CINE: "MUERTE EN VENECIA"
2023-03-09 20:00 UTC | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores, la mención de una obra realizada medio siglo atrás, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco, aburrido, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada».
Para los curiosos, y porque no afirmar valientes, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine, deslumbrante, maravilloso y real. Que sigue esperando, como la bella durmiente del cuento, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976), Gustav Mahler (1860-1911), Thomas Mann (1875-1955), cineasta y director de teatro y ópera, compositor musical y escritor, respectivamente, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos.
La historia sitúa al protagonista, prestigioso músico en horas bajas a causa, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda, en la isla de Lido, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio, el joven bello del grupo, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…», piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar, la sexualidad insatisfecha, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra, pero también su lado oscuro, abyecto, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres, lo bello y lo feo, la bondad y la maldad, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996), uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999), británico de flema, dando vida a un destartalado espíritu alemán, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989), una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine, el cine considerado como obra de expresión artística, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese, que poco a poco, como en una nueva Dictadura de las emociones, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan, una vez más, ser recuperadas.
MUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde, Silvana Mangano, Bjorn Andrésen, Marisa Berenson, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.

"MARTIN FIERRO Y COMPAÑIAS: EL GAUCHO EN EL CINE ARGENTINO.
2021-12-02 19:00 - 21:00 | Biblioteca Popular «Bartolomé J.Ronco», Burgos 687, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
TESTIMONIOS (extraídos de textos originales de Jorge Abel Martin: “Los films de Leopoldo Torre Nilsson” (Ediciones
Corregidor, 1980) y “Cine argentino’84” (Editorial Legasa, 1987)).

Prologo de Leopoldo Torre Nilsson al libro cinematográfico (guion) de “Martin Fierro” (1968).
“Nuestra pampa vista en larga y ancha perspectiva. Es la pampa de 1860 con sus pajonales que pueden esconder la figura de un caballo o la de un hombre huyendo. Con sus pastos altos y bayos.
Onírica e inalcanzable como la habrán sentido San Martín y Alberdi en sus largos años de ausencia.
Y quizá como la apetecen y la hemos apetecido los que hemos estado un mes, un año, o una vida lejos de ella, por exilio voluntario, forzado, o ambiciosos o transitorio.
Y después acogedora, fraternal, compañera, hija o madre como la tuvieron los gauchos, los paisanos, los reseros.
O misteriosa e insólita como la fueron descubriendo los viajeros ingleses o franceses que dejaron su objetivo. Y a veces su apasionado o desapasionado testimonio.
O como la amó Hudson en sus pájaros, en sus pocos árboles o en sus pastos, y que vivió su ausencia y su presencia.
O como la paseó el indio, su nómade y elemental primer amante, y que se fue replegando y perdiéndola como se pierden las cosas que no se saben amar o nos van quitando seres más sagaces que nosotros, para quererla más, o despedazarla o engrandecerla.”

Notas (de Fernando Ezequiel Solanas) sobre “Los hijos de Fierro” a propósito de su estreno (12 de abril de 1984).
“…el poema original me atraía no solo por su belleza o por el hecho de que como ninguna otra obra de nuestra literatura expresa la sed de justicia y libertad, la dignidad y la silenciosa lucha del pueblo argentino, sino también, y sobre todo, por la notable proyección actual de sus conflictos…”
“…a más de un siglo de su creación, la obra de José Hernández continúa marcando la línea divisoria entre dos concepciones enfrentadas: una colonizada y una nacional. Para Jorge Luis Borges, un “europeo en exilio”, como él mismo se define,”…pensar que nosotros, argentinos, estamos representados por un gaucho matrero y desertor, es totalmente imposible. Nuestra historia es mucho más compleja que las vicisitudes de un cuchillero de 1872 aunque hayan sido contadas de un modo admirable”. Para Leopoldo Marechal, en cambio: “…el Martin Fierro es materia de un arte que nos hace falta cultivar ahora como nunca, el ser argentinos y latinoamericanos. Como las epopeyas clásicas, es el canto de un pueblo, es decir, el relato de sus hechos notables cumplidos en la manifestación de su propio ser y en el logro de su destino histórico. ¿ Y quién es el héroe del Martin Fierro?. En el sentido literario, es un gaucho de nuestra llanura, y en sentido simbólico, es el pueblo de la Nación recién salido de su guerra de la independencia y de sus luchas civiles, en las cuales se ha fogueado. Por lo tanto es el real protagonista del drama en que se juega su devenir”.

DATOS BÁSICOS.
Primera proyección en Argentina: 18 de julio de 1896 en Teatro Odeón (programa Hnos. Lumiere), Buenos Aires.
Primeros films argentinos: “LA BANDERA ARGENTINA” (1897) de Eugenio Py (corto). “ASI CANTABA CARLOS GARDEL” (1930) de Eduardo Morera (Corto). “POR UNA ARGENTINA GRANDE, CIVILIZADA Y JUSTA” (1931) (51 MINUTOS).
El periodo de cine mudo se cierra según registros de Roberto di Chiara (*) en 1937 con el corto “NAHUEL HUAPI Y SU REGIÓN”.
Primeros films se destruían para la utilización de Nitrato de Plata que tenían en las cintas en su base.
En 1924 nació el film de 16 mm, donde no se utilizaba el Nitrato.
Primera sala exclusivamente cinematográfica “NACIONAL”, calle Maipú entre Corrientes y Lavalle. Tenía menos de 300 sillas, con películas de entre 2 y 3 minutos en funciones de tarde y noche. Empresario Gregorio Ortuño.
(*) Archivo de Florencio Varela del cine mudo argentino.

NOMBRES PROPIOS: CINEASTAS Y ESCRITORES.
Leopoldo Marechal, escritor (1900-1970). (70 años).
Jorge Luis Borges, escritor (1899-1986). (87 años).
Carlos Cores, actor y cineasta (1923-2000) (77 años / 39 al filmar).
Leopoldo Torre Nilsson, cineasta (1924-1978). (54 años / 43 al filmar).
Roberto di Chiara, investigador de cine mudo argentino (1933-2008)(75 años).
Fernando Ezequiel Solanas, cineasta (1936-2020). (84 años / 36 al filmar).
Jorge Abel Martín, investigador y escritor de cine argentino (1946-1990) (44 años).

José Hernández, escritor (1834-1886) (52 años).
Libros: El gaucho Martin Fierro (1872) y La vuelta de Martin Fierro (1879).
Estanislao del Campo, escritor (1834-1880) (46 años).
Libro: Fausto, impresiones del gaucho Anastasio el Pollo en la representación de esta ópera (1866).
Eduardo Gutiérrez, escritor (1851-1889) (38 años).
Libros: Juan Moreira (1879) / Santos Vega (1880).
Ricardo Güiraldes, escritor (1886-1927) (41 años).
Libro: Don Segundo Sombra (1926)
Walter Ciocca, arquitecto e historietista (1907-1984) (77 años)
Historieta: Lindor Covas (1954-1981).

ADAPTACIONES DEL LIBRO MARTÍN FIERRO AL CINE ARGENTINO.
MARTIN FIERRO (1923) director Alfredo Quesada.
MARTIN FIERRO (1968) director Leopoldo Torre Nilsson.
LOS HIJOS DE FIERRO (1972-1975) director Fernando E. Solanas.
LA VUELTA DE MARTIN FIERRO (1974) director Enrique Dawi.
MARTIN FIERRO (1989) director Fernando Laverde.(film inédito).
MARTIN FIERRO, EL AVE SOLITARIA (2006) director Gerardo Vallejo.
MARTIN FIERRO, LA PELÍCULA (2007) directores Liliana Romero y Norman Ruiz.

Apéndice:
Hay una versión realizada en España para Televisión Española dentro de un ciclo llamado “Los Libros”:”MARTIN FIERRO” (1974) dirección de Julio Diamante. Protagoniza al gaucho Fierro, Carlos Estrada, actor argentino residente en Europa con elenco español.

LISTADO DE PELÍCULAS (parcial) de películas que abordan temática gauchesca.
CINE MUDO.
NOBLEZA GAUCHA (1915).
SANTOS VEGA (1917).
EL GAUCHO (1920) de Rici Rondamina. (Fragmentos de este film desconocido en Archivo de Florencio Varela).
JUAN MOREIRA o EL ÚLTIMO CENTAURO o LA EPOPEYA DEL GAUCHO (1924) de E. Regules y E.Peirano.
LA PULPERA DE SANTA LUCIA (1929) (destruida, catalogada a partir de datos de una lata y de revistas de la época).

CINE SONORO.
EL LINYERA (1933) de Enrique Larreta.
JUAN MOREIRA (1936) de Nelo Cosimi.
SANTOS VEGA (1936) de Luis Moglia Barth.
VIENTO NORTE (1937) de Mario Soffici. (Según Lucio Mansilla).
PAMPA Y CIELO (1938) de Raúl Gurruchaga.
PLEGARIA GAUCHA (1938) de Julio Irigoyen.
¡GAUCHO! (1942) de Leopoldo Torres Ríos.
PAMPA BÁRBARA (1945) de Lucas Demare y Hugo Fregonese.
SANTOS VEGA VUELVE (1947) de Leopoldo Torres Ríos. (Según poema de Rafael Obligado).
JUAN MOREIRA (1948) de Luis Moglia Barth.
EL ÚLTIMO PAYADOR (1950) de Homero Manzi y Ralph Pappier.
EL GAUCHO Y EL DIABLO (1952) de Ernesto Remani.
WAY OF THE GAUCHO / EL CAMINO DEL GAUCHO (1952) de Jacques Tourneur.
EL ÚLTIMO COW BOY (1954) de Juan Sires. (Sátira sobre EL CAMINO DEL GAUCHO).
EL ÚLTIMO PERRO (1956) de Lucas Demare.
EL ROMANCE DE UN GAUCHO (1961) de Rubén W. Cavallotti.
MATE COSIDO (1962) de Goffredo Alessandrini.
LINDOR COVAS, EL CIMARRÓN (1963) de Carlos Cores.
PAMPA SALVAJE (1966) de Hugo Fregonese.
DON SEGUNDO SOMBRA (1969) de Manuel Antin (según Guiraldes).
LA FRONTERA OLVIDADA (1969) de Juan Carlos Neyra. (film inédito).
SANTOS VEGA (1971) de Carlos Borcosque (h).
JUAN MOREIRA (1973) de Leonardo Favio.
HORMIGA NEGRA (1979) de Ricardo Alberto de Filippi.
EL FAUSTO CRIOLLO (1979) de Luis Saslavsky (según Estanislao del Campo).
MATE COSIDO, EL BANDOLERO FANTASMA (2003) de Michelina Oviedo (documental sobre Segundo David Peralta, alias Mate Cosido).
EL GAUCHITO GIL, LA SANGRE INOCENTE (2006) de Ricardo Becher.
EL DESIERTO NEGRO (2007) de Gaspar Schever.
ISIDRO VELAZQUEZ, LA LEYENDA DEL ÚLTIMO SAPUCAY (2010) de Camilo José Gómez (docudrama).
ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO (2010) de Fernando Spiner.
GAUCHITO GIL (2020) de Roberto Vallejos.

DATOS SOBRE FILM “LINDOR COVAS, EL CIMARRÓN”.
Año de producción 1962.
Fecha de estreno: 24-4-1963.
Estrenada en la sala Hindú, calle Lavalle 842-Buenos Aires.
Calificada sin restricciones /Duración: 108 minutos.
Director Carlos Cores / Guion de Antonio Ortiz Noguera, Guillermo Haro y Juan Carlos Márquez según argumento de Walter Ciocca / Fotografía Vicente Cosentino / Música Tito Ribero / Escenografía Saulo Benavente / Montaje Ricardo Rodríguez Nistal e Higinio Vecchione / Producción y distribución Lumiton.
Intérpretes: Carlos Cores (Covas), Mario Lozano, Elizabeth Killian, Liliana Lagos, Joaquín Petrosino, Enrique Kossi, Adolfo García Grau, Jorge de la Riestra, Héctor Figueroa, Oscar Ferrigno, Evangelina Salazar.
Síntesis: el film adapta una de las historietas más populares y longevas del comic argentino. Se publicó en el periódico “La Razón” entre 1952 y 1981, como también en decenas de diarios del interior. La producción recoge tres historias del personaje: la primera relacionada con una heredera que es requerida desde Europa, desconociendo hasta ese momento sus orígenes. La segunda encuentra a Covas en un pueblo donde se prepara una función de teatro y la tercera en un poblado indio donde establece relación con la hija del jefe tribal. Todos los argumentos tienen como telón de fondo una pintura muy lograda de los ambientes gauchescos, con una calidad técnica notable y donde los paisajes de nuestra zona tienen real protagonismo. La película fue muy maltratada por la crítica de su momento y se ha convertido en una más de las obras cinematográficas que merecen ser recuperadas y revalorizadas, a 60 años de su producción.
Se utilizaron exteriores en la zona de Olavarria y agradece en sus títulos a:
Guarnición Olavarria Lanceros General Paz.
Destacamento Ingenieros.
Sr. Esteban Loudge (sic).
Estancia La Isolina.
Según los autores Raúl Manrupe y María Alejandra Portela en su libro “UN DICCIONARIO DE FILMS ARGENTINOS (1930-1995),editado en 2001 por Ediciones Corregidor, Buenos Aires, esta película fue filmada en Olavarria y Azul. La visión de la misma no aclara ni confirma escenas en la segunda ciudad.
También se señala como productora y distribuidora la firma Lumiton. Esta fue la empresa creada en 1931 por un grupo de empresarios (todos médicos que antes habían incurrido en la primera transmisión radial desde el Teatro Colón en 1920) que se convirtió en el primer estudio de cine al modelo de Hollywood en la Argentina. Situado en dos manzanas de Munro, Partido de Vicente López, en Avenida Mitre N.º 2351, inició sus actividades en 1931 y estrenó su primer largometraje sonoro en 1933: “Los tres berretines”, que lanzó al estrellato a Luis Sandrini, también protagonista del film “Tango” del estudio que sería su gran rival durante dos décadas: Argentina Sono Film. El estreno de “Tango” se realizó una semana antes, motivo por el cual es considerado el “primer film sonoro argentino”. El primer estreno de la empresa tuvo un costo de 19.000 $ y recaudó la cifra de 1.000.000 $, convirtiéndose en un negocio fabuloso para el estudio. Que cerraría sus puertas en 1952 debido a la quiebra de la misma, habiendo realizado alrededor de 180 películas en ese periodo. Luego el nombre fue utilizado en algunos films como “productora y distribuidora” hasta mediado de los años sesenta, siendo “Lindor Covas, el cimarrón” (1963) uno de los títulos finales de este “segundo” emprendimiento Lumiton. Hoy el lugar ha dado sitio a un Museo con su nombre que tiene entrada por calle Cabral 2354 en la mencionada localidad de Munro. Se exhiben recuerdos del tiempo en que los mismos estuvieron activos.

CINE: "LUZ, CÁMARA...¡TELÓN!" / 4ª EDICIÓN 2022.
2022-01-28 21:00 - 2022-01-30 21:00 | La Salita / Vivero Cultural Otoño Azul, Malere (ex Córdoba) 567, Azul, Buenos Aires, Argentina
El Equipo Delta-Trabajo Teatral presenta dentro del Programa Otoño Azul Imagen la cuarta edición del Ciclo de Cine Estudio en Homenaje a Hector “Cacho Nebbia” Ferrarelo. Se desarrollará los días Viernes 28, Sábado 29 y Domingo 30 de enero de 2022 durante tres jornadas, a las 21.00 hs. en La Salita / Vivero Cultural Otoño Azul, en la calle Malere (Ex-Córdoba) N.º 567 en la ciudad de Azul. Tras la interrupción obligada a causa de la Pandemia, este verano retomamos la senda.

PROGRAMA.
Viernes 28 de enero: «EL DÍA DE LA POLLERA» / LE JOURNÉE DE LA JUPE / Francia-Bélgica (2008) / Dirección y guion Jean Paul Lilienfeld / Intérpretes : Isabelle Adjani, Denis Podalydés, Yann Ebongé, Kevin Azais, Karim Zakraoui. / Duración 1 h 27 minutos / Hablada en francés con subtítulos en castellano. SINTESIS: Sonia es una docente adulta que transita una separación matrimonial. Su trabajo en la escuela de un barrio marginal parisino la enfrenta a la indisciplina del alumnado y la indiferencia de sus compañeros y autoridades escolares. A partir de una situación fortuita, la mujer toma el control del aula de una manera violenta. Ahora todos estarán bajo sus ordenes…dentro de una situación incontrolable. Una mirada adulta sobre la decadencia del sistema educativo y las dificultades de la integración social con la inmigración como tema de fondo en la Europa actual.

Sábado 29 de enero: «¡ ABAJO EL TELÓN…!» / THE CRADLE WILL ROCK/ EE.UU. (1999) / Dirección y guion Tim Robbins / Intérpretes: Tim Robbins, Susan Sarandon, Hank Azaria, Vanessa Redgrave, Bill Murray, Emily Watson, John Turturro / Duración 2h 11 minutos / Hablada en inglés con subtítulos en castellano. SINTESIS: basada en hechos reales, la película narra las situaciones que vive un grupo teatral para estrenar una obra políticamente incorrecta en la New York de la segunda mitad de los años 1930. Un tiempo donde las ideologías estaban a flor de piel y condicionaban la creación y la libertad artística. Personajes inspirados en figuras tan legendarias como Orson Welles, Nelson Rockefeller, Diego Ribera, quienes rodean a los transgresores interpretes que luchan por imponer su arte ante cualquiera otra cuestión. Un conflicto siempre vigente: el arte y la cultura enfrentadas al Poder.

Domingo 30 de enero: «EL PADRE» / THE FATHER / Francia-Reino Unido (2020) / Director Florian Zeller / Guion Christopher Hampton y Florian Zeller sobre su propia obra teatral / Intérpretes : Anthony Hopkins, Olivia Colman, Mark Gatiss / Duración 1h 37 minutos / Hablada en inglés con subtítulos en castellano. SINTESIS: Anthony, un octogenario londinense comienza a dudar de sus propios recuerdos mientras la memoria se confunde con lo imaginado. La realidad llega de la mano de su hija Anne que le anuncia su traslado a Paris. Las siempre complejas relaciones filiales se manifiestan en toda su humanidad ante la enfermedad y el paso del tiempo. Uno de los dramaturgos mas importantes del presente, debuta como director de cine junto a dos de los mayores intérpretes británicos: el clásico Hopkins y la nueva sensación Colman.

CINE:"LA ODISEA DE LOS GILES" (2019).
2022-04-10 18:00 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
2019 será recordado en el futuro como el último año «antes de la pandemia», una realidad internacional que cambió o alteró comportamientos: entre ellos el de los espectadores de cine. El tiempo de encierro destruyó la economía ya de por si frágiles de las salas cinematográficas, y aumentó la de las plataformas de películas y series que pueden consumirse desde la comodidad del hogar. Uno de los últimos sucesos, entonces, fue el de esta película argentina a lo largo del territorio nacional. «La odisea de los giles» fue una de las producciones mas taquilleras de aquella temporada y se inspiró en un texto de un escritor ya consagrado por la gran pantalla: Eduardo Sacheri (1967), que se inició como profesor de historia en colegios del conurbano bonaerense y desde alli, dando rienda suelta a su pasión por la escritura (y también por el futbol, que supo insertar de una manera u otra en gran parte de su obra), consiguió reconocimiento crítico y suceso de ventas con su primera novela «La pregunta de sus ojos» (2005). Sa adaptación al cine con el título de «El secreto de sus ojos» (2009) le abrió las puertas a la escritura cinematográfica, donde firmó trabajos como «Futbolín» (2013) o la adaptación de otras de sus producciones, «Papeles en el viento» ( 2015). El director Sebastián Borensztein (1965) debutó en 2005 con una comedia, «La suerte está echada» y tras otros tres títulos, dirigió este.
En la Argentina del año 2001, un grupo de habitantes del interior del país pierde todos los ahorros en una inversión como consecuencia de los sucesos del mes de diciembre, uno de los mas dramáticos de la reciente historia argentina cuando el «corralito» se instaló como realidad inesperada con las consecuencias que marcarían los siguientes años. Escritor y cineasta utilizan el humor para hablar de cosas terribles y de esa manera logran introducir en lector y ahora espectador en un tema para nada divertido. Una licencia poética para recuperar un tiempo que aun deja huellas. La critica al comportamiento de toda una sociedad está servida por una producción cuidada, dinámica, ejemplar en la mirada que sobre sus criaturas dedica. Y un plantel de interpretes formidables da vida a los personajes de Sacheri: Brandoni, Darin padre e hijo, Cortese, Llinas y un elenco de excelentes profesionales. «La odisea de los giles» pasa a formar parte de las mejores radiografías cinematográficas de un tiempo histórico que deseamos no volver a transitar. Una linea de cine popular que nuestra cinematografía trazo sutilmente a lo largo de las décadas y que de tanto en tanto se agranda con un nuevo título.
«LA ODISEA DE LOS GILES» (Argentina- España, 2019)/ Dirección Sebastián Borensztein / guion: Borensztein y Eduardo Sacheri /Intérpretes Ricardo Darin, Luis Brandoni, Rita Cortese, Chino Darin, Verónica Llinas, Marco Antonio Caponi, Daniel Araoz, Andrés Parra / Color / Hablada en castellano sin subtítulos / Duración: 1h 56 minutos.

CINE:"APUNTES SOBRE LA GUERRA FRIA (1945-1991)"
2022-04-22 19:00 | Museo Enrique Squirru, Bartolomé J.Ronco Nº 654, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
Durante el mes de abril se realizará el Ciclo de Cine de Otoño en el Museo Etnográfico Enrique Squirru. La cita será los días viernes 1, 8, 22 y 29 a las 19 hs. Cuatro jornadas donde a través de la cinematografía se abordará el periodo histórico comprendido entre 1945 y 1991 conocido como «La Guerra Fría», que paralelamente generó en la cinematografía occidental varios géneros de mucha repercusión en los años cincuenta y sesenta, desde espacios tan emblemáticos y populares como el cine de ciencia ficción (donde en realidad los malvados extraterrestres no eran mas que los peligrosos comunistas-interesante analizar como se repite la cuestión en nuestro presente-), los films de James Bond 007 y sus secuelas, las adaptaciones de best sellers famosos de autores especialistas como John Le Carre o sátiras humorísticas de genios como Woody Allen o Billy Wilder. La Segunda Guerra Mundial confirmó como potencia global a la URSS (Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas) que con la detonación de la primera arma atómica en 1949 dio inicio a la confrontación capitalismo versus comunismo a lo largo y ancho del planeta. Se la conoce como «fría» porque no hubo ataques directos entre los dos contrincantes mayores (USA-URSS), pero si incidentes y guerras en zonas distantes apoyados por unos y otros, Básicamente se trató de una división del mundo en zonas de influencias políticas, económicas, culturales. La caída del Muro de Berlin en 1989 y la desintegración como Estado del gigante soviético en 1991, pusieron un «final» que a ojos actuales se demuestra como engañoso: la presente guerra en Ucrania no hace mas que demostrarlo.
Viernes 1º de abril: «RAPSODIA EN AGOSTO» (Hachigatsu no rapusodi, 1991 /Japón) / Dirección: Akira Kurosawa / Intérpretes Sachiko Murase, Richard Gere y otros. / Color / Hablada en japonés e inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 38 minutos. Síntesis: una anciana, Kane, queda al cuidado de sus nietos y nietas al viajar los padres a Hawaii para conocer a familiares. La mujer y los niños establecen una relación diferente a partir de los relatos de la explosión de la bomba atómica de Nagasaki en agosto de 1945. El cineasta Kurosawa, uno de los maestros del cine mundial, reflexiona sobre la influencia del pasado y la memoria en las relaciones humanas, siempre atravesadas por las realidades externas y cargando con las consecuencias de los dictados del Poder. Una de las pocas obras maestras verdaderas de los años noventa.
Viernes 8 de abril: «PASARON LAS GRULLAS» (Letyat Zhuravli,1957 URSS) / Dirección: Mikhail Kalatozov / Intérpretes Tatyana Samoylova, Aleksey Batalov, Vasily Merkurev y otros /Blanco y Negro /Hablada en ruso con subtítulos en castellano / Duración 1h 35 minutos. Síntesis: Verónica es una joven vital. La calma de su rutina se ve alterada por la guerra y la partida de su enamorado al frente. Esta película soviética forma parte del nuevo tiempo tras la muerte del líder Stalin, cuando se realizó una apertura hacia el exterior por parte de su cinematografía. «Pasaron las Grullas» fue la gran triunfadora del festival de Cannes de 1958 y su suceso se expandió a todo el mundo, convirtiéndose en un fenómeno de critica y publico y estableciendo la figura de la actriz rusa en la primera plana del interés cinematográfico. Por su parte, la maestría del realizador Kalatozov sigue manteniendo moderna la realización del film.
22 de abril: «EL BAILARIN» o «Nureyev, el cuervo blanco» (The white crowd, 2018, Reino Unido, Francia, Serbia) / Dirección: Ralph Fiennes / Intérpretes Oleg Ivenko, Ralph Fiennes, Louis Hofmann y otros / Color / Hablada en ruso, inglés, francés y español con subtítulos en castellano / Duración 2h 7 minutos. Síntesis: El bailarín Nureyev se convierte en un ídolo en la URSS y también en sus giras al exterior. En una de ellas, el artista solicita asilo político y desata un conflicto internacional. La película es una coproducción actual europea y recrea una de las realidades mas conflictivas de la Guerra Fría: los refugiados políticos.
29 de abril: «COLD WAR» o «Guerra Fría» ( Zimna Wojna, 2018, Polonia, Reino Unido, Bélgica, Francia) / Dirección: Pawel Pawlikowski / Intérpretes Joanna Kulig, Tomasz Kot y otros / Blanco y Negro / Síntesis: La compleja historia de amor entre una cantante y un director de música es la excusa perfecta para desarrollar un recorrido sobre las tensiones entre el comunismo y el capitalismo en los años cincuenta en una Europa totalmente atravesada por esta problemática. Una de la películas mas aclamadas por la crítica en el tiempo anterior al estallido de la pandemia.

CINE: "CARAMEL" (SUKKAR BANAT).2007.
2022-05-15 18:00 | CÍRCULO ÁRABE DE AZUL, Bolivar 674, Azul, Buenos Aires, 7300
El film de origen libanés-francés «Caramel» será el que abrirá un nuevo ciclo de cine en el Círculo Árabe de Azul a partir de este mes de mayo de 2022. Con la intención de descubrir antiguas cinematografías en lenguaje árabe, alejadas de los circuitos comerciales de Argentina así como también difíciles de encontrar en programaciones del espacio virtual, esta producción cinematográfica encontró amplia aceptación pública y critica a partir de su estreno en 2007, habilitó el estreno de otros films de similar origen y en lo particular para su directora y co-protagonista Nadine Labaki la posibilidad de realizar dos largometrajes hasta el presente. Beirut, la deslumbrante capital del Líbano, sufrió las consecuencias de luchas internas y extranjeras a partir del año 1975 cuando se inició una guerra civil que duró hasta 1990. El presente de la película nos muestra un tiempo de reconstrucción donde los seres humanos persisten en la idea de recuperar espacios e identidades afectadas. Las relaciones que se entrecruzan entre un grupo de cinco mujeres sirve como excusa para trazar un relato actual de una tierra violentada en el pasado. La realizadora focaliza su mirada en sus problemáticas (el paso del tiempo, la sexualidad, los amores correspondidos y los perdidos o imposibles, los mandatos generacionales, lo ancestral y lo moderno) al son de músicas exquisitas que acompañan el devenir de estas cinco vidas de diferentes edades y realidades, mientras las líneas que van estableciéndose entre ellas dibujan heridas a curar paralelas a las de la gran ciudad que las contiene. Una comedia romántica es la opción que la artista elige para este debut, seguido en los años siguientes por dos films que demuestran su capacidad para conectar con los mas diversos públicos mas allá de religiones y geografías: el alma humana parece no querer saber nada con ellas.
NADINE LABAKI nació en Beirut en 1974. De amplia carrera como actriz, debutó en la dirección con esta película obteniendo amplia repercusión en su país de origen, Europa y Estados Unidos, habiéndose iniciado en la dirección de video-clips musicales para la cantante Nancy Ajram, una de las máximas estrellas del pop del mundo árabe. “Caramel”, con su suceso internacional recupera en parte el aliento de una de las dos cinematografías árabes más fecundas (junto a la egipcia), logrando en los años transcurridos desde su estreno que varias películas libanesas hayan encontrado cabida y reconocimiento en circuitos internacionales, incluidos los grandes festivales de cine como Cannes, Berlín, Venecia.
«CARAMEL» /2007/ Dirección Nadine Labaki. Intérpretes: Nadine Labaki, Joanna Moukarzel, Gisele Aouad, Yasmine Al Massri, Sekam Haddad / Producción Les Films des Tournelles, Les Films de Beyrouth, Roissy Films. Duración 1 hora 35 minutos / Presupuesto de realización (estimado) 1.300.000 dólares, recaudación mundial: 14.250.000 dólares. Idioma: árabe, francés con subtítulos en castellano. Color.

CINE: "LOS AÑOS MAS BELLOS DE UNA VIDA".2019.
2022-05-22 18:00 | CASA RONCO, Calle San Martín 362, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
El cineasta Claude Lelouch (1937), uno de los mas prolíficos de Francia, estrena en 2019 su tercer acercamiento a unos personajes que vieron la luz en 1966: Anne Gauthier y Jean Louis Duroc. Estas criaturas se conocen en una de las películas mas populares de la década de los sesenta: «Un hombre y una mujer»(1966) y tuvieron secuela en «Un hombre y una mujer: 20 años después» (1986). Una situación insólita en la cinematografía, la continuidad de personajes a través de medio siglo interpretados por los mismos actores, se convierte en realidad cuando el director convoca a sus protagonistas a sumarse a una nueva aventura. Cercanos a los 90 años de edad, responden positivamente y con la condición de ser un trabajo de pocas semanas de compromiso, se embarcan en esta aventura fílmica. El resultado es factible de tener, al menos, dos lecturas: la de reencontrarse con ellos en su vejez, con toda la vida transitada, lo que abre las puertas a un ensayo sobre la memoria y la pervivencia del amor en las personas, así también un acercamiento casi documental al propio devenir de los actores, un hombre y una mujer para quienes el cine fue un trabajo y quizás también una pasión. El cineasta, un mago en el uso de la cámara cinematográfica (también cameraman) los escruta y sigue, en un reencuentro inesperado gestado por los descendientes de él. Y el regreso a uno de los escenarios donde vivieron su pasión se convertirá también en el de los propios espectadores conocedores de la fundacional película (que conquistó públicos internacionales así como dos premios codiciados en los ambientes cinematográficos: la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el Oscar de Hollywood). La música de Francis Lai y las letras de Pierre Barouh también pertenecen al terreno de la mítica cinéfila. Esta tercera y presumiblemente final parte de la trilogía se convierte entonces en homenaje a toda la magia de un arte deslumbrante, el que se disfrutaba sobre las pantallas blancas y gigantes de las salas, hoy también en riesgo de extinción como el propio estilo de cine que propone. Las plataformas audiovisuales jamás podrán competir con su oferta, aunque intenten fagocitarla.
«LOS AÑOS MAS BELLOS DE UNA VIDA» ( LES PLUS BELLE ANNÉES D’UNE VIE) / Francia- 2019 / Director, guionista y productor Claude Lelouch / Intérpretes Anouk Aimee, Jean Louis Trintrignant, Mónica Bellucci / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1 h 30 minutos.

CINE: "LA VERDAD" (2019).
2022-06-05 18:00 | CASA RONCO, Calle San Martín 362, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
La cinematografía japonesa, una de las mas potentes del extremo asiático, tiene a uno de sus mejores cineastas en el nombre de Hirokazu Koreeda (Tokio, 1962), quien tras haber debutado en 1995 irrumpe en el cine europeo (y desde allí hacia puntos como Buenos Aires) con sus films «Nadie sabe» (2004) y «Still Walking» (2009). Los premios obtenidos, el suceso en su propio país, las criticas y apoyos de los circuitos de cine arte, convierten su nombre en uno de los mas importantes de la cinematografía actual. En 2018 se consagra en Cannes (Palma de Oro) con su retrato intimista «Un asunto de familia» y el año siguiente estrena su primera película rodada en idioma extranjero, la producción que hoy nos ocupa. La mirada siempre dedicada (y delicada) en los comportamientos humanos y los lazos que entre si tejen las personas, se aplica en tierra extraña y el resultado es esta obra. Una actriz legendaria francesa coincide en la publicación de un libro autobiográfico con su participación en un film de ciencia-ficción con gente joven (todo sea para permanecer vigente y mantener su narcisismo alto además de carrera y prestigio) y su hija viaja desde USA para acompañar este presente. La relación entre ellas jamás fue buena y ahora luce peor que nunca. Los reclamos, rencores e incapacidades varias de ambas salen a la luz en este nuevo encuentro. El mundo íntimo se funde con el profesional y los ambientes hogareños se confunden con los sets de rodaje, territorio elegido por la diva para construir su engañosa verdad. Dos mujeres adultas que no dejan de competir. Dos actrices clásicas del cine francés (uno de los mas activos en cuanto producción de Europa) se unen por primera vez en sus carreras: Catherine Deneuve (1943) y Juliette Binoche (1964). Nacidas ambas en la capital del cine galo, ese Paris siempre vigente como escenario de ficciones, debutaron en plena adolescencia y desde entonces forjaron carreras ininterrumpidas, siendo una de las características que las acercan la de haber trabajado con los mejores cineastas locales, con otros de geografías cercanas y también distantes. «La verdad» las encuentra con décadas de trabajo a sus espaldas y decenas de films entre los que se encuentran clásicos como «Los paraguas de Cherburgo», «Repulsión», «Belle de Jour», «Tristana», «El último subte», «Indochina» en la lista de la primera y «Azul» o «El paciente inglés» en la de la segunda. El cine mas autoral se cruza con el mas comercial y ambas mantienen el prestigio personal: Roger Vadim, Jacques Demy, Roman Polanski, Luis Buñuel, Claude Chabrol, Francois Truffaut, Marco Ferreri, Mauro Bolognini, Dino Risi, Mario Monicelli, Lars von Trier, Robert Aldrich, André Techine, entre los directores de Deneuve, Carax, Godard, Malle, Kieslowski, Haneke, Kauffman, Assayas o Cronenberg entre los de la segunda. El cineasta asiático, mientras tanto sigue su carrera y tras este film regresó a Japón donde continua su trayectoria con un futuro estreno, esperado entre los espectadores mas demandantes. «La Verdad» suma en la obra de los tres implicados.
«LA VERDAD» (LA VERITÉ-2019) / Francia / Dirección Hirokazu Koreeda / intérpretes Catherine Deneuve, Juliette Binoche, Ethan Hawke, Ludivine Sagnier, Maya Sansa / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 46 minutos.

CINE: "ENTRE NAVAJAS Y SECRETOS" (2019).
2022-06-12 18:00 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
Ya podemos hablar de un «cine anterior y posterior» a la pandemia. El año 2019 y sus estrenos cinematográficos quedará como un periodo a estudiar en el futuro y esta película será una de las emblemáticas del cine norteamericano porque combinó dos cuestiones que rara vez coinciden en la producción de los últimos tiempos: el apoyo critico y las taquillas globales. Fue tan grande su aceptación que ya han rodado una segunda parte y se prepara una tercera. «Entre navajas y secretos» retoma una idea nada original pero con excelentes resultados: el regreso al cine inspirado en tramas criminales pero desde la perspectiva de la comedia. La escritora británica Agatha Christie (1890-1976) vivió 85 años, escribió cuentos, obras de teatro y 66 novelas policiales. Algunas de ellas fueron llevadas al cine desde 1928 hasta el presente aunque el medio que mas provecho sacó y saca de sus textos es la televisión. Y es precisamente en ello que se inspira esta producción: una de las creaciones mas populares de la autora fue el inspector Hércules Poirot, un ciudadano belga que sufre por ser confundido con francés y que destila humor a la par que solvencia para descubrir los crímenes mas rocambolescos: el detective Benoit Blanc de este film no es mas que una reencarnación actualizada que homenajea a aquel. Su propio nombre afrancesado es un guiño a los fanáticos de Christie. Es el encargado de descubrir quién es el culpable de la muerte de un famoso escritor de novelas criminales, el millonario Harlan Thrombey, jefe de una familia demencial donde sus integrantes tienen todos motivos para ser el asesino. Con enorme sentido del humor, la comedia y el suspenso se dan cita con todas los giros narrativos necesarios para construir una gran historia. El cine y la literatura vuelven a cruzar sus senderos y dan como resultado una de las mas disfrutables obras del cine presente, donde no falta una inteligente reflexión sobre las diferencias sociales y un progresismo ideológico apenas encubierto. Un grupo de grandes intérpretes da vida a los desquiciados personajes: el intérprete de James Bond, el siempre elegante Daniel Craig se pone a la cabeza de la investigación, siendo Christopher Plummer en uno de sus últimos trabajos, la contrapartida talentosa como el autor muerto a poco de cumplir 85 años. Y el resto del elenco hace las delicias de la función: la casa enorme y misteriosa, el bosque que la rodea, las bellas inocentes y las malvadas, la música y la estética puesta al servicio de un gran espectáculo. Dos horas de entretenimiento inteligente y el placer recuperado del buen cine. Todo esto y mucho mas es la obra reseñada. El espíritu novelesco demuestra ser de los mas vitales y vigentes entre los géneros preferidos por lectores y espectadores porque lo criminal sublima nuestras tendencias y secretos mas oscuros y al transformarlos en ficción nos permite un placer siempre renovable.
«ENTRE NAVAJAS Y SECRETOS» / KNIVES OUT.2019- ESTADOS UNIDOS / Dirección Rian Johnson / Intérpretes Christopher Plummer, Daniel Craig, Jamie Lee Curtis, Ana de Armas, Chris Evans, Michael Shannon, Toni Colette, Don Johnson / Color / Hablada en inglés, español e hindi con subtítulos en castellano / Duración 2h 10 minutos.

CINE: "EXPRESO DE MEDIANOCHE" (1978).
2022-06-15 20:00 | CÍRCULO MÉDICO DE AZUL, San Martín 691, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
Una vez al mes a partir de este miércoles 15 y hasta final de año, el Círculo Médico de Azul proyectará una serie de peliculas ya legendarias que merecen ser disfrutadas en pantalla grande. Estrenadas a lo largo del último medio siglo, todas ellas tuvieron un enorme suceso en Argentina, desde las capitales hasta los desaparecidos cines del interior del país. En un intento de recuperarlas para quienes no pudieron verlas en esas enormes dimensiones (y a quienes las vieron también), la sala de la calle San Martín de nuestra ciudad permitirá esta experiencia imprescindible para disfrutarlas tal como fueron concebidas: en compañía de otros y sobre telas blancas. Serán siete funciones y la primera exhibirá un clásico de los años setenta: «EXPRESO DE MEDIANOCHE». Estrenada el 25 de diciembre de 1979 en los cines Atlas de la calle Lavalle y Gaumont de la calle Rivadavia de Buenos Aires, se convirtió en uno de los sucesos de aquel verano plomizo de la Dictadura Militar y fue uno de los primeros hits de la nueva década, exhibiéndose a lo largo de todo el territorio durante los siguientes años. La censura de la época demoró su estreno durante un año y fue presentada con varios cortes. El guion del entonces desconocido Oliver Stone se inspiró en un libro autobiográfico de Billy Hayes, quién el 6 de octubre de 1970 fue detenido y encarcelado en Estambul por la posesión de hachís.. Su experiencia en la cárcel turca sirvió como base para su texto y luego este film del cineasta británico Alan Parker (1944-2020). El gobierno turco protestó por la visión que la obra daba de su país y prohibió su estreno hasta 1992 cuando se conoció por un pase televisivo. El film fue rodado en la isla de Malta donde se reconstruyó la cárcel Sagmalcilar de Estambul, donde transcurre la acción y ganó los premios Oscar a la mejor Banda Sonora y al Mejor Guion Adaptado: Giorgio Moroder y Oliver Stone, sus responsables. El protagonista fue Brad Davis (1949-1991), un actor de carrera errática muerto a los 41 años y su director Alan Parker se convirtió en uno de los mas populares de los años ochenta tras este segundo film: luego vendrían «Fama» (1980), «Pink Floyd: The Wall» (1982), «El corazón del ángel» y «Arde Mississippi» (1988). En 1996 estrenó la versión cinematográfica del éxito teatral «Evita», una excelente película que no tuvo el éxito de los anteriores films y en 2003 firmó su última obra. A cuatro décadas de su estreno, «Expreso de Medianoche» se ha convertido en un clásico indiscutible del cine, que ahora regresa para ser disfrutado en pantalla grande.

CINE: "ELLE" (ELLA). 2016.
2022-06-26 18:00 | CASA RONCO, Calle San Martín 362, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
La tercera función del ciclo «Rostros del Cine Francés: Las Mujeres» estará dedicada a la actriz Isabelle Huppert. Nacida en 1953, debuta a los 19 años y a partir del film «La Encajera» de 1977 se consagra como una de las mayores figuras del cine europeo, trabajando también en Estados Unidos a partir de 1980. Destacan sus peliculas a las ordenes de cineastas como Jean Luc Godard, Michael Haneke o Claude Chabrol entre los que con mas frecuencia la dirigieron. Cercana su trayectoria a los 150 trabajos, la actividad frenética se desató a partir del año 2005 y tiene estrenos en fila de espera. En 2016 alcanzó repercusión internacional a partir de su nominación al Oscar a la Mejor Actriz por su interpretación de Michele, la protagonista de «Elle». Ganó varios premios en aquella temporada y volvió a poner en primera fila el nombre de su realizador, el holandés Paul Verhoeven (1939). Este cineasta alcanzó enorme prestigio en los circuitos de arte europeos con sus primeros siete films a partir del debut en 1971 con «Delicias holandesas», una comedia rupturista que le habilito una intensa carrera que le llevo en 1987 a la industria de Hollywood: tras sucesos como «RoboCop»(1987),»Desafío Total» (1990) o «Instinto básico» (1992), uno de los films mas populares de la década, regresó en 2006 a Europa y alli continúa activo con menos pero deslumbrantes creaciones.
«Elle» es su primera producción francesa y logra de la mano de la actriz Huppert una de sus mejores obras. Un retrato adulto, riguroso, sin concesiones sobre una familia no convencional pero no por ello minoritaria. Fuera de la corrección política en la que lamentablemente parecen ubicarse demasiados «artistas», la película nos introduce en la intimidades de la mente de una mujer que sufre un ataque violento en su domicilio pero se enfrenta al mismo de una manera muy personal. A partir del inicio y del acercamiento a sus primeras vivencias vamos conociendo su mundo: la empresa que dirige junto a una amiga y que crea juegos violentos y comerciales para la Industria audiovisual, su hijo y la esposa de este, su amiga, su ex-marido, su madre y hasta sus nuevos vecinos formaran una ronda de turbiedades varias que entroncan con la cinematografía francesa mas transgresora y potente. El Arte debe servir para incomodar conciencias y a partir de ello introducir en los espectadores interrogantes que le hagan abandonar el cómodo espacio del entretenimiento para avanzar en un conocimiento de aspectos humanos que aporten nuevas miradas. Las relaciones materno-filiales son abarcadas desde diferentes perspectivas así como la infancia traumática de la mujer que es madre pero también hija, los hombres que la rodean y las relaciones establecidas con tres de ellos, el empresariado al servicio de entretenimientos dudosos para la población actual, la violencia latente de una sociedad que no para de generarla, son algunas de las muchas cuestiones sobre las que se interroga esta formidable creación. Lejos del escandalo barato, la obra nos introduce en la vía del cine mas humano que, al retratar sus aspectos menos agradables logra conmover al espectador y enriquecerlo con la experiencia. Una de las grandes obras del cine contemporáneo.
«ELLE» / 2016 / Dirección Paul Verhoeven / Intérpretes Isabelle Huppert, Laurent Lafitte, Anne Cosigny, Charles Berling, Virginie Efira, Judith Magre / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 2h 10 minutos.

CINE: "DIARIO ÍNTIMO DE ADELA H." (1975).
2022-07-03 18:00 | CASA RONCO, Calle San Martín 362, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
El cuarto encuentro del Ciclo Rostros del Cine Francés: Las Mujeres» nos acerca a la figura de una de las actrices mas importantes de la historia de Francia: Isabelle Adjani, nacida en 1955 e hija de inmigrantes argelinos. Siendo niña comenzó a trabajar y destacó como una de las promesas jóvenes mas potentes de la Comedie Francaise, la institución teatral mas prestigiosa de Francia con siglos de historia. Allí se convirtió en la sensación del Paris de principio de los setenta y su llegada al cine corrió de forma paralela: con su quinto largometraje se convierte en la actriz mas solicitada tanto dentro como fuera de su tierra natal. Construye una carrera errática donde los fracasos se entrecruzan con los premios mas deseados y los tiempos de retiro con los de actividad así como la diva con la actriz talentosa y la cirugía estética con el paso de los años . Adjani es hoy una institución francesa a la altura de Bardot y Deneuve. En este su quinto trabajo para el cine la actriz realiza a sus veinte años de edad uno de los tantos (y primeros) trabajos memorables que ocasionalmente adoran su ya extensa trayectoria de medio siglo. Adele Hugo fue la quinta hija del famoso escritor Victor Hugo, padre de «Los Miserables» y figura indiscutible del arte francés. Criada con dinero y cultura en abundancia, la joven desarrolla un notable talento para la música pero su frágil salud mental afectará toda su vida. Su enamoramiento enfermizo con un militar ingles, rechazado por su progenitor da inicio a una profundización de la enfermedad. Atraviesa el océano en su busqueda y se convierte en una total acosadora del apuesto seductor. Los años pasan y la enfermedad avanza. Este periodo en la larga vida de la mujer (murió a los 85 años) sirven de elementos para la construcción cinematográfica de una de los mas recordados cineastas galos: François Truffaut, quien alcanzó en los años setenta un nuevo hito en su carrera con esta producción. A medio siglo de su elaboración la película mantiene intactas las calidades de entonces y el trabajo de Isabelle Adjani nos convence de que Adele H fue tal cual ella nos la presenta. Una actriz memorable en una actuación modélica. Un tema humano siempre vigente y que el presente nos permite abordar con nuevas miradas.
«DIARIO INTIMO DE ADELA H»/ L’HISTOIRE D’ADELE H» / 1975 / Francia /Dirección Francois Truffaut / Intérpretes Isabelle Adjani, Bruce Robinson, Sylvia Marriot / Color / Hablada en francés e inglés con subtítulos en castellano / duración 1h 36 minutos.

CINE: "LA MATRONA" (2017).
2022-07-10 18:00 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
CINE: “LA MATRONA” .2017
Esta producción reciente de la cinematografía francesa aborda la temática de la relación que se establece entre una mujer mayor y otra más joven que llevan treinta años sin verse. Beatrice fue amante durante un tiempo del padre de Claire y después de tanto tiempo la mujer regresa para recuperar parte de su pasado. Pero la vida de Claire ya no tiene nada que ver con aquello: ahora ejerce su profesión de partera y sus necesidades vitales están colmadas por esta profesión. También por la relación con su hijo. Sin embargo, la memoria tiene sus reglas y mandatos. La insistencia de Beatrice hará que la matrona vuelva su mirada a otro tiempo. Interpretada por una de las actrices más importantes de los últimos veinte años del cine francés, Catherine Frot especializada en comedias y que aquí cambia a un registro más severo, está acompañada por la llamada reina del cine de Francia: la legendaria Catherine Deneuve, quien desde sus inicios en la adolescencia no ha parado de trabajar. Los cineastas jóvenes siguen requiriendo sus servicios y la actriz presta su rostro y su cuerpo demostrando que el paso de los años no han hecho otra cosa que mejorar sus condiciones actorales sin importarle las arrugas y si el amor permanente por el cine. Una película emotiva y emocionante, una mirada lúcida y contemporánea sobre las personas que quieren a sus trabajos y la entrega que brindan a quienes requieren su ayuda así como la capacidad y condición humana noble que le permite superar prejuicios y rencores en pos de un presente siempre necesario. Una obra formidable que nos acerca al mejor cine europeo y por ende, universal.
“LA MATRONA” / SAGE FEMME / 2017 / Francia / Dirección Martin Provost / Intérpretes Catherine Frot, Catherine Deneuve, Olivier Gourmet, Mylene Demongeot / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 2hs.

CINE:"E.T. EL EXTRA-TERRESTRE" (1982).
2022-07-13 20:00 | CÍRCULO MÉDICO DE AZUL, San Martín 691, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
Cuando en 1982 Steven Spielberg (1946) estrenó su 6º largometraje contaba en su haber con tres super sucesos: «Tiburón» (1975), «Encuentros Cercanos» (1978) y «Los cazadores del Arca Perdida» (1981). Y esta obra lo convertiría en el mago de las taquillas en las siguientes décadas. Junto a George Lucas, ideólogos de parte del cine que llega hasta el presente. Un cine de puro entretenimiento pero realizado con enormes dosis de dinero y temáticas que han llegado a las emociones mas profundas de millones de espectadores de todo el planeta, de diferentes edades y hasta ideologías y creencias. Un fenómeno que invirtió en su realización un presupuesto de 10.500.000 dólares y ganancias hasta el presente cercanas a los 800.000.000 de dólares, convirtiéndola en una de las películas mas taquilleras y populares de la Historia. Asi, con mayúsculas y con los crudos datos a la vista. Al cumplirse los primeros 40 años de edad de semejante creación (y acontecimiento cuasi sociológico, o extra-cinematográfico) nos acercamos a un nuevo visionado en pantalla grande en la sala del Círculo de Médicos de Azul. Una época y un espacio que se prestan para otro encuentro con el alienígena mas pacífico de los que el cine tenga memoria: en un barrio residencial de clase media se produce el encuentro fortuito entre una criatura abandonada a las apuradas del espacio exterior (perseguidos sus compañeros por humanos no dulces) y tres hermanos cuyo padre se ha marchado a México con una amante, dejando a la joven madre con sus crías. En ese ambiente hogareño se dará la mayor parte de las situaciones de la ficción. Cuando los adultos irrumpan en la acción (rara vez hasta el tramo final se les ve el cuerpo entero, mas allá de la madre, también una «niña» mayor), ésta se desplazará a calles y bosques cercanos del paisaje. La acción de ocultar al Ser bajito, feo y encantador, da lugar a toda una reflexión sobre la infancia de un cierto sector social, porque es importante resaltar la elección del cineasta en referir siempre al mundo que mas conoce: el suyo propio, el resto parece resultarle a Spielberg tan extraño como la vida en otros planetas. La criatura imaginada por Carlo Rambaldi (1925-2012), maestro italiano del diseño que comenzó en films de terror patrio, famosos «giallos» de principio de los setenta, continuó con la factoría Andy Warhol y sus monstruos de 1973 y desembarcó en Hollywood en 1976 con su creación del «King Kong» que aterrorizaba a la bella y debutante Jessica Lange. Luego vendrían las creaciones de «Encuentros Cercanos», su primer Spielberg, la cabeza del «Alien» (1979) de Ridley Scott y su hijo mas prestigioso, este «E.T». que a diferencia de todos sus anteriores diseños era pura ternura y accesibilidad. Los niños Henry Thomas (1971) y Drew Barrymoore (1975) se convirtieron en intérpretes adultos (con mayor o menor suerte) y la madre Dee Wallace quedó para siempre señalada con esta creación en la memoria de aquella y todas las generaciones que disfrutaron y disfrutan de este film. El cine de entretenimiento siempre caminó al lado de su hermano menor, el artístico y sus caminos varias veces se cruzan a lo largo del tiempo. Una ocasión para debatir si aun esta obra sigue siendo uno de esos casos. En tiempos de turbulencia y decadencia como la actual, el cine aparece como terreno propicio para la evasión (y hasta refugio ante lo insoportable) y por momentos creer que la bondad es mayor que su opuesto. Larga vida a Spielberg, mago contemporáneo y maestro del cine. Guste o no.
«E.T. EL EXTRA-TERRESTRE / E.T. THE EXTRA-TERRESTRIAL /1982 / Dirección Steven Spielberg / sobre idea de Melissa Mathison / Intérpretes Dee Wallace, Henry Thomas, Drew Barrymoore, Robert MacNaughton, Peter Coyote / Música John Williams / Efectos especiales Carlo Rambaldi / Color / Duración 1h.55 minutos.

CINE: "¿...Y AHORA ADÓNDE VAMOS...?" (2011).
2022-07-17 17:00 | CÍRCULO ÁRABE DE AZUL, Bolivar 674, Azul, Buenos Aires, 7300
Una nueva cita con el cine árabe (después del auspicioso debut el pasado mayo) nos acercará a otra producción filmada en aquellas tierras. El título de la película refiere a la pregunta que los hombres del pueblo donde transcurre la acción realizan a las mujeres y toda la historia nos deriva al mundo de los cuentos, donde el cine encuentra una justificación para tratar temas de la realidad. Que casi nunca es como nos gustaría pero para eso está la cultura que siempre aporta respuestas a nuestras inquietudes. En un lugar sin nombre ni ubicación pero claramente indicativo de las geografías del cercano oriente mediterráneo, conviven las comunidades musulmanas y cristianas tras haber sellado la paz después de una guerra. La aldea está tan aislada del mundo exterior que solo se accede a ella por un desfiladero rodeado de abismos. Las mujeres han decidido aplacar la furia bélica y son respetadas por los varones. La vida cotidiana transcurre a tropezones porque fuera los conflictos continúan y por eso la radio y la televisión suelen estar silenciadas. La música, los rituales, las palabras, la comida y los amores establecen lazos. Pero hay que salir a buscar lo que falta alli y en uno de esos viajes, ocurre lo menos deseado: el mundo sigue su marcha nos guste o no. Y habrá que perseverar para que la sensatez y la armonía no vuelen por los aires. Una temática actual que el cine toma como elemento para crear ficciones y devolver al espectador respuestas en forma de películas. Rodada en el Líbano en co-producción con otros países, el film mezclando la comedia y el drama, nos muestra a seres humanos separados por las creencias religiosas y el enfrentamiento que en casos límites conduce a la guerra, la mas terrible de las soluciones posibles. Una obra estructurada desde la perspectiva de las mujeres, siempre mas sensatas a la hora de limar asperezas. Un retrato del mundo presente de países lejanos pero ligados a nuestras raíces de tierra de inmigrantes. La música, el paisaje, las vestimentas, la comida como elemento aglutinante. El mundo femenino y el masculino con muchas mas similitudes a las nuestras de lo que creemos en primera instancia. Una obra formidable para establecer puentes con otras culturas donde los espectadores, allí como acá, reconocen la calidad de las ofertas que el cine nos brinda. Para disfrutar y reflexionar.
«¿…Y AHORA A DÓNDE VAMOS…?» / ¿ET MAINTENANT ON VA OÚ? / 2011 / Líbano-Francia- Catar- Egipto- Italia/ Dirección Nadine Labaki / Intérpretes Claude Baz Moussawbaa, Yvonne Maalouf, Layla Hakim, Nadine Labaki / Color / Hablada en árabe, inglés y ruso con subtítulos en castellano / Duración 1h.50minutos.

CINE: "CARA DE ÁNGEL" (2019).
2022-07-31 18:00 | CASA RONCO, Calle San Martín 362, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
La cinematografía francesa ha dedicado un amplio segmento de su producción a indagar en el mundo de la infancia y su relación con los adultos. Desde las obras cumbres de Rene Clement («Juegos Prohibidos») hasta las de Francois Truffaut («Los 400 golpes» o «La Piel Dura») pasando por joyas como «Zazie dans le Metro» o «Ser y Tener», la pantalla gala no para de ofrecer nuevas miradas. La gran actriz Marion Cotillard (Paris, 1975) protagoniza una de sus últimas películas de la mano de la cineasta Vanessa Filho dando vida a Marlene, una madre joven y compleja de una ciudad del interior. Su hija Ellis pareciera ser una amiga o una hermana menor ante su incapacidad de ser una madre convencional, por definirlo según sus propias palabras. El paso de los años, el esplendor físico que va perdiéndose, la economía desastrosa que no acaba de mantenerse, los hombres que pasan sin dejar apenas nada, ponen a la mujer en una encrucijada. Donde la menor tendrá que enfrentar de un momento a otro, e inesperadamente, el vivir lejos de su lado. El amor, la maternidad, el presente, los desafíos ante una sociedad en permanente crisis involutiva sirven de marco a las intenciones de la realizadora y la actriz unidas en un nuevo intento de abordar temáticas siempre ricas y cambiantes. La universalidad del tema nos alcanza y los limites geográficos se convierten en nada ante situaciones repetidas dentro de un sistema capitalista donde el neoliberalismo dominante dinamita interioridades humanas y deja a los sujetos en una deriva que resulta ser mucho mas generalizada de lo que tiende a aceptarse. El formidable dúo interpretativo entre la actriz consumada y la niña debutante es prodigioso y acercan al espectador las intenciones de la producción. Esa «cara de ángel» infantil que no es mas que el espejo del de la madre, una buena persona herida y en caída libre. Un universo atractivo y apasionante que la cinematografía nos ofrece compartir por una horas. El cine también puede ser «salud». Cotillard, la gran heredera de las divas francesas, reina en el universo cinematográfico actual, donde su talento le ha permitido la hazaña (segunda y única tras Sophia Loren) de recibir un Oscar a la Mejor Actriz en lengua no inglesa. Un placer extra para los ojos y los oídos de nosotros, espectadores siempre apasionados por la pantalla del cine.
«CARA DE ÁNGEL» (GUEULE D’ANGE) / Francia / 2019 / Dirección Vanessa Filho / Intérpretes Marion Cotillard, Ayline Aksoy-Etaix / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 48minutos,

CINE: "SATURNO EN OPOSICIÓN".
2022-08-14 18:00 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
El cine italiano fue uno de los mas exitosos en Argentina. La paulatina desaparición de salas y el avance de los canales de cable hicieron que su presencia en nuestro país fuese disminuyendo en las tres últimas décadas. Sin embargo su producción sigue siendo alta y la calidad de muchas de sus peliculas está a la altura de su edad dorada (1945-1980). Una de sus características fue el tratamiento que se le daba a las situaciones dramáticas en muchos obras donde la comicidad y el humor se alternaban con la seriedad. Los cineastas italianos que cultivaron esta variante (desde Fellini hasta Monicelli, desde Steno a Capitani) se convirtieron en maestros imbatibles. El director Ferzan Ozpetek (Estambul, 1959) debutó en 1997 con un título que fue suceso (minoritario) en varios países: «Haman-El baño turco», obra que ya contenía temas que iba a desarrollar en su posterior carrera. «Saturno en oposición» (se llamó en Buenos Aires «No basta una vida», título absurdo que no respeta el original) narra historias de un grupo de amigos compuesto por tres mujeres y varios hombres. Parejas y solitarios se entrecruzan en un ir y venir de situaciones cotidianas unidas por el concepto de la amistad. Porque sobre este tema versa la película: los lazos que los años van construyendo entre los seres humanos que conforman esa «otra» familia, le elegida pero tan factible de ser atravesada por las crisis que salpican a las tradicionales. Esta gente tiene sus vivencias en la gran ciudad, que puede ser Roma u otra, pero siempre con el calor y el color italiano, que tan cercano resulta por momentos a nuestra idiosincrasia. Los amores, los celos, las infidelidades, los secretos guardados y las verdades que saltan en el momento menos pensado. Relaciones libres, donde como dice uno de los personajes, no se trata de «comprender» sino de apoyar las sensibilidades y elecciones de cada cual. Una película conmovedora donde la risa y la lagrima se alternan dando un toque siempre, insisto, italiano. Con secuencias formidables e inolvidables, momentos que la cámara más el talento de director e interpretes hacen que la magia del cine vuelva a encandilar una vez mas. Los invitamos a acompañar a Davide, Lorenzo, Antonio, Angélica y los otros, amigas y amigos…¿para siempre?
«SATURNO EN OPOSICIÓN» / o «NO BASTA UNA VIDA» / SATURNO CONTRO / Italia /2007 / Dirección Ferzan Ozpetek / Intérpretes Margherita Buy, Stefano Acorsi, Luca Argentero, Pierfrancesco Favino, Serra Yilmaz, Ennio Fantaschini, Isabella Ferrari, Milena Vukotic, Luigi Diberti, Ambra Angiolini / Versión original en italiano con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40minutos.

CINE: "DE PERSONA A PERSONAJE: CUATRO PELICULAS SOBRE SERES REALES"
2022-08-19 18:00 | Museo Enrique Squirru, Bartolomé J.Ronco Nº 654, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
El Museo Enrique Squirru anuncia el «Ciclo de Cine en Invierno» a partir del Viernes 24 de junio y se extenderá por cuatro encuentros, siendo el último el Viernes 19 de agosto siempre a las 18.00 hs. En esta ocasión se abordará la cuestión de personas de reconocida trayectoria e influencia en los espacios en que desarrollaron sus vidas. Se han seleccionado cuatro films que en su conjunto ofrecen una visión del Occidente del último medio siglo. Y la ocasión de reflexionar sobre espacios tan diferentes como interconectados: la canción popular con sus extensiones a la discografía, los escenarios, la radiofonía y la prensa, la presidencia de una potencia global y su aspecto mas privado, la aristocracia europea y sus secretos mas sospechados y las figuras de una periodista y un narcotraficante latinoamericanos.. Los elegidos son: Dalida (1933-1987), una de las cantantes que mas discos vendió en la Historia, George W.Bush (1946), el 43º presidente de Estados Unidos, Diana Spencer, Lady Di (1961-1997), aristócrata y activista, figura clave de la presa rosa de las décadas del 80 hasta su muerte y Pablo Escobar (1949-1993) narcotraficante y político colombiano. El cine contemporáneo avanza en el estudio de estas cuestiones y nos ofrece la posibilidad de descubrir a través de la ficción aspectos de las personas reseñadas.
VIERNES 24 DE JUNIO: «DALIDA» / IDEM / 2016 / Francia / Dirección Lisa Azuelos / Intérpretes Sveva Alviti (Dalida), Riccardo Scamarcio, Jean Paul Rouve, Niels Schneider, Vincent Perez, Alessandro Borghi / Hablada en francés, italiano, árabe e inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 2h 5 minutos.
Sinopsis: un recorrido por la vida personal y profesional de una de las cantantes mas populares de Europa. A partir de su triunfo a finales de los años cincuenta, la carrera de esta artista se extiende hasta su muerte en 1987. Canciones traducidas a varios idiomas que sirven a la realizadora del film para establecer un potente vínculo entre las letras de las mismas y sus vivencias personales, siempre lindantes con la tragedia. Una voz y una presencia excepcional lograron ubicarla entre los seres humanos que mas discos han vendido en la Historia. El cine recupera sus melodías de la mano de una actriz nobel que cumple a la perfección con la encarnación de la diva.

VIERNES 1 DE JULIO: «W» / IDEM / 2008/ EE.UU. / Dirección Oliver Stone / Intérpretes Josh Brolin (George W.Bush), Elizabeth Banks, Richard Dreyffus, Thandie Newton, James Cromwell, Toby Jones./ Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 2h 9 minutos.
Sinopsis: el cineasta norteamericano, contemporáneo en edad y contexto al biografiado, entrega una nueva pieza en su mirada sobre Estados Unidos. Si en el pasado se había atrevido con los nombres de presidentes como Kennedy, Nixon o enemigos (del gobierno, no de él) de la categoría de Castro, Arafat o Chávez, ahora dedica su mirada al mandatario numero 43. Tanto los matices personales como su deambular por la presidencia de una potencia sirven en el intento de reflejar a uno de los personajes mas controvertidos de las últimas décadas. El film recorre momentos de su vida y está filmada cuando Bush ejercía su segundo mandato: la universidad, el servicio militar, la gobernación de Texas, el negocio del petróleo, la candidatura a la presidencia en el año 2000 con sus cuatro turbulentos primeros años y la campaña para la reelección son tratadas por el cineasta durante el metraje de la película .Una crónica realizada en pleno ejercicio presidencial y un film de escasa trayectoria global. Siendo Stone uno de los cineastas mas populares y ruidosos de las últimas décadas es llamativo el silencio casi unánime que envolvió la distribución de una obra repleta de actores conocidos que encarnan con acierto a personajes reales del entorno presidencial y familiar. Quizás la óptica nada complaciente del cineasta haya chocado con la insufrible corrección política reinante y sea este el motivo de su escasa difusión. Evidentemente los tiempos de ·»Pelotón», «Nacido el 4 de Julio» o «JFK» han pasado y los gustos de público y crítica hayan variado. En todo caso la obra permanece viva y provocadora, como casi todo en el universo Stone.

VIERNES 15 DE JULIO: «SPENCER»/ IDEM/ 2021 / Reino Unido-Alemania- Chile-EE.UU. / Dirección Pablo Larrain / Intérpretes Kristen Stewart ( Lady Di), Sally Hawkins, Timothy Spall, Jack Nielen, Freddie Spry / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 55 minutos.
Sinopsis: la acción transcurre durante un fin de semana en uno de los palacios de la familia real inglesa. Las tribulaciones de Diana ante un matrimonio naufragado y las relaciones protocolarias a las que se ve sometida son las referencias que toma el cineasta chileno en su nuevo trabajo en lengua inglesa. Una aproximación intimista alejada de los focos de la prensa y cercana a la presencia de sus propios hijos y colaboradores estrechos.
VIERNES 19 DE AGOSTO :»LOVING PABLO» / ídem / España- Bulgaria / Dirección Fernando León de Aranoa / Intérpretes Javier Bardem (Pablo Escobar), Penélope Cruz, Peter Sarsgaard, Oscar Jaenada, Judith Restrepo/ Hablada en inglés y castellano con subtítulos en castellano / Color / Duración 2hs.
Sinopsis: A principios de los años 80 la periodista estrella de la televisión colombiana conoce y establece una relación amorosa con el narcotraficante y político Pablo Escobar, una de las figuras más destacadas de la década. La relación es vivida con tremenda ingenuidad o ignorancia por la mujer que confunde fama con impunidad. Hasta que comienza a temer por su vida. Una historia de aprendizaje en un entorno tan violento como millonario. Las nuevas elites sociales y una obra vigorosa que intenta analizarlas, interpretada por dos de los mejores intérpretes españoles de las últimas décadas que también han alcanzado proyección internacional. Los dirige uno de los mayores cineastas hispanos actuales, autor de clásicos como “Familia” (1996), “Los lunes al sol” (2002) y el último gran suceso del presente año: “El buen patrón” (2021). Una película que fracasó comercialmente siendo de las mejores que giraron sobre la figura del ya legendario traficante de drogas.

CINE: "EL CAIRO 678"(2010).
2022-08-21 18:00 | CÍRCULO ÁRABE DE AZUL, Bolivar 674, Azul, Buenos Aires, 7300
En el tercer encuentro del actual ciclo de cine le tocará turno a otra cinematografía desconocida para nosotros: la egipcia. Siendo la potencia numero uno del tema en Cercano y Medio Oriente, seguida por el Líbano (de donde vimos las dos primeras producciones del presente ciclo), los films de esta nación mediterránea son escasamente visibles en Argentina en todas sus vías posibles. Se llamó a los estudios de El Cairo el «Hollywood árabe», ya que desde allí salieron desde los años 1930 los materiales que llenarían pantallas de todos los territoritos con esa lengua madre. Y sus directores e interpretes que gozaron de apoyo popular y crítico. En 2010 debuta con este film una de sus principales voces nuevas: Mohamed Diab (1978), nativo egipcio. El film se convirtió desde su estreno en uno de los grandes sucesos del momento, traspasó fronteras, ganó premios y hoy se considera un clásico. Narra la historia de tres mujeres de diferentes estratos sociales: Fayzah, casada con Omar pertenece al sector obrero, Seba, una periodista nacional y Nelly, standup en los teatros de El Cairo sin ningún éxito, mientras su compañero obtiene triunfo tras otro. Un acto rutinario las une a las tres: las diferentes formas de acoso sexual de las que son victimas. La película esta narrada de manera vertiginosa en tres tiempos que nos ubican ante las realidades del trio a la vez que ubica en los entornos que cada cual habita, sus hijos, madres, padres, amistades, ámbitos laborales. También se dibuja el paisaje de una megalópolis, las tensiones que la atraviesan y el feroz mundo machista que envuelve todo. Una cultura no tan distante de la nuestra en demasiados aspectos. Con progresos y retrocesos que también nos permiten una perspectiva de la última década transitada entre el estreno del film y la realidad actual. Tres actrices excelentes dan vida a las criaturas de la historia y lejos de convertirse en heroínas (aunque acaben siéndolo cada una en lo suyo), demuestran la dificultad de seguir siendo respetadas como mujeres. Una temática lamentablemente moderna que no conoce de fronteras ni, al parecer progresos, para un sector demasiado amplio de la población. El cine sigue demostrando su enorme potencial como herramienta cultural, artística y de permanente actualidad. Les invitamos a disfrutar de una función extraordinaria.
«EL CAIRO 678» / Título original «678» / Egipto, 2010 / Director Mohamed Diab / Intérpretes Nilly Karim, Bushra, Nahmed El Sebai, Omar El Saeed / Color / Hablada en árabe con subtítulos en castellano / Duración 1hs.38 minutos.

CINE: "EL EVADIDO"(LA VEUVE COUDERC). (1971)
2022-08-28 19:00 | CASA RONCO, Calle San Martín 362, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
Alain Delon nació en 1935, debutó en 1957 y se consagró como estrella del cine con su sexto film, «A pleno sol» (1960). Inició una de las carreras mas exitosas del cine europeo, trabajó brevemente en Hollywood, así como en Italia, Inglaterra y algún otro país. Su rostro representó la belleza extrema masculina y fue adorado por el público de todo Occidente, a quién no le importó que sus cualidades interpretativas fuesen escasas. Estuvo en activo hasta 2012 y entre sus decenas de trabajos se recuerdan obras maestras del cine y sucesos comerciales alternativos: desde «Rocco y sus hermanos» (1960) hasta «Asterix en los Juegos Olímpicos», el astro galo trabajó junto a las mujeres mas sugestivas (Romy Schneider, Brigitte Bardot, Jane Fonda, Ann-Margret, Claudia Cardinale, Virna Lisi, Senta Berger, Catherine Deneuve, Annie Girardot, Úrsula Andress, Mireille Darc, Jeanne Moreau, Sydne Rome, Ornella Muti), los astros mas viriles (Belmondo, Trintrignant, Gabin, Ventura, Montand, Quinn, Martin, Lancaster) y los directores mas diversos (Clement, Visconti, Antonioni, Zurlini, Lautner, Deray, Losey, Melville). En 1971 se estrenó uno de sus mejores films: «El Evadido» (La Viuda Couderc) que, sin embargo, pasó a ser casi olvidado con el paso del tiempo. Jean Lavigne es un prófugo de la justicia que encuentra reparo en un perdido pueblo de la campiña francesa. Una mujer madura le ofrece trabajos eventuales de mantenimiento de su granja mientras los vecinos parecen continuar con sus rutinarias y silenciosas vidas. El hombre va encontrando la calma necesaria en compañía de la viuda Couderc, de quien pronto se convertirá en amante. Pero la calma esta condenada a ser interrumpida y esto vendrá de la mano de la bella y joven Felicie. Con tríangulo amoroso servido, la acción sufrirá un vertiginoso cambio de rumbo. Adaptada de un texto del maestro Georges Simenon (1903-1989), uno de los escritores mas prolíficos de Francia, la dirección del gran Pierre Granier Deferre (1927-2007) brinda a Delon una de sus mejores peliculas actuando junto a la legendaria actriz Simone Signoret (1921-1985). La Francia profunda en la época posterior a la Primera Guerra Mundial es el escenario donde transcurre la acción, que describe la dureza tanto de la geografía como del entorno humano que ha dejado el conflicto bélico. Un personaje femenino transgresor que fascina la evadido. Como también la aparición de una mujer joven que no cesará sus acciones hasta conseguir su premio mayor: ese Jean objeto del deseo. Un Alain Delon en estado puro en una autentica obra de culto de una de las mayores cinematografías de Europa.
«EL EVADIDO» / LA VEUVE COUDERC / Francia-1971 / Dirección de Pierre Granier Deferre / Intérpretes Alain Delon, Jeanne Moreau, Ottavia Piccolo / Guion basado en obra de Georges Simenon / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano

CINE: "EN UN MUNDO MEJOR".
2022-09-04 18:00 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
«EN UN MUNDO MEJOR» es una producción de origen danés y permitirá al público asistente al ciclo de cine 2022 en la Biblioteca conocer y disfrutar de otras cinematografías alejadas de la oferta presente, donde las plataformas audiovisuales han ocupado el espacio para ver cine que durante un siglo ofrecieron las maravillosas SALAS. Lo importante es aceptar los cambios y a través de espacios alternativos como el presente, ver esas otras películas que también existen y que tanto va costando exhibir: «En un mundo mejor» ganó gran resonancia una década atrás cuando después de una exitosa carrera por varios países, ganó el Oscar de Hollywood en la Categoría Mejor Film de Habla no Inglesa (Extranjero). Dinamarca es un país del Norte imaginado idílico desde estas geografías donde el bienestar parece haberse instalado y los conflictos desaparecido. Lo cual no es más que una fantasía para quienes no vivan allí y esta obra nos muestra que los conflictos humanos no conocen de fronteras. Un médico que trabaja en un remoto país de África y otro que regresa desde el extranjero luego de enviudar, son los personajes iniciales de esta historia: los hijos de ambos se conocerán en el colegio e iniciarán una amistad, y luego de presenciar y sentir las vivencias de sus padres, embarcarse en una aventura riesgosa cuyo desarrollo les hará reflexionar sobre situaciones cotidianas. La madre de uno de ellos, la abuela del otro, son los personajes que completan la trama. El telón de fondo es precisamente este presente complejo que a todo Occidente le toca transitar, donde las diferencias entre ese Sur planetario y este Norte de la película parecen no encontrar puentes realmente sólidos para construir bienestar para todos. La cineasta Susanne Bier ha dirigido dos miniseries muy renombradas en estos días, trabajo que ha derivado del suceso de sus películas en Europa y algún intento en USA. (The First Lady, es la última de ellas). La realizadora utiliza la cinematografía como una potente herramienta artística para reflexionar sobre el devenir de la civilización (título original del film) y aporta con su ya valiosa obra otra mirada de mujer, también una realidad actual en el mundo. Una película que demuestra el permanente valor de esta disciplina artística que complementa el entretenimiento que a tanta gente le aporta bienestar: el Cine siempre vivo.
«EN UN MUNDO MEJOR» ( HAEVNEN / IN A BETTER WORLD) /Dinamarca, 2010 / Dirección Susanne Bier / Intérpretes Mikael Persbrandt, Trine Dyrholm, Markus Rygaard, Ulrich Thomsen, William Johnk Nielsen / Color / Hablada en danés con subtítulos en castellano / Duración 1h 48 minutos,.

CINE: "MON ROI"/"MI AMOr" / 2015.
2022-09-11 19:00 | CASA RONCO, Calle San Martín 362, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
La figura del actor Vincent Cassel (1966) nos lleva al panorama cinematográfico francés de los últimos treinta años, cuando comenzó su carrera y se convirtió en nombre descollante del mismo. Hijo del popular Jean Pierre Cassel (1932-2007), debuta en 1989 y para 1995 es rostro conocido en el ambiente: su participación en «Le Haine / El Odio» (1995) de la mano de uno de sus impulsores, el realizador Olivier Assayas (1955) le catapulta como una de las grandes nuevas promesas de la pantalla. Filma bajo su dirección varios films, volviendo a triunfar en todo Occidente con «Los ríos de color púrpura» (2000) un thriller que coquetea con el fantástico y convierte a esta dupla en plato delicado para los amantes del cine, tanto de autor como del entretenimiento mas cualificado. En 2015, en plena madurez física y profesional da vida a Georgio en «Mon Roi», de la cineasta Maiwen (1976), un hombre de enfermiza auto estima para quién la gente parece ser mas súbdito que persona. Y en sus redes amatorias cae Marie Antoinette, que pagará un alto precio por semejante amor enfermizo. El lugar común del «amor tóxico» es analizado por la la joven cineasta de la mano del talento interpretativo de Cassel y la formidable Emmanuelle Bercot (1967), también realizadora y ganadora en el Festival de Cannes como mejor actriz por este trabajo. La música de Stephen Warbeck acompaña sigilosamente las imágenes de esta potente obra moderna. Vincent Cassel destacó asimismo en obras como «Irreversible» (2002) de Noe, «Lee mis labios»(2001) de Audiard,» El Monje» (2010) de Moll o «Solo el fin del mundo» (2016) de Dolan entre cineastas de habla francesa así como en «Promesas del Este» (2007) de Cronenberg,»Cisne Negro» (2010) de Aronofsky en inglesa: seis cineastas mayores del cine contemporáneo. El presente Ciclo de Cine Francés nos permitirá disfrutar de estos nuevos nombres ya consagrados, de Delon a Cassel pasando por Auteuil y Depardieu. Una cinematografía hoy dejada en tercera linea pero no por ello silenciada: la francesa, pionera en el mundo del Cine.
«MON ROI» / 2015 / Francia / Dirección Maiween / Intérpretes Vincent Cassel, Emmanuelle Bercot, Louis Garrel / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 2hs

2022-09-17 18:00 | CÍRCULO ÁRABE DE AZUL, Bolivar 674, Azul, Buenos Aires, 7300
«BEIRUT-BUENOS AIRES-BEIRUT» es una producción argentina (largometraje documental) que relata la historia de una mujer joven que busca respuestas a sus orígenes viajando al Líbano, tras descubrir en Buenos Aires que la historia familiar ocultaba un dato fundamental . Grace escucha que el bisabuelo muerto guarda verdades ocultas: el libanés Mohammed no murió en Buenos Aires ni tampoco a la edad que creía, sino que tras enviudar abandonó a sus hijos para regresar a su pueblo natal en el sur del Líbano, que tuvo una vida extensa tras la marcha, formó nueva familia y murió casi centenario. La mujer recibe un tesoro en forma de cartas ocultas y tras indagar en la memoria de otros integrantes de la familia emprende viaje a Oriente Medio, Una travesía donde intentará encontrar respuestas y que brinda al espectador la posibilidad de acompañarla en su periplo y, junto a ella, visualizar aquella geografía tan distante como desconocida. Un territorio arrasado por la guerra y limítrofe con el adversario israelí, será el escenario a transitar por Grace. El cineasta Hernán Belón (1970), guionista, productor, director y docente argentino, debutó con el corto de 16 minutos «Aluap» que formó parte del largometraje «Historias Breves 2» (1997) (film que sumaba cortometrajes de egresados de escuela de cinematografía y que dieron pie a una serie que hasta ahora cuenta con varias entregas) y que narraba una historia de exilios y dramas familiares. En los años siguientes continuó estrenando cortos y en 2009 se conoce el primer largo documental: «El tango de mi vida», sobre cantantes amateurs en un bar de barrio porteño. Tras otro trabajo documental («Sofia cumple 100 años» (2010)), debuta en el largometraje de ficción: «El Campo» (2011), indagación en la problemática de un matrimonio joven interpretado por Leonardo Sbaraglia y Dolores Fonzi. De 2011 es «Diálogos fundamentales del Bicentenario» , serie de televisión. Y otra vez con Sbaraglia en su segundo largo de ficción en 2016: «Sangre en la boca», donde el boxeo y la pasión erótica de un hombre por una mujer mas joven permiten al cineasta otro acercamiento a la problemática de los conflictos de la mediana edad. En años recientes ha compatibilizado su actividad con la docencia en espacios de enseñanza cinematográfica. El cineasta admite su especial interés por la cuestión de las migraciones de nuestros antepasados y el secreto con el que muchos de ellos ocultaron a sus descendientes el drama que les significó el temprano abandono de sus territorios. Verónica «Grace» Spinelli, actriz, guionista, productora, es la figura principal de este film «Beirut- Buenos Aires- Beirut» y oficia como narradora y zona vertebral sobre la que se apoya la narración. Es su propia historia la que cobra protagonismo y la cámara la acompaña en su fascinante descubrimiento de las raíces migratorias de ese libanés que se fue a Argentina, pasó muchos años y abandonó para retomar la tierra natal. Como dice una de las mujeres que prestan testimonio: «..los árabes son personas muy serias y no paran hasta conseguir sus objetivos, sean cuales sean y tarden el tiempo que tenga que tardar…». Una película para continuar descubriendo ese otro cine que a pesar de su riqueza no siempre es posible disfrutar. El actual Ciclo de Cine 2022 que se viene desarrollando con éxito en la ciudad de Azul a través de la oferta del Círculo Árabe se enriquece tras dos peliculas de origen libanés y una egipcia, con esta producción nacional que colabora en la intención de acercar a nuestros espectadores una mirada enriquecedora de la mano de la magia de la pantalla cinematográfica.
«BEIRUT- BUENOS AIRES- BEIRUT» / 2011 / Argentina / Dirección Hernán Belón / Documental con protagonismo de la actriz Verónica «Grace» Graciela Spinelli / Color / Hablada en castellano / Duración 85 minutos.

CINE:"¿Y SI VIVIMOS TODOS JUNTOS?" (2011).
2022-09-25 19:00 | CASA RONCO, Calle San Martín 362, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
Pierre Richard (1934) fue una de las figuras mas celebres del cine francés entre 1970 y 1986, donde además de dirigir e interpretar siete películas, trabajó con algunos de los mejores realizadores de comedias galos (Yves Robert, Claude Zidi o Frances Veber) en peliculas tan taquilleras como «Alto, rubio y con un zapato negro», «La carrera de la cebolla», «Se me subió la mostaza», «Me importa un rábano» y las tres que interpretó junto a Gerard Depardieu «La Cabra», «Los compadres», y «Los fugitivos». Después de dos décadas de bajo perfil como figura secundaria, en los últimos años ha vuelto a ser figura de primer nivel. Este film es una prueba de ello: en 2010 un joven cineasta rueda su segunda película tras largos años de producción. Quería contar una historia de gente mayor, amigos envejecidos y con diversos conflictos, interpretados por actores y actrices legendarios, le costó concretar la obra pero finalmente logró el apoyo de un grupo de figuras muy importantes y acabó haciendo realidad la historia. «¿Y si vivimos todos juntos?» interrogación que se transforma en título, narra la historia de cinco amigos de toda la vida que pasados los 65 años comienzan a sufrir los conflictos propios de la edad. Son dos matrimonios mas un amigo soltero (pero igualmente padre de un hijo con quien no se lleva muy bien). Uno de ellos propone entonces la idea de compartir un hogar común para tener la ayuda que sus familias no les prestan. La conflictividad del envejecimiento, las relaciones familiares, la amistad a través del tiempo, son temas presentes en esta historia: dos mujeres y tres hombres que han compartido todas las etapas de su vida y que al decidir vivir juntos dan un nuevo sentido a su realidad. El contacto con un hombre joven que se acerca para realizar un trabajo de investigación a esta nueva «comunidad», heredera de los principios de juventud que compartieron, dará nuevos impulsos a la vida en común. Pierre Richard actúa en esta ocasión con dos actrices ya clásicas del cine: Jane Fonda y Geraldine Chaplin, de extensas carreras desde sus inicios en los años sesenta e interpretes de obras tan recordadas como «Doctor Zhivago», «Cría Cuervos», «Julia» o «Barbarella».
«¿Y si vivimos todos juntos?» / ¿Et si on vivait tous ensemble?/ 2011/ Francia / Director Stephane Robelin / Interpretes Jane Fonda, Pierre Richard, Claude Rich, Geraldine Chaplin, Daniel Bruhl, y Guy Bedos / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / 1h 36 minutos.

CINE: "EL COLOR DEL PARAISO"
2022-10-23 18:00 | CÍRCULO ÁRABE DE AZUL, Bolivar 674, Azul, Buenos Aires, 7300
La nueva función de Cine del Círculo Árabe de Azul nos acerca, tras recorrer el Líbano, Egipto, Argentina y el Líbano otra vez, al siguiente país de fuerte producción cinematográfica en esta lengua: Irán. Y de la mano de uno de sus mas reconocidos e internacionales cineastas, Majid Majidi (1959) en una de sus grandes películas: «El color del paraíso». Su traducción al castellano no respeta el original que es «El color de Dios», y que vista la obra cobrará mas significado. Porque la mirada del director apunta a reflexionar sobre la cuestión religiosa que atraviesa a los personajes: Mohammad es un niño ciego que se educa en un colegio de Teherán, la capital del país. Hasta que llegan las vacaciones y su padre vendrá a buscarlo para llevarlo a su pueblo, en el interior, donde viven sus hermanas al cuidado de su abuela, tras la muerte de la madre. El padre es un ser atormentado por las circunstancias y tener un hijo ciego lo llena de conflictos. En este contexto dramático el director nos cuenta una historia de superación, afectos, contactos con la naturaleza, abuelas amorosas, hermanas que le protegen, maestros que le admiran pero también un padre para quién siente ser una carga. A través de la historia de Mohammad el espectador occidental tiene la oportunidad de acercarse a una geografía tan distante como desconocida su cultura. Un mundo de afectos y conflictos finalmente tan humanos como cualquiera de cualquier lado del mundo. El cine, nuevamente, se demuestra como herramienta fundamental para darnos a conocer otras realidades, de la mano de un cineasta que también es artista y se interroga sobre las cuestiones fundamentales de la vida. Una obra poética, de gran aliento en sus imágenes y su música, con imágenes que nos permitirán reflexionar después de haberse oscurecido la pantalla: el mejor cine no conoce de fronteras, idiomas ni religiones: esta película es una prueba de ello.
«EL COLOR DEL PARAISO» / RANG-E KHODA/ Irán-1999 / Director Majid Majidi / Intérprete Mohsen Ramezani / Color / Hablada en árabe con subtítulos en castellano / Duración 1h 30 minutos.

CINE: "CICLO DE CINE DE PRIMAVERA"
2022-10-28 19:00 | Museo Enrique Squirru, Bartolomé J.Ronco Nº 654, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
MUSEO ENRIQUE SQUIRRU
CICLO DE CINE DE PRIMAVERA
OCTUBRE 2022 / VIERNES 14, 21, 28 a las 19.00hs
“HISTORIA E INTIMIDADES MONÁRQUICAS: TRES TRONOS EUROPEOS”
El presente ciclo, en línea con los anteriores (siempre vinculados a acontecimientos reales, cercanos o distantes en el tiempo), enfoca su atención en una de las cuestiones más arcaicas de la Historia: las monarquías europeas y sus influencias en los países que las tuvieron (o tienen en el presente). Las películas que lo conforman retratan las de tres naciones que aun, en 2022, las mantienen vigentes, y ahora convertidas en constitucionales: España, Reino Unido y Dinamarca. Tres países con pasados imperiales (los dos primeros)que persisten en una forma de Estado apoyado por grandes sectores de su población y rechazados por minorías que las consideran una contradicción con el progreso que sus mismas sociedades han experimentado, básicamente en los últimos 150 años de la Historia. El Cine, en cuanto herramienta artística, se permite cuestionarlas y generar en el espectador nuevos interrogantes.

VIERNES 14.10.2022 / 19.00hs
“JUANA LA LOCA” (2001-ESPAÑA) /Dirección Vicente Aranda / Intérpretes Pilar López de Ayala, Gabriele Liotti, Rosana Pastor, Giuliano Gemma, Roberto Álvarez, Manuela Arcuri / Duración 1h 55 minutos / Color / Hablada en castellano.
Tiempo histórico: hija de los Reyes Católicos, asume el trono a la muerte de su madre en 1504 como Reina de Castilla hasta 1555, y como Reina de Aragón y Navarra entre 1516 y 1555. La etiqueta de “Loca” para referirla responde a la solución que el poder encuentra para apartarla del cargo. Poco respetuosa de las normas y con escaso sentido religioso, su enamoramiento apasionado del archiduque austríaco Felipe (apodado el Hermoso), su matrimonio, infidelidades, celos y temprana muerte del consorte en 1506, desbaratan el estado emocional de la mujer. A partir de entonces su vida pasará a estar en manos de las decisiones arbitrarias tanto de su padre como de su hijo, quienes la mantienen con cargo pero sin ejercer ningún poder efectivo hasta su muerte, encerrada en la comarca de Tordesillas. El Romanticismo (finales del Siglo 18 y durante el Siglo 19) recupera su figura, torna la locura en pasión amorosa y modernidad, y es precisamente desde esta variante donde está enfocada la ficción cinematográfica que narra la película. Uno de los grandes sucesos del cine hispano de comienzos del milenio a la vez que una mirada corrosiva sobre las interioridades de historia.
VIERNES 21.10.2022 / 19.00 hs.
“UN ASUNTO REAL” (EN KONGELIG AFFAERE- 2012- Dinamarca) / Dirección Nikolaj Arcel / Intérpretes Alicia Vikander, Mads Mikkelsen, Mikkel Boe Folsgaard, Trine Dyrholm / Color / Hablada en danés con subtítulos en castellano /duración 2hs 10 minutos.
Tiempo histórico: Dinamarca en los años anteriores a la Revolución Francesa (1789).La acción transcurre a partir del año 1767 y culmina en la siguiente década. Caroline, princesa inglesa es comprometida a casarse con el rey de Dinamarca. Christian VII ejerce el trono a partir de una personalidad desquiciada e irresponsable y el matrimonio pactado se demuestra desastroso desde el primer momento. La llegada y creciente influencia de un médico reformista alemán a la corte, conforma el triangulo sobre el que se apoyará la narración del film. Los principios que darían lugar a la revolución francesa pocos años después, parecen servir como un ensayo de un nuevo orden estatal en el país del Báltico. Y convierten a la historia en moderna y contemporánea, derivando la trama hacia una reflexión sobre el ejercicio del poder a secas, más allá del tiempo y geografías, cercano a la condición humana de quienes inescrupulosamente lo ejercen.
VIERNES 28.10.2022 / 19.00hs
“NOCHE REAL” (A ROYAL NIGHT OUT-2015-REINO UNIDO)/ Dirección Julian Jarrold/ Intérpretes Sarah Gadon, Bel Powley, Emily Watson, Rupert Everett, Jack Laskey / Duración 1h 37 minutos/ Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano.
Tiempo histórico: Reina del Reino Unido entre 1952 y 2022. Ejerció el reinado más largo de la historia británica (más de 70) y segundo de la Historia tras el del francés Luis XIV (más de 72). Es el único monarca en ejercicio cuya figura ha sido tratada en la ficción cinematográfica y televisiva, convirtiéndola en una celebridad enormemente popular a nivel global, además del interés amarillento y morboso (y menos riguroso) que la prensa mundial parece practicar sobre su figura. La película seleccionada aborda un relato ficcional sobre la supuesta aventura corrida junto a su hermana por la noche londinense cuando la celebración callejera del final de la Segunda Guerra Mundial y la derrota de Alemania, en mayo de 1945. La trama es una excusa para fantasear en la personalidad de la joven mujer, siete años antes de asumir el trono así como ejercitar en pasos de comedia las interioridades de palacio o los demenciales límites y esencia del protocolo real.

CINE: "PROMETO VOLVER" (2019)
2022-10-30 19:00 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
«PROMETO VOLVER» es el título que llevó en Argentina esta producción franco-alemana, cuyo original es simplemente «PRÓXIMA». Que es el nombre de una misión espacial de un año de duración organizada por la Agencia Espacial Europea, con sede en la ciudad de Colonia, Alemania. Una de las elegidas para integrarla es Sarah, la única mujer del proyecto. Su hija Stella de ocho años se enfrenta a la dura realidad de estar separada de su madre por un año, un tiempo que le resulta casi eterno. La cineasta francesa Alice Winocour (1974) dirige esta película que aborda originalmente la cuestión de la maternidad en ambientes científicos, que como cualquier otro de trabajo, impone sus propias realidades. La relación entre los dos personajes así como los preparativos de la misión espacial van tejiendo la historia y nos permiten conocer intimidades generalmente ocultas al gran público. Pocas películas han tenido estos espacios como telón de fondo de sus historias y el resultado es una obra de gran humanidad donde los eternos tejidos de las relaciones humanas, las mas básicas madre-hijos, encuentran un escenario novedoso para ser analizadas. La mirada asombrada de la niña ante la inmensidad del escenario, las estrictas normas que debe obedecer la madre como protagonista del proyecto, los avances científicos que corren paralelos a los conflictos de siempre, son abordados inteligentemente por la joven realizadora gala y encuentra en las dos actrices, la adulta y la niña, a sus mejores aliadas. Un cine actual que recoge la esencia del mejor cine clásico y rodada en uno de los grandes estudios de cine de Rusia.
«PROMETO VOLVER» / PROXIMA / 2019 /Alemania- Francia / Dirección Alice Winocour / Intérpretes Eva Green, Matt Dillon, Zélie Boulant / Color / Hablada en francés, inglés, ruso y alemán con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.

CINE: "EN PEDAZOS". 2017.
2022-11-13 19:00 | Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar, Cortázar 1037, Chillar, Buenos Aires, 7311, Argentina
La actriz Diane Kruger (1976) inició su carrera en Alemania, país natal y se convirtió en una de las modelos mas famosas de Europa. En 2002 debuta en la pantalla francesa y dos años después protagoniza la espectacular «Troya» junto a Brad Pitt. Su elegancia innata y el enorme talento interpretativo que demuestra en propuestas cada vez mas arriesgadas, la convierten en una de las figuras mas solidas del panorama cinematográfico occidental actual, con un pie en cada lado del Atlántico. En la actualidad trabaja en un proyecto sobre la legendaria artista alemana Marlene Dietrich (1901-1992). En la temporada 2017-18 gana importantes premios a la Mejor Actriz por su trabajo en esta película, dirigida por Fatih Akim (1973) cineasta alemán de origen turco que cuenta con una carrera llena de películas que indagan la cuestión de la población multicultural alemana y europea por extensión. Katja está casada con Nuri y tienen un hijo. La rutina diaria se interrumpe un día a raíz de un atentado frente al local de su marido. La película aborda cuestiones complejas de la Europa actual, donde la guerra ha vuelto a ser una realidad. Una propuesta sobre como el ser humano se enfrenta a situaciones extremas y donde debe luchar, mas allá de la justicia, la ley o los preceptos familiares, contra un adversario aun mas complejo y desconocido: su propio interior. Esta aparece como la cuestión principal del conflicto, sostenido durante todo el tiempo por la inmensa labor de una actriz mayúscula, premiada en el Festival de Cine de Cannes y con el Globo de Oro de Hollywood. Una temática fuerte donde otra vez una mujer vuelve a ser el sujeto de análisis de un cineasta preocupado por la deriva social de su país, donde los grupos neo-nazis vuelven a actuar con inusitada presencia, y peor, amplio apoyo de sectores populares que ven en sus consignas violentas la solución a males que los gobiernos actuales parecen no poder curar. Cine actual y comprometido con mensaje apto y necesario para el debate: ¿Cuáles son nuestros propios limites ante las consignas y los actos violentos?. El presente global no para de darnos motivos para pensar esta realidad. El Cine, con su inmensa potencia, colabora en la difusión de realidades incomodas.
«EN PEDAZOS» (AUS DEM NICHTS) / 2017/ Alemania-Francia / Director Fatih Akin / Intérpretes Diane Kruger, Numan Acar. / Color / Hablada en alemán, griego, ingles y turco con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.

CINE: "MI MEJOR AMIGO"
2022-11-27 19:00 | CASA RONCO, Calle San Martín 362, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
Daniel Auteuil (1950) saltó a la fama a mediados de los años ochenta y desde entonces su nombre figura entre los mas prestigiosos del cine europeo, Dany Boon (1966) protagonizó algunas de las comedias francesas mas taquilleras de los ultimos años.Y el realizador Patrice Leconte (1947) los reune en una de sus mejores películas: «MI MEJOR AMIGO». Una comedia que reflexiona sobre la cuestión de la amistad, pero sobre todo, su falta. El protagonista goza de bienestar económico y reconocimiento profesional: una cena con conocidos lo enfrenta a un desafio, ya que ellos le cuestionan su capacidad de tener amigos verdaderos. Entonces, como no tiene ninguno, sale a la búsqueda, confundiendo a las personas con los objetos y creyendo, que como ellos, todo es cuestión de poner un precio. Y adquirirlo.
Leconte consiguió reconocimiento con comedias atípicas como «El marido de la peluquera», «Tango» o «Ridículo», tres películas excelentes dentro de su genero que le convirtieron en cineasta estrella de su generación. Con el tiempo su obra se ha ido espaciando pero muchos de sus títulos mantienen la frescura de aquellos. El tiempo presente, competitivo, violento, parece conducir a la zozobra a muchos humanos que, paradójicamente, parecen haberlo conseguido todo en la sociedad. Sin embargo, las carencias afectivas son una de las grandes realidades contemporáneas. El cine propone entonces, una reflexión, incluso a través de la sonrisa. Dos actores mayores se encargan de dar vida a estas criaturas errantes, dos hombres condenados a descubrir en otro carencias que les ayuden a continuar andando.
«MI MEJOR AMIGO» /MON MEILLEUR AMI / FRANCIA- 2006 / Dirección Patrice Leconte / Intérpretes Daniel Auteuil, Dany Boon, Julie Gayet, Elizabeth Bourgine/ Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 34 minutos.

CINE: "RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS" (2019)
2022-12-01 20:00 | Museo López Claro, Av. Mitre 410, Azul, Buenos Aires, 7300, Argentina
«RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS» ganó uno de los premios principales del Festival de Cannes 2019: el correspondiente a mejor Guión, así como la admiración de la crítica y público asistente, muchos deseosos de que se quedara con trofeos mayores. La directora ha realizado cinco películas entre 2007 (“Naissance des pieuvres”) y 2021 (“Petite maman”), estando consideradas todas entre lo mejor de la producción francesa de este periodo: estamos ante la aparición de una de las grandes artistas contemporáneas del lenguaje cinematográfico. Su especial sensibilidad para retratar los conflictos femeninos, especialmente los infantiles, aparece detrás de la construcción de cada una de las imágenes que atraviesan su obra. La película elegida es la cuarta de su obra y relata los pormenores de la creación artística enfocada en la pintura: Marianne es una pintora contratada para retratar a una joven rica que no quiere casarse. La acción transcurre en una isla del Canal de la Mancha a finales del Siglo XVIII y permite a la directora no solo un ejercicio estilístico sobre la época sino lo que lo vuelve más atractivo, una pintura social de aquel tiempo. Las diferencias sociales están en primer plano y el valor del dinero y el lugar que cada cual ocupa en la narración, lo demuestra. Las cosas no han cambiado nada con el devenir del tiempo (el progreso es otra cuestión) y nuestro presente, parece decir la cineasta, es más feroz que aquel pasado recuperado para la ocasión. Una película formidable que atraviesa ese otro terreno del cine donde el entretenimiento banal, enceguecedor, alienante que manda en los formatos actuales, no tiene cabida. El arte que resiste, que provoca, que indaga, es el más valioso. Y el lenguaje cinematográfico vuelve a mostrarse en plena plenitud, valga la redundancia verbal. La relación establecida entre Marianne y Heloise, siempre bajo la tremenda presión de la Condesa, madre de la joven, va transcurriendo desde lo profesional a la íntimo, teniendo como telón de fondo un paisaje deslumbrante, tanto natural como en la interioridad de la mansión que cobija a los personajes, y sobre todo, y sutilmente, la cuestión de la creación que atormenta y llena a veces de gozo al artista. Asi, la pintura es parte del objetivo de la cineasta, que utiliza su cámara como pincel exquisito para entregar esta joya del panorama artístico actual. Una preocupación sobre el deseo, los afectos, la identidad y la libertad sexual, como describe el crítico Quim Casas en su excelente crónica para Dirigido por…(N.º 503), es lo que se esconde detrás de la mirada de la directora, una de las tantas voces femeninas que han irrumpido en la cinematografía global en las últimas décadas, cambiando para siempre el espectro cinematográfico masculino de directores célebres, y escasas mujeres durante su primer siglo de vida (Alice Guy, Agnes Varda, Vera Chytilova, Lina Wertmuller, Ida Lupino, Liliana Cavani, la argentina Vlasta Lah, Pilar Miró, Margarette von Trotta).
«RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS» / PORTRAIT DE LA JEUNE FILLE EN FEU / Francia-2019 / Dirección Céline Sciamma / Intérpretes Noémie Meriant, Adéle Haenel, Luána Bajrame, Valeria Golino / Fotografía: Claire Mathon / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 2hs.
