensename-el-camino-isabel-2006/
LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "REY POR INCONVENIENCIA" (1966).
DESCRIPTION:Comedia clásica para este miércoles\, para amantes del cine en general. En los finales de la Primera Guerra Mundial\, un soldado especializado en adiestrar palomas mensajeras es enviado a desactivar un arsenal que los alemanes han puesto en un pueblo francés antes de emprender la retirada con el fin de destruirlo todo. Pero Plumpick\, escocés de nacimiento y por tanto con polleras a pesar de la ocasión\, se ve obligado a algo que desconoce. Los disparates que los conflictos bélicos provocan o padecen son materia de humor en esta COMEDIA ya clásica del cine de los años sesenta\, que fue un enorme suceso global y en Argentina tuvo idéntica aceptación popular y crítica. A medio siglo de su estreno\, el arte del cineasta Philippe de Broca (1933-2004)\, autor de éxitos con Jean Paul Belmondo cono «Cartouche» (1962)\, «El hombre de Río» (1964)\, «Aventuras chinas en China» (1965)\, «El Magnífico» (1973) y también de «El Diablo por la Cola» o «Los Juegos del Amor» (debut en 1960)\, alcanza probablemente una de las cumbres de su carrera con este título. Una película que reflexiona en clave humorística sobre cuestiones graves como la Guerra y la Locura. El soldado llega a un pueblo abandonado por sus habitantes ante la amenaza de una inminente explosión de la que advierten los Aliados. Solamente los pacientes del manicomio local quedan en la zona. Y a este lugar llega el soldado quién es confundido con un Rey: el de Corazones (que da pie al título original en francés). A partir de ese momento los internos se rebelan\, huyen del hospicio y habitan un territorio vacío con todo a su disposición. Cada cual asumirá un rol y vestirá ropajes adecuados. Como en un cuento\, la realidad ocupa el lugar de la ficción y la historia avanza. La cordura y la insanía conviven amablemente cuando los seres humanos se permiten la libertad de expresar sus mundos interiores. Pero esto armonía\, como en los cuentos\, tendrá su fin y la realidad mas dura regresará al apacible pueblo. Una película que mantiene intactos sus valores originales y se desarrolla entre sonrisas y calidez de personajes queribles\, profundamente humanos a quienes la enfermedad mental no les resta lucidez. Esa lucidez que parece buscar refugio tras una cuestión siempre marginada por las sociedades: las enfermedades de la mente\, uno de los grandes terrores de siempre. En clave humorística el Arte ha podido encajar mejor los conflictos mas escabrosos y la comedia cinematográfica ha sido a partir del Siglo XX una de las manifestaciones mas propicias para llegar al público. Desde sus inicios\, el cine francés recurrió a ella y de su pantalla surgen nombres clásicos desde el cine mudo. Max Linder\, uno de sus mayores exponentes. Philippe de Broca es el cineasta mas divertido del movimiento llamado «Nouvelle Vague» (Nueva Ola)\, que revolucionó el cine galo a partir de finales de los años 50 . El director comparte lugar con «serios» como Chabrol\, Godard\, Resnais o Truffaut\, y a diferencia de todos ellos\, genera un apartado donde la critica a su sociedad llega del lado de la sonrisa. Fue la tónica que le acompaño a lo largo de su extensa carrera donde dirigió a los mejores intérpretes. El actor británico Alan Bates ((1934-2003) fue uno de los mayores nombres de los años sesenta y de los rostros mas carismáticos de otro enorme movimiento cinematográfico europeo: el «Free Cinema»\, que deslumbró al mundo a la par que el francés. Bates es recordado por su labor junto a Anthony Quinn en «Zorba el Griego» (1964) y también por memorables trabajos en una serie de películas como «Imprevisto Pasional» (1960)\, «Mientras sopla el viento» (1961)\, «Lejos del mundanal ruido» (1967)\, «Mujeres Apasionadas» (1969) o «El mensajero del amor» (1971)\, todos clásicos del cine. Un título memorable que merece ser recuperado en un presente donde los conflictos tratados siguen igual de vigentes. \n«REY POR INCONVENIENCIA» (Le roi de coeurs) /1966 / Francia- Italia / Director Philippe de Broca / Intérpretes Alan Bates\, Genevieve Bujold\, Pierre Brasseur\, Micheline Presle\, Adolfo Celi\, Jean Claude Brialy / Color / Hablada en francés\, alemán\, inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 42 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-rey-por-inconveniencia-1966/
LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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