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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-muerte-en-venecia/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL COLOR DEL PARAISO"
DESCRIPTION:La nueva función de Cine del Círculo Árabe de Azul nos acerca\, tras recorrer el Líbano\, Egipto\, Argentina y el Líbano otra vez\, al siguiente país de fuerte producción cinematográfica en esta lengua: Irán. Y de la mano de uno de sus mas reconocidos e internacionales cineastas\, Majid Majidi (1959) en una de sus grandes películas: «El color del paraíso». Su traducción al castellano no respeta el  original que es «El color de Dios»\, y que vista la obra cobrará mas significado. Porque la mirada del director apunta a reflexionar sobre la cuestión religiosa que atraviesa a los personajes: Mohammad es un niño ciego que se educa en un colegio de Teherán\, la capital del país. Hasta que llegan las vacaciones y su padre vendrá a buscarlo para llevarlo a su pueblo\, en el interior\, donde viven sus hermanas al cuidado de su abuela\, tras la muerte de la madre. El padre es un ser atormentado por las circunstancias y tener un hijo ciego lo llena de conflictos. En este contexto dramático el director nos cuenta una historia de superación\, afectos\, contactos con la naturaleza\, abuelas amorosas\, hermanas que le protegen\, maestros que le admiran pero también un padre para quién siente ser una carga. A través de la historia de Mohammad el espectador occidental tiene la oportunidad de acercarse a una geografía tan distante como desconocida su cultura. Un mundo de afectos y conflictos finalmente tan humanos como cualquiera de cualquier lado del mundo. El cine\, nuevamente\, se demuestra como herramienta fundamental para darnos a conocer otras realidades\, de la mano de un cineasta que también es artista y se interroga sobre las cuestiones fundamentales de la vida. Una obra poética\, de gran aliento en sus imágenes y su música\, con imágenes que nos permitirán reflexionar después de haberse oscurecido la pantalla: el mejor cine no conoce de fronteras\, idiomas ni religiones: esta película es una prueba de ello. \n«EL COLOR DEL PARAISO» / RANG-E KHODA/ Irán-1999 / Director Majid Majidi / Intérprete Mohsen Ramezani / Color / Hablada en árabe con subtítulos en castellano / Duración 1h 30 minutos.
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LOCATION:CÍRCULO ÁRABE DE AZUL\, Bolivar 674\, Azul\, Buenos Aires\, 7300
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SUMMARY:CINE: "CICLO DE CINE DE PRIMAVERA"
DESCRIPTION:MUSEO ENRIQUE SQUIRRU \nCICLO DE CINE DE PRIMAVERA \nOCTUBRE 2022 / VIERNES 14\, 21\, 28  a las 19.00hs \n“HISTORIA E INTIMIDADES MONÁRQUICAS: TRES TRONOS EUROPEOS” \nEl presente ciclo\, en línea con los anteriores (siempre vinculados a  acontecimientos reales\, cercanos o distantes en el tiempo)\, enfoca su atención en una de las cuestiones más arcaicas de la Historia: las monarquías europeas y sus influencias en los países que las tuvieron (o tienen en el presente). Las películas que lo conforman retratan las de tres naciones que aun\, en 2022\, las mantienen vigentes\, y ahora convertidas en constitucionales: España\, Reino Unido y Dinamarca. Tres países con pasados imperiales (los dos primeros)que persisten en una forma de Estado apoyado por grandes sectores de su población y rechazados por minorías que las consideran una contradicción con el progreso que sus mismas sociedades han experimentado\, básicamente en los últimos 150 años de la Historia. El Cine\, en cuanto herramienta artística\, se permite cuestionarlas y generar en el espectador nuevos interrogantes. \n  \nVIERNES 14.10.2022 / 19.00hs \n“JUANA LA LOCA” (2001-ESPAÑA) /Dirección Vicente Aranda / Intérpretes Pilar López de Ayala\, Gabriele Liotti\, Rosana Pastor\, Giuliano Gemma\, Roberto Álvarez\, Manuela Arcuri / Duración 1h 55 minutos / Color / Hablada en castellano. \nTiempo histórico: hija de los Reyes Católicos\, asume el trono a la muerte de su madre en 1504 como Reina de Castilla hasta 1555\, y como Reina de Aragón y Navarra entre 1516 y 1555. La etiqueta de “Loca” para referirla  responde a la solución que el poder encuentra para apartarla del cargo. Poco respetuosa de las normas y con escaso sentido religioso\, su enamoramiento apasionado del archiduque austríaco Felipe (apodado el Hermoso)\, su matrimonio\, infidelidades\, celos y temprana muerte del consorte en 1506\, desbaratan el estado emocional de la mujer. A partir de entonces su vida pasará a estar en manos de las decisiones arbitrarias tanto de su padre como de su hijo\, quienes la mantienen con cargo pero sin ejercer ningún poder efectivo hasta su muerte\, encerrada en la comarca de Tordesillas. El Romanticismo (finales del Siglo 18 y durante el Siglo 19) recupera su figura\, torna la locura en pasión amorosa y modernidad\, y es precisamente desde esta variante donde está enfocada la ficción cinematográfica que narra la película. Uno de los grandes sucesos del cine hispano de comienzos del milenio a la vez que una mirada corrosiva sobre las interioridades de historia. \nVIERNES 21.10.2022 / 19.00 hs. \n“UN ASUNTO REAL” (EN KONGELIG AFFAERE- 2012- Dinamarca)  / Dirección Nikolaj Arcel / Intérpretes Alicia Vikander\, Mads Mikkelsen\, Mikkel Boe Folsgaard\, Trine Dyrholm / Color / Hablada en danés  con subtítulos en castellano /duración 2hs 10 minutos. \nTiempo histórico: Dinamarca en los años anteriores a la Revolución Francesa (1789).La acción transcurre a partir del año 1767 y culmina en la siguiente década. Caroline\, princesa inglesa es comprometida a casarse con el rey de Dinamarca. Christian VII ejerce el trono a partir de una personalidad desquiciada e irresponsable y el matrimonio pactado se demuestra desastroso desde el primer momento. La llegada y creciente influencia de un médico reformista alemán a la corte\, conforma el triangulo sobre el que se apoyará la narración del film. Los principios que darían lugar a la revolución francesa pocos años después\, parecen servir como un ensayo de un nuevo orden estatal en el país del Báltico. Y convierten a la historia en  moderna y contemporánea\, derivando la trama hacia una reflexión sobre el ejercicio del poder a secas\, más allá del tiempo y geografías\,  cercano a la condición humana de quienes inescrupulosamente lo ejercen. \nVIERNES 28.10.2022 / 19.00hs \n“NOCHE REAL” (A ROYAL NIGHT OUT-2015-REINO UNIDO)/ Dirección Julian Jarrold/ Intérpretes Sarah Gadon\, Bel Powley\, Emily Watson\, Rupert Everett\, Jack Laskey / Duración 1h 37 minutos/ Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano. \nTiempo histórico: Reina del Reino Unido entre 1952 y 2022. Ejerció el reinado más largo de la historia británica (más de 70) y segundo de la Historia tras el del francés Luis XIV (más de 72). Es el único monarca en ejercicio cuya figura ha sido tratada en la ficción cinematográfica y televisiva\, convirtiéndola en  una celebridad enormemente popular a nivel global\, además del interés amarillento y morboso (y menos riguroso) que la prensa mundial parece practicar sobre su figura. La película seleccionada aborda un relato ficcional sobre la supuesta aventura corrida junto a su hermana por la noche londinense cuando la celebración callejera del final de la Segunda Guerra Mundial y la derrota de Alemania\, en mayo de 1945. La trama es una excusa para fantasear en la personalidad de la joven mujer\, siete años antes de asumir el trono así como ejercitar en pasos de comedia las interioridades de palacio o los demenciales límites y esencia del protocolo real. \n  \n 
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LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "PROMETO VOLVER" (2019)
DESCRIPTION:«PROMETO VOLVER» es el título que llevó en Argentina esta producción franco-alemana\, cuyo original es simplemente «PRÓXIMA». Que es el nombre de una misión espacial de un año de duración organizada por la Agencia Espacial Europea\, con sede en la ciudad de Colonia\, Alemania. Una de las elegidas para integrarla es Sarah\, la única mujer del proyecto. Su hija Stella de ocho años se enfrenta a la dura realidad de estar separada de su madre por un año\, un tiempo que le resulta casi eterno. La cineasta francesa Alice Winocour (1974) dirige esta película que aborda originalmente la cuestión de la maternidad en ambientes científicos\, que como cualquier otro de trabajo\, impone sus propias realidades. La relación entre los dos personajes así como los preparativos de la misión espacial van tejiendo la historia y nos permiten conocer intimidades generalmente ocultas al gran público. Pocas películas han tenido estos espacios como telón de fondo de sus historias y el resultado es una obra de gran humanidad donde los eternos tejidos de las relaciones humanas\, las mas básicas madre-hijos\, encuentran un escenario novedoso para ser analizadas. La mirada asombrada de la niña ante la inmensidad del escenario\, las estrictas normas que debe obedecer la madre como protagonista del proyecto\, los avances científicos que corren paralelos a los conflictos de siempre\, son abordados inteligentemente por la joven realizadora gala y encuentra en las dos actrices\, la adulta y la niña\, a sus mejores aliadas. Un cine actual que recoge la esencia del mejor cine clásico y rodada en uno de los grandes estudios de cine de Rusia. \n«PROMETO VOLVER» / PROXIMA / 2019 /Alemania- Francia / Dirección Alice Winocour / Intérpretes Eva Green\, Matt Dillon\, Zélie Boulant / Color / Hablada en francés\, inglés\, ruso y alemán con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EN PEDAZOS". 2017.
DESCRIPTION:La actriz Diane Kruger (1976) inició su carrera en Alemania\, país natal y se convirtió en una de las modelos mas famosas de Europa. En 2002 debuta en la pantalla francesa y dos años después protagoniza la espectacular «Troya» junto a Brad Pitt. Su elegancia innata y el enorme talento interpretativo que demuestra en propuestas cada vez mas arriesgadas\, la convierten en una de las figuras mas solidas del panorama cinematográfico occidental actual\, con un pie en cada lado del Atlántico. En la actualidad trabaja en un proyecto sobre la legendaria artista alemana Marlene Dietrich (1901-1992). En la temporada 2017-18 gana importantes premios a la Mejor Actriz por su trabajo en esta película\, dirigida por Fatih Akim (1973) cineasta alemán de origen turco que cuenta con una carrera llena de películas que indagan la cuestión de la población multicultural alemana y europea por extensión. Katja está casada con Nuri y tienen un hijo. La rutina diaria se interrumpe un día a raíz de un atentado frente al local de su marido. La película aborda cuestiones complejas de la Europa actual\, donde la guerra ha vuelto a ser una realidad. Una propuesta sobre como el ser humano se enfrenta a situaciones extremas y donde debe luchar\, mas allá de la justicia\, la ley o los preceptos familiares\,  contra un adversario aun mas complejo y desconocido: su propio interior. Esta aparece como la cuestión principal del conflicto\, sostenido durante todo el tiempo por la inmensa labor de una actriz mayúscula\, premiada en el Festival de Cine de Cannes y con el Globo de Oro de Hollywood. Una temática fuerte donde otra vez una mujer vuelve a ser el sujeto de análisis de un cineasta preocupado por la deriva social de su país\, donde los grupos neo-nazis vuelven a actuar con inusitada presencia\, y peor\, amplio apoyo de sectores populares que ven en sus consignas violentas la solución a males que los gobiernos actuales parecen no poder curar. Cine actual y comprometido con mensaje apto y necesario para el debate: ¿Cuáles son nuestros propios limites ante las consignas y los actos violentos?. El presente global no para de darnos motivos para pensar esta realidad. El Cine\, con su inmensa potencia\, colabora en la difusión de realidades incomodas. \n«EN PEDAZOS» (AUS DEM NICHTS) / 2017/ Alemania-Francia / Director Fatih Akin / Intérpretes Diane Kruger\, Numan Acar. / Color / Hablada en alemán\, griego\, ingles y turco con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.
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SUMMARY:CINE: "MI MEJOR AMIGO"
DESCRIPTION:Daniel Auteuil (1950) saltó a la fama a mediados de los años ochenta y desde entonces su nombre figura entre los mas prestigiosos del cine europeo\, Dany Boon (1966) protagonizó algunas de las comedias francesas mas taquilleras de los ultimos años.Y el realizador Patrice Leconte (1947) los reune en una de sus mejores películas: «MI MEJOR AMIGO». Una comedia que reflexiona sobre la cuestión de la amistad\, pero sobre todo\, su falta. El protagonista goza de bienestar económico y reconocimiento profesional: una cena con conocidos lo enfrenta a un desafio\, ya que ellos le cuestionan su capacidad de tener amigos verdaderos. Entonces\, como no tiene ninguno\, sale a la búsqueda\, confundiendo a las personas con los objetos y creyendo\, que como ellos\, todo es cuestión de poner un precio. Y adquirirlo. \nLeconte consiguió reconocimiento con comedias atípicas como «El marido de la peluquera»\, «Tango» o «Ridículo»\, tres películas excelentes dentro de su genero que le convirtieron en cineasta estrella de su generación. Con el tiempo su obra se ha ido espaciando pero muchos de sus títulos mantienen la frescura de aquellos. El tiempo presente\, competitivo\, violento\, parece conducir a la zozobra a muchos humanos que\, paradójicamente\, parecen haberlo conseguido todo en la sociedad. Sin embargo\, las carencias afectivas son una de las grandes realidades contemporáneas. El cine propone entonces\, una reflexión\, incluso a través de la sonrisa. Dos actores mayores se encargan de dar vida a estas criaturas errantes\, dos hombres condenados a descubrir en otro carencias que les ayuden a continuar andando. \n«MI MEJOR AMIGO» /MON MEILLEUR AMI / FRANCIA- 2006 / Dirección Patrice Leconte / Intérpretes Daniel Auteuil\, Dany Boon\, Julie Gayet\, Elizabeth Bourgine/ Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 34 minutos.
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LOCATION:CASA RONCO\, Calle San Martín 362\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS" (2019)
DESCRIPTION:«RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS» ganó uno de los premios principales del Festival de Cannes 2019: el correspondiente a mejor Guión\, así como la admiración de la crítica y público asistente\, muchos deseosos de que se quedara con trofeos mayores. La directora ha realizado cinco películas entre 2007 (“Naissance des pieuvres”) y 2021 (“Petite maman”)\, estando consideradas todas entre lo mejor de la producción francesa de este periodo: estamos ante la aparición de una de las grandes artistas contemporáneas del lenguaje cinematográfico. Su especial sensibilidad para retratar los conflictos femeninos\, especialmente los infantiles\, aparece detrás de la construcción de cada una de las imágenes que atraviesan su obra. La película elegida es la cuarta de su obra y relata los pormenores de la creación artística enfocada en la pintura: Marianne es una pintora contratada para retratar a una joven rica que no quiere casarse. La acción transcurre en una isla del Canal de la Mancha a finales del Siglo XVIII y permite a la directora no solo un ejercicio estilístico sobre la época sino lo que lo vuelve más atractivo\, una pintura social de aquel tiempo. Las diferencias sociales están en primer plano y el valor del dinero y el lugar que cada cual ocupa en la narración\, lo demuestra. Las cosas no han cambiado nada con el devenir del tiempo (el progreso es otra cuestión) y nuestro presente\, parece decir la cineasta\, es más feroz que aquel pasado recuperado para la ocasión. Una película formidable que atraviesa ese otro terreno del cine donde el entretenimiento banal\, enceguecedor\, alienante que manda en los formatos actuales\, no tiene cabida. El arte que resiste\, que provoca\, que indaga\, es el más valioso. Y el lenguaje cinematográfico vuelve a mostrarse en plena plenitud\, valga la redundancia verbal. La relación establecida entre Marianne y Heloise\, siempre bajo la tremenda presión de la Condesa\, madre de la joven\, va transcurriendo desde lo profesional a la íntimo\, teniendo como telón de fondo un paisaje deslumbrante\, tanto natural como en la interioridad de la mansión que cobija a los personajes\, y sobre todo\, y sutilmente\, la cuestión de la creación que atormenta y llena a veces de gozo al artista. Asi\, la pintura es parte del objetivo de la cineasta\, que utiliza su cámara como pincel exquisito para entregar esta joya del panorama artístico actual. Una preocupación sobre el deseo\, los afectos\, la identidad y la libertad sexual\, como describe el crítico Quim Casas en su excelente crónica para Dirigido por…(N.º 503)\, es lo que se esconde detrás de la mirada de la directora\, una de las tantas voces femeninas que han irrumpido en la cinematografía global en las últimas décadas\, cambiando para siempre el espectro cinematográfico masculino de directores célebres\, y escasas mujeres durante su primer siglo de vida (Alice Guy\, Agnes Varda\, Vera Chytilova\, Lina Wertmuller\, Ida Lupino\, Liliana Cavani\, la argentina Vlasta Lah\, Pilar Miró\, Margarette von Trotta). \n«RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS» / PORTRAIT DE LA JEUNE FILLE EN FEU / Francia-2019 / Dirección Céline Sciamma / Intérpretes Noémie Meriant\, Adéle Haenel\, Luána Bajrame\, Valeria Golino / Fotografía: Claire Mathon / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 2hs.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "ENTRE TINIEBLAS"
DESCRIPTION:Pedro Almodóvar nació en tierras de La Mancha castellana en 1949. En su juventud se traslada a Madrid y trabaja paralelamente en un puesto oficial (Telefónica) y en la elaboración de películas con los materiales disponibles: el Super 8\, formato salvavidas de muchos cineastas independientes de los años 60 y 70 hasta la aparición de las cámaras de video. En ese primer periodo 1975-1978 rueda mas de una decena de cortos hasta llegar a su (nada visto) primer largometraje realizado en aquel formato. En 1980 estrena su primer trabajo comercial\, realizado a lo largo de un año y con escaso presupuesto\, que se considera hoy un hito en la cinematografía española porque se convirtió en film de culto de trasnoches de cine durante mas de tres años: «PEPI\, LUCI\, BOM…Y OTRAS CHICAS DEL MONTÓN». Desde entonces al presente han pasado cuatro décadas y estrenado un total de 22 largometrajes\, mas algunos cortos también difundidos. Su último film es «MADRES PARALELAS» de 2022. Es importante señalar estas fechas porque posibilitan dimensionar la carrera de una figura destacada del panorama cinematográfico contemporáneo\, a la vez que analizar sus influencias propias y las que ha generado en cineastas de todas las nacionalidades. \n«ENTRE TINIEBLAS»  (1983) fue su primer intento de producción industrial tras sus dos primeros estrenos\, realizados casi fuera del sistema imperante\, que le facilitaron el reconocimiento de un nuevo sector del público que vio reflejado en esos trabajos la realidad de una ciudad (Madrid) y sus alternativas culturales transgresoras (y minoritarias) tras la muerte del dictador Franco. Se afirma que entre 1975 y 1982 se desarrolló un movimiento cultural llamado la » Movida madrileña» y que esta película es su canto del cisne\, a la vez que posible compendio de sus características: algo de punk y pop romantizado\, mirada irónica sobre el folklore español y los gustos del ama de casa de clase media y baja con todas sus preferencias\, despreciadas por la «alta» cultura. De ese imaginario choque\, surge la figura del cineasta\, quien a su vez reconoce la enorme influencia que otros tuvieron en sus gustos\, citando especialmente al norteamericano John Waters\, cuyas películas vistas en la casi clandestinidad\, aportaron una mirada salvaje y humorística de la realidad en conceptos clásicos como la familia\, la religión y el poder imperante en cualquiera de sus formas. \nA un convento habitado por un pequeño grupo de religiosas que se dedican a socorrer mujeres de la calle en grado de vulnerabilidad (que han escogido sobrenombres para castigarse por sus pecados pasados) llega una cantante perseguida en las peligrosas calles nocturnas. Yolanda ha perdido a su amante a causa de una sobredosis y es amparada por la madre superiora y las distintas monjas: Sor Rata\, Sor Estiércol\, Sor Perdida y Sor Víbora\, cuatro mujeres encantadoras que haciendo el bien en diferentes y extravagantes formas se solidarizan con las victimas de la sociedad. Además de un jardín exuberante\, cuidan de un felino feroz que parece domesticado por estas bravas mujeres. Con semejante tema a disposición de la mente del guionista y director\, la película se estrena con algunos tímidos rechazos de la prensa católica y bastante apoyo popular pero casi ninguno de la critica\, que solo ve cine mal filmado y peor montado\, dejando las inquietudes artísticas del cineasta en un lugar muy cuestionado. Sus siguientes trabajos\, poco a poco\, lo irían instalando en un lugar de preferencias del publico de todo el territorio español. A partir de 1989 comienza su recorrido internacional gracias al apoyo de los críticos franceses\, de New York y de Los Ángeles\, quienes serian disparadores del cine almodovariano hacia todo el planeta. Literalmente\, desde Japón a Buenos Aires comienza a ser respetado e incluido en los circuitos de arte mas vanguardistas. Al día de hoy la valoración sobre la obra de Almodovar sigue abierta: para muchos\, un artista imprescindible de este tiempo\, para otros\, un cineasta mediocre que apenas ha podido avanzar a lo largo del tiempo. En cualquier caso\, una obra provocadora y fiel a sus principios. La autoría artística tiene muchos vericuetos. \n«ENTRE TINIEBLAS» / IDEM\, ESPAÑA-1983 / Dirección y Guión: Pedro Almodóvar / Intérpretes Julieta Serrano\, Cristina Sánchez Pascual\, Chus Lampreave\, Carmen Maura\, Lina Canalejas\, Marisa Paredes\, Cecilia Roth / Hablada en castellano / Color / Duración 1h 54 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "NUNCA EN DOMINGO"
DESCRIPTION:¿Qué significa y que se considera un clásico de Cine?. Una pregunta siempre vigente y no de fácil respuesta. Básicamente tiene que ver con las peliculas que permanecen vivas a través de los años. Siempre se ha dado mas importancia a la valoración de críticos e investigadores que a los gustos del público\, que ocasionalmente han coincidido. Cada cierto tiempo se elaboran listas con esas mejores y el resultado continúa siendo discutible: en el propio absurdo de elaborarlas\, abarcando miles de títulos y decenas de países\, sin contar los casi 130 años que tiene de historia el Cine\, se halla la imposibilidad de que sean justas\, y mucho menos\, completas. «NUNCA EN DOMINGO» (1960) fue uno de los grandes éxitos de inicios de una década que traería cambios fundamentales en el cine. Es una comedia que analiza cuestiones relacionadas con las diferentes formas de cultura y las miradas que sobre ellas posan los humanos. Al puerto de El Pireo\, Atenas\, llega un escritor norteamericano con afanes de profundizar en la antigüedad griega y su enorme carga para la cultura mundial. Desde que pisa tierra todo cambia y una mujer de nombre Ilya tiene mucho con ver con eso: es una prostituta con una mirada muy particular sobre el ejercicio de su profesión\, adorada por los marineros y demás integrantes del lugar\, y respetada por compañeras de tareas. La relación imposible que se establece entre estos dos personajes se encuentra en el eje de una película que mantiene vivas todas sus cualidades. Un cineasta norteamericano (como el protagonista) y una actriz griega (como la criatura citada) se conocen en 1956\, se enamoran\, filman nueve peliculas juntos en los siguientes veinte años y forman una de las parejas míticas del cine de su tiempo: Jules Dassin y Melina Mercouri son hoy nombres olvidados pero muy reconocidos y populares a través de films como este o «La Ley» (1958)\, «Fedra» (1962)\, «Topkapi» (1964) o «Grito de Mujeres» (1978) así como también por el compromiso político que les definió a lo largo de sus vidas. Ambos debieron abandonar sus países por cuestiones políticas y construyeron resistencia desde Francia primero y el propio EE.UU. años mas tarde. ·»Nunca en Domingo» se convirtió en título emblemático de su obra conjunta y atravesó los años para llegar hasta hoy con una frescura y un encanto imperecedero\, retrato de un tiempo\, un país\, una forma de hacer cine que le ubican en el lugar de clásico. La canción interpretada por la protagonista\, «Ta pedia tou Pirea» ( o «Los chicos del Pireo») forma junto al tema principal de «Zorba el Griego»\, el dúo de los hitos musicales mas permanentes en la oferta turística de Grecia. Mucho mas allá del propio cine\, las imágenes de este film pasan a formar parte del patrimonio griego. \n«NUNCA EN DOMINGO» / POTE TIN KYRIAKI/ Grecia-1960 / Dirección Jules Dassin / Intérpretes Melina Mercouri\, Jules Dassin / Música Manos Hatzidakis / Blanco y Negro / Hablada en griego e inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 31 minutos
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SUMMARY:"LUZ\, CÁMARA\, TELÓN..." 5ª EDICIÓN.
DESCRIPTION:El Equipo Delta-Trabajo Teatral dentro del programa Otoño Azul Imagen presenta una nueva edición del ciclo de cine estudio en homenaje a Hector «Cacho Nebbia» Ferrarello los días 6\,7 y 8 de enero a las 20.30hs en La Salita / Vivero Cultural Otoño Azul\, calle Malere N.º 567- Azul.\n\nPROGRAMA\nViernes 6: «EL TRIUNFO» / UN TRIOMPHE / Francia-2020 / Dirección Emmanuel Courcol / Intérpretes Kad Merad\,Marina Hands y elenco / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.\nSinopsis: Etienne es un actor maduro y la falta de trabajo le lleva a aceptar un puesto como responsable de teatro en una cárcel de alta seguridad. Su empeño en montar la obra «Esperando a Godot» de Samuel Beckett se verá coronado con inesperados resultados. Basada en hechos reales\, la película se ha convertido en uno de los últimos sucesos del cine europeo.\n\nSábado 7: «BENT»/ídem / Inglaterra 1997 / Dirección Sean Mathias / Intérpretes Clive Owen\, Lothaire Bluteau\, Ian McKellen\, Mick Jagger\, Jude Law / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano /Duración 1h 45 minutos.\nSinopsis: versión de la obra teatral de Martin Sherman estrenada en 1979 que narra la historia de Max y sus peripecias durante el nazismo y posterior paso por un campo de concentración. La relación con Horst\, ambos homosexuales y las diferentes maneras de enfrentar la realidad. El término «bent» refiere a la condición sexual en forma despectiva para titular uno de los grandes textos del teatro de los años 80\, todo un clásico que encuentra una perfecta traslación al mundo del cine en esta producción escasamente vista.\n\nDomingo 8 «LA VOZ HUMANA»: tres versiones para un texto clásico de Jean Cocteau. Se proyectarán tres cortometrajes de unos 25 minutos de duración cada uno: «AMOR» / AMORE / Italia-1948 / Dirección Roberto Rossellini / Intérprete Anna Magnani / Blanco y Negro / «LA VOCE HUMANA» / Italia-2014 / Dirección Edoardo Ponti / Intérprete Sophia Loren / Color y «LA VOZ HUMANA» /España 2020 / Dirección Pedro Almodovar / Intérprete Tilda Swinton / Color.\nSinopsis: una mujer se encuentra en su vivienda\, acompañada por una empleada doméstica. Espera la llegada de su pareja que no se produce\, en cambio suena el teléfono y comienza la historia…El poeta\, artista\, cineasta\, dramaturgo francés Jean Cocteau (1889-1963) estrenó este monologo o monodrama en 1930 y desde entonces ha recorrido escenarios de todo el mundo\, siendo uno de los textos más representados en los últimos 90 años. Tres cineastas se han acercado al mismo de la mano de tres enormes actrices y esta función ofrece la posibilidad al espectador de disfrutar y comparar las diferentes opciones que el cine ha brindado en su hipnótica traslación.
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LOCATION:La Salita / Vivero Cultural Otoño Azul\, Malere (ex Córdoba) 567\, Azul\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LAS DOS CARAS DE ENERO" (
DESCRIPTION:Esta película adapta un libro famoso. Un mecanismo tan antiguo\, casi\, como el cine que sigue vigente hasta hoy. Dos lenguajes siempre en conflicto pero que cuentan con millones de seguidores a lo largo y ancho del planeta. Su autora fue Patricia Highsmith (1921-1995)\, norteamericana exiliada en Europa desde 1963 a causa del escaso suceso que su figura y obra provocaba en su tierra natal. Homosexual\, comunista\, su primera novela fue publicada en 1950 y llevada al cine al año siguiente por Alfred Hitchcock. Muy culta pero también alcohólica y poco sociable (prefería los gatos a los personas)\, escribió cuentos y novelas donde las temáticas imperantes rondaban temas que la obsesionaban: la culpa\, la mentira\, la impunidad\, el crimen. En 1961\, antes del exilio definitivo\, publica en EE.UU. «Las dos caras de enero»\, base del presente film. \nEstrenado en 2014\, filmado en exteriores de Grecia y el Mediterráneo oriental\, la historia nos ubica en los paisajes de Atenas: a un lujoso hotel de la ciudad llegan una pareja en viaje de placer. Hermosos\, ricos\, excéntricos\, parecen disfrutar de un cómodo presente. Pero un tercer personaje les observa en la distancia. Cuando el marido comprende que están siendo perseguidos\, una vuelta de timón lleva la historia hacia otros derroteros. La tensión entre Chester\, su esposa Colette y el recién llegado Rydal atraviesa la narración convirtiendo al film en una formidable adaptación del texto originario. El paisaje no es mero capricho para el realizador sino espacio protagonista así como la sombra de las tragedia griegas que planea sobre el triángulo. Un ejercicio cinematográfico formidable\, clásico\, que entronca con un tipo de cine ya en desuso pero que conlleva intacta la magia de las grandes películas. Su protagonista y productor Viggo Mortensen colabora en el efecto magnético que genera en los espectadores\, acompañado por los talentos de Kirsten Dunst y Omar Isaac\, trio de talentos del mejor cine actual. La película pasó inadvertida por las salas del mundo y esta es una buena ocasión de recuperarla y disfrutarla como se merece. \n«LAS DOS CARAS DE ENERO» / THE TWO FACES OF JANUARY / 2014 / Reino Unido- Francia- EE.UU. / Dirección Hossein Amini / Intérpretes Viggo Mortensen\, Kirsten Dunst y Omar Isaac / Versión original con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 36 minutos.
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SUMMARY:CINE: "FALLING"(2020).
DESCRIPTION:El actor Viggo Mortensen (New York-1958) debutó como guionista y director con este título de escasa difusión a pesar del enorme valor que posee. Los actuales tiempos del visionado cinematográfico están definiendo nuevos e imparables caminos en la distribución de cientos de films rodados en todo el planeta. Ha recurrido a fuentes relacionadas con su pasado para construir una narración que no por ello debe verse como autobiográfica: un hombre maduro recibe la visita en su casa de su anciano padre. Los caracteres de ambos son\, y fueron siempre\, dispares\, opuestos\, conflictivos. Los años parecen haber traído la capacidad de reflexión solo para el mas joven de ellos\, mientras el otro parece haber potenciado al máximo los puntos mas negativos de su personalidad. Un tema siempre apasionante para la reflexión cinematográfica que sirve al cineasta para introducir cuestiones muy relacionadas al presente de las sociedades occidentales\, las cuales parecen retroceder en muchos aspectos paralelamente a logros resultantes tras siglos de confrontación. El conflicto está cantado: la sexualidad sigue perturbando conciencias a la par de los mencionados progresos. Mortensen entrega el rol de Willis\, padre violento admirador del peor modelo masculino\, a un actor de reparto con mas de 200 películas a sus espaldas desde los años setenta cuando debutó en Hollywood: Lance  Henriksen (1940)\, quién destacó en films de ciencia ficción y terror de los 80 como «Terminator» (1984)\, «Aliens\, el regreso» (1986) y decenas de productos de toda clase\, En esta ocasión encuentra la oportunidad de demostrar el enorme potencial que su talento posee dando vida a uno de los grandes personajes masculinos del cine actual. El término «falling» tiene las siguientes traducciones al español:como adjetivo significa el que cae\, descendente. Como sustantivo\, la debilitación\, aplicable al envejecimiento tanto del padre como del hijo y a una fragilidad común que les ha arruinado la relación en el pasado dejando una enorme herida en el presente\, bajo el interrogante de una posible recuperación\, que no cura total\, como parece sugerir el director\, más un deseo latente que una posibilidad. Una historia tan humana y antigua como vigente que nos trae la confirmación del talento enorme de un actor que pisa fuertemente como escritor\, productor y realizador. Lo opuesto a una caída. Una gran película para cinéfilos que ansíen la reflexión y la calidad de un cine adulto además de entretenido. Un desafío\, como los citados en la presente crónica. Seremos menos pero somos mas resistentes. \n«FALLING» / 2020 / EE.UU.-Canadá- Reino Unido / Dirección y guión: Viggo Mortensen / Intérpretes Lance Henriksen\, Viggo Mortensen\, Laura Linney\,Terry Chen / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 52 minutos.
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SUMMARY:CINE: "AMOR SIN BARRERAS" / WEST SIDE STORY (2021)
DESCRIPTION:Steven Spielberg (1946) dirige películas desde su infancia. Con 23 años debuta en el cine profesional con producciones para televisión y desde 1974 hasta el presente ha estrenado decenas de títulos: sucesos clásicos como «TIBURÓN» (1975)\, «ENCUENTROS CERCANOS DEL TERCER TIPO» (1978)\, la saga de Indiana Jones desde 1981\, «E:T::EL EXTRATERRESTRE» (1982) \, «PARQUE JURÁSICO» (1993). También obras de otros géneros como «EL COLOR PÚRPURA» (1985)\, «LA LISTA DE SCHINDLER» (1993)\, «SALVAR AL SOLDADO RYAN» (1998)\, «MUNICH» (2005) o «LINCOLN»(2012). En 2021 presentó su penúltimo film\, una nueva versión de un clásico del cine de 1961: «WEST SIDE STORY» o «AMOR SIN BARRERAS» en lengua castellana. Basada en el original teatral estrenado en 1957 en Nueva York que se convirtió en suceso y tuvo su adaptación cinematográfica cuatro años después\, la trama es una adaptación moderna del inmortal «Romeo y Julieta» (1597) de William Shakespeare\,donde una joven de origen extranjero se enamora de un hombre norteamericano y pobre. Cada cual pertenece a una pandilla que lucha por mantener bajo su control las calles del barrio que habitan. Spielberg recupera aspectos suavizados en la primera versión y consigue una historia que conecta con el presente\, cuando el racismo en todas sus expresiones no para de avanzar en todo Occidente. Pero\, al hacerlo utilizando los elementos cinematográficos mas nobles\, unido con su inmenso talento\, obtiene la proeza de una película tan buena como la original\, incluso para muchos sectores críticos\, superior. No importa\, ambas forman parte ya de lo mejor del arte cinematográfico. Los textos se intercalan con letras de canciones ya tan universales como «Quiero vivir en América»\, «Tonight»\, «Maria» o la grandiosa «Somewhere» que forman parte del repertorio de la música clásica\, popular y universal. Las coreografías y sus ritmos generan en el espectador tanto la admiración como el deseo de levantarse y ponerse a bailar. Los intérpretes\, todos jovenes\, hablan castellano e ingles ininterrumpidamente\, dotando de verosimilitud a las criaturas que interpretan: Maria y Tony mas Bernardo\, Anita\, Riff y los otros atraviesan la imagen a puro ritmo y baile en un paisaje espectacularmente recreado: los barrios periféricos de la gran ciudad en los años cincuenta. La cámara del cineasta nos ofrece una lección de arte cinematográfico en estado puro y propone una vez mas el debate sobre el mismo. La recuperación del mejor norteamericano\, distante pero hermano del típico de entretenimiento y pochoclo que reina hoy en salas de cine y en domicilios particulares con televisores cada vez mas grandes pero que ubican al espectador en un espacio (el hogar) solitario. «WEST SIDE STORY» debe verse en pantalla grande y\, fundamentalmente\, en compañía de otros. Las fiestas\, y el arte también\, tienen entonces\, un mejor sabor. \n«WEST SIDE STORY» /»AMOR SIN BARRERAS» /2021-EE.UU/ Director Steven Spielberg /Sobre original de Sondheim y Bernstein / Intérpretes Rachel Zegler\, Ansel Elgort\, Ariana DeBose\, Rita Moreno / Hablada en inglés y castellano con subtítulos en castellano/ color / Duración 2hs.30 minutos.
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SUMMARY:CINE:"NEGACIÓN" (2016).
DESCRIPTION:Hay palabras que pueden sumar al intentar definir una época: en la nuestra\, una de las mas probables sería NEGACIONISMO. Si buscamos definiciones en la web\, encontraremos que todas remiten a lo siguiente: es una actitud contraria de grandes sectores de la población ante hechos históricos o científicos empíricamente demostrados. También «un acto irracional que niega evidencias a favor de una mentira mas tolerable». O una posición ideológica con la que enfrentar al mundo. Ejemplos podrían ser\, desde la curvatura del planeta Tierra hasta el cambio climático bajo la influencia de la actividad humana\, la pandemia de Covid 19 o del VIH/ Sida\, y en el caso que nos ocupa en esta película\, la propia existencia del Holocausto\, drama monstruoso gestado y ejecutado por el nazismo noventa años atrás\, que podría ampliarse en nuestro país a los sectores que niegan el exterminio de la última dictadura militar\, amparándose o no en la cifra de los 30.000 desaparecidos. \nEn los años 90 el gobierno norteamericano del presidente Clinton contó entre sus asesoras en temas históricos con la especialista y escritora Deborah E.Lipstadt\, autora de textos emblemáticos sobre la cuestión\, que fue demandada por el negacionista David Irving\, triste exponente humano de la capacidad para la mentira y la manipulación sobre temas fundamentales. La fake new o noticia falsa\, complemento necesario\, es herramienta importante para la construcción de ese «otro mundo» donde las cosas parecen estar definidas al gusto de cada cual. Algo que no por disparatado e irracional deja de ser moneda mas que corriente en nuestro presente. De estos sucesos nació un guión cinematográfico que fue película estrenada en 2016. Dirigida por un director llegado de la televisión británica\, está actuada por un trío de enormes intérpretes de esa nacionalidad: Rachel Weisz\, Tom Wilkinson y Timothy Spall\, nombres fundamentales del mejor cine de los últimos veinte años\, quienes en esta ocasión dan vida a personajes reales aún en activo\, cada cual con sus posiciones. Una película perteneciente al género testimonial-histórico que devuelve a la cinematografía a su lugar de arte para la reflexión\, permitiendo al espectador algo mucho más allá del puro entretenimiento. Las diferentes temáticas que atraviesan todo aparato social cobran otra dimensión cuando son abordadas por el cine\, a veces con mayor suerte que otras\, pero en todo caso poseen la virtud de transformarse en mosaicos de una estructura mas compleja que podrá\, en el futuro\, ser abordada cuando se intente tener visiones de cada época\, de las cuales la cinematografía es testigo indispensable para el progreso. El reciente suceso de una película argentina que trata sobre un juicio histórico llevado a cabo en 1985 o la ficción alemana que recrea la suerte de los soldados en la Primera Guerra Mundial\, dan fe de ello. \n«NEGACIÓN» / Denial-Reino Unido- EE.UU.-2014 / Director Mick Jackson / Intérpretes Rachel Weisz\, Tom Wilkinson y Timothy Spall / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h.49 minutos.
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SUMMARY:CINE:"LA MONTAÑA ENTRE NOSOTROS".
DESCRIPTION:Esta es una historia de supervivencia en una situación y un entorno hostil y poco visitado\, basada en un exitoso libro de Charles Martin del mismo título. Una fotógrafa que debe casarse al día siguiente y un cirujano al que espera la operación de un niño de 10 años\, se ven envueltos en una historia imprevista y deberán recurrir a todas sus armas para sobrevivir. Filmada en escenarios naturales de Canadá e interpretada por dos grandes figuras británicas\, dirigida por un valioso cineasta de Israel\, autor de dos films memorables sobre cuestiones políticas de su tierra\, este es su primer trabajo en el exterior. El duo protagonista cuenta con la compañia de un perro que les ayudará en la busqueda de tierra firme\, y que se convierte en tercer integrante del equipo. Los lazos humanos van atando la suerte de Alex y Ben\, mujer de piel blanca y hombre de piel negra con pasados diferentes que quedan anulados hasta nuevo aviso. Una película que nos habla de cuestiones fundamentales para el ser humano como son la amistad\, la fuerza para continuar y también para enfrentar el deseo de abandonar ante el agotamiento. Una película injustamente desconocida que merece ocupar un lugar de importancia en el actual cine producido en Hollywood\, ese que no cuenta con nominaciones ni premios\, pero que en muchas ocasiones resultan superior a los que los obtienen. Una historia de amor\, contada por enésima vez\, pero bien resuelta y mejor interpretada por Kate Winslet (1975) la recordada protagonista de «Titanic» y una de las mas grandes actrices\, y bellas\, de la Historia del Cine. Una mujer con un extraño don para elegir buenas películas y desafiar convenciones de todo tipo. \n«LA MONTAÑA ENTRE NOSOTROS» / The mountain between us / EE.UU. 2017 / Director Hany Abu-Assad / Intérpretes Kate Winslet\, Idris Elba\, Beau Bridges\, Dermot Mulroney / Color / En Versión Original con subtítulos en castellano / Duración 1h.52.minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "SOYLENT GREEN / CUANDO EL DESTINO NOS ALCANCE"
DESCRIPTION:La industria del cine de EE.UU. que es Hollywood\, Nueva York y muchos otros lugares\, generó modelos de producción que fueron repetidos y copiados en el resto del mundo. Y parte de su poderío consistió en la diversidad de temáticas para llegar a la mayor cantidad de público posible: el drama y la comedia\, las más generalizadas (herencia de la antigüedad) estuvieron acompañados por el policial (y sus variantes\, cine negro\, suspense\, acción)\, el bélico\, el western\, el musical y un vago mundo de la fantasía que abarcó entre otros\, a un género extraordinario y curiosamente relegado por amplias mayorías que lo consideran inferior: la ciencia-ficción. En la literatura\, que antecedió al cine\, se habla del «Frankenstein» (1818) de Mary Shelley como pieza fundacional del particular: un científico procura y logra dar vida a un cuerpo muerto con la ayuda de la energía que consigue atrapar de las tormentas eléctricas. Trás la aparición de Jules Verne (1828-1905) y sus extraordinarias ficciones generadas muchas veces a partir de los avances científicos\, H.G.Wells (1866-1946) y sus extraterrestres o máquinas que permiten viajar en el tiempo\, arribamos al primer intento del cine en trasladar este mundo a las imágenes: en 1902 el gran Melies\, a 7 años de la primera proyección cinematográfica\, nos ilustra un primer viaje a la Luna de hombres que viajan en cohete para encontrar\, sin casco ni oxígeno extra\, a los habitantes de nuestro satélite. A partir de allí y hasta los años cincuenta\, los intentos son varios\, pero será realmente a partir de esta década donde las películas de ciencia-ficción se instalarán como género competitivo de otros. «La guerra de los mundos» o «El increíble hombre menguante» son dos obras destacadas de esos años\, y en los sesenta van perfeccionándose los efectos especiales hasta llegar al año 1968 cuando se estrenan dos películas cumbres\, aún vigentes y desde entonces homenajeadas hasta la saciedad: «El Planeta de los Simios» y «2001: una odisea del espacio». Un viaje interplanetario que desemboca en un mundo gobernado por monos inteligentes y un extraño monolito descubierto en la Luna que deparará cuestiones filosóficas e interrogantes aún vigentes. \nLos años setenta marcan un nuevo escalón con obras también excepcionales y aquí me detengo en el film seleccionado. El realizador Richard Fleischer \, quien cuenta con una película anterior y clásica del género («Viaje Fantástico»- 1966)\, estrena en 1973 «Soylent Green»\, conocida en Argentina como «Cuando el destino nos alcance»\, que está basada en una novela llamada «¡Hagan sitio\, hagan sitio…!»\, publicada en 1966 por su autor\, también guionista de la película\, Harry Harrison. Los autores\, influenciados por un tema muy recurrente en aquellos años\, el miedo a la superpoblación mundial\, imaginan un futuro localizado varias décadas después…¡que no es más que nuestro reciente 2022!. En ese mundo imaginado\, el deterioro climático y la desproporcionada cantidad de humanos han generado una sociedad caótica donde solo el uso de la fuerza logra mantener a raya a tanto hambriento desesperado. En ese entorno\, en una gran ciudad\, la policía investiga la muerte del importante CEO de una de las mayores empresas. La excusa para desarrollar una apasionante historia que cambia sustancialmente la trama del original\, y la enriquece. Dos personajes masculinos son el eje de la narración: un policía especial y un hombre muy mayor que añora el mundo perdido. Una mujer elegante que también puede ser una prostituta de lujo\, y otros personajes secundarios\, completan la apasionante trama de la película\, considerada hoy no solo una obra capital de la ciencia-ficción sino uno de los grandes títulos del cine de la década de los setenta. Su visión\, cinco décadas más tarde\, no hace otra cosa que aumentar su capacidad de fascinación\, a la vez que se convierte en un enorme y peligroso espejo donde podremos mirarnos y reflexionar los ciudadanos de este 2023\, que habitamos\, de una forma u otra\, un mundo imaginado tiempo atrás. El futuro entonces\, simplemente ha llegado. \n«CUANDO EL DESTINO NOS ALCANCE» / SOYLENT GREEN / EE.UU. 1973 / Dirección Richard Fleischer / Interpretes Charlton Heston\, Edward G. Robinson\, Leigh Taylor Young\, Chuck Connors\, Joseph Cotten\, Paula Kelly / Basada en la novela de Harry Harrison / Color / Versión Original con subtítulos en castellano / Duración 1h.35 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "ADIOS A LA NOCHE"
DESCRIPTION:Muriel maneja una granja donde cría caballos. La vida rural la llena de satisfacciones y espera con ansias la llegada de su nieto Alex. El joven está dispuesto a emigrar a Canadá y los días finales antes del viaje depararán a su abuela más de un interrogante. El conocer a las personas desde su nacimiento no es garantía de saber en quienes se transformarán con el paso de los años. El cineasta André Téchiné (1943)\, cineasta en activo desde 1969 y autor de una sólida obra\, dirige por octava vez desde 1981 a la legendaria actriz Catherine Deneuve (1943)\, una de las artistas clásicas europeas con más de seis décadas de trabajo en su currículum. En esta ocasión da vida a Muriel\, una mujer mayor\, independiente y vital que organiza el funcionamiento de una empresa en el interior de Francia. La extrañeza ante los nuevos comportamientos de su nieto hará que toda su energía se concentre en solucionar un conflicto que parece escapar de sus manos. La obra permite al director enfrentar una vez más uno de sus temas favoritos: la juventud. Esta vez con ingredientes como la práctica extrema de las religiones y el fenómeno de la inmigración del mundo musulmán hacia Europa\, realidad que atraviesa el panorama francés desde mediados del Siglo XX\, permitiendo la suma de varias generaciones que forman ya parte de la diversidad y el entramado socio-económico. La película fue presentada en el Festival de Cine de Berlin donde obtuvo gran apoyo tanto del público como de la crítica. La escasa difusión actual de otro cine que no sea el norteamericano en nuestro país\, ha roto con una tradición de años\, la de tener la posibilidad de contemplar películas de este tipo\, un cine comprometido con la realidad que inspira diferentes ficciones. Por otro lado las televisiones y plataformas digitales\, tampoco son prolíficas en este sentido\, contando escasas excepciones. Las salas que desarrollan actividades culturales de todo tipo se convierten entonces en un espacio idóneo para poder disfrutarlas. \n«EL ADIÓS A LA NOCHE» / L’ADIEU A LA NUIT / Francia-2019 / Dirección y guión André Téchiné / Intérpretes Catherine Deneuve\, Kacey Mottet Klein\, Oulaya Amamra / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.44 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL IMPERIO DE LA LUZ"
DESCRIPTION:El realizador Sam Mendes (1965) debutó con «Belleza Americana» (American beauty) en 1999 y se consagró instantáneamente\, obteniendo premios y repercusión en todo el mundo. Ahora estrena su última película que narra la historia de unos personajes que habitan una sala de cine en el sur de Inglaterra en los primeros tiempos del gobierno de Margaret Thatcher\, de quién la película parece tener un recuerdo poco grato. De la mano de Hillary\, la mujer encargada del funcionamiento del lugar llegan los demás que la acompañarán en su devenir entre pantallas blancas e intimidades de todo tipo. El cineasta describe con precisión a sus criaturas así como retrata el tiempo de inicio de la decadencia de los cines como consecuencia de la aparición de nuevos formatos tecnológicos para disfrutar en el hogar. Las cuatro décadas transcurridas desde la acción del film\, le sirven para reflexionar sobre la capacidad de fascinación sin igual de las salas oscuras\, sobre la importancia del haz de luz que emana del proyector\, las butacas confortables y el placer de visionar una obra cinematográfica desde ese privilegiado lugar. Amorosamente nos introduce en esas tinieblas mágicas\, uno de los inventos más impresionantes del ser humano desde hace ya más de un siglo. \nEl recuerdo del film de Tornatore\, el ya clásico «Cinema Paradiso» (1988)\, puede presentarse al contemplar esta nueva obra. Con estilos diferentes\, ambas homenajean un hábito hoy disminuido cuando no desaparecido en la mayoría de las poblaciones de todos los países. El cineasta londinense introduce otra vía de reflexión: el racismo\, con el rechazo a la piel negra como distintivo de esta siniestra realidad\, siempre presente en las mentes retrógradas que no conocen de clase social y que actuales partidos políticos llevan como bandera a pesar de su intención de esconderla. La inmigración también aparece en la historia y otras cuestiones que atraviesan las sociedades occidentales\, que viven un tiempo de retroceso después de haber alcanzado logros fundamentales para la tolerancia entre humanos. \nEl cine entonces\, vuelve a convertirse en expresión que va mucho más allá del puro\, mero y vacío entretenimiento. A pesar de todos estos méritos\, EL IMPERIO DE LA LUZ\, no alcanzó el suceso público ni mucho menos el apoyo crítico\, otro espacio que hoy parece estar más en crisis que nunca. Quienes nos acompañen en la función\, podrán descubrir con mirada propia los méritos de una película tan hermosa como imperfecta\, carne de cine de culto desde este mismo instante. La actuación de Olivia Colman\, enorme intérprete actual\, redondea un equipo de excelentes figuras. En Cine con inquietudes está condenado a permanecer. Que así sea. \nEL IMPERIO DE LA LUZ / EMPIRE OF LIGHT / Reino Unido-2022 / Director Sam Mendes / Intérpretes Olivia Colman\, Micheal Ward\, Colin Firth\, Toby Jones / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.55 minutos.
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SUMMARY:"PRIMAVERA EN BEECHWOOD".
DESCRIPTION:El título original refiere al día de la madre en Inglaterra\, al menos la de 1924 cuando transcurre la acción de esta película de una cineasta contemporánea\, la francesa Eva Husson (1977) \, también escritora. Debutó en 2013 en la dirección y en su breve filmografía se encuentran diversidades territoriales y temáticas dentro y fuera de su tierra natal. En su viaje a las islas británicas nos cuenta la historia de Jane\, una joven huérfana al servicio de una familia de la aristocracia inglesa que ha perdido a sus hijos en La Primera Guerra Mundial. Trabajadora incansable pero también mujer lúcida y en la vanguardia del pensamiento de su tiempo\, es una incipiente escritora que hace compatible su labor con esta dedicación  a la par de mantener un fogoso romance con el hijo de otros ricos vecinos. Desde ese lugar de testigo lúcido de la realidad\, la cineasta construye un brillante y delicado retrato femenino y mosaico social. Un mundo de hace un siglo adquiere entonces modernidad y propone puentes con el presente. La relación con sus patrones\, compañeros de trabajo\, amistades\, la clandestinidad amorosa\, la sexualidad sin tapujos\, la llegada de un hombre negro a su vida\, el paso del tiempo hasta convertirse en escritora consagrada. Un ida y vuelta en el tiempo que también es retrato de un siglo XX siempre rico en propuestas y que nos devuelve a nosotros espectadores la posibilidad de contemplar una obra cinematográfica alejada del puro convencionalismo. Con actores jóvenes que protagonizan y consagrados famosos que cumplen roles secundarios siempre brillantes\, esta cuarta inmersión de Husson en la dirección la posiciona como un talento sensible a tener en cuenta entre este verdadero y no tan silencioso ejército de mujeres detrás de la cámara\, desde el lejano Japon hasta nuestra Argentina\, pasando por cercano Oriente\, África y la Europa de siempre\, que no cesa en recordar que el cine es una poderosa arma de difusión masiva de lo mejor de la cultura global. En cuanto a los intérpretes destacar el regreso a la pantalla grande después de tres décadas de retiro de una de las grandes actrices de todos los tiempos\, la inolvidable Glenda Jackson\, reina absoluta de los años setenta e inspiradora de artistas como Julio Cortázar\, quién le dedico uno de sus memorables cuentos. Mas Olivia Colman\, digna sucesora de una tradición incansable de mujeres sobre el escenario o la pantalla\, grande y pequeña. Una película para disfrutar. \n«MOTHERING SUNDAY» / Alemania- Reino Unido-2021 / Dirección Eva Husson / Intérpretes Odessa Young\, Josh O’Connor\, Sofé Dirisu\, Colin Firth\, Olivia Colman\, Glenda Jackson / Color / basada en la novela homónima de Graham Swift / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.44 minutos.
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SUMMARY:EL PLACARD
DESCRIPTION:El cineasta Francis Veber realizó doce largos desde que se consagró con el suceso de «El Juguete»\, interpretado por uno de los comediantes más populares\, Pierre Richard. Junto a él y a Gerard Depardieu filmó algunas de las películas más exitosas de los ochenta (Le Chevre\, Compadres\, Dos Fugitivos). Luego vinieron algunos fracasos que cerraron su carrera en 2008. Pero en el medio logró dos importantes triunfos: en 1998 con «La cena de los idiotas» y en 2001 con «El Placard»\, ambas comedias modélicas y ya clásicos del género en versión francesa. «El Placard» nos relata la vida diaria de un empleado sin brillo en una gran empresa: Francois es un ser gris y aburrido de cara a sus compañeros y tampoco en la vida privada parece tener mejor aceptación. Para evitar ser despedido ante los recortes laborales que amenazan (tema siempre aterrador para cualquier laburante) alguien propone que se difunda un rumor sobre su persona: es homosexual y si se confirma que esa es la motivación\, el escándalo afectará a la cúpula empresarial en caso de concretar el despido en un tiempo de avances en causas de reivindicaciones de derechos. Para evitar que todo se complique\, el engranaje de la comedia estará servido. Humor y sonrisa habilitan la exposición de cuestiones poco divertidas. Desde el cine mudo con Keaton\, Linder o Chaplin hasta la actualidad\, el género cuenta con masivo apoyo del público. En ocasiones como esta\, sirve como espacio de reflexión sobre lo que algunos no quieren oír ni debatir: a dos décadas de su estreno la película propone pensar en avances y en retrocesos en cuestiones que se creen ganadas. El derecho a la intimidad\, al libre pensamiento y acción\, a esa sexualidad aun tan cuestionada por amplios sectores conservadores\, encuentran en la obra de Veber una interesante vigencia. El trabajo del cuarteto protagonista\, rostros imprescindibles del cine francés\, contribuye al disfrute de esta obra. En menos de 90 minutos de duración el realizador demuestra que el engranaje es mas que efectivo. Una película también puede ser una fiesta\, y esta lo es: ideal para salir de todos los placares posibles y pasarlo bien en compañía de otros y otras. \nLE PLACARD / Francia-2001- Dirigida y escrita por Francis Veber / Intérpretes Daniel Auteuil\, Gerard Depardieu\, Jean Rochefort\, Thierry Lhermite\, Michele Laroque / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.24 minutos.
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SUMMARY:CINE DE OTOÑO: "ESPÍAS\, TODOS ESTAMOS VIGILADOS".
DESCRIPTION:El Museo Etnográfico y Archivo Histórico Enrique Squirru retoma la temporada 2023 con el Ciclo de Cine de Otoño\, ofreciendo en esta ocasión una serie de tres largometrajes que abordan un tema siempre vigente como es el del espionaje. Su título es «ESPÍAS\, TODOS ESTAMOS VIGILADOS»\, que es también el slogan de la promoción de uno de los films seleccionados y que sirve adecuadamente a su enunciado. La intención es acercar al espectador una mirada más centrada en la condición humana de las personas que se dedican a estas tareas secretas que nos terminan afectando a todos en nuestras realidades\, a pesar del desconocimiento o negación que de ello se haga. A la vez que propone apartarse del puro cine de acción (James Bond\, Bourne\, Misión Imposible\, etc\, etc\, etc\,) que encontró en estas temáticas un filón siempre renovado. Las actuales plataformas donde se pueden ver nuevas propuestas no son ajenas a esta cuestión\, incluso habiendo llegado a abordar cuestiones recientes de nuestra Argentina con series que indagan en realidades ya no tan secretas («El fiscal\, la presidenta y el espía» o «Iosi\, el espía arrepentido»). \nLas funciones serán los tres primeros viernes del mes de mayo. Un cine con contenido que a través de tres muestras escogidas entre decenas\, permitirá tanto un acercamiento como una reflexión sobre una cuestión que en el presente nos afecta a todos: una gran película alemana para volver a ver\, un clásico del cine que se demuestra ejemplar y una obra actual muy poco difundida forman parte de la trilogía conformada. Los esperamos para disfrutar juntos del buen arte cinematográfico. \nPROGRAMACIÓN: \nVIERNES 5.5.2023: \n«LA VIDA DE LOS OTROS» / DAS LEBEN DER ANDEREN / Alemania-2006 / Dirección Florian Henckel von Donnersmarck / Intérpretes Ulrich Mühe\, Martina Gedek\,Sebastian Koch / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 2hs. 17 minutos. Una mirada sobre la última década de existencia de la República Democrática Alemana\, sus primeros cambios tras la caída del Muro de Berlín y su desaparición como nación ante la unificación alemana. En ese contexto se teje la historia entre un capitán de la Stasi (policía secreta del régimen comunista que contaba con miles de agentes e informantes) y el objetivo que debe espiar: la pareja integrada por Georg y Christa\, escritor y actriz. Ella fue amante de un alto jerarca pero el espía no lo sabe. Entre todos estos personajes se va tejiendo una telaraña de relaciones que sirven al realizador para aportar su mirada sobre un tiempo histórico\, aquí con la perspectiva de los quince años transcurridos. Obra de cineasta debutante\, la obra ganó premios en toda Europa y se consagró internacionalmente al obtener el Oscar a la mejor película en habla no inglesa en la entrega del año 2007. Hoy es considerada como un clásico del cine alemán y una de la miradas más incisivas sobre el mundo del espionaje\, alejado del cine de puro entretenimiento y escaso valor crítico. Al dar protagonismo a la intimidad del personaje/espía\, la condición humana del mismo toma una dimensión muy distante de la figura del superhéroe\, indagando en las complejidades que llevan a una persona a convertirse en alguien que solo puede observar la vida…de los otros. \nVIERNES 12.5.2023: \n«LA CONVERSACIÓN» /THE CONVERSATION / EE.UU.-1974 / Dirección Francis Ford Coppola / Intérpretes Gene Hackman\, Frederic Forrest\, John Cazale\, Allen Garfield\, Cindy Williams\, Teri Garr\, Harrison Ford / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h 53 minutos. Harry Caul tiene un trabajo tan secreto como su propia historia. Es uno de los más cotizados en su ambiente. Se dedica al espionaje sofisticado\, con artilugios de todo tipo desde los que graba las voces de sus objetivos. Pero el día que va a realizar la entrega al cliente\, algo se quiebra en él y comienza una investigación más personal donde descubre cosas que no estaban en los planes de nadie. El pasado con una mancha negra vuelve a poseerlo mientras dedica todas sus habilidades a desentrañar nuevos interrogantes. \nDespués de haberse consagrado con la primera parte de «El Padrino» (1972)\, el enorme cineasta Francis Ford Coppola\, también guionista y productor\, realiza una de sus obras maestras. Este film se alzó con la Palma de Oro del Festival de Cannes y deslumbró a crítica y público en un tiempo donde el espionaje político había llevado a una crisis sin precedentes al Gobierno norteamericano: el escándalo Watergate y la caída de Richard Nixon. «La Conversación» aparece como un título precursor de una cuestión que hoy hasta resulta naturalizada para todos nosotros: el espionaje político como herramienta desestabilizadora de la política internacional y la figura siempre secreta (a pesar de ello) del agente / espía. Una obra de arte cinematográfico donde la imagen y el sonido adquieren el valor no siempre en activo tras la creación en esta rama de la cultura y el arte. El trabajo actoral de Gene Hackman\, actor prodigioso de su generación\, más el primer personaje de cierta importancia interpretado por Harrison Ford\, colaboran en el disfrute de una película ya legendaria. Un auténtico clásico de la historia del cine. \nVIERNES 19.5.2023 \n«SNOWDEN» / IDEM / Reino Unido- Alemania- Francia- EE.UU.-2016 / Dirección Oliver Stone / Intérpretes Joseph Gordon-Levitt\, Shailene Woodley\, Tom Wilkinson\, Nicholas Cage\, Melissa Leo / Color / Versión original con Subtítulos en castellano / Duración 2hs.14 minutos. El cineasta Oliver Stone\, tan controvertido como audaz\, es continuador de la saga de creadores críticos con el gobierno de su propio país y ha realizado obras sobre Kennedy\, Bush\, Vietnam\, El Salvador\, los atentados del 11.09.2001 y documentales sobre Castro\, Chávez o Putin\, organizando una de las obras más ricas de la cinematografía norteamericana. En esta\, su última obra de ficción hasta el momento\, recrea la figura de Edward Snowden\, un joven consultor tecnológico que trabajó para la C.I.A. y la N.S.A. (la Agencia Nacional de la Seguridad) después de haber pasado brevemente por el ejército. Estando radicado en Hawaii\, viaja a Hong Kong en 2013 y desde allí denuncia en los medios parte de sus investigaciones que descubren la vigilancia masiva en un programa del gobierno\, que vas más allá de los grupos terroristas y la política exterior para lo que\, supuestamente\, trabajaba. Desde entonces se ha convertido en figura detestada por el gobierno norteamericano que le acusa de traidor y pide su extradición. Vive en Moscú y en 2022 el presidente Putin le ha otorgado la ciudadanía rusa. La figura de Snowden permite descubrir los entresijos (ya no siempre secretos) de las diferentes organizaciones que tienen al espionaje como objetivo principal\, añadiendo y confirmando el uso casi totalitario que se va dando con la información generalizada del ciudadano común. \nLa película de Stone recrea todo esto y muchos más a partir de sus extraordinarios conocimientos del lenguaje cinematográfico y su mirada siempre crítica con el funcionamiento imperialista del gobierno de su tierra natal. Una manera de ejercitar tanto la autocrítica como los derechos dentro de una sociedad democrática. Que le devuelve su rechazo ya mayoritario en forma de indiferencia hacia su obra. Esa y otras de las últimas películas del cineasta han gozado de mayor aprobación en el exterior que en su propia tierra\, donde durante los años ochenta y noventa del siglo pasado fue uno de sus directores estrellas\, premiado y celebrado por parte iguales. Un signo de los tiempos actuales donde personaje y creador cruzan sus caminos y permiten a nosotros\, espectadores inquietos\, reflexionar sobre el mundo en que vivimos (y padecemos). Un cineasta necesario\, fundamental\, siempre discutible\, provocador y enormemente estimulante. \n 
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LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:COSTA BRAVA\, EL LÍBANO.
DESCRIPTION:El cine libanés continúa su lucha de resistencia en un entorno económico y social de gran depresión. Con heridas dejadas por guerras de hace décadas y conflictos que periódicamente atentan contra la seguridad de su población civil\, la cultura y el arte permanecen atentos y activos. Esta obra es el primer trabajo de largometraje de la joven cineasta Mounia Aki (1989) quién después de realizar cortos y trabajos para la televisión y haber estudiado cine en New York\, regresa a su tierra natal para este trabajo presentado con enorme suceso en el Festival de Cine de Venecia 2021 y ganador de trofeos en otros\, como el de Toronto\, el BFI de Londres o el de Sevilla. La joven artista escribe una historia sobre una familia compuesta por matrimonio\, hijas y abuela que abandonan la ciudad de Beirut y se instalan en un bosque de sus cercanías\, en medio de cerros y árboles alejados de la contaminación y conflictividad de la gran capital. Souraya y Walid son idealistas y pretenden construir un mundo y un espacio donde vivir saludablemente\, Pero sus intenciones se ven alteradas cuando frente a su hermosa y confortable vivienda\, se venden unos terrenos que serán destinados a un enorme vertedero. La basura que han dejado en su querida ciudad\, amenaza con acercarse a ellos y destruir las posibilidades de una vida ejemplar para el grupo. \nLa joven cineasta dirige con destreza una historia que juega tanto con la metáfora como con el afán documentalista de retratar un mundo en conflicto\, un futuro complejo que las nuevas generaciones tienen el compromiso de modificar con su accionar. El enfrentamiento con los poderes de siempre no hace más que recomenzar y todos se verán inmersos en un nuevo batallar. Con palabras\, sin armas\, Una obra conmovedora y que acerca al espectador una realidad distante y oculta pero con muchos puntos de encuentro con la nuestra: el presente como amenaza y también desafío. En todos nosotros\, en nuestro compromiso\, parece estar encerrada la promesa de un mundo mejor. Protagonizado por la popular actriz y directora Nadine Labaki\, la película contó con el apoyo de productores de varios paises mas allá del Líbano: Francia\, España\, Qatar\, Noruega\, Suecia y Dinamarca. Cine comprometido\, más allá de las plataformas audiovisuales y canales de televisión. \nCOSTA BRAVA LEBANON / Libano- 2021 / Dirección Mounia Aki / Intérpretes Nadine Labaki\, Saleh Bakri / Color / Hablada en árabe con subtítulos en castellano / Duración 1h.46 minutos.. \n 
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SUMMARY:"JUAN MOREIRA"
DESCRIPTION:«JUAN MOREIRA» (1973) cumple medio siglo de su estreno. El cuarto largometraje de Leonardo Favio generó un fenómeno de masas en un contexto muy particular: la emoción del regreso a un tiempo democrático tras siete años de Dictadura militar (1966-1973)\, la abolición (por un breve tiempo\, lamentablemente) de la Censura cinematográfica\, entre otras cuestiones destacadas\, logró que durante su explotación comercial en todo el territorio fuese vista por 2.500.000 espectadores. En el presente\, y según lista publicada en 2022\, se encuentra en el puesto sexto de las diez películas más vistas de todos los tiempos de origen nacional. El arte del realizador\, su dominio del tempo poético\, su capacidad para crear imágenes portentosas\, dirección de actores que extrajo de Rodolfo Bebán registros insospechados\, la banda sonora de Luis Maria Serra\, hicieron del mito gauchesco activo desde su muerte en 1874 y llevado a la literatura por Gutierrez y desde allí lanzado al circo criollo\, el teatro\, la radio y sus cuatro versiones previas para el cine nacional\, uno de los fenómenos populares mas importantes de la década. La injusticia reinante\, el afán de libertad\, el poder sin fronteras de los poderosos de entonces (y de ahora también)\, la amplitud de la llanura con sus pampas infinitas\, el gaucho guacho que las atravesó\, la imposibilidad del amor y el progreso en la pobreza extrema\, todo esto y mas es radiografiado por el talento intachable de un cineasta único e irrepetible. Un hombre nacido en el Cuyo mendocino\, carne de reformatorios que le señalaron el camino del arte como recomposición de una vida herida\, que en 1958 se consagra como actor joven\, en 1965 como cineasta mayor\, en 1969 como cantautor popular y en 1973 como cineasta adorado por el pueblo\, que muere el 5 de noviembre de 2012 dejando un lugar /santuario en la memoria del arte y la cultura argentina. Sus nueve películas dirigidas entre 1965 y 2008 son ya tesoro para amantes del cine. Y este hombre condenado por político que se enamoró de su esposa y por ello comenzó a perseguirlo hasta la muerte\, ha dejado una huella en el imaginario de un país que ningún mal nacido elitista logrará destrozar. Porque mientras muchos pasan\, realmente pocos sobrevuelan el océano del Tiempo. Leonardo Favio (1938-2012) o cómo emplear ejemplarmente setenta y cuatro años de vida. \nJUAN MOREIRA / Argentina- 1973 / Dirección y guión Leonardo Favio / Producción Producciones Cinematográficas Centauro ( Hermanos Hurovich y Leonardo Favio) / Fotografía Juan Carlos Desanzo / Música Luis María Serra y Pocho Leyes / Intérpretes Rodolfo Bebán\, Edgardo Suarez\, Elena Tritek\, Alba Mugica\, Eduardo Rudy\, Elcira Olivera Garcés\, Jorge Villalba / Color / Duración 105 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/juan-moreira/
LOCATION:Biblioteca Popular «Bartolomé J.Ronco»\, Burgos 687\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"WHITNEY HOUSTON: QUIERO BAILAR CON ALGUIEN"
DESCRIPTION:En el año 2012 moría con 48 años de edad una de las voces femeninas más importantes del presente\, una mezzosoprano que alcanzó niveles de venta supremos en la industria discográfica\, ganadora de premios como pocos ( más que The Beatles y Michael Jackson)\, madre de una niña\, víctima del consumo de drogas\, hija de una cantante meritoria y actriz de cuatro largometrajes incluyendo su debut en la ultra taquillera «El Guardaespaldas» (1992)\, donde la pareja que formó con el astro Kevin Costner rompió récords de público mientras sigue dándose sin descanso en televisiones de todo el mundo. Todo lo citado está detrás de la historia que cuenta esta película estrenada recientemente y que ha devuelto a la actualidad a esta artista de voz prodigiosa y belleza física deslumbrante. Dirigida por joven cineasta negra autora de un par de excelentes películas e interpretada por talentosa actriz británica\, la película pertenece al género de los biopics o biografías sobre figuras famosas. Estas se dividen en dos grandes corrientes: las que tomando distancia del personaje principal aportan una mirada crítica con sus altos y sus bajos y las que prefieren resguardar la imagen mitificada del biografiado\, sin entrar en oscuridades varias. El film elige la segunda opción. La vida de Houston tuvo de todo y su caída en el infierno de la dependendencia de la droga está apenas sugerida en el film\,que da rienda suelta y casi en exclusiva\, al memorable talento vocal y presencia física que la convirtieron en leyenda para millones\, apenas sugiriendo cuestiones como su identidad sexual\, el accionar delictivo de su padre o su escasa convicción como esposa y madre. La voz original\, sumada a una excelente creación de la actriz y la magia del cine como gran espectáculo vuelve a funcionar: olvidamos que estamos ante una ficción cinematográfica mientras creemos estar siendo testigos de la intimidad de una estrella. La dirección destaca la gran importancia que los padres tuvieron en su vida y se permite una crítica sin dudas en la figura del progenitor\, en tanto enaltece la importancia de la madre. El entramado de las grandes empresas de la industria discográfica\, los escenarios donde la estrella brilla\, la intimidad con su hija\, todo suma a la hora de reivindicar la figura de la gran vocalista.El cine como espectáculo de calidad cumple su propósito y Houston traspasa las fronteras de lo humano para convertirse con su temprana muerte\, en ídolo de leyenda. Y como señala el título (que también es el del hit que la hizo ultra popular) no solo ella quiere bailar con alguien sino nosotros espectadores también: bienvenidos al festín. \n«WHITNEY HOUSTON: I WANNA DANCE WITH SOMEBODY»/ EE.UU.-2022 / Dirección Kasi Lemmons / Intérpretes Naomie Ackie\,Stanley Tucci\, Ashton Sanders\,Tamara Tunie / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 2hs.10 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:"VICTOR/VICTORIA"
DESCRIPTION:La propia historia de cómo se gesta una película que luego se convierte en clásico del cine y sus derivaciones\, así como el lugar desde donde llegó\, pueden ser inspiración de otra. Una ronda sin final previsto. En 1982 se estrena con éxito en todos los lugares una comedia hoy clásica: «Victor / Victoria»: en el París de 1934 se encuentran dos seres en horas más que bajas: Victoria es una soprano inglesa que no encuentra trabajo mientras pasa penurias de todo tipo y mucho hambre y Toddy Todd\, un señor mayor que acaba de ser abandonado por su joven y abusivo amante. La unión y posterior amistad entre ambos les llevará al triunfo en los cabarets de la noche francesa al inventarse un personaje: el Conde Grazinski\, exiliado polaco y travesti que fascina al público. Entonces Victoria será Victor y Toddy su representante. Pero entre los admiradores aparece un super macho de dudosos dineros junto a su absurda amante y su particular guardaespaldas y entre todos\, comenzará la acción de esta trama. La comedia clásica jugó siempre con la identidad de roles\, la sexual entre otros. La homosexualidad\, el travestismo\, el machismo\, la doble moralidad\, lo oculto y lo privado\, siempre dieron juego para las tramas. Que según el talento que estuviese detrás de ellas\, daba unos resultados y otros. \nUn poco de historia: en 1933 se estrena en Berlín\, al mismo tiempo que el nazismo toma el poder\, una comedia interpretada por una de las grandes estrellas del momento: la bella y desconocida hoy Renate Müller (1906-1937).La actriz es afectada por las nuevas directrices del gobierno y su muerte prematura a los 30 años de edad se ha convertido en otro misterio sin solución. El suceso es tal en Alemania que en 1957 se realiza una nueva versión\, que es descubierta por el cineasta Blake Edwards (1922-2010)\, uno de los mejores directores de comedia de todos los tiempos y que junto a su esposa Julie Andrews (1935) y su músico preferido Henry Mancini (1924-1994) dan vida a la tercera y más popular versión del ya antiguo tema gestado en una de las épocas mas ricas de la cultura nocturna anterior a la llegada de Hitler\, cuando Berlín era la capital de la modernidad y cuna de todas las manifestaciones artísticas. Nominada a varios Oscar en 1983\, su carrera triunfal por todo Occidente actualiza el tema del travestismo de una manera respetuosa y alejada de toda hipocresía: el ambiente gay es retratado con la mayor libertad y complicidad en otro tiempo previo a un nuevo desastre: la irrupción del SIDA (AIDS) que cambiaría para siempre la práctica libre de una sexualidad siempre apuntada con el dedo por demasiados sectores retrógrados de la sociedad. Pero la cuestión no acaba allí: en 1995 el mismo equipo lleva al teatro de New York una versión para los escenarios que triunfa inmediatamente y se ha representado hasta el presente en escenarios del globo. Un accidente médico que afecta la voz de la también protagonista Julie Andrews\, oscurece el suceso. Será reemplazada en temporadas posteriores y siempre bajo la supervisión de Edwards por las míticas Liza Minelli (1946) y la imposible (de creerla hombre) Raquel Welch (1940-2023) . Al día de hoy las condiciones de esta comedia que la hicieron clásica siguen vigentes. Su refinada costura de guión\, música\, ambiente y talento interpretativo bien merecen un nuevo acercamiento. Una película modélica de un tiempo cinematográfico que ya es pasado sobre una temática que en nuestro presente sigue sin ser aceptada como\, se supone \, debería estar: la libertad íntima de cada ser humano en hacer de su vida lo que mejor le parezca. Las películas permanecen\, los prejuicios y la ignorancia también: bienvenidos a la fiesta. \n«VICTOR / VICTORIA» / idem- EE.UU-Reino Unido- 1982 / Dirección y guión Blake Edwards\, adaptado del original de 1933 / Intérpretes Julie Andrews\, James Gardner\, Robert Preston\, Alex Karras\, Lesley Ann Warren / Música Henry Mancini / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 2hs.6 minutos. \n 
URL:https://alfredovivarelli.com/event/victor-victoria/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"GAUGUIN\, EL VIAJE DE TAHITÍ"
DESCRIPTION:Paul Gauguin (1848-1903) fue uno de los artistas más influyentes surgidos a finales del siglo XIX. Nacido en París y muerto en las Islas Marquesas su vida ha inspirado ficciones destacadas en la literatura y algunas buenas películas. La última en abordar su figura fue una producción francesa rodada en escenarios naturales del Pacífico Sur\, la Polinesia francesa y estrenada en 2017. Interpretada por uno de los actores más carismáticos del cine europeo contemporáneo\, Vincent Cassel (1966)\, esta producción aborda apenas unos pocos años de su vida. El director Deluc elige para el segundo de sus tres films hasta el momento\, reconstruir el tiempo que va entre la separación de su familia en 1891 para viajar a Tahití y su regreso dos años después. El artista que busca la inspiración de su obra lejos de la gran capital\, la idealización de los pueblos primitivos y el comprobar como la colonización europea les ha alterado sus ancestrales costumbres parecen ser el foco de interés de la narración. Que pasa abruptamente de un lugar a otro para encontrarnos al protagonista descubriendo ese nuevo mundo. Un paraiso que como todos resulta estar irremediablemente perdido aunque la pintura o la escultura se empeñen en mantenerlo vivo. La mirada del artista se posa tanto en el paisaje como en los humanos que los atraviesan\, hombres y mujeres\, niños y ancianos\, nativos y colonos\, sirven a sus intereses. Las condiciones extremas en las que acepta vivir\, la falta de dinero y la abundancia de espacio físico como compensación\, los colores de la naturaleza\, el verde del reino vegetal\, el azul de los atolones\,las embarcaciones que esperan en la distancia para los viajeros y las cercanas que llevan a la pesca\, las curvas de un cuerpo de mujer amada y el contorno del hombre joven que amenaza (y cumple) con «robarsela»\, lo europeo y lo isleño\, todo ello sirve a las intenciones del cineasta para este formidable\, intimista y poco apreciado por una critica casi siempre ciega\, elitista\, como esos hombres a los que Gauguin desprecia un siglo atrás y que el presente reproduce y mantiene sin mas cambios que los tiempos propios y las miserias de perspectivas permanentes. El trabajo actoral de Cassel y la debutante Tuhei Adams (apenas se puede encontrar registro de ella en la web seis años después de su estreno en otra muestra de clasismos imperantes también en le mundo del cine\, donde casi siempre los blancos protagonizan todo) colaboran en el viaje de apenas 90 minutos de buen cine donde la producción convoca a espectadores ávidos de propuestas que provoquen la reflexión. Otra película para rescatar del olvido en un mundo globalizado por el gusto excluyente que no sea el propuesto por las multinacionales. Todo cambia para que todo siga igual\, viajar hoy a Tahití es un lujo solo al alcance de unos pocos aventureros y otros pocos millonarios. El Paraíso sigue estando tan distante como soñado o perdido. La obra del artista\, se engrandece cada día más. El cine es bueno para la salud y la memoria. \nGAUGUIN\, EL VIAJE DE TAHITÍ / GAUGUIN\, VOYAGE DE TAHITÍ / Francia- 2017 / Dirección y guión Edouard Deluc / Intérpretes Vincent Cassel\, Tuhei Adams\, Malik Zidi / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.35 minutos.
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LOCATION:CASA RONCO\, Calle San Martín 362\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"EL FESTIVAL DE RIFKIN" (2020)
DESCRIPTION:Una película con trasfondo del mundo del cine\, ambientada en el Festival de San Sebastián\, filmada en lugares naturales además del incomparable estilo de la ciudad vasca\, es el escenario de esta comedia que Woody Allen dirigió\, escribió y no protagonizó\, donde la mirada vuelve a detenerse sobre los vaivenes de una pareja de adultos\, hastiados de la vida en común y que se enamoran de otras personas. Una temática tan antigua como efectiva cuando está bien tratada. Rifkin fue alguna vez un profesor de cine y ahora acompaña a su esposa Sue que representa actores y directores en una nueva edición de una de las grandes fiestas anuales del norte de España\,un encuentro que reúne por unos días a personas llegadas desde todos los puntos del planeta para exhibir sus trabajos\, difundir sus egos y vender sus productos. Rifkin es un señor poco agraciado físicamente que se enamora de la bella doctora que le tratará eventuales y casi siempre imaginarios problemas de salud\, mientras Sue se entretiene y despierta antiguas latencias con un pedante director francés mucho menor que ella. La música extraordinaria del eterno jazz\, los sueños del protagonista en blanco y negro\, la memoria de los grandes cineastas europeos amados por el propio Allen da pie a hermosas y breves imágenes que reinterpretan y homenajean obras clásicas de Fellini\, Bergman\, Welles\, Buñuel o Godard. Cercano a los noventa años de edad\, el director realizó su última obra ante la indiferencia de los productores norteamericanos que\, argumentando cuestiones judiciales de ambiguas interpretaciones\, dieron la espalda a uno de los mayores artistas del país. Quién no por eso ha bajado los brazos y continúa haciendo lo que mejor sabe\, el cine. La obra de Allen se compone de grandes\, medianas\, mediocres y malas piezas que le devuelven su condición humana más allá de mitificaciones pertinentes que da dimensión a la trayectoria de cualquier artista verdadero. Esta obra número 49 entre los trabajos estrenados como director es una pieza tan pequeña como deliciosa\, redonda y sencilla\, alejada de pretensiones experimentales y cercana a un canto de amor. Pero ya ha filmado en París su opus número 50. Una cifra redonda. \n«EL FESTIVAL DE RIFKIN» / RIFKIN’S FESTIVAL» / España-Italia- EE.UU.- 2020 / Dirección Woody Allen / Intérpretes Wallace Shawn\, Gina Gershon\, Elena Anaya\, Louis Garrel\, Sergi López / Versión original con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h. 28 minutos\,
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"BLANCA COMO LA NIEVE"
DESCRIPTION:Los Hermanos Grimm publicaron en 1812 uno de sus famosos relatos que\, desde entonces hasta el presente\, ha sido de los más populares del mundo. Los cuentos que terminaron llenando bibliotecas infantiles con argumentos siempre sombríos  difundidos desde lo oral\, pasando por las imágenes audiovisuales y regresando a las letras\, su territorio fundacional. El cine cuenta con adaptaciones de la literatura desde sus orígenes (Julio Verne en las películas de Meliés) hasta el presente\, con decenas de adaptaciones para la gran pantalla y también para la televisión. Blancanieves está en el primer largometraje de dibujos animados estrenado (después de años de producción bajo el mando de Walt Disney) en 1937\, convirtiéndose en la película más vista de esa temporada y reproducida en todos los formatos posibles desde entonces. En 2019 la cineasta Anne Fontaine (1959)\, quien ha dirigido desde 1993 una veintena de largometrajes\, realiza su personal abordaje del clásico Grimm: la joven Claire hereda un negocio de su padre a la vez que una enorme rivalidad con su madrastra Maud\, celosa de los encantos de la hijastra. El paso de los años y la pérdida del atractivo sexual\, llevan a la perversa madrastra a ejecutar su plan de venganza. Pero Claire no muere como ella desea sino que se esconde e inicia una nueva vida en un pequeño pueblo de la montaña. Los irresistibles encantos de la bella heredera despertarán los deseos de siete lugareños que no son ni príncipes ni enanos\, al menos la mayoría. Toda funciona bien hasta que Maud descubre el paraíso donde vive la hijastra. Y la venganza final será su objetivo principal. La cineasta francesa utiliza un relato clásico de la literatura para abordar una temática que\, por humana\, jamás caduca: los celos enfermizos\, la rivalidad absurda\, el envejecimiento y el dinero que no es suficiente para paliar este drama aunque caiga en grandes cantidades\, la sexualidad efervescente que no conoce de límites\, el deseo de posesión del hombre\, sirven a los intereses de la cineasta para desembocar en un producto tan irregular como sugerente\, transgresor y divertido. La interpretación de la joven Lou de Laage y la composición de la siempre brillante Isabelle Huppert\, especialista en malvadas de toda especie\, unidas a un elenco de siete caballeros que rodean a la protagonista\, más un príncipe tan distante como discutible\, dan pie a una espléndida sátira sobre los comportamientos del occidental actual\, que no parece diferir en demasía de los tiempos en que el relato fue publicado. Porque lo que cambian finalmente son los paisajes\, las geografías y los siglos pero no la esencia: lo que fue tema inspirador de literatura sigue siéndolo también hoy de su hermano más joven: la cinematografía. \n«BLANCA COMO LA NIEVE» / BLANCHE COMME NEIGE / Francia-2019 / Dirección Anne Fontaine / Intérpretes Lou de Laage\, Isabelle Huppert\, Charles Berling / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.52 minutos.
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LOCATION:BIBLIOTECA PÚBLICA MONSEÑOR CANEVA\, Bolivar 473\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"JUNIPER: INGREDIENTE CLAVE PARA BEBER GINEBRA".
DESCRIPTION:El enebro (juniper en inglés) brinda unos frutos que sirven para un cóctel de ginebra ideal. Así lo piensa Ruth\, una fotógrafa de guerra jubilada que viaja desde Inglaterra hasta la lejana Nueva Zelanda para pasar una temporada junto a su único hijo Robert\, viudo que vive en compañia del adolescente Sam. La relación entre los tres familiares es casi inexistente y la enfermera Sarah será testigo de lo que suceda en los siguientes días y semanas. La acción transcurre durante los años noventa\, antes de la irrupción de celulares y redes sociales que transformaron la vida de todos. Un paisaje deslumbrante donde los descendientes de los pueblos originarios de las islas mantienen sus tradiciones mezcladas con la herencia colonial y de donde provienen los mejores amigos del conflictuado nieto de la colérica abuela\, empedernida bebedora de gin y anhelante de tiempos pasados. Una película que recupera la mirada sobre un pequeño grupo familiar de tres generaciones alejados de todo convencionalismo y cuyas leyes irán imponiéndose a medida que la acción avanza. Del rechazo inicial al descubrimiento de los gustos comunes\, la historia de los protagonistas luce original\, divertida\, emotiva\, con el drama siempre escondido detrás de un humor inteligente y muchas veces de color negro. Un ping pong dialéctico brillante se establece entre la mujer que todo lo ha vivido y el joven que recién comienza su andadura hacia la madurez. La música acompaña la descripción de un paisaje fabuloso\, sereno\, de belleza atemporal. Las emociones atraviesan el relato y la sonrisa no está reñida con la lágrima\, pero alejada de toda sensiblería barata. Una narración controlada por la mano firme de un cineasta joven\, como dos de sus protagonistas\, y una actriz ya legendaria: la británica Charlotte Rampling (1946)\, mujer de carrera iniciada en 1965 e imparable hasta la actualidad. Uno de los rostros más bellos del cine occidental que no ha temido envejecer ante los lentes de la cámara. Sin cirugías de ningún tipo\, el cuerpo de Rampling y su extraordinario rostro ha tenido la enorme cualidad\, minoritaria en estos tiempos\, de la aceptación del paso de los años\, lo cual le ha permitido adaptarse década tras décadas a los más variados personajes. Por este\, recibió uno de los tantos premios acumulados a lo largo de su trayectoria. Desde su fugaz irrupción en los sesenta en «El knack…y cómo lograrlo» de Richard Lester\, hasta sus trabajos italianos con Luchino Visconti\, Patroni Griffi o Liliana Cavani\, o los franceses con Ozon\, Oshima\, Lelouch\, o los norteamericanos junto a Woody Allen\, Paul Newman o Robert Redford\, la filmografía Rampling es una de las más luminosas de sus contemporáneas. Y su interpretación de Ruth demuestra como el buen cine permanece en el rostro de las grandes figuras. \n«JUNIPER» / idem- Nueva Zelanda / Dirección Matthew J.Saville / Intérpretes Charlotte Rampling\, George Ferrier\, Morton Csokas\, Edith Poor / Color / Versión original con subtítulos en castellano/ Duración 1h.34 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:"REINAS"
DESCRIPTION:«En España el matrimonio igualitario se aprobó en 2005: a partir del 3 de julio de ese mismo año\, se permitía el matrimonio entre personas del mismo sexo y\, como consecuencia\, todos los derechos que ello suponía: adopción conjunta\, herencia y pensión.» \nEsta información que aparece en internet coincide con el mismo año de producción del film «Reinas» que utiliza el contexto para ubicar la trama del film: en la ciudad de Madrid coinciden cinco madres diferentes que no se conocen entre ellas para asistir a la primera boda múltiple entre personas del mismo sexo. Se suman seis hijos\, el padre de uno de ellos y otros que dan lugar al relato coral. Este\, uno de los ejercicios más complejos dentro del género\, está dirigido por Manuel Gómez Pereira (1958)\, uno de los realizadores hispanos talentosos surgidos durante la década de los noventa que aporta al panorama cinematográfico una firma muy definida\, coronada con el enorme suceso popular de sus primeras obras estrenadas entre 1992 y 1999: seis comedias que fueron alcanzando un refinamiento en su engranaje y quedan\, treinta años después\, como testimonio de ciertos aspectos de una sociedad cosmopolita. El cineasta siempre trabajó sobre temáticas serias que al ser dibujadas desde la comedia le permitió reflexión diferente a los espectadores. Su producción fue decayendo con los años y a partir del estreno de esta película marcó un notable descenso en la aceptación popular a pesar de la calidad obtenida. Misterios del público y sus preferencias. \nMagda ( Carmen Maura\, 1945) regenta un exclusivo hotel para gays\, Ofelia ( Bettiana Blum\, 1939) ha dejado su negocio en Buenos Aires y es una experta cocinera\, Reyes (Marisa Paredes\, 1946) es una famosa\, caprichosa y rica estrella de cine\, Helena (Mercedes Sampietro\, 1947)  una jueza con formación conservadora y Nuria (Verónica Forqué\, 1955-2021) una mujer con traumas sexuales que han condicionado su vida. Sus hijos\, más el de Jacinto (Lluis Homar\, 1957) serán protagonistas de la primera y múltiple boda a celebrar. Todos estos personajes dan vida a un mundo de situaciones que nos acercan a escenarios de lujo como espacios determinantes\, y a otros menos donde las acciones se cruzan delicadamente y permiten al espectador disfrutar en grande gracias a la interpretación de un plantel de intérpretes maravillosos donde las cinco reinas citadas serán las estrellas sobre las que giran las cinco historias para confluir como corresponde en un acto que les reúna a todos. El final\, pondrá a cada una de ellas\, como al inicio\, en su lugar correspondiente desde donde continuarán sus propias vidas. La reflexión tan humana como dolorosa que al final expresa la adorable Nuria\, otra vez en un tren de alta velocidad que vuelve a alejarla será la guinda de la torta y una síntesis ejemplar para una gran película jamás estrenada oficialmente en Argentina que nos recuerda al cine más puramente clásico. \n«REINAS» / España-2005 / Dirección Manuel Gómez Pereira / Intérpretes Verónica Forqué\, Carmen Maura\, Marisa Paredes\, Mercedes Sampietro\, Bettiana Blum\, Gustavo Salmerón\, Hugo Silva\, Daniel Hendler\, Paco León\, Raúl Jiménez\, Unax Ugalde\, Lluis Homar\, Tito Valverde\, Jorge Perugorría / Color / Versión original / Duración 1h.45 minutos. \n 
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