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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-muerte-en-venecia/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "FALLING"(2020).
DESCRIPTION:El actor Viggo Mortensen (New York-1958) debutó como guionista y director con este título de escasa difusión a pesar del enorme valor que posee. Los actuales tiempos del visionado cinematográfico están definiendo nuevos e imparables caminos en la distribución de cientos de films rodados en todo el planeta. Ha recurrido a fuentes relacionadas con su pasado para construir una narración que no por ello debe verse como autobiográfica: un hombre maduro recibe la visita en su casa de su anciano padre. Los caracteres de ambos son\, y fueron siempre\, dispares\, opuestos\, conflictivos. Los años parecen haber traído la capacidad de reflexión solo para el mas joven de ellos\, mientras el otro parece haber potenciado al máximo los puntos mas negativos de su personalidad. Un tema siempre apasionante para la reflexión cinematográfica que sirve al cineasta para introducir cuestiones muy relacionadas al presente de las sociedades occidentales\, las cuales parecen retroceder en muchos aspectos paralelamente a logros resultantes tras siglos de confrontación. El conflicto está cantado: la sexualidad sigue perturbando conciencias a la par de los mencionados progresos. Mortensen entrega el rol de Willis\, padre violento admirador del peor modelo masculino\, a un actor de reparto con mas de 200 películas a sus espaldas desde los años setenta cuando debutó en Hollywood: Lance  Henriksen (1940)\, quién destacó en films de ciencia ficción y terror de los 80 como «Terminator» (1984)\, «Aliens\, el regreso» (1986) y decenas de productos de toda clase\, En esta ocasión encuentra la oportunidad de demostrar el enorme potencial que su talento posee dando vida a uno de los grandes personajes masculinos del cine actual. El término «falling» tiene las siguientes traducciones al español:como adjetivo significa el que cae\, descendente. Como sustantivo\, la debilitación\, aplicable al envejecimiento tanto del padre como del hijo y a una fragilidad común que les ha arruinado la relación en el pasado dejando una enorme herida en el presente\, bajo el interrogante de una posible recuperación\, que no cura total\, como parece sugerir el director\, más un deseo latente que una posibilidad. Una historia tan humana y antigua como vigente que nos trae la confirmación del talento enorme de un actor que pisa fuertemente como escritor\, productor y realizador. Lo opuesto a una caída. Una gran película para cinéfilos que ansíen la reflexión y la calidad de un cine adulto además de entretenido. Un desafío\, como los citados en la presente crónica. Seremos menos pero somos mas resistentes. \n«FALLING» / 2020 / EE.UU.-Canadá- Reino Unido / Dirección y guión: Viggo Mortensen / Intérpretes Lance Henriksen\, Viggo Mortensen\, Laura Linney\,Terry Chen / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 52 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-falling2020/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "AMOR SIN BARRERAS" / WEST SIDE STORY (2021)
DESCRIPTION:Steven Spielberg (1946) dirige películas desde su infancia. Con 23 años debuta en el cine profesional con producciones para televisión y desde 1974 hasta el presente ha estrenado decenas de títulos: sucesos clásicos como «TIBURÓN» (1975)\, «ENCUENTROS CERCANOS DEL TERCER TIPO» (1978)\, la saga de Indiana Jones desde 1981\, «E:T::EL EXTRATERRESTRE» (1982) \, «PARQUE JURÁSICO» (1993). También obras de otros géneros como «EL COLOR PÚRPURA» (1985)\, «LA LISTA DE SCHINDLER» (1993)\, «SALVAR AL SOLDADO RYAN» (1998)\, «MUNICH» (2005) o «LINCOLN»(2012). En 2021 presentó su penúltimo film\, una nueva versión de un clásico del cine de 1961: «WEST SIDE STORY» o «AMOR SIN BARRERAS» en lengua castellana. Basada en el original teatral estrenado en 1957 en Nueva York que se convirtió en suceso y tuvo su adaptación cinematográfica cuatro años después\, la trama es una adaptación moderna del inmortal «Romeo y Julieta» (1597) de William Shakespeare\,donde una joven de origen extranjero se enamora de un hombre norteamericano y pobre. Cada cual pertenece a una pandilla que lucha por mantener bajo su control las calles del barrio que habitan. Spielberg recupera aspectos suavizados en la primera versión y consigue una historia que conecta con el presente\, cuando el racismo en todas sus expresiones no para de avanzar en todo Occidente. Pero\, al hacerlo utilizando los elementos cinematográficos mas nobles\, unido con su inmenso talento\, obtiene la proeza de una película tan buena como la original\, incluso para muchos sectores críticos\, superior. No importa\, ambas forman parte ya de lo mejor del arte cinematográfico. Los textos se intercalan con letras de canciones ya tan universales como «Quiero vivir en América»\, «Tonight»\, «Maria» o la grandiosa «Somewhere» que forman parte del repertorio de la música clásica\, popular y universal. Las coreografías y sus ritmos generan en el espectador tanto la admiración como el deseo de levantarse y ponerse a bailar. Los intérpretes\, todos jovenes\, hablan castellano e ingles ininterrumpidamente\, dotando de verosimilitud a las criaturas que interpretan: Maria y Tony mas Bernardo\, Anita\, Riff y los otros atraviesan la imagen a puro ritmo y baile en un paisaje espectacularmente recreado: los barrios periféricos de la gran ciudad en los años cincuenta. La cámara del cineasta nos ofrece una lección de arte cinematográfico en estado puro y propone una vez mas el debate sobre el mismo. La recuperación del mejor norteamericano\, distante pero hermano del típico de entretenimiento y pochoclo que reina hoy en salas de cine y en domicilios particulares con televisores cada vez mas grandes pero que ubican al espectador en un espacio (el hogar) solitario. «WEST SIDE STORY» debe verse en pantalla grande y\, fundamentalmente\, en compañía de otros. Las fiestas\, y el arte también\, tienen entonces\, un mejor sabor. \n«WEST SIDE STORY» /»AMOR SIN BARRERAS» /2021-EE.UU/ Director Steven Spielberg /Sobre original de Sondheim y Bernstein / Intérpretes Rachel Zegler\, Ansel Elgort\, Ariana DeBose\, Rita Moreno / Hablada en inglés y castellano con subtítulos en castellano/ color / Duración 2hs.30 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/2205/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE:"NEGACIÓN" (2016).
DESCRIPTION:Hay palabras que pueden sumar al intentar definir una época: en la nuestra\, una de las mas probables sería NEGACIONISMO. Si buscamos definiciones en la web\, encontraremos que todas remiten a lo siguiente: es una actitud contraria de grandes sectores de la población ante hechos históricos o científicos empíricamente demostrados. También «un acto irracional que niega evidencias a favor de una mentira mas tolerable». O una posición ideológica con la que enfrentar al mundo. Ejemplos podrían ser\, desde la curvatura del planeta Tierra hasta el cambio climático bajo la influencia de la actividad humana\, la pandemia de Covid 19 o del VIH/ Sida\, y en el caso que nos ocupa en esta película\, la propia existencia del Holocausto\, drama monstruoso gestado y ejecutado por el nazismo noventa años atrás\, que podría ampliarse en nuestro país a los sectores que niegan el exterminio de la última dictadura militar\, amparándose o no en la cifra de los 30.000 desaparecidos. \nEn los años 90 el gobierno norteamericano del presidente Clinton contó entre sus asesoras en temas históricos con la especialista y escritora Deborah E.Lipstadt\, autora de textos emblemáticos sobre la cuestión\, que fue demandada por el negacionista David Irving\, triste exponente humano de la capacidad para la mentira y la manipulación sobre temas fundamentales. La fake new o noticia falsa\, complemento necesario\, es herramienta importante para la construcción de ese «otro mundo» donde las cosas parecen estar definidas al gusto de cada cual. Algo que no por disparatado e irracional deja de ser moneda mas que corriente en nuestro presente. De estos sucesos nació un guión cinematográfico que fue película estrenada en 2016. Dirigida por un director llegado de la televisión británica\, está actuada por un trío de enormes intérpretes de esa nacionalidad: Rachel Weisz\, Tom Wilkinson y Timothy Spall\, nombres fundamentales del mejor cine de los últimos veinte años\, quienes en esta ocasión dan vida a personajes reales aún en activo\, cada cual con sus posiciones. Una película perteneciente al género testimonial-histórico que devuelve a la cinematografía a su lugar de arte para la reflexión\, permitiendo al espectador algo mucho más allá del puro entretenimiento. Las diferentes temáticas que atraviesan todo aparato social cobran otra dimensión cuando son abordadas por el cine\, a veces con mayor suerte que otras\, pero en todo caso poseen la virtud de transformarse en mosaicos de una estructura mas compleja que podrá\, en el futuro\, ser abordada cuando se intente tener visiones de cada época\, de las cuales la cinematografía es testigo indispensable para el progreso. El reciente suceso de una película argentina que trata sobre un juicio histórico llevado a cabo en 1985 o la ficción alemana que recrea la suerte de los soldados en la Primera Guerra Mundial\, dan fe de ello. \n«NEGACIÓN» / Denial-Reino Unido- EE.UU.-2014 / Director Mick Jackson / Intérpretes Rachel Weisz\, Tom Wilkinson y Timothy Spall / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h.49 minutos.
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SUMMARY:CINE:"LA MONTAÑA ENTRE NOSOTROS".
DESCRIPTION:Esta es una historia de supervivencia en una situación y un entorno hostil y poco visitado\, basada en un exitoso libro de Charles Martin del mismo título. Una fotógrafa que debe casarse al día siguiente y un cirujano al que espera la operación de un niño de 10 años\, se ven envueltos en una historia imprevista y deberán recurrir a todas sus armas para sobrevivir. Filmada en escenarios naturales de Canadá e interpretada por dos grandes figuras británicas\, dirigida por un valioso cineasta de Israel\, autor de dos films memorables sobre cuestiones políticas de su tierra\, este es su primer trabajo en el exterior. El duo protagonista cuenta con la compañia de un perro que les ayudará en la busqueda de tierra firme\, y que se convierte en tercer integrante del equipo. Los lazos humanos van atando la suerte de Alex y Ben\, mujer de piel blanca y hombre de piel negra con pasados diferentes que quedan anulados hasta nuevo aviso. Una película que nos habla de cuestiones fundamentales para el ser humano como son la amistad\, la fuerza para continuar y también para enfrentar el deseo de abandonar ante el agotamiento. Una película injustamente desconocida que merece ocupar un lugar de importancia en el actual cine producido en Hollywood\, ese que no cuenta con nominaciones ni premios\, pero que en muchas ocasiones resultan superior a los que los obtienen. Una historia de amor\, contada por enésima vez\, pero bien resuelta y mejor interpretada por Kate Winslet (1975) la recordada protagonista de «Titanic» y una de las mas grandes actrices\, y bellas\, de la Historia del Cine. Una mujer con un extraño don para elegir buenas películas y desafiar convenciones de todo tipo. \n«LA MONTAÑA ENTRE NOSOTROS» / The mountain between us / EE.UU. 2017 / Director Hany Abu-Assad / Intérpretes Kate Winslet\, Idris Elba\, Beau Bridges\, Dermot Mulroney / Color / En Versión Original con subtítulos en castellano / Duración 1h.52.minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "SOYLENT GREEN / CUANDO EL DESTINO NOS ALCANCE"
DESCRIPTION:La industria del cine de EE.UU. que es Hollywood\, Nueva York y muchos otros lugares\, generó modelos de producción que fueron repetidos y copiados en el resto del mundo. Y parte de su poderío consistió en la diversidad de temáticas para llegar a la mayor cantidad de público posible: el drama y la comedia\, las más generalizadas (herencia de la antigüedad) estuvieron acompañados por el policial (y sus variantes\, cine negro\, suspense\, acción)\, el bélico\, el western\, el musical y un vago mundo de la fantasía que abarcó entre otros\, a un género extraordinario y curiosamente relegado por amplias mayorías que lo consideran inferior: la ciencia-ficción. En la literatura\, que antecedió al cine\, se habla del «Frankenstein» (1818) de Mary Shelley como pieza fundacional del particular: un científico procura y logra dar vida a un cuerpo muerto con la ayuda de la energía que consigue atrapar de las tormentas eléctricas. Trás la aparición de Jules Verne (1828-1905) y sus extraordinarias ficciones generadas muchas veces a partir de los avances científicos\, H.G.Wells (1866-1946) y sus extraterrestres o máquinas que permiten viajar en el tiempo\, arribamos al primer intento del cine en trasladar este mundo a las imágenes: en 1902 el gran Melies\, a 7 años de la primera proyección cinematográfica\, nos ilustra un primer viaje a la Luna de hombres que viajan en cohete para encontrar\, sin casco ni oxígeno extra\, a los habitantes de nuestro satélite. A partir de allí y hasta los años cincuenta\, los intentos son varios\, pero será realmente a partir de esta década donde las películas de ciencia-ficción se instalarán como género competitivo de otros. «La guerra de los mundos» o «El increíble hombre menguante» son dos obras destacadas de esos años\, y en los sesenta van perfeccionándose los efectos especiales hasta llegar al año 1968 cuando se estrenan dos películas cumbres\, aún vigentes y desde entonces homenajeadas hasta la saciedad: «El Planeta de los Simios» y «2001: una odisea del espacio». Un viaje interplanetario que desemboca en un mundo gobernado por monos inteligentes y un extraño monolito descubierto en la Luna que deparará cuestiones filosóficas e interrogantes aún vigentes. \nLos años setenta marcan un nuevo escalón con obras también excepcionales y aquí me detengo en el film seleccionado. El realizador Richard Fleischer \, quien cuenta con una película anterior y clásica del género («Viaje Fantástico»- 1966)\, estrena en 1973 «Soylent Green»\, conocida en Argentina como «Cuando el destino nos alcance»\, que está basada en una novela llamada «¡Hagan sitio\, hagan sitio…!»\, publicada en 1966 por su autor\, también guionista de la película\, Harry Harrison. Los autores\, influenciados por un tema muy recurrente en aquellos años\, el miedo a la superpoblación mundial\, imaginan un futuro localizado varias décadas después…¡que no es más que nuestro reciente 2022!. En ese mundo imaginado\, el deterioro climático y la desproporcionada cantidad de humanos han generado una sociedad caótica donde solo el uso de la fuerza logra mantener a raya a tanto hambriento desesperado. En ese entorno\, en una gran ciudad\, la policía investiga la muerte del importante CEO de una de las mayores empresas. La excusa para desarrollar una apasionante historia que cambia sustancialmente la trama del original\, y la enriquece. Dos personajes masculinos son el eje de la narración: un policía especial y un hombre muy mayor que añora el mundo perdido. Una mujer elegante que también puede ser una prostituta de lujo\, y otros personajes secundarios\, completan la apasionante trama de la película\, considerada hoy no solo una obra capital de la ciencia-ficción sino uno de los grandes títulos del cine de la década de los setenta. Su visión\, cinco décadas más tarde\, no hace otra cosa que aumentar su capacidad de fascinación\, a la vez que se convierte en un enorme y peligroso espejo donde podremos mirarnos y reflexionar los ciudadanos de este 2023\, que habitamos\, de una forma u otra\, un mundo imaginado tiempo atrás. El futuro entonces\, simplemente ha llegado. \n«CUANDO EL DESTINO NOS ALCANCE» / SOYLENT GREEN / EE.UU. 1973 / Dirección Richard Fleischer / Interpretes Charlton Heston\, Edward G. Robinson\, Leigh Taylor Young\, Chuck Connors\, Joseph Cotten\, Paula Kelly / Basada en la novela de Harry Harrison / Color / Versión Original con subtítulos en castellano / Duración 1h.35 minutos.
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SUMMARY:CINE: "ADIOS A LA NOCHE"
DESCRIPTION:Muriel maneja una granja donde cría caballos. La vida rural la llena de satisfacciones y espera con ansias la llegada de su nieto Alex. El joven está dispuesto a emigrar a Canadá y los días finales antes del viaje depararán a su abuela más de un interrogante. El conocer a las personas desde su nacimiento no es garantía de saber en quienes se transformarán con el paso de los años. El cineasta André Téchiné (1943)\, cineasta en activo desde 1969 y autor de una sólida obra\, dirige por octava vez desde 1981 a la legendaria actriz Catherine Deneuve (1943)\, una de las artistas clásicas europeas con más de seis décadas de trabajo en su currículum. En esta ocasión da vida a Muriel\, una mujer mayor\, independiente y vital que organiza el funcionamiento de una empresa en el interior de Francia. La extrañeza ante los nuevos comportamientos de su nieto hará que toda su energía se concentre en solucionar un conflicto que parece escapar de sus manos. La obra permite al director enfrentar una vez más uno de sus temas favoritos: la juventud. Esta vez con ingredientes como la práctica extrema de las religiones y el fenómeno de la inmigración del mundo musulmán hacia Europa\, realidad que atraviesa el panorama francés desde mediados del Siglo XX\, permitiendo la suma de varias generaciones que forman ya parte de la diversidad y el entramado socio-económico. La película fue presentada en el Festival de Cine de Berlin donde obtuvo gran apoyo tanto del público como de la crítica. La escasa difusión actual de otro cine que no sea el norteamericano en nuestro país\, ha roto con una tradición de años\, la de tener la posibilidad de contemplar películas de este tipo\, un cine comprometido con la realidad que inspira diferentes ficciones. Por otro lado las televisiones y plataformas digitales\, tampoco son prolíficas en este sentido\, contando escasas excepciones. Las salas que desarrollan actividades culturales de todo tipo se convierten entonces en un espacio idóneo para poder disfrutarlas. \n«EL ADIÓS A LA NOCHE» / L’ADIEU A LA NUIT / Francia-2019 / Dirección y guión André Téchiné / Intérpretes Catherine Deneuve\, Kacey Mottet Klein\, Oulaya Amamra / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.44 minutos.
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LOCATION:CASA RONCO\, Calle San Martín 362\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL IMPERIO DE LA LUZ"
DESCRIPTION:El realizador Sam Mendes (1965) debutó con «Belleza Americana» (American beauty) en 1999 y se consagró instantáneamente\, obteniendo premios y repercusión en todo el mundo. Ahora estrena su última película que narra la historia de unos personajes que habitan una sala de cine en el sur de Inglaterra en los primeros tiempos del gobierno de Margaret Thatcher\, de quién la película parece tener un recuerdo poco grato. De la mano de Hillary\, la mujer encargada del funcionamiento del lugar llegan los demás que la acompañarán en su devenir entre pantallas blancas e intimidades de todo tipo. El cineasta describe con precisión a sus criaturas así como retrata el tiempo de inicio de la decadencia de los cines como consecuencia de la aparición de nuevos formatos tecnológicos para disfrutar en el hogar. Las cuatro décadas transcurridas desde la acción del film\, le sirven para reflexionar sobre la capacidad de fascinación sin igual de las salas oscuras\, sobre la importancia del haz de luz que emana del proyector\, las butacas confortables y el placer de visionar una obra cinematográfica desde ese privilegiado lugar. Amorosamente nos introduce en esas tinieblas mágicas\, uno de los inventos más impresionantes del ser humano desde hace ya más de un siglo. \nEl recuerdo del film de Tornatore\, el ya clásico «Cinema Paradiso» (1988)\, puede presentarse al contemplar esta nueva obra. Con estilos diferentes\, ambas homenajean un hábito hoy disminuido cuando no desaparecido en la mayoría de las poblaciones de todos los países. El cineasta londinense introduce otra vía de reflexión: el racismo\, con el rechazo a la piel negra como distintivo de esta siniestra realidad\, siempre presente en las mentes retrógradas que no conocen de clase social y que actuales partidos políticos llevan como bandera a pesar de su intención de esconderla. La inmigración también aparece en la historia y otras cuestiones que atraviesan las sociedades occidentales\, que viven un tiempo de retroceso después de haber alcanzado logros fundamentales para la tolerancia entre humanos. \nEl cine entonces\, vuelve a convertirse en expresión que va mucho más allá del puro\, mero y vacío entretenimiento. A pesar de todos estos méritos\, EL IMPERIO DE LA LUZ\, no alcanzó el suceso público ni mucho menos el apoyo crítico\, otro espacio que hoy parece estar más en crisis que nunca. Quienes nos acompañen en la función\, podrán descubrir con mirada propia los méritos de una película tan hermosa como imperfecta\, carne de cine de culto desde este mismo instante. La actuación de Olivia Colman\, enorme intérprete actual\, redondea un equipo de excelentes figuras. En Cine con inquietudes está condenado a permanecer. Que así sea. \nEL IMPERIO DE LA LUZ / EMPIRE OF LIGHT / Reino Unido-2022 / Director Sam Mendes / Intérpretes Olivia Colman\, Micheal Ward\, Colin Firth\, Toby Jones / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.55 minutos.
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SUMMARY:"PRIMAVERA EN BEECHWOOD".
DESCRIPTION:El título original refiere al día de la madre en Inglaterra\, al menos la de 1924 cuando transcurre la acción de esta película de una cineasta contemporánea\, la francesa Eva Husson (1977) \, también escritora. Debutó en 2013 en la dirección y en su breve filmografía se encuentran diversidades territoriales y temáticas dentro y fuera de su tierra natal. En su viaje a las islas británicas nos cuenta la historia de Jane\, una joven huérfana al servicio de una familia de la aristocracia inglesa que ha perdido a sus hijos en La Primera Guerra Mundial. Trabajadora incansable pero también mujer lúcida y en la vanguardia del pensamiento de su tiempo\, es una incipiente escritora que hace compatible su labor con esta dedicación  a la par de mantener un fogoso romance con el hijo de otros ricos vecinos. Desde ese lugar de testigo lúcido de la realidad\, la cineasta construye un brillante y delicado retrato femenino y mosaico social. Un mundo de hace un siglo adquiere entonces modernidad y propone puentes con el presente. La relación con sus patrones\, compañeros de trabajo\, amistades\, la clandestinidad amorosa\, la sexualidad sin tapujos\, la llegada de un hombre negro a su vida\, el paso del tiempo hasta convertirse en escritora consagrada. Un ida y vuelta en el tiempo que también es retrato de un siglo XX siempre rico en propuestas y que nos devuelve a nosotros espectadores la posibilidad de contemplar una obra cinematográfica alejada del puro convencionalismo. Con actores jóvenes que protagonizan y consagrados famosos que cumplen roles secundarios siempre brillantes\, esta cuarta inmersión de Husson en la dirección la posiciona como un talento sensible a tener en cuenta entre este verdadero y no tan silencioso ejército de mujeres detrás de la cámara\, desde el lejano Japon hasta nuestra Argentina\, pasando por cercano Oriente\, África y la Europa de siempre\, que no cesa en recordar que el cine es una poderosa arma de difusión masiva de lo mejor de la cultura global. En cuanto a los intérpretes destacar el regreso a la pantalla grande después de tres décadas de retiro de una de las grandes actrices de todos los tiempos\, la inolvidable Glenda Jackson\, reina absoluta de los años setenta e inspiradora de artistas como Julio Cortázar\, quién le dedico uno de sus memorables cuentos. Mas Olivia Colman\, digna sucesora de una tradición incansable de mujeres sobre el escenario o la pantalla\, grande y pequeña. Una película para disfrutar. \n«MOTHERING SUNDAY» / Alemania- Reino Unido-2021 / Dirección Eva Husson / Intérpretes Odessa Young\, Josh O’Connor\, Sofé Dirisu\, Colin Firth\, Olivia Colman\, Glenda Jackson / Color / basada en la novela homónima de Graham Swift / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.44 minutos.
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SUMMARY:EL PLACARD
DESCRIPTION:El cineasta Francis Veber realizó doce largos desde que se consagró con el suceso de «El Juguete»\, interpretado por uno de los comediantes más populares\, Pierre Richard. Junto a él y a Gerard Depardieu filmó algunas de las películas más exitosas de los ochenta (Le Chevre\, Compadres\, Dos Fugitivos). Luego vinieron algunos fracasos que cerraron su carrera en 2008. Pero en el medio logró dos importantes triunfos: en 1998 con «La cena de los idiotas» y en 2001 con «El Placard»\, ambas comedias modélicas y ya clásicos del género en versión francesa. «El Placard» nos relata la vida diaria de un empleado sin brillo en una gran empresa: Francois es un ser gris y aburrido de cara a sus compañeros y tampoco en la vida privada parece tener mejor aceptación. Para evitar ser despedido ante los recortes laborales que amenazan (tema siempre aterrador para cualquier laburante) alguien propone que se difunda un rumor sobre su persona: es homosexual y si se confirma que esa es la motivación\, el escándalo afectará a la cúpula empresarial en caso de concretar el despido en un tiempo de avances en causas de reivindicaciones de derechos. Para evitar que todo se complique\, el engranaje de la comedia estará servido. Humor y sonrisa habilitan la exposición de cuestiones poco divertidas. Desde el cine mudo con Keaton\, Linder o Chaplin hasta la actualidad\, el género cuenta con masivo apoyo del público. En ocasiones como esta\, sirve como espacio de reflexión sobre lo que algunos no quieren oír ni debatir: a dos décadas de su estreno la película propone pensar en avances y en retrocesos en cuestiones que se creen ganadas. El derecho a la intimidad\, al libre pensamiento y acción\, a esa sexualidad aun tan cuestionada por amplios sectores conservadores\, encuentran en la obra de Veber una interesante vigencia. El trabajo del cuarteto protagonista\, rostros imprescindibles del cine francés\, contribuye al disfrute de esta obra. En menos de 90 minutos de duración el realizador demuestra que el engranaje es mas que efectivo. Una película también puede ser una fiesta\, y esta lo es: ideal para salir de todos los placares posibles y pasarlo bien en compañía de otros y otras. \nLE PLACARD / Francia-2001- Dirigida y escrita por Francis Veber / Intérpretes Daniel Auteuil\, Gerard Depardieu\, Jean Rochefort\, Thierry Lhermite\, Michele Laroque / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.24 minutos.
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SUMMARY:CINE DE OTOÑO: "ESPÍAS\, TODOS ESTAMOS VIGILADOS".
DESCRIPTION:El Museo Etnográfico y Archivo Histórico Enrique Squirru retoma la temporada 2023 con el Ciclo de Cine de Otoño\, ofreciendo en esta ocasión una serie de tres largometrajes que abordan un tema siempre vigente como es el del espionaje. Su título es «ESPÍAS\, TODOS ESTAMOS VIGILADOS»\, que es también el slogan de la promoción de uno de los films seleccionados y que sirve adecuadamente a su enunciado. La intención es acercar al espectador una mirada más centrada en la condición humana de las personas que se dedican a estas tareas secretas que nos terminan afectando a todos en nuestras realidades\, a pesar del desconocimiento o negación que de ello se haga. A la vez que propone apartarse del puro cine de acción (James Bond\, Bourne\, Misión Imposible\, etc\, etc\, etc\,) que encontró en estas temáticas un filón siempre renovado. Las actuales plataformas donde se pueden ver nuevas propuestas no son ajenas a esta cuestión\, incluso habiendo llegado a abordar cuestiones recientes de nuestra Argentina con series que indagan en realidades ya no tan secretas («El fiscal\, la presidenta y el espía» o «Iosi\, el espía arrepentido»). \nLas funciones serán los tres primeros viernes del mes de mayo. Un cine con contenido que a través de tres muestras escogidas entre decenas\, permitirá tanto un acercamiento como una reflexión sobre una cuestión que en el presente nos afecta a todos: una gran película alemana para volver a ver\, un clásico del cine que se demuestra ejemplar y una obra actual muy poco difundida forman parte de la trilogía conformada. Los esperamos para disfrutar juntos del buen arte cinematográfico. \nPROGRAMACIÓN: \nVIERNES 5.5.2023: \n«LA VIDA DE LOS OTROS» / DAS LEBEN DER ANDEREN / Alemania-2006 / Dirección Florian Henckel von Donnersmarck / Intérpretes Ulrich Mühe\, Martina Gedek\,Sebastian Koch / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 2hs. 17 minutos. Una mirada sobre la última década de existencia de la República Democrática Alemana\, sus primeros cambios tras la caída del Muro de Berlín y su desaparición como nación ante la unificación alemana. En ese contexto se teje la historia entre un capitán de la Stasi (policía secreta del régimen comunista que contaba con miles de agentes e informantes) y el objetivo que debe espiar: la pareja integrada por Georg y Christa\, escritor y actriz. Ella fue amante de un alto jerarca pero el espía no lo sabe. Entre todos estos personajes se va tejiendo una telaraña de relaciones que sirven al realizador para aportar su mirada sobre un tiempo histórico\, aquí con la perspectiva de los quince años transcurridos. Obra de cineasta debutante\, la obra ganó premios en toda Europa y se consagró internacionalmente al obtener el Oscar a la mejor película en habla no inglesa en la entrega del año 2007. Hoy es considerada como un clásico del cine alemán y una de la miradas más incisivas sobre el mundo del espionaje\, alejado del cine de puro entretenimiento y escaso valor crítico. Al dar protagonismo a la intimidad del personaje/espía\, la condición humana del mismo toma una dimensión muy distante de la figura del superhéroe\, indagando en las complejidades que llevan a una persona a convertirse en alguien que solo puede observar la vida…de los otros. \nVIERNES 12.5.2023: \n«LA CONVERSACIÓN» /THE CONVERSATION / EE.UU.-1974 / Dirección Francis Ford Coppola / Intérpretes Gene Hackman\, Frederic Forrest\, John Cazale\, Allen Garfield\, Cindy Williams\, Teri Garr\, Harrison Ford / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h 53 minutos. Harry Caul tiene un trabajo tan secreto como su propia historia. Es uno de los más cotizados en su ambiente. Se dedica al espionaje sofisticado\, con artilugios de todo tipo desde los que graba las voces de sus objetivos. Pero el día que va a realizar la entrega al cliente\, algo se quiebra en él y comienza una investigación más personal donde descubre cosas que no estaban en los planes de nadie. El pasado con una mancha negra vuelve a poseerlo mientras dedica todas sus habilidades a desentrañar nuevos interrogantes. \nDespués de haberse consagrado con la primera parte de «El Padrino» (1972)\, el enorme cineasta Francis Ford Coppola\, también guionista y productor\, realiza una de sus obras maestras. Este film se alzó con la Palma de Oro del Festival de Cannes y deslumbró a crítica y público en un tiempo donde el espionaje político había llevado a una crisis sin precedentes al Gobierno norteamericano: el escándalo Watergate y la caída de Richard Nixon. «La Conversación» aparece como un título precursor de una cuestión que hoy hasta resulta naturalizada para todos nosotros: el espionaje político como herramienta desestabilizadora de la política internacional y la figura siempre secreta (a pesar de ello) del agente / espía. Una obra de arte cinematográfico donde la imagen y el sonido adquieren el valor no siempre en activo tras la creación en esta rama de la cultura y el arte. El trabajo actoral de Gene Hackman\, actor prodigioso de su generación\, más el primer personaje de cierta importancia interpretado por Harrison Ford\, colaboran en el disfrute de una película ya legendaria. Un auténtico clásico de la historia del cine. \nVIERNES 19.5.2023 \n«SNOWDEN» / IDEM / Reino Unido- Alemania- Francia- EE.UU.-2016 / Dirección Oliver Stone / Intérpretes Joseph Gordon-Levitt\, Shailene Woodley\, Tom Wilkinson\, Nicholas Cage\, Melissa Leo / Color / Versión original con Subtítulos en castellano / Duración 2hs.14 minutos. El cineasta Oliver Stone\, tan controvertido como audaz\, es continuador de la saga de creadores críticos con el gobierno de su propio país y ha realizado obras sobre Kennedy\, Bush\, Vietnam\, El Salvador\, los atentados del 11.09.2001 y documentales sobre Castro\, Chávez o Putin\, organizando una de las obras más ricas de la cinematografía norteamericana. En esta\, su última obra de ficción hasta el momento\, recrea la figura de Edward Snowden\, un joven consultor tecnológico que trabajó para la C.I.A. y la N.S.A. (la Agencia Nacional de la Seguridad) después de haber pasado brevemente por el ejército. Estando radicado en Hawaii\, viaja a Hong Kong en 2013 y desde allí denuncia en los medios parte de sus investigaciones que descubren la vigilancia masiva en un programa del gobierno\, que vas más allá de los grupos terroristas y la política exterior para lo que\, supuestamente\, trabajaba. Desde entonces se ha convertido en figura detestada por el gobierno norteamericano que le acusa de traidor y pide su extradición. Vive en Moscú y en 2022 el presidente Putin le ha otorgado la ciudadanía rusa. La figura de Snowden permite descubrir los entresijos (ya no siempre secretos) de las diferentes organizaciones que tienen al espionaje como objetivo principal\, añadiendo y confirmando el uso casi totalitario que se va dando con la información generalizada del ciudadano común. \nLa película de Stone recrea todo esto y muchos más a partir de sus extraordinarios conocimientos del lenguaje cinematográfico y su mirada siempre crítica con el funcionamiento imperialista del gobierno de su tierra natal. Una manera de ejercitar tanto la autocrítica como los derechos dentro de una sociedad democrática. Que le devuelve su rechazo ya mayoritario en forma de indiferencia hacia su obra. Esa y otras de las últimas películas del cineasta han gozado de mayor aprobación en el exterior que en su propia tierra\, donde durante los años ochenta y noventa del siglo pasado fue uno de sus directores estrellas\, premiado y celebrado por parte iguales. Un signo de los tiempos actuales donde personaje y creador cruzan sus caminos y permiten a nosotros\, espectadores inquietos\, reflexionar sobre el mundo en que vivimos (y padecemos). Un cineasta necesario\, fundamental\, siempre discutible\, provocador y enormemente estimulante. \n 
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LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:COSTA BRAVA\, EL LÍBANO.
DESCRIPTION:El cine libanés continúa su lucha de resistencia en un entorno económico y social de gran depresión. Con heridas dejadas por guerras de hace décadas y conflictos que periódicamente atentan contra la seguridad de su población civil\, la cultura y el arte permanecen atentos y activos. Esta obra es el primer trabajo de largometraje de la joven cineasta Mounia Aki (1989) quién después de realizar cortos y trabajos para la televisión y haber estudiado cine en New York\, regresa a su tierra natal para este trabajo presentado con enorme suceso en el Festival de Cine de Venecia 2021 y ganador de trofeos en otros\, como el de Toronto\, el BFI de Londres o el de Sevilla. La joven artista escribe una historia sobre una familia compuesta por matrimonio\, hijas y abuela que abandonan la ciudad de Beirut y se instalan en un bosque de sus cercanías\, en medio de cerros y árboles alejados de la contaminación y conflictividad de la gran capital. Souraya y Walid son idealistas y pretenden construir un mundo y un espacio donde vivir saludablemente\, Pero sus intenciones se ven alteradas cuando frente a su hermosa y confortable vivienda\, se venden unos terrenos que serán destinados a un enorme vertedero. La basura que han dejado en su querida ciudad\, amenaza con acercarse a ellos y destruir las posibilidades de una vida ejemplar para el grupo. \nLa joven cineasta dirige con destreza una historia que juega tanto con la metáfora como con el afán documentalista de retratar un mundo en conflicto\, un futuro complejo que las nuevas generaciones tienen el compromiso de modificar con su accionar. El enfrentamiento con los poderes de siempre no hace más que recomenzar y todos se verán inmersos en un nuevo batallar. Con palabras\, sin armas\, Una obra conmovedora y que acerca al espectador una realidad distante y oculta pero con muchos puntos de encuentro con la nuestra: el presente como amenaza y también desafío. En todos nosotros\, en nuestro compromiso\, parece estar encerrada la promesa de un mundo mejor. Protagonizado por la popular actriz y directora Nadine Labaki\, la película contó con el apoyo de productores de varios paises mas allá del Líbano: Francia\, España\, Qatar\, Noruega\, Suecia y Dinamarca. Cine comprometido\, más allá de las plataformas audiovisuales y canales de televisión. \nCOSTA BRAVA LEBANON / Libano- 2021 / Dirección Mounia Aki / Intérpretes Nadine Labaki\, Saleh Bakri / Color / Hablada en árabe con subtítulos en castellano / Duración 1h.46 minutos.. \n 
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SUMMARY:"JUAN MOREIRA"
DESCRIPTION:«JUAN MOREIRA» (1973) cumple medio siglo de su estreno. El cuarto largometraje de Leonardo Favio generó un fenómeno de masas en un contexto muy particular: la emoción del regreso a un tiempo democrático tras siete años de Dictadura militar (1966-1973)\, la abolición (por un breve tiempo\, lamentablemente) de la Censura cinematográfica\, entre otras cuestiones destacadas\, logró que durante su explotación comercial en todo el territorio fuese vista por 2.500.000 espectadores. En el presente\, y según lista publicada en 2022\, se encuentra en el puesto sexto de las diez películas más vistas de todos los tiempos de origen nacional. El arte del realizador\, su dominio del tempo poético\, su capacidad para crear imágenes portentosas\, dirección de actores que extrajo de Rodolfo Bebán registros insospechados\, la banda sonora de Luis Maria Serra\, hicieron del mito gauchesco activo desde su muerte en 1874 y llevado a la literatura por Gutierrez y desde allí lanzado al circo criollo\, el teatro\, la radio y sus cuatro versiones previas para el cine nacional\, uno de los fenómenos populares mas importantes de la década. La injusticia reinante\, el afán de libertad\, el poder sin fronteras de los poderosos de entonces (y de ahora también)\, la amplitud de la llanura con sus pampas infinitas\, el gaucho guacho que las atravesó\, la imposibilidad del amor y el progreso en la pobreza extrema\, todo esto y mas es radiografiado por el talento intachable de un cineasta único e irrepetible. Un hombre nacido en el Cuyo mendocino\, carne de reformatorios que le señalaron el camino del arte como recomposición de una vida herida\, que en 1958 se consagra como actor joven\, en 1965 como cineasta mayor\, en 1969 como cantautor popular y en 1973 como cineasta adorado por el pueblo\, que muere el 5 de noviembre de 2012 dejando un lugar /santuario en la memoria del arte y la cultura argentina. Sus nueve películas dirigidas entre 1965 y 2008 son ya tesoro para amantes del cine. Y este hombre condenado por político que se enamoró de su esposa y por ello comenzó a perseguirlo hasta la muerte\, ha dejado una huella en el imaginario de un país que ningún mal nacido elitista logrará destrozar. Porque mientras muchos pasan\, realmente pocos sobrevuelan el océano del Tiempo. Leonardo Favio (1938-2012) o cómo emplear ejemplarmente setenta y cuatro años de vida. \nJUAN MOREIRA / Argentina- 1973 / Dirección y guión Leonardo Favio / Producción Producciones Cinematográficas Centauro ( Hermanos Hurovich y Leonardo Favio) / Fotografía Juan Carlos Desanzo / Música Luis María Serra y Pocho Leyes / Intérpretes Rodolfo Bebán\, Edgardo Suarez\, Elena Tritek\, Alba Mugica\, Eduardo Rudy\, Elcira Olivera Garcés\, Jorge Villalba / Color / Duración 105 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular «Bartolomé J.Ronco»\, Burgos 687\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"WHITNEY HOUSTON: QUIERO BAILAR CON ALGUIEN"
DESCRIPTION:En el año 2012 moría con 48 años de edad una de las voces femeninas más importantes del presente\, una mezzosoprano que alcanzó niveles de venta supremos en la industria discográfica\, ganadora de premios como pocos ( más que The Beatles y Michael Jackson)\, madre de una niña\, víctima del consumo de drogas\, hija de una cantante meritoria y actriz de cuatro largometrajes incluyendo su debut en la ultra taquillera «El Guardaespaldas» (1992)\, donde la pareja que formó con el astro Kevin Costner rompió récords de público mientras sigue dándose sin descanso en televisiones de todo el mundo. Todo lo citado está detrás de la historia que cuenta esta película estrenada recientemente y que ha devuelto a la actualidad a esta artista de voz prodigiosa y belleza física deslumbrante. Dirigida por joven cineasta negra autora de un par de excelentes películas e interpretada por talentosa actriz británica\, la película pertenece al género de los biopics o biografías sobre figuras famosas. Estas se dividen en dos grandes corrientes: las que tomando distancia del personaje principal aportan una mirada crítica con sus altos y sus bajos y las que prefieren resguardar la imagen mitificada del biografiado\, sin entrar en oscuridades varias. El film elige la segunda opción. La vida de Houston tuvo de todo y su caída en el infierno de la dependendencia de la droga está apenas sugerida en el film\,que da rienda suelta y casi en exclusiva\, al memorable talento vocal y presencia física que la convirtieron en leyenda para millones\, apenas sugiriendo cuestiones como su identidad sexual\, el accionar delictivo de su padre o su escasa convicción como esposa y madre. La voz original\, sumada a una excelente creación de la actriz y la magia del cine como gran espectáculo vuelve a funcionar: olvidamos que estamos ante una ficción cinematográfica mientras creemos estar siendo testigos de la intimidad de una estrella. La dirección destaca la gran importancia que los padres tuvieron en su vida y se permite una crítica sin dudas en la figura del progenitor\, en tanto enaltece la importancia de la madre. El entramado de las grandes empresas de la industria discográfica\, los escenarios donde la estrella brilla\, la intimidad con su hija\, todo suma a la hora de reivindicar la figura de la gran vocalista.El cine como espectáculo de calidad cumple su propósito y Houston traspasa las fronteras de lo humano para convertirse con su temprana muerte\, en ídolo de leyenda. Y como señala el título (que también es el del hit que la hizo ultra popular) no solo ella quiere bailar con alguien sino nosotros espectadores también: bienvenidos al festín. \n«WHITNEY HOUSTON: I WANNA DANCE WITH SOMEBODY»/ EE.UU.-2022 / Dirección Kasi Lemmons / Intérpretes Naomie Ackie\,Stanley Tucci\, Ashton Sanders\,Tamara Tunie / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 2hs.10 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:"VICTOR/VICTORIA"
DESCRIPTION:La propia historia de cómo se gesta una película que luego se convierte en clásico del cine y sus derivaciones\, así como el lugar desde donde llegó\, pueden ser inspiración de otra. Una ronda sin final previsto. En 1982 se estrena con éxito en todos los lugares una comedia hoy clásica: «Victor / Victoria»: en el París de 1934 se encuentran dos seres en horas más que bajas: Victoria es una soprano inglesa que no encuentra trabajo mientras pasa penurias de todo tipo y mucho hambre y Toddy Todd\, un señor mayor que acaba de ser abandonado por su joven y abusivo amante. La unión y posterior amistad entre ambos les llevará al triunfo en los cabarets de la noche francesa al inventarse un personaje: el Conde Grazinski\, exiliado polaco y travesti que fascina al público. Entonces Victoria será Victor y Toddy su representante. Pero entre los admiradores aparece un super macho de dudosos dineros junto a su absurda amante y su particular guardaespaldas y entre todos\, comenzará la acción de esta trama. La comedia clásica jugó siempre con la identidad de roles\, la sexual entre otros. La homosexualidad\, el travestismo\, el machismo\, la doble moralidad\, lo oculto y lo privado\, siempre dieron juego para las tramas. Que según el talento que estuviese detrás de ellas\, daba unos resultados y otros. \nUn poco de historia: en 1933 se estrena en Berlín\, al mismo tiempo que el nazismo toma el poder\, una comedia interpretada por una de las grandes estrellas del momento: la bella y desconocida hoy Renate Müller (1906-1937).La actriz es afectada por las nuevas directrices del gobierno y su muerte prematura a los 30 años de edad se ha convertido en otro misterio sin solución. El suceso es tal en Alemania que en 1957 se realiza una nueva versión\, que es descubierta por el cineasta Blake Edwards (1922-2010)\, uno de los mejores directores de comedia de todos los tiempos y que junto a su esposa Julie Andrews (1935) y su músico preferido Henry Mancini (1924-1994) dan vida a la tercera y más popular versión del ya antiguo tema gestado en una de las épocas mas ricas de la cultura nocturna anterior a la llegada de Hitler\, cuando Berlín era la capital de la modernidad y cuna de todas las manifestaciones artísticas. Nominada a varios Oscar en 1983\, su carrera triunfal por todo Occidente actualiza el tema del travestismo de una manera respetuosa y alejada de toda hipocresía: el ambiente gay es retratado con la mayor libertad y complicidad en otro tiempo previo a un nuevo desastre: la irrupción del SIDA (AIDS) que cambiaría para siempre la práctica libre de una sexualidad siempre apuntada con el dedo por demasiados sectores retrógrados de la sociedad. Pero la cuestión no acaba allí: en 1995 el mismo equipo lleva al teatro de New York una versión para los escenarios que triunfa inmediatamente y se ha representado hasta el presente en escenarios del globo. Un accidente médico que afecta la voz de la también protagonista Julie Andrews\, oscurece el suceso. Será reemplazada en temporadas posteriores y siempre bajo la supervisión de Edwards por las míticas Liza Minelli (1946) y la imposible (de creerla hombre) Raquel Welch (1940-2023) . Al día de hoy las condiciones de esta comedia que la hicieron clásica siguen vigentes. Su refinada costura de guión\, música\, ambiente y talento interpretativo bien merecen un nuevo acercamiento. Una película modélica de un tiempo cinematográfico que ya es pasado sobre una temática que en nuestro presente sigue sin ser aceptada como\, se supone \, debería estar: la libertad íntima de cada ser humano en hacer de su vida lo que mejor le parezca. Las películas permanecen\, los prejuicios y la ignorancia también: bienvenidos a la fiesta. \n«VICTOR / VICTORIA» / idem- EE.UU-Reino Unido- 1982 / Dirección y guión Blake Edwards\, adaptado del original de 1933 / Intérpretes Julie Andrews\, James Gardner\, Robert Preston\, Alex Karras\, Lesley Ann Warren / Música Henry Mancini / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 2hs.6 minutos. \n 
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"GAUGUIN\, EL VIAJE DE TAHITÍ"
DESCRIPTION:Paul Gauguin (1848-1903) fue uno de los artistas más influyentes surgidos a finales del siglo XIX. Nacido en París y muerto en las Islas Marquesas su vida ha inspirado ficciones destacadas en la literatura y algunas buenas películas. La última en abordar su figura fue una producción francesa rodada en escenarios naturales del Pacífico Sur\, la Polinesia francesa y estrenada en 2017. Interpretada por uno de los actores más carismáticos del cine europeo contemporáneo\, Vincent Cassel (1966)\, esta producción aborda apenas unos pocos años de su vida. El director Deluc elige para el segundo de sus tres films hasta el momento\, reconstruir el tiempo que va entre la separación de su familia en 1891 para viajar a Tahití y su regreso dos años después. El artista que busca la inspiración de su obra lejos de la gran capital\, la idealización de los pueblos primitivos y el comprobar como la colonización europea les ha alterado sus ancestrales costumbres parecen ser el foco de interés de la narración. Que pasa abruptamente de un lugar a otro para encontrarnos al protagonista descubriendo ese nuevo mundo. Un paraiso que como todos resulta estar irremediablemente perdido aunque la pintura o la escultura se empeñen en mantenerlo vivo. La mirada del artista se posa tanto en el paisaje como en los humanos que los atraviesan\, hombres y mujeres\, niños y ancianos\, nativos y colonos\, sirven a sus intereses. Las condiciones extremas en las que acepta vivir\, la falta de dinero y la abundancia de espacio físico como compensación\, los colores de la naturaleza\, el verde del reino vegetal\, el azul de los atolones\,las embarcaciones que esperan en la distancia para los viajeros y las cercanas que llevan a la pesca\, las curvas de un cuerpo de mujer amada y el contorno del hombre joven que amenaza (y cumple) con «robarsela»\, lo europeo y lo isleño\, todo ello sirve a las intenciones del cineasta para este formidable\, intimista y poco apreciado por una critica casi siempre ciega\, elitista\, como esos hombres a los que Gauguin desprecia un siglo atrás y que el presente reproduce y mantiene sin mas cambios que los tiempos propios y las miserias de perspectivas permanentes. El trabajo actoral de Cassel y la debutante Tuhei Adams (apenas se puede encontrar registro de ella en la web seis años después de su estreno en otra muestra de clasismos imperantes también en le mundo del cine\, donde casi siempre los blancos protagonizan todo) colaboran en el viaje de apenas 90 minutos de buen cine donde la producción convoca a espectadores ávidos de propuestas que provoquen la reflexión. Otra película para rescatar del olvido en un mundo globalizado por el gusto excluyente que no sea el propuesto por las multinacionales. Todo cambia para que todo siga igual\, viajar hoy a Tahití es un lujo solo al alcance de unos pocos aventureros y otros pocos millonarios. El Paraíso sigue estando tan distante como soñado o perdido. La obra del artista\, se engrandece cada día más. El cine es bueno para la salud y la memoria. \nGAUGUIN\, EL VIAJE DE TAHITÍ / GAUGUIN\, VOYAGE DE TAHITÍ / Francia- 2017 / Dirección y guión Edouard Deluc / Intérpretes Vincent Cassel\, Tuhei Adams\, Malik Zidi / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.35 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/gauguin-el-viaje-de-tahiti/
LOCATION:CASA RONCO\, Calle San Martín 362\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"EL FESTIVAL DE RIFKIN" (2020)
DESCRIPTION:Una película con trasfondo del mundo del cine\, ambientada en el Festival de San Sebastián\, filmada en lugares naturales además del incomparable estilo de la ciudad vasca\, es el escenario de esta comedia que Woody Allen dirigió\, escribió y no protagonizó\, donde la mirada vuelve a detenerse sobre los vaivenes de una pareja de adultos\, hastiados de la vida en común y que se enamoran de otras personas. Una temática tan antigua como efectiva cuando está bien tratada. Rifkin fue alguna vez un profesor de cine y ahora acompaña a su esposa Sue que representa actores y directores en una nueva edición de una de las grandes fiestas anuales del norte de España\,un encuentro que reúne por unos días a personas llegadas desde todos los puntos del planeta para exhibir sus trabajos\, difundir sus egos y vender sus productos. Rifkin es un señor poco agraciado físicamente que se enamora de la bella doctora que le tratará eventuales y casi siempre imaginarios problemas de salud\, mientras Sue se entretiene y despierta antiguas latencias con un pedante director francés mucho menor que ella. La música extraordinaria del eterno jazz\, los sueños del protagonista en blanco y negro\, la memoria de los grandes cineastas europeos amados por el propio Allen da pie a hermosas y breves imágenes que reinterpretan y homenajean obras clásicas de Fellini\, Bergman\, Welles\, Buñuel o Godard. Cercano a los noventa años de edad\, el director realizó su última obra ante la indiferencia de los productores norteamericanos que\, argumentando cuestiones judiciales de ambiguas interpretaciones\, dieron la espalda a uno de los mayores artistas del país. Quién no por eso ha bajado los brazos y continúa haciendo lo que mejor sabe\, el cine. La obra de Allen se compone de grandes\, medianas\, mediocres y malas piezas que le devuelven su condición humana más allá de mitificaciones pertinentes que da dimensión a la trayectoria de cualquier artista verdadero. Esta obra número 49 entre los trabajos estrenados como director es una pieza tan pequeña como deliciosa\, redonda y sencilla\, alejada de pretensiones experimentales y cercana a un canto de amor. Pero ya ha filmado en París su opus número 50. Una cifra redonda. \n«EL FESTIVAL DE RIFKIN» / RIFKIN’S FESTIVAL» / España-Italia- EE.UU.- 2020 / Dirección Woody Allen / Intérpretes Wallace Shawn\, Gina Gershon\, Elena Anaya\, Louis Garrel\, Sergi López / Versión original con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h. 28 minutos\,
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"BLANCA COMO LA NIEVE"
DESCRIPTION:Los Hermanos Grimm publicaron en 1812 uno de sus famosos relatos que\, desde entonces hasta el presente\, ha sido de los más populares del mundo. Los cuentos que terminaron llenando bibliotecas infantiles con argumentos siempre sombríos  difundidos desde lo oral\, pasando por las imágenes audiovisuales y regresando a las letras\, su territorio fundacional. El cine cuenta con adaptaciones de la literatura desde sus orígenes (Julio Verne en las películas de Meliés) hasta el presente\, con decenas de adaptaciones para la gran pantalla y también para la televisión. Blancanieves está en el primer largometraje de dibujos animados estrenado (después de años de producción bajo el mando de Walt Disney) en 1937\, convirtiéndose en la película más vista de esa temporada y reproducida en todos los formatos posibles desde entonces. En 2019 la cineasta Anne Fontaine (1959)\, quien ha dirigido desde 1993 una veintena de largometrajes\, realiza su personal abordaje del clásico Grimm: la joven Claire hereda un negocio de su padre a la vez que una enorme rivalidad con su madrastra Maud\, celosa de los encantos de la hijastra. El paso de los años y la pérdida del atractivo sexual\, llevan a la perversa madrastra a ejecutar su plan de venganza. Pero Claire no muere como ella desea sino que se esconde e inicia una nueva vida en un pequeño pueblo de la montaña. Los irresistibles encantos de la bella heredera despertarán los deseos de siete lugareños que no son ni príncipes ni enanos\, al menos la mayoría. Toda funciona bien hasta que Maud descubre el paraíso donde vive la hijastra. Y la venganza final será su objetivo principal. La cineasta francesa utiliza un relato clásico de la literatura para abordar una temática que\, por humana\, jamás caduca: los celos enfermizos\, la rivalidad absurda\, el envejecimiento y el dinero que no es suficiente para paliar este drama aunque caiga en grandes cantidades\, la sexualidad efervescente que no conoce de límites\, el deseo de posesión del hombre\, sirven a los intereses de la cineasta para desembocar en un producto tan irregular como sugerente\, transgresor y divertido. La interpretación de la joven Lou de Laage y la composición de la siempre brillante Isabelle Huppert\, especialista en malvadas de toda especie\, unidas a un elenco de siete caballeros que rodean a la protagonista\, más un príncipe tan distante como discutible\, dan pie a una espléndida sátira sobre los comportamientos del occidental actual\, que no parece diferir en demasía de los tiempos en que el relato fue publicado. Porque lo que cambian finalmente son los paisajes\, las geografías y los siglos pero no la esencia: lo que fue tema inspirador de literatura sigue siéndolo también hoy de su hermano más joven: la cinematografía. \n«BLANCA COMO LA NIEVE» / BLANCHE COMME NEIGE / Francia-2019 / Dirección Anne Fontaine / Intérpretes Lou de Laage\, Isabelle Huppert\, Charles Berling / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.52 minutos.
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LOCATION:BIBLIOTECA PÚBLICA MONSEÑOR CANEVA\, Bolivar 473\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"JUNIPER: INGREDIENTE CLAVE PARA BEBER GINEBRA".
DESCRIPTION:El enebro (juniper en inglés) brinda unos frutos que sirven para un cóctel de ginebra ideal. Así lo piensa Ruth\, una fotógrafa de guerra jubilada que viaja desde Inglaterra hasta la lejana Nueva Zelanda para pasar una temporada junto a su único hijo Robert\, viudo que vive en compañia del adolescente Sam. La relación entre los tres familiares es casi inexistente y la enfermera Sarah será testigo de lo que suceda en los siguientes días y semanas. La acción transcurre durante los años noventa\, antes de la irrupción de celulares y redes sociales que transformaron la vida de todos. Un paisaje deslumbrante donde los descendientes de los pueblos originarios de las islas mantienen sus tradiciones mezcladas con la herencia colonial y de donde provienen los mejores amigos del conflictuado nieto de la colérica abuela\, empedernida bebedora de gin y anhelante de tiempos pasados. Una película que recupera la mirada sobre un pequeño grupo familiar de tres generaciones alejados de todo convencionalismo y cuyas leyes irán imponiéndose a medida que la acción avanza. Del rechazo inicial al descubrimiento de los gustos comunes\, la historia de los protagonistas luce original\, divertida\, emotiva\, con el drama siempre escondido detrás de un humor inteligente y muchas veces de color negro. Un ping pong dialéctico brillante se establece entre la mujer que todo lo ha vivido y el joven que recién comienza su andadura hacia la madurez. La música acompaña la descripción de un paisaje fabuloso\, sereno\, de belleza atemporal. Las emociones atraviesan el relato y la sonrisa no está reñida con la lágrima\, pero alejada de toda sensiblería barata. Una narración controlada por la mano firme de un cineasta joven\, como dos de sus protagonistas\, y una actriz ya legendaria: la británica Charlotte Rampling (1946)\, mujer de carrera iniciada en 1965 e imparable hasta la actualidad. Uno de los rostros más bellos del cine occidental que no ha temido envejecer ante los lentes de la cámara. Sin cirugías de ningún tipo\, el cuerpo de Rampling y su extraordinario rostro ha tenido la enorme cualidad\, minoritaria en estos tiempos\, de la aceptación del paso de los años\, lo cual le ha permitido adaptarse década tras décadas a los más variados personajes. Por este\, recibió uno de los tantos premios acumulados a lo largo de su trayectoria. Desde su fugaz irrupción en los sesenta en «El knack…y cómo lograrlo» de Richard Lester\, hasta sus trabajos italianos con Luchino Visconti\, Patroni Griffi o Liliana Cavani\, o los franceses con Ozon\, Oshima\, Lelouch\, o los norteamericanos junto a Woody Allen\, Paul Newman o Robert Redford\, la filmografía Rampling es una de las más luminosas de sus contemporáneas. Y su interpretación de Ruth demuestra como el buen cine permanece en el rostro de las grandes figuras. \n«JUNIPER» / idem- Nueva Zelanda / Dirección Matthew J.Saville / Intérpretes Charlotte Rampling\, George Ferrier\, Morton Csokas\, Edith Poor / Color / Versión original con subtítulos en castellano/ Duración 1h.34 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:"REINAS"
DESCRIPTION:«En España el matrimonio igualitario se aprobó en 2005: a partir del 3 de julio de ese mismo año\, se permitía el matrimonio entre personas del mismo sexo y\, como consecuencia\, todos los derechos que ello suponía: adopción conjunta\, herencia y pensión.» \nEsta información que aparece en internet coincide con el mismo año de producción del film «Reinas» que utiliza el contexto para ubicar la trama del film: en la ciudad de Madrid coinciden cinco madres diferentes que no se conocen entre ellas para asistir a la primera boda múltiple entre personas del mismo sexo. Se suman seis hijos\, el padre de uno de ellos y otros que dan lugar al relato coral. Este\, uno de los ejercicios más complejos dentro del género\, está dirigido por Manuel Gómez Pereira (1958)\, uno de los realizadores hispanos talentosos surgidos durante la década de los noventa que aporta al panorama cinematográfico una firma muy definida\, coronada con el enorme suceso popular de sus primeras obras estrenadas entre 1992 y 1999: seis comedias que fueron alcanzando un refinamiento en su engranaje y quedan\, treinta años después\, como testimonio de ciertos aspectos de una sociedad cosmopolita. El cineasta siempre trabajó sobre temáticas serias que al ser dibujadas desde la comedia le permitió reflexión diferente a los espectadores. Su producción fue decayendo con los años y a partir del estreno de esta película marcó un notable descenso en la aceptación popular a pesar de la calidad obtenida. Misterios del público y sus preferencias. \nMagda ( Carmen Maura\, 1945) regenta un exclusivo hotel para gays\, Ofelia ( Bettiana Blum\, 1939) ha dejado su negocio en Buenos Aires y es una experta cocinera\, Reyes (Marisa Paredes\, 1946) es una famosa\, caprichosa y rica estrella de cine\, Helena (Mercedes Sampietro\, 1947)  una jueza con formación conservadora y Nuria (Verónica Forqué\, 1955-2021) una mujer con traumas sexuales que han condicionado su vida. Sus hijos\, más el de Jacinto (Lluis Homar\, 1957) serán protagonistas de la primera y múltiple boda a celebrar. Todos estos personajes dan vida a un mundo de situaciones que nos acercan a escenarios de lujo como espacios determinantes\, y a otros menos donde las acciones se cruzan delicadamente y permiten al espectador disfrutar en grande gracias a la interpretación de un plantel de intérpretes maravillosos donde las cinco reinas citadas serán las estrellas sobre las que giran las cinco historias para confluir como corresponde en un acto que les reúna a todos. El final\, pondrá a cada una de ellas\, como al inicio\, en su lugar correspondiente desde donde continuarán sus propias vidas. La reflexión tan humana como dolorosa que al final expresa la adorable Nuria\, otra vez en un tren de alta velocidad que vuelve a alejarla será la guinda de la torta y una síntesis ejemplar para una gran película jamás estrenada oficialmente en Argentina que nos recuerda al cine más puramente clásico. \n«REINAS» / España-2005 / Dirección Manuel Gómez Pereira / Intérpretes Verónica Forqué\, Carmen Maura\, Marisa Paredes\, Mercedes Sampietro\, Bettiana Blum\, Gustavo Salmerón\, Hugo Silva\, Daniel Hendler\, Paco León\, Raúl Jiménez\, Unax Ugalde\, Lluis Homar\, Tito Valverde\, Jorge Perugorría / Color / Versión original / Duración 1h.45 minutos. \n 
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SUMMARY:"MARGUERITE DURAS: PARIS 1944"
DESCRIPTION:Marguerite Duras (1914-1996) nació en una colonia francesa sobre el Pacífico que hoy es Vietnam y murió en Paris a los 81 años de edad. Estos dos paisajes extremos marcaron su vida y derivaron en vocación artística como escritora\, guionista de cine y también directora de 22 trabajos divididos en 15 largometrajes entre 1965 y 1985 y 7 entre cortos y películas para la televisión. Hasta el momento se han adaptado en más de 80 ocasiones textos suyos\, algunos como guionista. En 1957 llega  por primera vez al cine un trabajo suyo: «Barrera contra el Pacífico» que conocería una segunda versión en 2008: Silvana Mangano e Isabelle Huppert respectivamente dieron vida a su heroína principal que no era más que un disfraz de la propia autora y sus vivencias adolescentes y juveniles en el Sudeste Asiático. En 1992 se estrenó «El Amante» que también recordaba aquel tiempo. Los sesenta fueron sus años dorados en cine como inspiradora de obras tan desiguales como hermosas: «Hiroshima mon amour» (1959)\, «Moderato Cantabile» (1960)\, «Una larga ausencia» (1961)\, «La ladrona» (1966)\, «Verano a las 10.30hs» (1966)\, «Fuegos de verano» (1966) y «El marinero de Gibraltar» (1967)\, dirigidas por maestros del cine más inteligente y vanguardista: René Clement\, Alain Resnais\, Peter Brook\, Henri Colpi\, Alain Cavalier\, Jules Dassin y Tony Richardson\, con los rostros de Emmanuelle Riva\, Jeanne Moreau\, Alida Valli\, Romy Schneider\, Melina Mercouri\, Jean Paul Belmondo o Peter Finch dando vida a sus deliciosas y siempre complejas criaturas. A partir de 1965 se lanzó como guionista\, directora y relatora en off de una obra compacta\, compleja\, experimental\, vanguardista\, escasamente conocida al estar en las antípodas del cine comercial en todas sus posibilidades\, convirtiendo títulos como «La música»\, «Baxter\, Vera Baxter»\,» Nathalie Grangier» o la mas reconocida «India Song» en emblemáticos de su apartado. Trás su muerte ha continuado siendo inspiración de films como el que da título a este artículo. \nDurante la Ocupación alemana de Francia\, Duras es separada de su marido quien es arrestado y deportado: Robert desaparecerá de la escena y los intentos de la ya escritora y resistente por traerlo de regreso son el tema principal de esta película. Pierre Rabier\, un agente francés que trabaja para la Gestapo establecerá con la la joven esposa una ambigua relación que\, como muchas\, atravesó a mujeres de ese tiempo. El afán por recuperar a los seres queridos no encuentra límites\, en ocasiones a costa de negociar con el enemigo. Un tiempo de la Historia de Europa que aún hoy\, ochenta años más tardes\, provoca controversias: ni tan resistentes ni tan colaboracionistas parece ser el interrogante desde el que se analiza las conductas humanas. \nEl título original «Le douleur» (El dolor) define claramente el estado emocional que atraviesa a personajes y contexto y da pie a una película rica en posibilidades de reflexionar\, a la vez que asistir vibrantemente a un ejercicio de cine adulto\, inteligente\, testimonial\, alejado de toda concesión banal y estupidizante\, algo tan propio de otra época\, la nuestra. El cine como oasis o isla de utilización inteligente de un tiempo\, el nuestro. Quien quiera oir que oiga\, quien quiera ver que lo haga. La ceguera también puede ser una elección de supervivencia. \n«MARGUERITE DURAS\, PARIS 1944» / LE DOULEUR / Francia-2017 / Dirección Emmanuel Finkiel / Intérpretes Mélanie Thierry\, Benoit Magimel\,Benjamin Biolay / Color / Versión original con subtítulos / Duración 2hs.5 minutos.
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SUMMARY:"LA EMPERATRIZ REBELDE"
DESCRIPTION:El cine recupera un personaje de la historia europea muy popular (o mediático\, por usar un término actual) en su tiempo  y que alcanzó una segunda dimensión de la fama a lo largo de los años cincuenta cuando en tres películas fue convertida en éxito de taquilla en medio planeta y personaje emblemático del cine más almibarado y\, hay que decirlo\, alejado de la realidad: la emperatriz Isabel de Austria\, Elizabeth von Osterreich\, (1837-1898) fue la base sobre la que se edificó el mito Sissi encarnado en producciones alemanas por la actriz Romy Schneider (1938-1982)\, y recuperado en 1972 por la misma intérprete en un registro totalmente opuesto en la obra maestra de Luchino Visconti\, «Ludwig». \nLa princesa consorte de uno de los últimos emperadores del imperio austro-húngaro fue una mujer de enorme belleza e influencia en su tiempo\, destacando diferente a la mayoría de iguales al intentar una vida en paralelo\, donde los viajes por diferentes geografías fue uno de los datos más significativos. Con sesenta años de edad cumplidos fue atacada en un puerto por un anarquista italiano que la apuñaló y causó su muerte horas después. \nUna cineasta de origen austriaco\, la recupera en esta película donde intenta\, desde la ficción\, indagar la esencia del personaje\, al menos en términos puramente cinematográficos\, lo que significa una re-escritura total sobre el mismo. Con licencias poéticas que el cine habilita\, cuando lo que interesa no es tanto el rigor histórico como la encarnación de una mujer\, un contexto\, una época para proponer desde alli su modernidad. Isabel acaba de cumplir sus cuarenta años\, edad que la convierte automáticamente en vieja. Asi de sencillo parece ser para la corte y la época ésta cuestión de la edad\, que se extendió con más o menos diferencias hasta los años setenta del pasado siglo. Lo que hoy resulta absurdo no lo era entonces. Isabel no soporta los protocolos\, no está de acuerdo en cómo educan a sus hijos\, no parece guardar un gran amor por su marido aunque si una cierta complicidad que les acerca a una relación puramente amistosa. Como muchas parejas del presente. \nDirigida por la cineasta Marie Kreutzer (1977)\, nacida en Austria\, quien debutó en 2011 y cuenta al presente con 5 largometrajes y varios cortos en su filmografía y protagonizada por una de las actrices jóvenes más prestigiosas entre las surgidas en la última década: Vicky Krieps (1983)\, nacida en Luxemburgo\, la película ha sido muy bien recibida desde su estreno en el festival de Cannes. Una recuperación de una Sissi más humana\, creíble y cinematográficamente valiosa. \n«LA EMPERATRIZ REBELDE» / CORSAGE / Francia- Austria- Alemania- Luxemburgo / Dirección Marie Kreutzer / Intérprete Vicky Krieps / Color ( Versión original con subtítulos/ Duración 1h.54 minutos.
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SUMMARY:"ELDÍA DE LA POLLERA"
DESCRIPTION:Sonia es una docente adulta que transita una separación matrimonial. Su trabajo en la escuela de un barrio marginal parisino la enfrenta a la indisciplina del alumnado y la indiferencia de sus compañeros y autoridades escolares. A partir de una situación fortuita\, la mujer toma el control del aula de una manera violenta. Ahora todos estarán bajo sus órdenes dentro de una situación incontrolable. Una mirada adulta sobre la decadencia de un sistema educativo con demasiadas décadas de vigencia\, tal vez caducado en el frenético presente que lo atraviesa\, pero también sobre las dificultades de la integración social con la inmigración como tema de fondo en la Europa actual. La película está considerada título «de culto» dentro de la cinematografía francesa después de haber sido estrenada en un canal de televisión europeo de difusión cultural que no afectó al suceso que se generaría semanas más tarde cuando llegó a las salas de cine de todo el territorio galo. La temporada siguiente fue galardonada con varios premios y sirvió de base para pieza teatral\,  que desde entonces suele reponerse con  frecuencia en salas y espacios culturales. Un fenómeno que no conocía demasiados antecedentes. Quizás porque su propuesta sigue sin encontrar respuestas en el presente: la alteración de reglas que atraviesan el sistema educativo\, al parecer obsoleto en muchos de sus programas. La obra encuentra un formidable punto de apoyo en la interpretación de Isabelle Adjani (1955)\, gran actriz y diva suprema desde su aparición siendo adolescente en los escenarios parisinos que le sirvió de trampolín a la pantalla a mediado de los setenta\, cuando se convirtió en musa de maestros como Truffaut\, Polanski\, Techiné\, Herzog\, Zulawski\, Ivory\, Hill\, Saura y ahora Francois Ozon. Una de las pocas actrices de habla no inglesa en triunfar en EE.UU. donde\, entre otros reconocimientos\, estuvo dos veces a la puerta de ganar el Oscar a la mejor actriz. Sus propios orígenes inmigrantes siendo hija de argelinos\, redondea la función de esta obra altamente recomendable como representación de un tiempo: el nuestro. \n«EL DÍA DE LA POLLERA» / LE JOURNÉE DE LA JUPE / Francia-Bélgica (2008) / Dirección y guión Jean Paul Lilienfeld / Intérpretes : Isabelle Adjani\, Denis Podalydés\, Yann Ebongé\, Kevin Azais\, Karim Zakraoui. / Color / Duración 1 h 27 minutos / Versión original con subtítulos en castellano.
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LOCATION:Instítuto Superior de Formación Docente y Técnica Nº2\, Colón 498\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"EL INSULTO"
DESCRIPTION:Una película absolutamente libanesa aunque para su financiamiento hayan colaborado Chipre\, Francia\, Bélgica y EE.UU. Las economías de algunos países de lengua árabe no permite su producción total como tampoco frena la capacidad de trabajo de los cineastas de este origen. Esta obra cuenta con la particularidad de ser el primer título del Líbano en competir por el Oscar a la Mejor Película Extranjera\, trofeo que no obtuvo mas sirvió de pasaporte para su distribución global\, alcanzado un buen suceso donde fuese vista. La temática tiene la vigencia de miles de años ya que el conflicto del que habla se originó en una antigüedad tan remota que cuesta aceptar haya impedido una solución definitiva que permita dar vuelta la página. En el Beirut actual las consecuencias de una Guerra Civil (una más…) acontecida entre 1975 y 1990 y cuyas heridas resultan imposibles de cicatrizar\, un ciudadano libanés católico\, se siente ofendido por la acción de otro\, refugiado palestino en Líbano. Si bien ha sido él quien originó la situación que llevó a una respuesta de palabra\, se niega a aceptar las disculpas que recibe. Y lleva todo a la Justicia dando rienda suelta a un sinfín de situaciones que pondrán en presente las terribles diferencias que los atraviesan. Una historia que\, cambiando nombres y geografías y quizás menos años de Historia\, atraviesa al planeta entero en la actualidad: bastaría modificar detalles y veríamos como ese insulto es extrapolable\, por ejemplo\, a nuestro propio país. La proliferación de los discursos de odio\, arropados en un supuesto ejercicio de la libertad de expresión desatan los demonios mas grandes que se incuban en nuestro interior\, una pasión insana que rompe relaciones\, imposibilita reconciliaciones\, cuyo olvido o mala interpretación del pasado desemboca en dramas de incalculable destino. De todo esto y mucho más trata esta explosiva obra que nos narra las vidas de Tony\, Yasser\, sus esposas\, sus defensores legales\, sus simpatizantes y detractores. La certeza de que el sufrimiento de uno es mayor que el de otro\, la victimización y la negación como instrumentos del accionar de los pueblos\, ha conducido a la muerte\, el sufrimiento\, la enfermedad a millones de humanos atravesados por la furia\, la irracionalidad\, la carencia de empatía y memoria. El cine reflexiona admirablemente sobre semejante realidad y nos la devuelve a nosotros\, eventuales espectadores con la intención de que el raciocinio que nos diferencia de los animales prevalezca sobre el instinto de muerte y permitan otras calidades de vida. Sin negar una narración fluida\, entretenida\, apasionante\, alejada del divertimento más vacuo. Un cine necesario\, más allá de los resultados artísticos que cada obra debe aspirar\, es el cuarto largometraje de un cineasta nacido en Beirut en 1963 y autor de cuatro largometrajes de enorme calidad que han abierto la puerta al conocimiento de una de las mayores cinematografías del mundo árabe\, la segunda en producción histórica detrás de Egipto. El Insulto\, o el espejo donde mirarnos. \n«EL INSULTO» / L’INSULTE- 2017 / Líbano\, Chipre\, Bélgica\, Francia\, EE.UU. / Dirección Ziad Doueiri / Intérpretes Adel Kariem\, Kamel El Basha\, Camille Salameh\, Diamand Abou Abboud\, Rita Hayek\, Christine Choueiri /Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h. 48 minutos.
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LOCATION:CÍRCULO ÁRABE DE AZUL\, Bolivar 674\, Azul\, Buenos Aires\, 7300
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SUMMARY:CINE: "LA LUZ ENTRE LOS OCÉANOS" (2016).
DESCRIPTION:A finales de 2016 se estrena esta película basada en un libro de gran repercusión del mismo título\, Su autora\, M.L.Stedman\, de origen australiano lo publica en 2012 y se convierte en suceso: dos años después\, se rodaba su adaptación al cine en escenarios naturales de Australia\, Nueva Zelanda y Tasmania\, la poco mencionada isla al sur. \nTom ha luchado en el frente durante la Primera Guerra Mundial\, y al finalizar la contienda consigue un trabajo en una solitaria isla cuyo faro alumbra los mares del Sur. Pero antes de transbordar a ella\, conoce en tierra firme a la joven Isabel e inmediatamente le propone matrimonio. Él\, apocado y de escasas palabras\, duda. Pero tras meses de soledad en su nuevo destino y por intermedio del correo que lo mantiene unido a la mujer\, se casan. La vida en ese paraíso desolado y distante\, donde son sus únicos pobladores\, les traerá sinsabores. Un día avistan un bote a la deriva. Al acercarse a rescatarlo\, descubren una carga inesperada. Un hombre muerto y una bebé de pocos meses que llora de frío y hambre. A partir de entonces\, la historia de la joven pareja cambiará para siempre… \nEl director Derek Cianfrance (USA\, 1974) dirige este film tras el reconocimiento de su debut «Blue Valentine» (2010)\, una dura historia de amor que le lleva a las primeras planas del ambiente cinematográfico. Los protagonistas son tres de los grandes nombres contemporáneos: el alemán Michael Fassbender (1977) y las oscarizadas Rachel Weisz (1970) y Alicia Vikander ( 1988)\, protagonistas de «El Jardinero Fiel» y «La Chica Danesa»\, por los que ganaron los premios. De enorme atractivo físico y mayor talento interpretativo\, la británica y la sueca son dos de los nombres consagrados de las dos últimas décadas. \nLa película se distancia de gran parte del cine actual al recuperar un estilo casi en desuso: el que apuesta por las narrativas melodramáticas\, los paisajes deslumbrantes\, las bandas sonoras con melodías delicadas\, los intérpretes glamourosos. Por esta condición\, el sector mas radical de la crítica especializada se muestro hostil en su valoración\, acusándolo con adjetivos tales como «academicistas»\, «demodé» o «anacrónico»\, que sin embargo\, y lejos de alejar al público\, lo acerca a las salas. Porque en definitiva responde a un genero que más allá de los vaivenes de las épocas\, siempre es bienvenido por quienes esperan de la pantalla una devolución de magia o abstracción de la realidad. Lo artístico cabe en estas propuestas\, a pesar de la opinión de los «genios» de siempre\, al parecer incapacitados para valorar este tipo de propuesta. Las épocas cambian\, las modas pasan\, pero el espíritu soñador del público permanece. Tiempos tan demoledores como esté\, quizás lo potencien. \n«LA LUZ ENTRE LOS OCÉANOS» /The Light between the Oceans/ USA-Reino Unido-Nueva Zelanda .2016) / Dirección: Derek Cianfrance / Intérpretes Michael Fassbender\, Alicia Vikander y Rachel Weisz / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 2 hs 10 minutos /
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LOCATION:BIBLIOTECA PÚBLICA MONSEÑOR CANEVA\, Bolivar 473\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"YO AMO A SHIRLEY VALENTINE"
DESCRIPTION:Shirley tiene 42 años\, vive en la ciudad de Liverpool y lleva décadas casada. Sus hijos han crecido\, su marido se ha vuelto un hombre impaciente y se siente una sirviente a cargo de todos. Es una mujer sensible con sentido del humor y gran capacidad imaginativa\, que le permite seguir adelante enfrentando una rutina ya insoportable. Su íntima amiga Jane gana un premio a un lugar que les resulta un paraíso. Esta película esta basada en una obra de teatro para una sola actriz\, monólogo que ha sido representado en varios países ( en Argentina la primera versión estuvo a cargo de Alicia Bruzzo y la última de Betiana Blum)\, cosechando un enorme suceso en todas las ocasiones. La película se permite la grandeza de un buena adaptación a la pantalla visibilizando personajes y paisajes\, convirtiendo el pasaje de un lenguaje al otro de manera muy eficaz. La interpretación de la actriz Pauline Collins cosechó premios y obtuvo una nominación a los Oscar. A pesar del tiempo transcurrido desde su realización\, la película no ha perdido en contenido y los problemas que afectan a Shirley siguen siendo las realidades de millones de mujeres a lo largo del planeta\, así como la conflictividad con los hijos adolescentes y el agotamiento en la relación amorosa. Una cualidad que la convierte en un clásico de la comedia\, nivel que pocas obras alcanzan con el paso del tiempo. Los exteriores filmados en la isla de Mykonos\, en Grecia\, aportan un extra en la particular ilustración del paraíso de la mujer agobiada. Una obra enormemente disfrutable y materia de debate y reflexión. \nSHIRLEY VALENTINE / Reino Unido- EE.UU. / 1989 / Dirección Lewis Gilbert / Guión de Willy Russell basado en su obra de teatro / Intérpretes Pauline Collins\, Bernard Hill\, Tom Conti\, Julia McKenzie\, Joanna Lumley / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.48 minutos. \n 
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SUMMARY:"EL HILO FANTASMA"
DESCRIPTION:Paul Thomas Anderson es un cineasta norteamericano nacido en 1970 que destacó con su segunda película y desde entonces ha forjado una sólida carrera .A los 26 años debutó con «Hard eight\, Sidney» y en 1997 asombra con «Boogie Nights»\, un original retrato del submundo de la pornografía en los Los Ángeles donde combina personajes reales con otros puramente de ficción. En 1999 su tercer largo\, «Magnolia»\, lo consagra entre los grandes realizadores jóvenes del momento. Hasta el presente\, además de cortos\, videos y otras alternativas audiovisuales\, ha dirigido 6 más\, y el penúltimo es «El hilo fantasma». La mayoría de ellos ha estado siempre en la lista de los nominados y ganadores de sus respectivas temporadas.\nDaniel Day Lewis es británico nacido en 1957 y uno de los mayores intérpretes de su generación. Ganador de dos premios Oscar al mejor actor\, su filmografía es tan limitada como selecta. Lleva retirado desde el rodaje de este film\, bajo promesa de no volver a la actuación.\nDe la suma de estos dos grandes talentos\, surge el personaje de Reynolds Woodcock\, protagonista de esta ficción que\, a su manera\, resulta un ajuste de cuentas con las figuras siempre controvertidas de los grandes diseñadores de ropa: desde el precursor Paul Poiret hasta los legendarios del Siglo XX: Chanel\, Saint Laurent\, Balenciaga\, De Givenchy o Dior\, en general europeos que desafiaron al resto del mundo en la defensa de sus creaciones y sobre todo\, de sus propios personajes. Un mundo dirigido a las altas clases sociales con todas las consecuencias que esta orientación puede provocar. Un mundo donde la frivolidad más extrema\, la distancia del ciudadano común\, la banalidad en definitiva de considerar un arte a lo que solo es un oficio\, genera desde su aparición\, las controversias más fervorosas. NI en defensa ni en contra sino todo lo contrario…hasta que Anderson nos acerca su parecer en relación a esta temática cinematográficamente apasionante con la presenta narrativa.\nEn el Londres del año 1954 el modisto Reynolds Woodcock es la figura más destacada en su oficio dentro de la alta sociedad inglesa. Sus diseños de moda deslumbran a las mujeres poderosas mientras que en la intimidad desarrolla su carácter obsesivo y controlador bajo la mirada implacable de su hermana Cyril. mano derecha y persona influyente sobre su vida. Un hombre supersticioso prisionero del fantasma de su madre muerta\, encuentra en la joven Alma un interés casi desconocido. Serán amantes y la relación comenzará a afectar tanto su vida personal como su visión de diseñador de moda. No todo triunfo está asegurado\, ni para él ni para nadie… Una de las grandes películas de los últimos años según las listas de los críticos más influyentes del mundo. Nominada a seis premios Oscar\, fue una de las favoritas de la entrega pero no obtuvo otra recompensa que una estatuilla\, justamente la de Mejor Vestuario. La de Mejor Película y Mejor Actor quedaron en otras manos. Los últimos años la han destacado como superior a la triunfadora «La Forma del agua»\, una obra que ha perdido adeptos en un tiempo muy breve.\n«EL HILO FANTASMA» / THE PHANTOM THREAD / EE.UU.-2017 / Director Paul Thomas Anderson / Intérpretes Daniel Day Lewis\, Vicky Krieps\, Lesley Manville / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 2hs.10 minutos.
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LOCATION:CASA RONCO\, Calle San Martín 362\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"AVE FÉNIX"
DESCRIPTION:Una película actual que retoma un mito ancestral para crear una ficción apasionante\, vigente\, moderna adaptación de los melodramas clásicos del cine desde una perspectiva absolutamente europea\, la de la cultura nórdica y germana. El mito que se hunde en la noche de los tiempos nace a partir de la figura de un ave de fuego que al apagarse y morir\, renace de sus propias cenizas para remontar un majestuoso vuelo. En el Antiguo Egipto y en las escrituras religiosas judeo-cristianas como las del mundo árabe y el del extremo asiático se encuentran menciones que serían retomadas por la antigua Grecia para ordenar y difundir desde entonces una cierta definición de este ser mítico. Un término instalado en los últimos años de nuestro presente\, la resiliencia\, se convierte en heredero de esta cuestión tan vieja como apasionante: el ser humano que atraviesa los mayores infortunios y a pesar de ello consigue recuperar las riendas de su vida y seguir adelante. \nEl cineasta y la actriz\, Christian Petzold (1960) y Nina Hoss (1975)\, de origen alemán ambos\, se unen por tercera vez para cerrar una trilogía que ahonda en las problemáticas femeninas\, o dicho de otra manera\, construir historias donde la protagonista es mujer: tanto «Jerichow» (2008)\, «Bárbara» (2012) como «Phoenix» (2014) presentan relatos que han cautivado a crítica y espectadores. En esta ocasión se cuenta lo que ocurre a Nelly a poco de ser rescatada por su gran amiga Lene de un campo de concentración en la Alemania de 1946. Como su rostro se encuentra desfigurado y envuelto en vendas\, un cirujano intentará recomponerlo con la intención de recuperar sus rasgos alterados. Pasado un tiempo de recuperación la protagonista se abocará a la búsqueda de su amado esposo Johnny. Contra la voluntad de su amiga que rechaza al hombre\, Nelly proseguirá en su ambición. Para descubrir que quien fue una persona fundamental en su vida se ha convertido en un extraño que ni siquiera puede reconocerla. \nCon estas coordenadas narrativas\, el cineasta germano\, uno de los más respetados desde su debut en el año 2000 y que ha rodado ya diez largometrajes\, utiliza los elementos melodramáticos para reflexionar sobre el propio pasado de su nación\, una cuestión casi obsesiva en los creadores alemanes a la hora de reformular lo que el nazismo  significa y significó para tantas generaciones\, a 90 años de la subida al poder de Hitler. Con la colaboración de una de las mejores y más prestigiosas actrices\, activa desde 1996\, ha conseguido una película de alto poder testimonial sobre las consecuencias que las políticas y los que las encarnan\, tienen sobre las poblaciones afectadas\, esos hombres y mujeres anónimos que son quienes finalmente pagan el precio de delirios de poder. Entonces y ahora\, finalmente para concluir que el paso del tiempo no sólo no mejora las cosas sino que muchas veces las empeora. «Ave Fénix» se alza como una obra de enorme belleza visual\, tan compleja como apasionante y moderna reformulación de los géneros clásicos\, con ciertos paralelismos a «Vértigo» (1958- Alfred Hitchcock) y con un final que ejemplifica lo que la imagen cinematográfica puede lograr sin una sola palabra de por medio: una joya pequeña pero tan brillante como la película toda. \n«AVE FÉNIX» / «PHOENIX» / Alemania- Polonia-2014 / Director Christian Petzold / Intérpretes Nina Hoss\,Nina Kunzendorf\, Ronald Zehrfeld / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.38 minutos.
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SUMMARY:"LA NOVICIA REBELDE"
DESCRIPTION:Según los trabajos actuales sobre las películas más vistas del cine\, más allá de las entendibles cifras recaudadas y la inflación que corresponde aplicar teniendo en cuenta los años en que se estrenaron\, «LA NOVICIA REBELDE» sigue estando entre los títulos más vistos de toda la Historia. En su momento\, batió récords\, permaneció en salas de estreno por ¡¡¡años!!! (en la sala del Ambassador de la calle Lavalle de Buenos Aires estuvo ininterrumpidamente por dos temporadas)\, fue repuesta con enorme suceso hasta la irrupción del VHS y también en las televisiones de todo el planeta: un ejemplo de cine pochoclero mezclado con lo artístico que hoy resultaría imposible de pensar teniendo en cuenta los gustos actuales. \nEn los albores de la Segunda Guerra Mundial\, sobre el año 1938\, el nazismo se extiende por toda Europa: Maria es una joven huérfana que ha encontrado refugio en un convento de los Alpes. Cuando la envían a cuidar a los hijos de un poderoso militar viudo\, su vida cambiará para siempre. La película se inspira en un musical de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II estrenado en 1959 que a su vez lo hizo de un libro de enorme suceso publicado en 1949 y escrito por la protagonista Maria von Trapp\, llamado «La historia de los cantantes de la familia Trapp». Esta mujer nacida en Austria en 1905 narró su experiencia vital desde un tinte donde lo religioso y lo musical señalan el sentido de su mirada sobre un tiempo tan complejo como su propia vida personal: huérfana\, criada por monjas\, institutriz de una familia acomodada que acaba saltando barreras sociales al casarse con el padre de sus educados\, fugitivos todos del espanto nazi\, exiliados en Italia y finalmente EE.UU. donde desde su autoridad y dirección convertirá al grupo en un famoso conjunto musical que llegó a compartir escena con el mismísimo Elvis Presley. Material para una ficción a partir de un relato autobiográfico que se convirtió en uno de los sucesos mas grandes de la posguerra. \nJulie Andrews nació en Inglaterra en 1935 y desde niña trabajó junto a sus padres en escenarios del music hall y vodevil británico alcanzando un nivel estelar que le permitió triunfar primero en los teatros de Nueva York desde 1954 (protagonizó tres obras legendarias del musical: «El Novio» (1954)\, «My fair lady» (1956) y «Camelot» (1961) y luego a partir de 1964 («Mary Poppins»\, Oscar a la Mejor Actriz) en el cine. Su nombre atravesó la cinematografía global a partir de dos mega-éxitos como fueron sus primeras películas y a partir del fracaso de sus últimos trabajos en 1969 inauguró una nueva etapa como estrella de show televisivo y apariciones esporádicas en algunos films\, como los exitosos «Diez\, la mujer perfecta»\, «Victor Victoria» o las dos partes de «Princesa por sorpresa». Dueña de un registro vocal extraordinario y de una calidez en sus interpretaciones\, de alguna manera estas cualidades eclipsaron otras intenciones de la actriz-estrella: ser reconocida en obras ajenas a estos personajes y donde  pudiese demostrar sus dotes dramáticas.En todo caso una carrera  llena de películas excelentes y donde logró la difícil tarea de consagrarse como figura única entre sus contemporáneas. Una de las grandes clásicas del cine. \nEl título original de la película\, el sonido de la música\, es mucho más elocuente que el fácil utilizado en el exterior porque evoca el sentido final de la obra: una historia donde las letras de las canciones refiere a sentimientos profundos de la protagonista. Porque es la música y no la danza quien protagoniza la trama\, que en manos de un experimentado cineasta como Robert Wise alcanza valores cinematográficos rara vez valorados por la crítica especializada\, producto digno de todas las descalificaciones posibles. Sin embargo con el paso del tiempo\, una nueva generación de escritores de cine ha presentado el debate sobre estas cuestiones y la película hoy se mantiene vital y reconocida\, como no lo fue en su época. La dirección de cámara\, la fotografía\, los movimientos puramente cinematográficos\, hablan de un film y no de una obra de teatro filmada\, error lamentable que muchos originales conocieron en su paso a la gran pantalla.En todo caso un género como otros desestimado en el presente que presenta para los amantes del cine un desafío a la hora de enfrentarse a el. Para intentar quitar\, o no\, prejuicios de mucho tiempo. Una película sencillamente extraordinaria. \n«LA NOVICIA REBELDE» / THE SOUND OF MUSIC/ EE.UU.-1965 / Director Robert Wise / Intérpretes Julie Andrews\, Christopher Plummer\, Eleanor Parker\, Charmian Carr\, Peggy Wood / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 2hs.50 minutos con intervalo de 10 minutos.
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SUMMARY:"DEJALOS QUE HABLEN...".
DESCRIPTION:Alice es una escritora con prestigio y capacidad de ventas tan grande como su ego. Acostumbrada a la fama\, el dinero\, la atención de quienes la rodean\, su contacto con situaciones cotidianas de la gente común es escaso. En la torre de marfil que habitan personas como ellas también caben los miedos y las fobias: con motivo de asistir a la entrega de un prestigioso premio literario en Inglaterra\, la autora debe enfrentarse al viaje. Su aversión a los aviones la obliga a realizar el trayecto en un barco. El Queen Mary II\, legendario superviviente de tiempos pretéritos de la navegación transoceánica será el vehículo para llegar a Europa. Y como capricho adicional no encuentra mejor idea que invitar a un par de viejas amigas de la juventud\, quienes al tener los gastos pagos aceptan la propuesta sin preguntar demasiado. Pero en la travesía las diferencias entre la una y las otras no harán más que incrementarse a medida que se acercan a las costas británicas. El lujo del momento no puede evitar las diferencias que las separan. La temática permite un ejercicio adulto sobre las relaciones humanas y las consecuencias del paso del tiempo\, los logros y fracasos que las atraviesan y cómo son modificadas según estos y otros condicionamientos a los que son sometidas. Desde el éxito desmesurado de Alice a las vidas más sencillas de sus compañeras\, los celos\, envidias\, competencias\, rencores disimulados\, parecen estallar entre las increíbles comodidades de este palacio flotante\, más cercano a un cuento de hadas que al de una vida vulgar y cotidiana en una ciudad o pueblo del interior. El cineasta se nutre de estos elementos para desarrollar una implacable mirada sobre la condición humana. \nSteven Soderbergh (1963) debutó con una película que triunfó en festivales europeos y a los 26 años de edad lo catapultó a una primera fila que no pudo mantener en sus siguientes trabajos a pesar de la calidad de los mismos\, que no gustaron al publico ni a la critica de su pais. Una década mas tarde\, en el año 2000\, triunfa con dos films: «Erin Brockovich» y «Traffic». Cuando en 2001 estrena la primera parte de la saga «Ocean’s eleven»\, inicia una serie de sucesos alternados con films muy personales y de escasa repercusión\, series de televisión para arribar al presente con dos películas protagonizadas por Meryl Streep ya en tiempos de steaming.Su talento y la calidad que otorga a sus trabajos hacen de el un cineasta tan consolidado en la industria como definitivamente alejado de aquellos títulos iniciáticos. «Dejenlos que hablen» muestra a un cineasta en la plenitud de sus condiciones. \nMeryl Streep (1949) debutó en «Julia» (1977) junto a Jane Fonda y desde entonces ha construido una de las carreras mas prestigiosas del cine norteamericano\, llena de films premiados y algunos ya clásicos como «El francotirador»\, «Kramer vs Kramer»\, «La decisión de Sophie»\, «Africa mía»\, «Los puentes de Madison» o «Mamma mia». Ganadora de 3 Oscar\, con 21 nominaciones al premio\, es una de las actrices mas populares de la historia del cine a 46 años del inicio de su carrera en cine. Candice Bergen (1946) debutó en 1966 en «El grupo» de Sidney Lumet y hasta 1982 fue una de las actrices mas presentes del cine y también de las más bellas y elegantes. En 1988 debutó en una serie de extraordinario éxito que con interrupciones ha llegado al presente: «Murphy Brown». Esporádicamente aparece en películas en roles secundarios. Dianne Weist (1946) debutó en roles secundarios a finales de los setenta y entre sus trabajos se encuentran cinco bajo la dirección de Woody Allen y uno de Clint Eastwood. \n«DEJALOS QUE HABLEN» / LET THEM ALL TALK / EE.UU.-2020 / Director Steven Soderbergh / Intérpretes Meryl Streep\, Candice Bergen\, Dianne Wiest\, Gemma Chan\, Lucas Hedges / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.50 minutos.
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