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SUMMARY:"VICTOR/VICTORIA"
DESCRIPTION:La propia historia de cómo se gesta una película que luego se convierte en clásico del cine y sus derivaciones\, así como el lugar desde donde llegó\, pueden ser inspiración de otra. Una ronda sin final previsto. En 1982 se estrena con éxito en todos los lugares una comedia hoy clásica: «Victor / Victoria»: en el París de 1934 se encuentran dos seres en horas más que bajas: Victoria es una soprano inglesa que no encuentra trabajo mientras pasa penurias de todo tipo y mucho hambre y Toddy Todd\, un señor mayor que acaba de ser abandonado por su joven y abusivo amante. La unión y posterior amistad entre ambos les llevará al triunfo en los cabarets de la noche francesa al inventarse un personaje: el Conde Grazinski\, exiliado polaco y travesti que fascina al público. Entonces Victoria será Victor y Toddy su representante. Pero entre los admiradores aparece un super macho de dudosos dineros junto a su absurda amante y su particular guardaespaldas y entre todos\, comenzará la acción de esta trama. La comedia clásica jugó siempre con la identidad de roles\, la sexual entre otros. La homosexualidad\, el travestismo\, el machismo\, la doble moralidad\, lo oculto y lo privado\, siempre dieron juego para las tramas. Que según el talento que estuviese detrás de ellas\, daba unos resultados y otros. \nUn poco de historia: en 1933 se estrena en Berlín\, al mismo tiempo que el nazismo toma el poder\, una comedia interpretada por una de las grandes estrellas del momento: la bella y desconocida hoy Renate Müller (1906-1937).La actriz es afectada por las nuevas directrices del gobierno y su muerte prematura a los 30 años de edad se ha convertido en otro misterio sin solución. El suceso es tal en Alemania que en 1957 se realiza una nueva versión\, que es descubierta por el cineasta Blake Edwards (1922-2010)\, uno de los mejores directores de comedia de todos los tiempos y que junto a su esposa Julie Andrews (1935) y su músico preferido Henry Mancini (1924-1994) dan vida a la tercera y más popular versión del ya antiguo tema gestado en una de las épocas mas ricas de la cultura nocturna anterior a la llegada de Hitler\, cuando Berlín era la capital de la modernidad y cuna de todas las manifestaciones artísticas. Nominada a varios Oscar en 1983\, su carrera triunfal por todo Occidente actualiza el tema del travestismo de una manera respetuosa y alejada de toda hipocresía: el ambiente gay es retratado con la mayor libertad y complicidad en otro tiempo previo a un nuevo desastre: la irrupción del SIDA (AIDS) que cambiaría para siempre la práctica libre de una sexualidad siempre apuntada con el dedo por demasiados sectores retrógrados de la sociedad. Pero la cuestión no acaba allí: en 1995 el mismo equipo lleva al teatro de New York una versión para los escenarios que triunfa inmediatamente y se ha representado hasta el presente en escenarios del globo. Un accidente médico que afecta la voz de la también protagonista Julie Andrews\, oscurece el suceso. Será reemplazada en temporadas posteriores y siempre bajo la supervisión de Edwards por las míticas Liza Minelli (1946) y la imposible (de creerla hombre) Raquel Welch (1940-2023) . Al día de hoy las condiciones de esta comedia que la hicieron clásica siguen vigentes. Su refinada costura de guión\, música\, ambiente y talento interpretativo bien merecen un nuevo acercamiento. Una película modélica de un tiempo cinematográfico que ya es pasado sobre una temática que en nuestro presente sigue sin ser aceptada como\, se supone \, debería estar: la libertad íntima de cada ser humano en hacer de su vida lo que mejor le parezca. Las películas permanecen\, los prejuicios y la ignorancia también: bienvenidos a la fiesta. \n«VICTOR / VICTORIA» / idem- EE.UU-Reino Unido- 1982 / Dirección y guión Blake Edwards\, adaptado del original de 1933 / Intérpretes Julie Andrews\, James Gardner\, Robert Preston\, Alex Karras\, Lesley Ann Warren / Música Henry Mancini / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 2hs.6 minutos. \n 
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"GAUGUIN\, EL VIAJE DE TAHITÍ"
DESCRIPTION:Paul Gauguin (1848-1903) fue uno de los artistas más influyentes surgidos a finales del siglo XIX. Nacido en París y muerto en las Islas Marquesas su vida ha inspirado ficciones destacadas en la literatura y algunas buenas películas. La última en abordar su figura fue una producción francesa rodada en escenarios naturales del Pacífico Sur\, la Polinesia francesa y estrenada en 2017. Interpretada por uno de los actores más carismáticos del cine europeo contemporáneo\, Vincent Cassel (1966)\, esta producción aborda apenas unos pocos años de su vida. El director Deluc elige para el segundo de sus tres films hasta el momento\, reconstruir el tiempo que va entre la separación de su familia en 1891 para viajar a Tahití y su regreso dos años después. El artista que busca la inspiración de su obra lejos de la gran capital\, la idealización de los pueblos primitivos y el comprobar como la colonización europea les ha alterado sus ancestrales costumbres parecen ser el foco de interés de la narración. Que pasa abruptamente de un lugar a otro para encontrarnos al protagonista descubriendo ese nuevo mundo. Un paraiso que como todos resulta estar irremediablemente perdido aunque la pintura o la escultura se empeñen en mantenerlo vivo. La mirada del artista se posa tanto en el paisaje como en los humanos que los atraviesan\, hombres y mujeres\, niños y ancianos\, nativos y colonos\, sirven a sus intereses. Las condiciones extremas en las que acepta vivir\, la falta de dinero y la abundancia de espacio físico como compensación\, los colores de la naturaleza\, el verde del reino vegetal\, el azul de los atolones\,las embarcaciones que esperan en la distancia para los viajeros y las cercanas que llevan a la pesca\, las curvas de un cuerpo de mujer amada y el contorno del hombre joven que amenaza (y cumple) con «robarsela»\, lo europeo y lo isleño\, todo ello sirve a las intenciones del cineasta para este formidable\, intimista y poco apreciado por una critica casi siempre ciega\, elitista\, como esos hombres a los que Gauguin desprecia un siglo atrás y que el presente reproduce y mantiene sin mas cambios que los tiempos propios y las miserias de perspectivas permanentes. El trabajo actoral de Cassel y la debutante Tuhei Adams (apenas se puede encontrar registro de ella en la web seis años después de su estreno en otra muestra de clasismos imperantes también en le mundo del cine\, donde casi siempre los blancos protagonizan todo) colaboran en el viaje de apenas 90 minutos de buen cine donde la producción convoca a espectadores ávidos de propuestas que provoquen la reflexión. Otra película para rescatar del olvido en un mundo globalizado por el gusto excluyente que no sea el propuesto por las multinacionales. Todo cambia para que todo siga igual\, viajar hoy a Tahití es un lujo solo al alcance de unos pocos aventureros y otros pocos millonarios. El Paraíso sigue estando tan distante como soñado o perdido. La obra del artista\, se engrandece cada día más. El cine es bueno para la salud y la memoria. \nGAUGUIN\, EL VIAJE DE TAHITÍ / GAUGUIN\, VOYAGE DE TAHITÍ / Francia- 2017 / Dirección y guión Edouard Deluc / Intérpretes Vincent Cassel\, Tuhei Adams\, Malik Zidi / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.35 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/gauguin-el-viaje-de-tahiti/
LOCATION:CASA RONCO\, Calle San Martín 362\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"EL FESTIVAL DE RIFKIN" (2020)
DESCRIPTION:Una película con trasfondo del mundo del cine\, ambientada en el Festival de San Sebastián\, filmada en lugares naturales además del incomparable estilo de la ciudad vasca\, es el escenario de esta comedia que Woody Allen dirigió\, escribió y no protagonizó\, donde la mirada vuelve a detenerse sobre los vaivenes de una pareja de adultos\, hastiados de la vida en común y que se enamoran de otras personas. Una temática tan antigua como efectiva cuando está bien tratada. Rifkin fue alguna vez un profesor de cine y ahora acompaña a su esposa Sue que representa actores y directores en una nueva edición de una de las grandes fiestas anuales del norte de España\,un encuentro que reúne por unos días a personas llegadas desde todos los puntos del planeta para exhibir sus trabajos\, difundir sus egos y vender sus productos. Rifkin es un señor poco agraciado físicamente que se enamora de la bella doctora que le tratará eventuales y casi siempre imaginarios problemas de salud\, mientras Sue se entretiene y despierta antiguas latencias con un pedante director francés mucho menor que ella. La música extraordinaria del eterno jazz\, los sueños del protagonista en blanco y negro\, la memoria de los grandes cineastas europeos amados por el propio Allen da pie a hermosas y breves imágenes que reinterpretan y homenajean obras clásicas de Fellini\, Bergman\, Welles\, Buñuel o Godard. Cercano a los noventa años de edad\, el director realizó su última obra ante la indiferencia de los productores norteamericanos que\, argumentando cuestiones judiciales de ambiguas interpretaciones\, dieron la espalda a uno de los mayores artistas del país. Quién no por eso ha bajado los brazos y continúa haciendo lo que mejor sabe\, el cine. La obra de Allen se compone de grandes\, medianas\, mediocres y malas piezas que le devuelven su condición humana más allá de mitificaciones pertinentes que da dimensión a la trayectoria de cualquier artista verdadero. Esta obra número 49 entre los trabajos estrenados como director es una pieza tan pequeña como deliciosa\, redonda y sencilla\, alejada de pretensiones experimentales y cercana a un canto de amor. Pero ya ha filmado en París su opus número 50. Una cifra redonda. \n«EL FESTIVAL DE RIFKIN» / RIFKIN’S FESTIVAL» / España-Italia- EE.UU.- 2020 / Dirección Woody Allen / Intérpretes Wallace Shawn\, Gina Gershon\, Elena Anaya\, Louis Garrel\, Sergi López / Versión original con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h. 28 minutos\,
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"BLANCA COMO LA NIEVE"
DESCRIPTION:Los Hermanos Grimm publicaron en 1812 uno de sus famosos relatos que\, desde entonces hasta el presente\, ha sido de los más populares del mundo. Los cuentos que terminaron llenando bibliotecas infantiles con argumentos siempre sombríos  difundidos desde lo oral\, pasando por las imágenes audiovisuales y regresando a las letras\, su territorio fundacional. El cine cuenta con adaptaciones de la literatura desde sus orígenes (Julio Verne en las películas de Meliés) hasta el presente\, con decenas de adaptaciones para la gran pantalla y también para la televisión. Blancanieves está en el primer largometraje de dibujos animados estrenado (después de años de producción bajo el mando de Walt Disney) en 1937\, convirtiéndose en la película más vista de esa temporada y reproducida en todos los formatos posibles desde entonces. En 2019 la cineasta Anne Fontaine (1959)\, quien ha dirigido desde 1993 una veintena de largometrajes\, realiza su personal abordaje del clásico Grimm: la joven Claire hereda un negocio de su padre a la vez que una enorme rivalidad con su madrastra Maud\, celosa de los encantos de la hijastra. El paso de los años y la pérdida del atractivo sexual\, llevan a la perversa madrastra a ejecutar su plan de venganza. Pero Claire no muere como ella desea sino que se esconde e inicia una nueva vida en un pequeño pueblo de la montaña. Los irresistibles encantos de la bella heredera despertarán los deseos de siete lugareños que no son ni príncipes ni enanos\, al menos la mayoría. Toda funciona bien hasta que Maud descubre el paraíso donde vive la hijastra. Y la venganza final será su objetivo principal. La cineasta francesa utiliza un relato clásico de la literatura para abordar una temática que\, por humana\, jamás caduca: los celos enfermizos\, la rivalidad absurda\, el envejecimiento y el dinero que no es suficiente para paliar este drama aunque caiga en grandes cantidades\, la sexualidad efervescente que no conoce de límites\, el deseo de posesión del hombre\, sirven a los intereses de la cineasta para desembocar en un producto tan irregular como sugerente\, transgresor y divertido. La interpretación de la joven Lou de Laage y la composición de la siempre brillante Isabelle Huppert\, especialista en malvadas de toda especie\, unidas a un elenco de siete caballeros que rodean a la protagonista\, más un príncipe tan distante como discutible\, dan pie a una espléndida sátira sobre los comportamientos del occidental actual\, que no parece diferir en demasía de los tiempos en que el relato fue publicado. Porque lo que cambian finalmente son los paisajes\, las geografías y los siglos pero no la esencia: lo que fue tema inspirador de literatura sigue siéndolo también hoy de su hermano más joven: la cinematografía. \n«BLANCA COMO LA NIEVE» / BLANCHE COMME NEIGE / Francia-2019 / Dirección Anne Fontaine / Intérpretes Lou de Laage\, Isabelle Huppert\, Charles Berling / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.52 minutos.
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LOCATION:BIBLIOTECA PÚBLICA MONSEÑOR CANEVA\, Bolivar 473\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"JUNIPER: INGREDIENTE CLAVE PARA BEBER GINEBRA".
DESCRIPTION:El enebro (juniper en inglés) brinda unos frutos que sirven para un cóctel de ginebra ideal. Así lo piensa Ruth\, una fotógrafa de guerra jubilada que viaja desde Inglaterra hasta la lejana Nueva Zelanda para pasar una temporada junto a su único hijo Robert\, viudo que vive en compañia del adolescente Sam. La relación entre los tres familiares es casi inexistente y la enfermera Sarah será testigo de lo que suceda en los siguientes días y semanas. La acción transcurre durante los años noventa\, antes de la irrupción de celulares y redes sociales que transformaron la vida de todos. Un paisaje deslumbrante donde los descendientes de los pueblos originarios de las islas mantienen sus tradiciones mezcladas con la herencia colonial y de donde provienen los mejores amigos del conflictuado nieto de la colérica abuela\, empedernida bebedora de gin y anhelante de tiempos pasados. Una película que recupera la mirada sobre un pequeño grupo familiar de tres generaciones alejados de todo convencionalismo y cuyas leyes irán imponiéndose a medida que la acción avanza. Del rechazo inicial al descubrimiento de los gustos comunes\, la historia de los protagonistas luce original\, divertida\, emotiva\, con el drama siempre escondido detrás de un humor inteligente y muchas veces de color negro. Un ping pong dialéctico brillante se establece entre la mujer que todo lo ha vivido y el joven que recién comienza su andadura hacia la madurez. La música acompaña la descripción de un paisaje fabuloso\, sereno\, de belleza atemporal. Las emociones atraviesan el relato y la sonrisa no está reñida con la lágrima\, pero alejada de toda sensiblería barata. Una narración controlada por la mano firme de un cineasta joven\, como dos de sus protagonistas\, y una actriz ya legendaria: la británica Charlotte Rampling (1946)\, mujer de carrera iniciada en 1965 e imparable hasta la actualidad. Uno de los rostros más bellos del cine occidental que no ha temido envejecer ante los lentes de la cámara. Sin cirugías de ningún tipo\, el cuerpo de Rampling y su extraordinario rostro ha tenido la enorme cualidad\, minoritaria en estos tiempos\, de la aceptación del paso de los años\, lo cual le ha permitido adaptarse década tras décadas a los más variados personajes. Por este\, recibió uno de los tantos premios acumulados a lo largo de su trayectoria. Desde su fugaz irrupción en los sesenta en «El knack…y cómo lograrlo» de Richard Lester\, hasta sus trabajos italianos con Luchino Visconti\, Patroni Griffi o Liliana Cavani\, o los franceses con Ozon\, Oshima\, Lelouch\, o los norteamericanos junto a Woody Allen\, Paul Newman o Robert Redford\, la filmografía Rampling es una de las más luminosas de sus contemporáneas. Y su interpretación de Ruth demuestra como el buen cine permanece en el rostro de las grandes figuras. \n«JUNIPER» / idem- Nueva Zelanda / Dirección Matthew J.Saville / Intérpretes Charlotte Rampling\, George Ferrier\, Morton Csokas\, Edith Poor / Color / Versión original con subtítulos en castellano/ Duración 1h.34 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:"REINAS"
DESCRIPTION:«En España el matrimonio igualitario se aprobó en 2005: a partir del 3 de julio de ese mismo año\, se permitía el matrimonio entre personas del mismo sexo y\, como consecuencia\, todos los derechos que ello suponía: adopción conjunta\, herencia y pensión.» \nEsta información que aparece en internet coincide con el mismo año de producción del film «Reinas» que utiliza el contexto para ubicar la trama del film: en la ciudad de Madrid coinciden cinco madres diferentes que no se conocen entre ellas para asistir a la primera boda múltiple entre personas del mismo sexo. Se suman seis hijos\, el padre de uno de ellos y otros que dan lugar al relato coral. Este\, uno de los ejercicios más complejos dentro del género\, está dirigido por Manuel Gómez Pereira (1958)\, uno de los realizadores hispanos talentosos surgidos durante la década de los noventa que aporta al panorama cinematográfico una firma muy definida\, coronada con el enorme suceso popular de sus primeras obras estrenadas entre 1992 y 1999: seis comedias que fueron alcanzando un refinamiento en su engranaje y quedan\, treinta años después\, como testimonio de ciertos aspectos de una sociedad cosmopolita. El cineasta siempre trabajó sobre temáticas serias que al ser dibujadas desde la comedia le permitió reflexión diferente a los espectadores. Su producción fue decayendo con los años y a partir del estreno de esta película marcó un notable descenso en la aceptación popular a pesar de la calidad obtenida. Misterios del público y sus preferencias. \nMagda ( Carmen Maura\, 1945) regenta un exclusivo hotel para gays\, Ofelia ( Bettiana Blum\, 1939) ha dejado su negocio en Buenos Aires y es una experta cocinera\, Reyes (Marisa Paredes\, 1946) es una famosa\, caprichosa y rica estrella de cine\, Helena (Mercedes Sampietro\, 1947)  una jueza con formación conservadora y Nuria (Verónica Forqué\, 1955-2021) una mujer con traumas sexuales que han condicionado su vida. Sus hijos\, más el de Jacinto (Lluis Homar\, 1957) serán protagonistas de la primera y múltiple boda a celebrar. Todos estos personajes dan vida a un mundo de situaciones que nos acercan a escenarios de lujo como espacios determinantes\, y a otros menos donde las acciones se cruzan delicadamente y permiten al espectador disfrutar en grande gracias a la interpretación de un plantel de intérpretes maravillosos donde las cinco reinas citadas serán las estrellas sobre las que giran las cinco historias para confluir como corresponde en un acto que les reúna a todos. El final\, pondrá a cada una de ellas\, como al inicio\, en su lugar correspondiente desde donde continuarán sus propias vidas. La reflexión tan humana como dolorosa que al final expresa la adorable Nuria\, otra vez en un tren de alta velocidad que vuelve a alejarla será la guinda de la torta y una síntesis ejemplar para una gran película jamás estrenada oficialmente en Argentina que nos recuerda al cine más puramente clásico. \n«REINAS» / España-2005 / Dirección Manuel Gómez Pereira / Intérpretes Verónica Forqué\, Carmen Maura\, Marisa Paredes\, Mercedes Sampietro\, Bettiana Blum\, Gustavo Salmerón\, Hugo Silva\, Daniel Hendler\, Paco León\, Raúl Jiménez\, Unax Ugalde\, Lluis Homar\, Tito Valverde\, Jorge Perugorría / Color / Versión original / Duración 1h.45 minutos. \n 
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SUMMARY:"MARGUERITE DURAS: PARIS 1944"
DESCRIPTION:Marguerite Duras (1914-1996) nació en una colonia francesa sobre el Pacífico que hoy es Vietnam y murió en Paris a los 81 años de edad. Estos dos paisajes extremos marcaron su vida y derivaron en vocación artística como escritora\, guionista de cine y también directora de 22 trabajos divididos en 15 largometrajes entre 1965 y 1985 y 7 entre cortos y películas para la televisión. Hasta el momento se han adaptado en más de 80 ocasiones textos suyos\, algunos como guionista. En 1957 llega  por primera vez al cine un trabajo suyo: «Barrera contra el Pacífico» que conocería una segunda versión en 2008: Silvana Mangano e Isabelle Huppert respectivamente dieron vida a su heroína principal que no era más que un disfraz de la propia autora y sus vivencias adolescentes y juveniles en el Sudeste Asiático. En 1992 se estrenó «El Amante» que también recordaba aquel tiempo. Los sesenta fueron sus años dorados en cine como inspiradora de obras tan desiguales como hermosas: «Hiroshima mon amour» (1959)\, «Moderato Cantabile» (1960)\, «Una larga ausencia» (1961)\, «La ladrona» (1966)\, «Verano a las 10.30hs» (1966)\, «Fuegos de verano» (1966) y «El marinero de Gibraltar» (1967)\, dirigidas por maestros del cine más inteligente y vanguardista: René Clement\, Alain Resnais\, Peter Brook\, Henri Colpi\, Alain Cavalier\, Jules Dassin y Tony Richardson\, con los rostros de Emmanuelle Riva\, Jeanne Moreau\, Alida Valli\, Romy Schneider\, Melina Mercouri\, Jean Paul Belmondo o Peter Finch dando vida a sus deliciosas y siempre complejas criaturas. A partir de 1965 se lanzó como guionista\, directora y relatora en off de una obra compacta\, compleja\, experimental\, vanguardista\, escasamente conocida al estar en las antípodas del cine comercial en todas sus posibilidades\, convirtiendo títulos como «La música»\, «Baxter\, Vera Baxter»\,» Nathalie Grangier» o la mas reconocida «India Song» en emblemáticos de su apartado. Trás su muerte ha continuado siendo inspiración de films como el que da título a este artículo. \nDurante la Ocupación alemana de Francia\, Duras es separada de su marido quien es arrestado y deportado: Robert desaparecerá de la escena y los intentos de la ya escritora y resistente por traerlo de regreso son el tema principal de esta película. Pierre Rabier\, un agente francés que trabaja para la Gestapo establecerá con la la joven esposa una ambigua relación que\, como muchas\, atravesó a mujeres de ese tiempo. El afán por recuperar a los seres queridos no encuentra límites\, en ocasiones a costa de negociar con el enemigo. Un tiempo de la Historia de Europa que aún hoy\, ochenta años más tardes\, provoca controversias: ni tan resistentes ni tan colaboracionistas parece ser el interrogante desde el que se analiza las conductas humanas. \nEl título original «Le douleur» (El dolor) define claramente el estado emocional que atraviesa a personajes y contexto y da pie a una película rica en posibilidades de reflexionar\, a la vez que asistir vibrantemente a un ejercicio de cine adulto\, inteligente\, testimonial\, alejado de toda concesión banal y estupidizante\, algo tan propio de otra época\, la nuestra. El cine como oasis o isla de utilización inteligente de un tiempo\, el nuestro. Quien quiera oir que oiga\, quien quiera ver que lo haga. La ceguera también puede ser una elección de supervivencia. \n«MARGUERITE DURAS\, PARIS 1944» / LE DOULEUR / Francia-2017 / Dirección Emmanuel Finkiel / Intérpretes Mélanie Thierry\, Benoit Magimel\,Benjamin Biolay / Color / Versión original con subtítulos / Duración 2hs.5 minutos.
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SUMMARY:"LA EMPERATRIZ REBELDE"
DESCRIPTION:El cine recupera un personaje de la historia europea muy popular (o mediático\, por usar un término actual) en su tiempo  y que alcanzó una segunda dimensión de la fama a lo largo de los años cincuenta cuando en tres películas fue convertida en éxito de taquilla en medio planeta y personaje emblemático del cine más almibarado y\, hay que decirlo\, alejado de la realidad: la emperatriz Isabel de Austria\, Elizabeth von Osterreich\, (1837-1898) fue la base sobre la que se edificó el mito Sissi encarnado en producciones alemanas por la actriz Romy Schneider (1938-1982)\, y recuperado en 1972 por la misma intérprete en un registro totalmente opuesto en la obra maestra de Luchino Visconti\, «Ludwig». \nLa princesa consorte de uno de los últimos emperadores del imperio austro-húngaro fue una mujer de enorme belleza e influencia en su tiempo\, destacando diferente a la mayoría de iguales al intentar una vida en paralelo\, donde los viajes por diferentes geografías fue uno de los datos más significativos. Con sesenta años de edad cumplidos fue atacada en un puerto por un anarquista italiano que la apuñaló y causó su muerte horas después. \nUna cineasta de origen austriaco\, la recupera en esta película donde intenta\, desde la ficción\, indagar la esencia del personaje\, al menos en términos puramente cinematográficos\, lo que significa una re-escritura total sobre el mismo. Con licencias poéticas que el cine habilita\, cuando lo que interesa no es tanto el rigor histórico como la encarnación de una mujer\, un contexto\, una época para proponer desde alli su modernidad. Isabel acaba de cumplir sus cuarenta años\, edad que la convierte automáticamente en vieja. Asi de sencillo parece ser para la corte y la época ésta cuestión de la edad\, que se extendió con más o menos diferencias hasta los años setenta del pasado siglo. Lo que hoy resulta absurdo no lo era entonces. Isabel no soporta los protocolos\, no está de acuerdo en cómo educan a sus hijos\, no parece guardar un gran amor por su marido aunque si una cierta complicidad que les acerca a una relación puramente amistosa. Como muchas parejas del presente. \nDirigida por la cineasta Marie Kreutzer (1977)\, nacida en Austria\, quien debutó en 2011 y cuenta al presente con 5 largometrajes y varios cortos en su filmografía y protagonizada por una de las actrices jóvenes más prestigiosas entre las surgidas en la última década: Vicky Krieps (1983)\, nacida en Luxemburgo\, la película ha sido muy bien recibida desde su estreno en el festival de Cannes. Una recuperación de una Sissi más humana\, creíble y cinematográficamente valiosa. \n«LA EMPERATRIZ REBELDE» / CORSAGE / Francia- Austria- Alemania- Luxemburgo / Dirección Marie Kreutzer / Intérprete Vicky Krieps / Color ( Versión original con subtítulos/ Duración 1h.54 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/la-emperatriz-rebelde/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"ELDÍA DE LA POLLERA"
DESCRIPTION:Sonia es una docente adulta que transita una separación matrimonial. Su trabajo en la escuela de un barrio marginal parisino la enfrenta a la indisciplina del alumnado y la indiferencia de sus compañeros y autoridades escolares. A partir de una situación fortuita\, la mujer toma el control del aula de una manera violenta. Ahora todos estarán bajo sus órdenes dentro de una situación incontrolable. Una mirada adulta sobre la decadencia de un sistema educativo con demasiadas décadas de vigencia\, tal vez caducado en el frenético presente que lo atraviesa\, pero también sobre las dificultades de la integración social con la inmigración como tema de fondo en la Europa actual. La película está considerada título «de culto» dentro de la cinematografía francesa después de haber sido estrenada en un canal de televisión europeo de difusión cultural que no afectó al suceso que se generaría semanas más tarde cuando llegó a las salas de cine de todo el territorio galo. La temporada siguiente fue galardonada con varios premios y sirvió de base para pieza teatral\,  que desde entonces suele reponerse con  frecuencia en salas y espacios culturales. Un fenómeno que no conocía demasiados antecedentes. Quizás porque su propuesta sigue sin encontrar respuestas en el presente: la alteración de reglas que atraviesan el sistema educativo\, al parecer obsoleto en muchos de sus programas. La obra encuentra un formidable punto de apoyo en la interpretación de Isabelle Adjani (1955)\, gran actriz y diva suprema desde su aparición siendo adolescente en los escenarios parisinos que le sirvió de trampolín a la pantalla a mediado de los setenta\, cuando se convirtió en musa de maestros como Truffaut\, Polanski\, Techiné\, Herzog\, Zulawski\, Ivory\, Hill\, Saura y ahora Francois Ozon. Una de las pocas actrices de habla no inglesa en triunfar en EE.UU. donde\, entre otros reconocimientos\, estuvo dos veces a la puerta de ganar el Oscar a la mejor actriz. Sus propios orígenes inmigrantes siendo hija de argelinos\, redondea la función de esta obra altamente recomendable como representación de un tiempo: el nuestro. \n«EL DÍA DE LA POLLERA» / LE JOURNÉE DE LA JUPE / Francia-Bélgica (2008) / Dirección y guión Jean Paul Lilienfeld / Intérpretes : Isabelle Adjani\, Denis Podalydés\, Yann Ebongé\, Kevin Azais\, Karim Zakraoui. / Color / Duración 1 h 27 minutos / Versión original con subtítulos en castellano.
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SUMMARY:"EL INSULTO"
DESCRIPTION:Una película absolutamente libanesa aunque para su financiamiento hayan colaborado Chipre\, Francia\, Bélgica y EE.UU. Las economías de algunos países de lengua árabe no permite su producción total como tampoco frena la capacidad de trabajo de los cineastas de este origen. Esta obra cuenta con la particularidad de ser el primer título del Líbano en competir por el Oscar a la Mejor Película Extranjera\, trofeo que no obtuvo mas sirvió de pasaporte para su distribución global\, alcanzado un buen suceso donde fuese vista. La temática tiene la vigencia de miles de años ya que el conflicto del que habla se originó en una antigüedad tan remota que cuesta aceptar haya impedido una solución definitiva que permita dar vuelta la página. En el Beirut actual las consecuencias de una Guerra Civil (una más…) acontecida entre 1975 y 1990 y cuyas heridas resultan imposibles de cicatrizar\, un ciudadano libanés católico\, se siente ofendido por la acción de otro\, refugiado palestino en Líbano. Si bien ha sido él quien originó la situación que llevó a una respuesta de palabra\, se niega a aceptar las disculpas que recibe. Y lleva todo a la Justicia dando rienda suelta a un sinfín de situaciones que pondrán en presente las terribles diferencias que los atraviesan. Una historia que\, cambiando nombres y geografías y quizás menos años de Historia\, atraviesa al planeta entero en la actualidad: bastaría modificar detalles y veríamos como ese insulto es extrapolable\, por ejemplo\, a nuestro propio país. La proliferación de los discursos de odio\, arropados en un supuesto ejercicio de la libertad de expresión desatan los demonios mas grandes que se incuban en nuestro interior\, una pasión insana que rompe relaciones\, imposibilita reconciliaciones\, cuyo olvido o mala interpretación del pasado desemboca en dramas de incalculable destino. De todo esto y mucho más trata esta explosiva obra que nos narra las vidas de Tony\, Yasser\, sus esposas\, sus defensores legales\, sus simpatizantes y detractores. La certeza de que el sufrimiento de uno es mayor que el de otro\, la victimización y la negación como instrumentos del accionar de los pueblos\, ha conducido a la muerte\, el sufrimiento\, la enfermedad a millones de humanos atravesados por la furia\, la irracionalidad\, la carencia de empatía y memoria. El cine reflexiona admirablemente sobre semejante realidad y nos la devuelve a nosotros\, eventuales espectadores con la intención de que el raciocinio que nos diferencia de los animales prevalezca sobre el instinto de muerte y permitan otras calidades de vida. Sin negar una narración fluida\, entretenida\, apasionante\, alejada del divertimento más vacuo. Un cine necesario\, más allá de los resultados artísticos que cada obra debe aspirar\, es el cuarto largometraje de un cineasta nacido en Beirut en 1963 y autor de cuatro largometrajes de enorme calidad que han abierto la puerta al conocimiento de una de las mayores cinematografías del mundo árabe\, la segunda en producción histórica detrás de Egipto. El Insulto\, o el espejo donde mirarnos. \n«EL INSULTO» / L’INSULTE- 2017 / Líbano\, Chipre\, Bélgica\, Francia\, EE.UU. / Dirección Ziad Doueiri / Intérpretes Adel Kariem\, Kamel El Basha\, Camille Salameh\, Diamand Abou Abboud\, Rita Hayek\, Christine Choueiri /Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h. 48 minutos.
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LOCATION:CÍRCULO ÁRABE DE AZUL\, Bolivar 674\, Azul\, Buenos Aires\, 7300
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SUMMARY:CINE: "LA LUZ ENTRE LOS OCÉANOS" (2016).
DESCRIPTION:A finales de 2016 se estrena esta película basada en un libro de gran repercusión del mismo título\, Su autora\, M.L.Stedman\, de origen australiano lo publica en 2012 y se convierte en suceso: dos años después\, se rodaba su adaptación al cine en escenarios naturales de Australia\, Nueva Zelanda y Tasmania\, la poco mencionada isla al sur. \nTom ha luchado en el frente durante la Primera Guerra Mundial\, y al finalizar la contienda consigue un trabajo en una solitaria isla cuyo faro alumbra los mares del Sur. Pero antes de transbordar a ella\, conoce en tierra firme a la joven Isabel e inmediatamente le propone matrimonio. Él\, apocado y de escasas palabras\, duda. Pero tras meses de soledad en su nuevo destino y por intermedio del correo que lo mantiene unido a la mujer\, se casan. La vida en ese paraíso desolado y distante\, donde son sus únicos pobladores\, les traerá sinsabores. Un día avistan un bote a la deriva. Al acercarse a rescatarlo\, descubren una carga inesperada. Un hombre muerto y una bebé de pocos meses que llora de frío y hambre. A partir de entonces\, la historia de la joven pareja cambiará para siempre… \nEl director Derek Cianfrance (USA\, 1974) dirige este film tras el reconocimiento de su debut «Blue Valentine» (2010)\, una dura historia de amor que le lleva a las primeras planas del ambiente cinematográfico. Los protagonistas son tres de los grandes nombres contemporáneos: el alemán Michael Fassbender (1977) y las oscarizadas Rachel Weisz (1970) y Alicia Vikander ( 1988)\, protagonistas de «El Jardinero Fiel» y «La Chica Danesa»\, por los que ganaron los premios. De enorme atractivo físico y mayor talento interpretativo\, la británica y la sueca son dos de los nombres consagrados de las dos últimas décadas. \nLa película se distancia de gran parte del cine actual al recuperar un estilo casi en desuso: el que apuesta por las narrativas melodramáticas\, los paisajes deslumbrantes\, las bandas sonoras con melodías delicadas\, los intérpretes glamourosos. Por esta condición\, el sector mas radical de la crítica especializada se muestro hostil en su valoración\, acusándolo con adjetivos tales como «academicistas»\, «demodé» o «anacrónico»\, que sin embargo\, y lejos de alejar al público\, lo acerca a las salas. Porque en definitiva responde a un genero que más allá de los vaivenes de las épocas\, siempre es bienvenido por quienes esperan de la pantalla una devolución de magia o abstracción de la realidad. Lo artístico cabe en estas propuestas\, a pesar de la opinión de los «genios» de siempre\, al parecer incapacitados para valorar este tipo de propuesta. Las épocas cambian\, las modas pasan\, pero el espíritu soñador del público permanece. Tiempos tan demoledores como esté\, quizás lo potencien. \n«LA LUZ ENTRE LOS OCÉANOS» /The Light between the Oceans/ USA-Reino Unido-Nueva Zelanda .2016) / Dirección: Derek Cianfrance / Intérpretes Michael Fassbender\, Alicia Vikander y Rachel Weisz / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 2 hs 10 minutos /
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LOCATION:BIBLIOTECA PÚBLICA MONSEÑOR CANEVA\, Bolivar 473\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"YO AMO A SHIRLEY VALENTINE"
DESCRIPTION:Shirley tiene 42 años\, vive en la ciudad de Liverpool y lleva décadas casada. Sus hijos han crecido\, su marido se ha vuelto un hombre impaciente y se siente una sirviente a cargo de todos. Es una mujer sensible con sentido del humor y gran capacidad imaginativa\, que le permite seguir adelante enfrentando una rutina ya insoportable. Su íntima amiga Jane gana un premio a un lugar que les resulta un paraíso. Esta película esta basada en una obra de teatro para una sola actriz\, monólogo que ha sido representado en varios países ( en Argentina la primera versión estuvo a cargo de Alicia Bruzzo y la última de Betiana Blum)\, cosechando un enorme suceso en todas las ocasiones. La película se permite la grandeza de un buena adaptación a la pantalla visibilizando personajes y paisajes\, convirtiendo el pasaje de un lenguaje al otro de manera muy eficaz. La interpretación de la actriz Pauline Collins cosechó premios y obtuvo una nominación a los Oscar. A pesar del tiempo transcurrido desde su realización\, la película no ha perdido en contenido y los problemas que afectan a Shirley siguen siendo las realidades de millones de mujeres a lo largo del planeta\, así como la conflictividad con los hijos adolescentes y el agotamiento en la relación amorosa. Una cualidad que la convierte en un clásico de la comedia\, nivel que pocas obras alcanzan con el paso del tiempo. Los exteriores filmados en la isla de Mykonos\, en Grecia\, aportan un extra en la particular ilustración del paraíso de la mujer agobiada. Una obra enormemente disfrutable y materia de debate y reflexión. \nSHIRLEY VALENTINE / Reino Unido- EE.UU. / 1989 / Dirección Lewis Gilbert / Guión de Willy Russell basado en su obra de teatro / Intérpretes Pauline Collins\, Bernard Hill\, Tom Conti\, Julia McKenzie\, Joanna Lumley / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.48 minutos. \n 
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SUMMARY:"EL HILO FANTASMA"
DESCRIPTION:Paul Thomas Anderson es un cineasta norteamericano nacido en 1970 que destacó con su segunda película y desde entonces ha forjado una sólida carrera .A los 26 años debutó con «Hard eight\, Sidney» y en 1997 asombra con «Boogie Nights»\, un original retrato del submundo de la pornografía en los Los Ángeles donde combina personajes reales con otros puramente de ficción. En 1999 su tercer largo\, «Magnolia»\, lo consagra entre los grandes realizadores jóvenes del momento. Hasta el presente\, además de cortos\, videos y otras alternativas audiovisuales\, ha dirigido 6 más\, y el penúltimo es «El hilo fantasma». La mayoría de ellos ha estado siempre en la lista de los nominados y ganadores de sus respectivas temporadas.\nDaniel Day Lewis es británico nacido en 1957 y uno de los mayores intérpretes de su generación. Ganador de dos premios Oscar al mejor actor\, su filmografía es tan limitada como selecta. Lleva retirado desde el rodaje de este film\, bajo promesa de no volver a la actuación.\nDe la suma de estos dos grandes talentos\, surge el personaje de Reynolds Woodcock\, protagonista de esta ficción que\, a su manera\, resulta un ajuste de cuentas con las figuras siempre controvertidas de los grandes diseñadores de ropa: desde el precursor Paul Poiret hasta los legendarios del Siglo XX: Chanel\, Saint Laurent\, Balenciaga\, De Givenchy o Dior\, en general europeos que desafiaron al resto del mundo en la defensa de sus creaciones y sobre todo\, de sus propios personajes. Un mundo dirigido a las altas clases sociales con todas las consecuencias que esta orientación puede provocar. Un mundo donde la frivolidad más extrema\, la distancia del ciudadano común\, la banalidad en definitiva de considerar un arte a lo que solo es un oficio\, genera desde su aparición\, las controversias más fervorosas. NI en defensa ni en contra sino todo lo contrario…hasta que Anderson nos acerca su parecer en relación a esta temática cinematográficamente apasionante con la presenta narrativa.\nEn el Londres del año 1954 el modisto Reynolds Woodcock es la figura más destacada en su oficio dentro de la alta sociedad inglesa. Sus diseños de moda deslumbran a las mujeres poderosas mientras que en la intimidad desarrolla su carácter obsesivo y controlador bajo la mirada implacable de su hermana Cyril. mano derecha y persona influyente sobre su vida. Un hombre supersticioso prisionero del fantasma de su madre muerta\, encuentra en la joven Alma un interés casi desconocido. Serán amantes y la relación comenzará a afectar tanto su vida personal como su visión de diseñador de moda. No todo triunfo está asegurado\, ni para él ni para nadie… Una de las grandes películas de los últimos años según las listas de los críticos más influyentes del mundo. Nominada a seis premios Oscar\, fue una de las favoritas de la entrega pero no obtuvo otra recompensa que una estatuilla\, justamente la de Mejor Vestuario. La de Mejor Película y Mejor Actor quedaron en otras manos. Los últimos años la han destacado como superior a la triunfadora «La Forma del agua»\, una obra que ha perdido adeptos en un tiempo muy breve.\n«EL HILO FANTASMA» / THE PHANTOM THREAD / EE.UU.-2017 / Director Paul Thomas Anderson / Intérpretes Daniel Day Lewis\, Vicky Krieps\, Lesley Manville / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 2hs.10 minutos.
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SUMMARY:"AVE FÉNIX"
DESCRIPTION:Una película actual que retoma un mito ancestral para crear una ficción apasionante\, vigente\, moderna adaptación de los melodramas clásicos del cine desde una perspectiva absolutamente europea\, la de la cultura nórdica y germana. El mito que se hunde en la noche de los tiempos nace a partir de la figura de un ave de fuego que al apagarse y morir\, renace de sus propias cenizas para remontar un majestuoso vuelo. En el Antiguo Egipto y en las escrituras religiosas judeo-cristianas como las del mundo árabe y el del extremo asiático se encuentran menciones que serían retomadas por la antigua Grecia para ordenar y difundir desde entonces una cierta definición de este ser mítico. Un término instalado en los últimos años de nuestro presente\, la resiliencia\, se convierte en heredero de esta cuestión tan vieja como apasionante: el ser humano que atraviesa los mayores infortunios y a pesar de ello consigue recuperar las riendas de su vida y seguir adelante. \nEl cineasta y la actriz\, Christian Petzold (1960) y Nina Hoss (1975)\, de origen alemán ambos\, se unen por tercera vez para cerrar una trilogía que ahonda en las problemáticas femeninas\, o dicho de otra manera\, construir historias donde la protagonista es mujer: tanto «Jerichow» (2008)\, «Bárbara» (2012) como «Phoenix» (2014) presentan relatos que han cautivado a crítica y espectadores. En esta ocasión se cuenta lo que ocurre a Nelly a poco de ser rescatada por su gran amiga Lene de un campo de concentración en la Alemania de 1946. Como su rostro se encuentra desfigurado y envuelto en vendas\, un cirujano intentará recomponerlo con la intención de recuperar sus rasgos alterados. Pasado un tiempo de recuperación la protagonista se abocará a la búsqueda de su amado esposo Johnny. Contra la voluntad de su amiga que rechaza al hombre\, Nelly proseguirá en su ambición. Para descubrir que quien fue una persona fundamental en su vida se ha convertido en un extraño que ni siquiera puede reconocerla. \nCon estas coordenadas narrativas\, el cineasta germano\, uno de los más respetados desde su debut en el año 2000 y que ha rodado ya diez largometrajes\, utiliza los elementos melodramáticos para reflexionar sobre el propio pasado de su nación\, una cuestión casi obsesiva en los creadores alemanes a la hora de reformular lo que el nazismo  significa y significó para tantas generaciones\, a 90 años de la subida al poder de Hitler. Con la colaboración de una de las mejores y más prestigiosas actrices\, activa desde 1996\, ha conseguido una película de alto poder testimonial sobre las consecuencias que las políticas y los que las encarnan\, tienen sobre las poblaciones afectadas\, esos hombres y mujeres anónimos que son quienes finalmente pagan el precio de delirios de poder. Entonces y ahora\, finalmente para concluir que el paso del tiempo no sólo no mejora las cosas sino que muchas veces las empeora. «Ave Fénix» se alza como una obra de enorme belleza visual\, tan compleja como apasionante y moderna reformulación de los géneros clásicos\, con ciertos paralelismos a «Vértigo» (1958- Alfred Hitchcock) y con un final que ejemplifica lo que la imagen cinematográfica puede lograr sin una sola palabra de por medio: una joya pequeña pero tan brillante como la película toda. \n«AVE FÉNIX» / «PHOENIX» / Alemania- Polonia-2014 / Director Christian Petzold / Intérpretes Nina Hoss\,Nina Kunzendorf\, Ronald Zehrfeld / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.38 minutos.
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SUMMARY:"LA NOVICIA REBELDE"
DESCRIPTION:Según los trabajos actuales sobre las películas más vistas del cine\, más allá de las entendibles cifras recaudadas y la inflación que corresponde aplicar teniendo en cuenta los años en que se estrenaron\, «LA NOVICIA REBELDE» sigue estando entre los títulos más vistos de toda la Historia. En su momento\, batió récords\, permaneció en salas de estreno por ¡¡¡años!!! (en la sala del Ambassador de la calle Lavalle de Buenos Aires estuvo ininterrumpidamente por dos temporadas)\, fue repuesta con enorme suceso hasta la irrupción del VHS y también en las televisiones de todo el planeta: un ejemplo de cine pochoclero mezclado con lo artístico que hoy resultaría imposible de pensar teniendo en cuenta los gustos actuales. \nEn los albores de la Segunda Guerra Mundial\, sobre el año 1938\, el nazismo se extiende por toda Europa: Maria es una joven huérfana que ha encontrado refugio en un convento de los Alpes. Cuando la envían a cuidar a los hijos de un poderoso militar viudo\, su vida cambiará para siempre. La película se inspira en un musical de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II estrenado en 1959 que a su vez lo hizo de un libro de enorme suceso publicado en 1949 y escrito por la protagonista Maria von Trapp\, llamado «La historia de los cantantes de la familia Trapp». Esta mujer nacida en Austria en 1905 narró su experiencia vital desde un tinte donde lo religioso y lo musical señalan el sentido de su mirada sobre un tiempo tan complejo como su propia vida personal: huérfana\, criada por monjas\, institutriz de una familia acomodada que acaba saltando barreras sociales al casarse con el padre de sus educados\, fugitivos todos del espanto nazi\, exiliados en Italia y finalmente EE.UU. donde desde su autoridad y dirección convertirá al grupo en un famoso conjunto musical que llegó a compartir escena con el mismísimo Elvis Presley. Material para una ficción a partir de un relato autobiográfico que se convirtió en uno de los sucesos mas grandes de la posguerra. \nJulie Andrews nació en Inglaterra en 1935 y desde niña trabajó junto a sus padres en escenarios del music hall y vodevil británico alcanzando un nivel estelar que le permitió triunfar primero en los teatros de Nueva York desde 1954 (protagonizó tres obras legendarias del musical: «El Novio» (1954)\, «My fair lady» (1956) y «Camelot» (1961) y luego a partir de 1964 («Mary Poppins»\, Oscar a la Mejor Actriz) en el cine. Su nombre atravesó la cinematografía global a partir de dos mega-éxitos como fueron sus primeras películas y a partir del fracaso de sus últimos trabajos en 1969 inauguró una nueva etapa como estrella de show televisivo y apariciones esporádicas en algunos films\, como los exitosos «Diez\, la mujer perfecta»\, «Victor Victoria» o las dos partes de «Princesa por sorpresa». Dueña de un registro vocal extraordinario y de una calidez en sus interpretaciones\, de alguna manera estas cualidades eclipsaron otras intenciones de la actriz-estrella: ser reconocida en obras ajenas a estos personajes y donde  pudiese demostrar sus dotes dramáticas.En todo caso una carrera  llena de películas excelentes y donde logró la difícil tarea de consagrarse como figura única entre sus contemporáneas. Una de las grandes clásicas del cine. \nEl título original de la película\, el sonido de la música\, es mucho más elocuente que el fácil utilizado en el exterior porque evoca el sentido final de la obra: una historia donde las letras de las canciones refiere a sentimientos profundos de la protagonista. Porque es la música y no la danza quien protagoniza la trama\, que en manos de un experimentado cineasta como Robert Wise alcanza valores cinematográficos rara vez valorados por la crítica especializada\, producto digno de todas las descalificaciones posibles. Sin embargo con el paso del tiempo\, una nueva generación de escritores de cine ha presentado el debate sobre estas cuestiones y la película hoy se mantiene vital y reconocida\, como no lo fue en su época. La dirección de cámara\, la fotografía\, los movimientos puramente cinematográficos\, hablan de un film y no de una obra de teatro filmada\, error lamentable que muchos originales conocieron en su paso a la gran pantalla.En todo caso un género como otros desestimado en el presente que presenta para los amantes del cine un desafío a la hora de enfrentarse a el. Para intentar quitar\, o no\, prejuicios de mucho tiempo. Una película sencillamente extraordinaria. \n«LA NOVICIA REBELDE» / THE SOUND OF MUSIC/ EE.UU.-1965 / Director Robert Wise / Intérpretes Julie Andrews\, Christopher Plummer\, Eleanor Parker\, Charmian Carr\, Peggy Wood / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 2hs.50 minutos con intervalo de 10 minutos.
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SUMMARY:"DEJALOS QUE HABLEN...".
DESCRIPTION:Alice es una escritora con prestigio y capacidad de ventas tan grande como su ego. Acostumbrada a la fama\, el dinero\, la atención de quienes la rodean\, su contacto con situaciones cotidianas de la gente común es escaso. En la torre de marfil que habitan personas como ellas también caben los miedos y las fobias: con motivo de asistir a la entrega de un prestigioso premio literario en Inglaterra\, la autora debe enfrentarse al viaje. Su aversión a los aviones la obliga a realizar el trayecto en un barco. El Queen Mary II\, legendario superviviente de tiempos pretéritos de la navegación transoceánica será el vehículo para llegar a Europa. Y como capricho adicional no encuentra mejor idea que invitar a un par de viejas amigas de la juventud\, quienes al tener los gastos pagos aceptan la propuesta sin preguntar demasiado. Pero en la travesía las diferencias entre la una y las otras no harán más que incrementarse a medida que se acercan a las costas británicas. El lujo del momento no puede evitar las diferencias que las separan. La temática permite un ejercicio adulto sobre las relaciones humanas y las consecuencias del paso del tiempo\, los logros y fracasos que las atraviesan y cómo son modificadas según estos y otros condicionamientos a los que son sometidas. Desde el éxito desmesurado de Alice a las vidas más sencillas de sus compañeras\, los celos\, envidias\, competencias\, rencores disimulados\, parecen estallar entre las increíbles comodidades de este palacio flotante\, más cercano a un cuento de hadas que al de una vida vulgar y cotidiana en una ciudad o pueblo del interior. El cineasta se nutre de estos elementos para desarrollar una implacable mirada sobre la condición humana. \nSteven Soderbergh (1963) debutó con una película que triunfó en festivales europeos y a los 26 años de edad lo catapultó a una primera fila que no pudo mantener en sus siguientes trabajos a pesar de la calidad de los mismos\, que no gustaron al publico ni a la critica de su pais. Una década mas tarde\, en el año 2000\, triunfa con dos films: «Erin Brockovich» y «Traffic». Cuando en 2001 estrena la primera parte de la saga «Ocean’s eleven»\, inicia una serie de sucesos alternados con films muy personales y de escasa repercusión\, series de televisión para arribar al presente con dos películas protagonizadas por Meryl Streep ya en tiempos de steaming.Su talento y la calidad que otorga a sus trabajos hacen de el un cineasta tan consolidado en la industria como definitivamente alejado de aquellos títulos iniciáticos. «Dejenlos que hablen» muestra a un cineasta en la plenitud de sus condiciones. \nMeryl Streep (1949) debutó en «Julia» (1977) junto a Jane Fonda y desde entonces ha construido una de las carreras mas prestigiosas del cine norteamericano\, llena de films premiados y algunos ya clásicos como «El francotirador»\, «Kramer vs Kramer»\, «La decisión de Sophie»\, «Africa mía»\, «Los puentes de Madison» o «Mamma mia». Ganadora de 3 Oscar\, con 21 nominaciones al premio\, es una de las actrices mas populares de la historia del cine a 46 años del inicio de su carrera en cine. Candice Bergen (1946) debutó en 1966 en «El grupo» de Sidney Lumet y hasta 1982 fue una de las actrices mas presentes del cine y también de las más bellas y elegantes. En 1988 debutó en una serie de extraordinario éxito que con interrupciones ha llegado al presente: «Murphy Brown». Esporádicamente aparece en películas en roles secundarios. Dianne Weist (1946) debutó en roles secundarios a finales de los setenta y entre sus trabajos se encuentran cinco bajo la dirección de Woody Allen y uno de Clint Eastwood. \n«DEJALOS QUE HABLEN» / LET THEM ALL TALK / EE.UU.-2020 / Director Steven Soderbergh / Intérpretes Meryl Streep\, Candice Bergen\, Dianne Wiest\, Gemma Chan\, Lucas Hedges / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.50 minutos.
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SUMMARY:CINE DE INVIERNO: "LA INFANCIA EN EL CINE ACTUAL"
DESCRIPTION:Un nuevo encuentro trimestral en el Museo Enrique Squirru nos lleva al «Cine de Invierno» donde durante tres viernes de agosto se ofrecerán películas que abordan la infancia desde la perspectiva de mujeres cineastas de distintas nacionalidades: francesa\, española y australiana\, todas ya consagradas en el ambiente y con obras construidas en la última década. Los nombres de estas creadoras se suman a otros de diferentes países para construir un nuevo frente de mirada femenina en un lugar durante casi un siglo dominado por hombres. Las legendarias Alice Guy Blache\, Dorothy Arzner\, Muriel Box\, Agnes Varda\, Ida Lupino\, Mai Zetterling\, Lina Wertmuller\, Liliana Cavani\, Margarette von Trotta y nuestras Vlasta Lah y Maria Luisa Bemberg\, pioneras siempre necesitadas de reconocimiento\, abrieron caminos en sus respectivas tierras donde las nuevas autoras encuentran senderos de reflexión. Céline Sciamma. Carla Simón y Cate Shortland unen sus nombres\, entre otras\, a los de las argentinas Lucrecia Martel\, Ana Katz\, Anahí Berneri o Lorena Muñoz\, todas con nombres ya consagrados. La infancia fue y es motivo de interés a los ojos del cine: desde aquel que inspiró a Chaplin a realizar «The  Kid» (1921)\, a Roberto Rossellini «Alemania hora cero (1948)\, a René Clement  «Juegos prohibidos» (1952)\, a Satyajit Ray la trilogía de Apu (1955-1959)\, a Leonardo Favio «Crónica de un niño solo» (1965) o a Carlos Saura  «Cría Cuervos» (1975)\, obras mayores que representan lo mejor del aporte de un lenguaje a una temática siempre vigente. \n«Cine de Invierno» propone tres películas actuales de escasa difusión en Argentina\, las siguientes: \nVIERNES 04.08.2023 / «TOMBOY» \nLaure tiene unos diez años y vive con su madre en un nuevo vecindario. Pero se hace llamar Mikhael y todos los niños y niñas que la rodean creen que es varón. Su mundo infantil cercano a la pubertad\, camina paralelo a la realidad de los mayores. Su madre ocupada en obligaciones cotidianas\, su padre distante\, los vecinos con sus rutinas\, resultan ajenos al devenir de la protagonista. La vida de juegos se confunde con la de los engaños y los deseos de ser otra persona. Su construcción se verá afectada a partir de un incidente que develará secretos. Entonces\, los adultos tomarán las riendas de la situación. \nLa cineasta Sciamma (Francia-1978) debutó en el largometraje después de haber destacado con una serie de cortos. En 2007 su «Naissance des pieuvres» se convirtió en un suceso crítico que le abrió las puertas de la industria francesa\, donde se consagró con este segundo film\, un original\, amoroso\, complejo y adulto acercamiento a una temática silenciada por conceptos ya caducos en el presente: el deseo de las infancias más allá de las realidades en una sociedad que no para de cambiar a la vez que perpetúa o renueva miradas. Sus posteriores trabajos confirman el talento excepcional de esta creadora de imágenes: las multipremiadas «Retrato de una mujer en llamas» (2019) y «Petit maman» (2021) donde regresa al tema infantil\, se encuentran entre lo mejor del cine adulto contemporáneo\, aquel que no abandona los senderos de la verdadera creación artística. La memorable interpretación de Zoé Heran (1999) complementa y redondea la propuesta: ella es parte del suceso en la creación de su deslumbrante personaje. \n«TOMBOY» / Francia-2011/ Dirección Céline Sciamma / Intérpretes Zoé Heran\, Malonn Levana\, Mathieu Demy / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.22 minutos. \nVIERNES 18.08.2023 / «»VERANO 1993». \nFrida tiene seis años de edad y acaba de perder a sus padres a causa del SIDA. La familia decide que su futuro será en casa de su tío y los suyos. En el interior de Cataluña\, en un ambiente rural\, la niña deberá hacer frente a su nueva realidad. Su sentimiento de soledad\, de extrañeza\, de dolor por la madre perdida encontrará respuestas y dificultades en la construcción de su presente y más allá\, su futuro. Otras infancias la rodean así como los diferentes mandatos familiares\, sociales\, generacionales siempre complicados a la hora de enfrentar cambios. \nCarla Simón nació en 1986 en Barcelona y debutó con este largometraje que la consagró con los mayores premios de esa temporada en su propia tierra y en el exterior en varios festivales. En el Festival de Berlin 2022 conquistó el trofeo mayor por su segunda obra\, «Alcarrás»\, lo que la ubica de manera excepcional según en un lugar especial en el pelotón de las grandes promesas. El futuro deparará respuestas sobre el talento mayor de esta joven artista. Su acercamiento a la figura de la protagonista no es más que la elaboración de su propia historia personal: su propia infancia como territorio de inspiración y sublimación para el lenguaje cinematográfico. Pertenece al grupo de artistas que encuentran en la experiencia propia motivo de inspiración para su obra. Situación que cuando se resuelve exitosamente\, da lugar a lo mejor de la creatividad. Su encuentro con la deslumbrante  Laia Artigas le permite redondear la compleja propuesta al apoyar el peso mayor de una película sobre los hombros de una niña. \n«VERANO 1993» / España-2017 /Dirección Carla Simón / Intérpretes Laia Artigas\, Paula Robles\, Bruna Cusi\, David Verdaguer / Color /Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.37 minutos. \nVIERNES 25.08.2023 / «LORE». \nLore es la hija mayor de tres hermanos\, otra niña y un varón. Con la caída de Hitler y su genocida régimen con enorme apoyo cívico en 1945\, se pone inicio a varios finales: la Segunda Guerra Mundial\, un proyecto demencial\, el tercer Reich y también el de su propia familia como núcleo humano y de contención. Ante la inminente detención de sus padres\, nuevos prisioneros de la fuerza triunfante\, la joven recibe el mandato de llevar a sus hermanos hasta la casa de su abuela a cientos de kilómetros de distancia. La odisea de atravesar un país destrozado por la irrupción de los Aliados será el desafío que este trío  deberá enfrentar. Una historia que les abrirá los ojos de la Historia con mayúsculas. tergiversada por los delirios de un líder y una sociedad que apostó por la muerte y la destrucción del otro como camino a un proyecto tan imposible como delirante y sin embargo\, ejecutado durante más de una década. La inocencia\, en todo caso\, solo puede ser aplicada para entender las infancias\, jamás para justificar las complicidades de los adultos\, generadores junto a las clases gobernantes y políticas de espantos como este que llevaron a la muerte de millones de humanos y a la destrucción de todo un territorio geográfico: el europeo así pero también sus consecuencias en el exterior concluidas con el asesinato en masa (disfrazado de acto justo) de los bombardeos atómicos a Japón en agosto de 1945. Horrores que al parecer no han bastado para evitar otros acaecidos hasta el presente. Donde émulos de todo tipo de la figura hitleriana siguen reproduciéndose con el apoyo de millones de humanos y ante la mirada atónita de los que creemos que la memoria y la educación deberían ser algo diferente a como se las entiende el en presente. El cine\, arte extraordinario nos recuerda lo que fue. Y lo que no debería volver a ser y acontecer. \nLa cineasta de origen australiano\, nacida en 1968\, ha desarrollado desde entonces una carrera internacional\, modelo más que habitual en este presente tan complejo a la hora de realizar un film con fondos emergentes de un solo país. Habiendo debutado en 2004\, ha estrenado hasta la fecha cuatro títulos\, siendo «Lore» el segundo y el más reconocido- Como las otras realizadoras del presente ciclo\, ha encontrado en la figura de niños y jóvenes a sus intérpretes idóneos\, en este caso capitaneados por la enorme Saskia Rosendahl (1993)\, que da vida a la protagonista. \n«LORE» / Australia-Alemania-Reino Unido-2012 / Dirección Cate Shortland / Intérpretes Saskia Rosendahl\, Kai-Peter Malina\, Nele Trebs / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.49 minutos. \n 
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SUMMARY:"MACHUCA"
DESCRIPTION:El día miércoles 30.08.2023 a las 18.00 hs se realizará el segundo de los cuatro encuentros programados sobre Cine y Educación\, dirigido al profesorado\, alumnado de la entidad así como abierto en forma libre y gratuita a la ciudadanía azuleña que desee acompañar la propuesta. \n\nSe exhibirá la siguiente película:\n«MACHUCA» / Chile-2004 / Dirección Andres Wood / Intérpretes Matías Quer\, Ariel\,Mateluna\, Aline Kuppenheim\, Tamara Alonso\, Federico Luppi. / Color / Duración 1h. 52 minutos / Versión original.. Una de las grandes películas del contemporáneo cine chileno donde un grupo de cineastas\, entre los que se encuentra Andrés Wood (1965)\, han abierto en los últimos quince años la puerta de esta cinematografía al mundo occidental\, convirtiendo a Chile en una de las grandes realidades audiovisuales de nuestra época. Un cine absolutamente comprometido con la realidad de una nación y sus devenires históricos\, políticos y sociales. En las semanas previas al golpe de estado que derrocó al presidente legítimo Salvador Allende\, transcurre la historia de dos niños de diferentes extractos sociales que traban amistad en una escuela donde se realiza un experimento educacional: un reducido grupo de alumnos de familias pobres de Santiago concurre a una entidad privada. Desde ese encuentro y fuerte lazo de amistad\, se construye una mirada sobre un tiempo y una realidad tan dramática como vigente. La película obtuvo premios internacionales y a casi veinte años de su estreno su condición de clásico del cine latinoamericano es indiscutible. Un título para ser disfrutado\, descubierto o vuelto a ver en el contexto ideal de un Instituto de educación de nuestra ciudad\, un ejercicio de reflexión\, conocimiento y disfrute del arte cinematográfico en una época donde la realidad vuelve a demostrar la peligrosidad de la repetición de eventos dramáticos para los pueblos: el cine además de entretener\, educa\, enseña\, permite la reflexión.
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SUMMARY:"MI CRIMEN"
DESCRIPTION:El Paris de la década de 1930 es el escenario elegido por Francois Ozon (1967) para su última película estrenada. Debutando en 1997 en el largometraje\, el cineasta se convirtió en uno de los más prolíficos y consagrados del panorama francés con obras que han ido desde el drama intimista a la comedia desaforada. Su enorme suceso del año 2002\, «Ocho mujeres» guarda similitudes con esta obra\, donde el género policiaco\, el crimen concretamente\, es tratado en tono humorístico sin dejar de lado temas complejos y serios: la sonrisa vuelve a habilitar un sendero para la reflexión. Madeleine es una actriz de dudosa calidad y Pauline una abogada con escasa experiencia.Son amigas\, comparten la miseria que el escaso dinero provoca y en plena juventud parecen sentirse realmente acabadas. A partir del asesinato de un poderoso empresario del espectáculo la vida de ambas tomará un giro inesperado: al adjudicarse la autoría del delito\, la actriz será defendida por la abogada\, y en un juicio lleno de situaciones absurdas encontrarán ambas el suceso y el reconocimiento hasta entonces negado. Una vez instaladas en una vida confortable\, la calma será alterada por la aparición de la verdadera asesina que aparece para reclamar un crimen que considera suyo y de propiedad exclusiva. \nCon estas líneas argumentales Ozon construye un relato que le sirve para analizar el contexto francés de la época\, la de entreguerras. Y cada uno de los personajes que van atravesando la narración\, son modelos donde apretar las  tuercas: los jueces\, los investigadores\, la policía\, los grandes negociados del teatro y del cine son puestos en la vidriera. La Justicia y la injusticia\, la personalidad de los implicados que giran alrededor de las jóvenes\, van construyendo una historia cuyo punto culminante se produce tras la irrupción de Odette\, una olvidada actriz del cine mudo que encuentra en esta situación la posibilidad de recuperar un espacio perdido en el mundo del espectáculo.Entonces el dúo femenino se convierte en triángulo que trama las más esperpénticas situaciones. Ozon se permite en medio de todo esto un particular homenaje al cine francés de los orígenes: el mudo de los años diez y veinte y el primer sonoro de los años inmediatamente anteriores al que transcurre la acción. Una película fundamentalmente de actrices\, como la mayoría de las producciones de la obra del autor\, encuentra en las recién llegadas Nadia Tereszkiewicz y Rebecca Marder más la enorme Isabelle Huppert un trío ideal para dar vida a sus criaturas\, sin dejar de homenajear a una de las más célebres mujeres del cine galo\, la bella Danielle Darrieux en una de sus primeras películas. Una fiesta de cine no tiene porqué ser necesariamente una obra maestra. Los grandes cineastas se pueden permitir estos desequilibrios. Francois Ozon no necesita ya dar explicaciones a nadie. \n«MI CRIMEN» / MON CRIME / Francia- 2023 / Dirección Francois Ozon / Intérpretes Rebecca Marder\, Nadia Tereszkiewicz\, Isabelle Huppert\, Fabrice Luchini\, Dany Boon\, Myriam Boyer\, André Dussollier / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.42 minutos. \n 
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SUMMARY:"KANDAHAR".
DESCRIPTION:Cuando en el festival de Cannes 2001 se presentó en concurso esta película\, se convirtió en una de las más celebradas  y le abrió la posibilidad de ser estrenada en varios países\, incluido el nuestro. En la década anterior el cine iraní había asomado tímidamente en este y otros festivales internacionales de Occidente y el nombre de Mohsen Makhmalbaf\, nacido en la capital de Irán\, Teherán en 1957\, comenzó a ser tenido en cuenta por crítica y públicos cinéfilos. Debutando en 1983\, llevaba realizadas varias películas antes de esta\, entre ellas dos que destacaron en dichos espacios: «Bicycleran»(1989) y «Gabbeh» (1996). Después del suceso de «Kandahar» ha seguido filmando hasta el presente y algunas de esas obras volvieron a alcanzar difusión más allá del mundo musulmán y de lengua árabe: «The gardener» (2012)\, «The president» (2014) y su último estreno hasta hoy\, en coproducción con Italia\, «Marghe and her mother» (2019). \n«Kandahar» está construida sobre una ficción que intercala imágenes propias del cine documental y demuestra la maestría del realizador a la hora de combinar dos estilos: Nafas es una joven exiliada de Afganistán que vive en Canadá e intenta regresar a su tierra natal ante por un pedido de su hermana. Ante las dificultades de entrar libremente al país dadas las circunstancias políticas del momento ( el triunfo de los talibanes tras la derrota del ejército soviético que desató violencias de todo tipo y fue depuesto por una intervención norteamericana en el mismo año de producción de la película para regresar al poder en 2019 y seguir hasta hoy) la mujer intenta una travesía desde la frontera con Irán. En ese viaje irá conociendo personajes de todo tipo y construyendo una mirada sobre sus propios orígenes. La distancia del exilio ha transformado a Nafas\, quien deberá regresar a costumbres y mandatos por los que huyó. Los lazos familiares\, sin embargo\, le darán fuerzas para intentar la aventura. El cineasta se recrea en paisajes propios y donde las arenas del desierto expresan e indican todo un telón de fondo sobre el que se mueven sus criaturas: todas ricas en observación y detalles. La infancia y la ancianidad\, las mujeres mayores y los hombres que las obligan a leyes ancestrales\, la solidaridad y el delito\, todo confluye en esta especie de road-movie musulmana. Una obra excelente que despierta el interés por una cinematografía tan desconocida como potente\, que a pesar de las censuras que ha sufrido desde la Revolución islámica de los ayatolas de 1979\, permite un lugar a los grandes creadores amantes del arte cinematográfico\, mucho de los cuales pagan con cárcel sus atrevimientos artísticos. Un cine memorable\, combativo y resistente que permite a propios y a extranjeros acercarnos a través de sus imágenes a una realidad tan candente como silenciada por los medios de comunicación de todo el planeta. Otro signo de estos tiempos. \nLa cinematografía iraní data del año 1900\, y para ilustrar esos inicios me parece oportuno citar un escrito elemental de la web pero muy ilustrativo ya que plantea el cine como un lujo: \n«Antes de la llegada del cine\, las diversiones en Irán eran un lujo reservado al sector acomodado de la población.1​El 8 de junio de 1900\, con ocasión de un viaje a Europa\, el sah de Irán Mozaffar al-Din Sah Kayar asiste a una proyección en un cinematógrafo en Francia. El soberano ordenó a su fotógrafo\, Mirza Ebrahim Khan Akkas Bashi\, que comprara una cámara Gaumont. La película filmada en Ostende\, con motivo de un festival floral\, es sin duda la primera película filmada por un realizador iraní.2​ Las primeras películas realizadas en Irán fueron encargadas por el soberano: los animales del zoológico\, las procesiones de Moharram\, las fiestas de la corte filmadas y proyectadas por Akkās Bāshi.3​La primera sala de proyección cinematográfica fue inaugurada en noviembre de 1904 por Mirza Ebrāhim Sahhāf-Bāshi. Este\, quien había viajado al extranjero\, proyectó cortas comedias y montajes de imágenes de actualidad. Mehdi Rusi Khān era un antiguo fotógrafo de la corte\, se compró un proyector y quince películas a Pathé para organizar proyecciones en el harén real alrededor de 1907. Luego se abrió una sala con una capacidad para alrededor de 200 espectadores en el centro de Teherán. Todas las tardes se hacían  proyecciones de comedias francesas y de películas de actualidades…» \nEn las décadas de 1960 y 1970\,se realizó un significativo avance en la cinematografía bajo la influencia del último sha\, hasta su final en 1979. Los primeros años del nuevo régimen fueron muy complejos para la cinematografía\, y como ya cité\, a partir de los años 1990 con la aparición en Occidente de realizadores como Abbas Kiarostami (1940-2016)\, el país se ha ido consolidando como tierra de creación artística muy destacada dentro del mundo árabe. La visión de este clásico nos permitirá renovar o descubrir conocimientos sobre un cine alternativo tan necesario como talentoso. \n«KANDAHAR» / Irán- Francia-2001 / Dirección Mohsen Makhmalbaf / Intérpretes Nelofer Pazira\, Hassan Tanlai/ Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.25 minutos.
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SUMMARY:"¿SABES QUIÉN VIENE A CENAR?"
DESCRIPTION:El Oscar a la mejor película del año 1967 lo ganó «Al calor de la noche»\, un intenso drama donde se analizaba el racismo en la sociedad norteamericana y cuya acción transcurría en un pequeño pueblo del interior en una comisaría donde un sheriff blanco se enfrentaba a un abogado negro. Uno de sus actores\, Sidney Poitier (1927-2022)\, protagonizó otra de las competidoras\, la reseñada aquí\, y también el racismo era el tema sobre el que giraba la acción. Un año de feroz competencia donde perdieron dos films ya clásicos y otro justamente olvidado: «El graduado» y «Bonnie y Clyde»\, títulos emblemáticos del llamado «Nuevo Cine Americano» surgido en los años sesenta. «¿Sabes quién viene a cenar?» situaba su narración en el hogar de un matrimonio culto\, académico\, de buena posición económica\, padres de una sola hija y que se decían progresistas. Sin embargo cuando la joven aparece con el hombre con quien se casará en breve y partirá al exterior\, los padres deberán enfrentarse a sus propios prejuicios y posicionamientos al descubrir que la piel del candidato es negra. Con esta trama sencilla a los ojos del espectador actual\, la película de Stanley Kramer (1913-2004)\, uno de los grandes productores de los años cincuenta y posterior director con carrera plagada de sucesos de público y algunos de crítica\, proponía un tema largamente conflictivo para la industria del cine USA: las relaciones entre dos sectores bien diferenciados de la sociedad norteamericana\, definidos en principio por el color de la piel. Con un pasado esclavista y explotador\, los años sesenta traerían movilizaciones populares para cuestionar esta tremenda situación: lideres como Malcom X o Martin Luther King (uno ya había sido asesinado al momento del rodaje y el otro lo sería pocos meses después del estreno del film) actualizaron el tema al tomar las calles con manifestaciones de diferentes tipos: desde las violentas a las pacifistas (los líderes señalados encarnaron los dos polos). Casi sesenta años más tarde\, la problemática\, aun con sus enormes progresos\, avances y derechos adquiridos\, no ha desaparecido totalmente y frecuentes muertes a manos de la autoridad policial así lo confirman. \nEl matrimonio formado por Matt y Christina goza de prestigio entre sus pares y ambos representan el ala más progresista de la sociedad\, lo cual no es más que una fachada\, porque en su interior la realidad demostrará que aún les falta tiempo y acción para demostrar ser quienes dicen ser. La llegada de Joey\, joven veinteañera pondrá patas para arriba la comodidad y el confort hogareño cuando presenta a su prometido John\, prestigioso académico de raza negra. Ella no llega para pedir permiso\, el primer conflicto presentado\, sino para solicitar apoyo en su decisión. Cuando más tarde aparezcan los padres del casi inmediato marido\, la acción sube en tensión y entre los seis personajes y algunos otros secundarios se dará comienzo a un apasionante cruce de palabras y acciones. La película se mantiene viva a pesar del tiempo transcurrido\, y no lo es solamente por el buen hacer de sus intérpretes o director sino porque el tema del racismo en sus diferentes variantes sigue vivo y lamentablemente potenciado en la actualidad\, un tiempo que amenaza con demoler en todo Occidente\, logros y avances que llevaron años\, dolor\, sufrimiento\, compromiso\, conseguir. De ahí la grandeza de esta comedia ejemplar del cine hollywoodense. \nY Hollywood\, o la gran industria del cine norteamericano\, señala el camino por donde transita esta producción: Kramer se había consagrado en la década anterior con sucesos como «Fuga en cadenas»\, donde dos fugitivos unidos por unas esposas imposibles de romper\, deberán compartir la acción: también el racismo tiñe esta historia al ser uno blanco y el otro negro. Luego llegaría una de sus mejores películas en 1961: «El juicio de Nuremberg» con un reparto plagado de estrellas. Para esta ocasión el cineasta recurre nuevamente a dos de sus anteriores actores: Spencer Tracy (1900-1967)\, quien moriría días después de finalizado el rodaje y no llegaría a ver su último trabajo\, y el citado Poitier\, quien luego desarrollaría una importante carrera como productor y director de películas donde los afroamericanos serían siempre sus protagonistas. A ellos se les unió una actriz ya entonces legendaria\, Katharine Hepburn (1907-2003) que ganó el segundo de sus cuatro Oscar por este trabajo.Los años no suelen ser piadosos con películas exitosas en su tiempo. Los contextos marcan estas diferencias\, pero dentro de la categoría «clásicos»\, diferentes corrientes del cine compiten por mantener sus estatus: los hay del cine artístico\, de vanguardia\, experimentales y también películas altamente industriales sin que el término resulte despectivo: Kramer y los intérpretes señalados se movieron casi siempre dentro de sus márgenes y muchas veces obtuvieron absolutas obras maestras del cine. Pero un «clásico» no necesariamente debe serlo y esta obra no lo es (obra maestra)\, lo cual no le impide mantener un lugar en el podio de las mejores películas de la década\, de un país y de un contexto. Una invitación para no perdérsela: el placer del buen cine está asegurado. \n¿SABES QUIÉN VIENE A CENAR?»/ GUESS WHO’S COMING TO DINNER / EE.UU.-1967 / Dirección Stanley Kramer / Intérpretes Katharine Hepburn\, Katharine Houghton\, Spencer Tracy\, Sidney Poitier\, Cecil Kellaway\, Roy Glenn\, Beah Richard\, Isabel Sanford / Versión original con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h.45 minutos.
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LOCATION:CASA RONCO\, Calle San Martín 362\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"GLORIA MUNDI"
DESCRIPTION:«GLORIA MUNDI» / idem / Francia-2019 /Dirección Robert Guédiguian /Intérpretes Ariane Ascaride\, Jean Pierre Darroussin\, Gerard Meylan\, Lola Naymark\, Anais Demoustier / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.46 minutos / Sinopsis: en la Marsella actual se desarrolla la historia de un grupo familiar: Sylvie y Richard\, pasados los sesenta años\, se enfrentan al día a día propios y también al de las dos hijas de ella\, hermanas tan diferentes como competitivas. Una  acaba de ser madre primeriza y este acontecimiento parece desatar una tormenta de afectos y secretos ocultos entre todos los integrantes del núcleo familiar\, incluido el primer marido de Sylvie\, quien recién salido de prisión regresa a la ciudad para conocer a su nieto. El cineasta francés\, uno de los mayores de las últimas décadas\, realiza un nuevo ejercicio dentro de su modélica obra sobre la clase trabajadora de la sociedad francesa contemporánea.. \nRobert Guédiguian nació en Marsella en 1953\, activo en la realización\, producción y guionado de toda su obra desde 1981\, se consagró ante la crítica y el público francés ( y posteriormente europeo) en 1997 con el estreno de «Marius y Jeannette». Su obra cuenta con dos particularidades: la mayoría está filmada y ubicada en su ciudad natal y sus intérpretes Ascaride (1954)\, Darroussin (1953) y Meylan (1952) han colaborado desde el inicio\, convirtiendo casi todas sus películas en un relato contemporáneo de su tierra natal así como el propio transcurrir del tiempo sobre el cuerpo y rostro de sus actores. Una tercera sería que la acción de todas ellas tiene como protagonista a la clase trabajadora del sur de Francia. Un caso prácticamente inédito en la cinematografía mundial. \nEl título de esta película toma dos palabras de la locución latina tópica «gloria mundi sic transit» cuya traducción literal sería «así pasa la gloria del mundo»\, que además de su empleo en la liturgia cristiana también se utiliza para expresar lo efímero de los triunfos así como para recordar que «toda vida humana tiene fecha de caducidad». De ahí su mención duradera en literatura y ciertas citas o lugares comunes en general. El cineasta se siente seducido en titular un film de esta manera y quedará en el espectador encontrar su significado una vez finalizada la película. En todo caso\, vuelve otra vez a su temática preferida\, casi excluyente en toda su trayectoria: el retrato humanista de una serie de personajes para quienes la vida no ha sido sencilla y donde el trabajo pocas veces bien remunerado es motivo que atraviesa la narración. Una mirada diferente sobre el ideal de confort europeo\, alejado del mero  entretenimiento y más cercano al cine realista\, social y testimonial de un amplio sector de la cinematografía gala desde el inicio de la cinematografía. Un cineasta que forma un selecto grupo de directores que han construido su obra cinematográfica en los últimos treinta años y mantienen viva la llama del mejor cine comprometido con la vida\, mucho más allá del mero entretenimiento.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"LA OLA"
DESCRIPTION:«LA OLA» / DIE WELLE /Alemania-2008 /Dirección Dennis Gansel /Intérpretes Jürgen Vogel\, Frederick Lan\, Max Riemelt\, Jennifer Ulrich / Color / Versión original con subtítulos / Duración 1h.45 minutos. Sinópsis: en un centro de educación secundario trabaja Rainer Wenger\, uno de los pocos educadores que cuentan con la simpatía del alumnado gracias a su escaso respeto por las formas tradicionales de la enseñanza. El rectorado y la mayoría de los padres no ven con igual simpatía el proceder del profesor. Con la intención de involucrar a los alumnos en el estudio\, propone un ejercicio a desarrollarse durante una semana: la autocracia y sus posibilidades de ser llevada a cabo será el tema elegido. Día tras día se van generando controversias entre los integrantes de la clase\,siempre bajo la rígida mirada de Rainer. Hacia el final de la semana todo parece haberse escapado de control… \nEl cineasta nacido en 1973 saltá a la fama con su segundo largometraje\, «NAPOLA» (2004) donde aborda la educación de élite para jóvenes durante el gobierno nazi. Con «LA OLA» alcanzaría fama internacional y más tarde conocería un tercer éxito con un moderno films de vampiras mujeres\, la atractiva «SOMOS LA NOCHE» (2010). El film que nos ocupa se centra en los avances de la ultraderecha europea y alemana en particular durante los años 90 y los primeros del nuevo milenio: 16 años después\, nuestro presente nos muestra el dramático avance de esta tendencia política enroscada en el propio corazón de las maltrechas democracias. Su visionado permite reflexionar sobre la relación entre la ficción cinematográfica y la propia realidad global\, concretamente la Occidental donde los nombres de Trump\, Putin o Bolsonaro representan el avance de estas ideas extremistas en gobiernos de los últimos diez años. El actual italiano y la posibilidad de uno futuro argentino no hacen más que demostrar el enorme apoyo que millones de seres humanos prestan a estas propuestas que amenazan con profundizar aún más las heridas de los ejercicios democráticos. \nEl profesor propone un ejercicio sobre la autocracia\, término acuñado en la Antigua Grecia por el filósofo Platón (427-347 AC) fundador de la Academia hacia el año 387\, una institución destinada a dar educación filosófica a los futuros políticos. El seguidor de Sócrates y maestro\, entre otros\, de Aristóteles\, iluminadores primigenios del pensamiento humano (¡más de 2300 años atrás!) imaginó la autocracia  como un sistema de gobierno donde todo el poder recaía en una sola persona\, cual figura divina\, cuyas acciones  no estaban sujetas a mas autoridad que la que su mente propiciaba. O dicho más popularmente\, el lado opuesto de la democracia. Con este material el profesor propone a sus alumnos un ejercicio de implicación absoluta donde él mismo emerge como líder absolutista. El espectador de la ficción encontrará material para el debate y la reflexión una vez terminada la película. Un puro ejercicio cinematográfico donde este lenguaje artístico se convierte en arma arrojadiza a quien presencie la obra\,  para iniciar así otro juego tan atractivo como arriesgado: el que propone el cine verdaderamente comprometido con la realidad de su tiempo.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/la-ola/
LOCATION:Instítuto Superior de Formación Docente y Técnica Nº2\, Colón 498\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"LA EDAD DE LA INOCENCIA"
DESCRIPTION:«LA EDAD DE LA INOCENCIA» /THE AGE OF INNOCENCE/ EE.UU.-1993 / Director Martin Scorsese / Intérpretes Daniel Day Lewis\, Michelle Pffeifer\, Winona Ryder\, Geraldine Chaplin\, Alec McCowen\, Miriam Margolyes / Basada en la novela homónima de Edith Wharton / Fotografía Michael Ballhaus / Música Elmer Bernstein / Color /  Versión original con subtítulos / Duración 2hs.10 minutos. Sinopsis: hacia finales del Siglo XIX\, Nueva York ya era una de las ciudades más importantes y contaba con una exclusiva clase social adinerada\, inspirada en la de los europeos. Entre estos nuevos ricos transcurre la acción de esta impresionante adaptación de una escritora de esa época: Edith Wharton (1862-1937) que retrató como pocos a esta emergente sociedad en sus libros: Newland es un joven a punto de contraer matrimonio con la hija de unos poderosos\, la muy joven May. Con la llegada desde Europa de una prima de ella\, Ellen\, quien viene escapando de un marido tan violento como importante lo que acarrea un estigma sobre su persona\, el romance de la pareja a punto del altar se ve afectado por el progresivo enamoramiento que la misteriosa visitante provoca en Newland. Rodeado de personajes que van enriqueciendo la historia\, la mirada del cineasta Scorsese genera una reflexión sobre la forma de vida de este sector social. \nEdith Wharton fue una escritora\, diseñadora y mujer de gran influencia en su época: hija de familia adinerada\, tuvo una excelente educación y su conocimiento de la clase social a la que pertenecía le sirvió para volcarlo en su mundo literario. El uso de la ironía le ayudó a describir la estrechez de miras y la casi absoluta ignorancia de las personas que la integraban\, cegados por la cantidad de dinero que ganaban en sus emprendimientos pero alejados de todo interés cultural\, aunque si capaces de copiar los mayores excesos económicos de los ricos europeos y sobre todo esa aristocracia añeja del viejo continente que en vano trataron de copiar. La base de las nuevas clases poderosas que arrastran sus malos hábitos hasta el presente\, aun en geografías tan alejadas como la nuestra. Entre 1900 y la fecha de su muerte escribió 22 novelas además de artículos\, cuentos fantásticos y relatos de su experiencia en el frente de la Primera Guerra Mundial cuando se encontraba en Francia. Detestaba su país natal\, que aún así la reconoció con premios tan importantes como el literario Pulitzer\, meta de cualquier literato de esa época y de ahora. Destacan entre sus más leídos y mejor tratados por la crítica (que nunca acabó de aceptarla totalmente) «La casa de la alegría» (1905)\,»Ethan Frome» (1911) y «La edad de la inocencia» (1921)\, sobre la que el gran Martin Scorsese consiguió una de sus más hermosas y complejas obras\, alejada del estilo que le hizo famoso y grande. \nInfluenciado por su admiración del cine italiano\, tierra de sus padres\, Scorsese parece homenajear el universo de uno de sus mayores creadores\, Luchino Visconti. El retrato minucioso\, detallista hasta lo obsesivo sobre movimientos\, vestuario\, hábitos de los personajes\, la arquitectura de los edificios en los que viven\, el dinero que sobra por todos lados bajo la silenciosa mirada de una servidumbre también copiada de Europa\, son protagonistas a la par del plantel extraordinario de intérpretes que dan vida a sus criaturas. La fotografía de Michael Ballhaus\, alemán colaborador de Fassbinder y otros integrantes del cine germano que luego firmaría varias películas para el cineasta norteamericano y la música del clásico Elmer Bernstein\, son dos piezas fundamentales para el engranaje de esta obra tan hermosa como olvidada en el presente. Un excelente ejemplo del traslado del mundo literario al cinematográfico. Una obra absolutamente mayor del cine para volver a disfrutar.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/la-edad-de-la-inocencia/
LOCATION:BIBLIOTECA PÚBLICA MONSEÑOR CANEVA\, Bolivar 473\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"AMBICIONES QUE MATAN"
DESCRIPTION:«AMBICIONES QUE MATAN» / A PLACE IN THE SUN / EE.UU.-1951 / Director George Stevens / Intérpretes Montgomery Clift\, Elizabeth Taylor\, Shelley Winters / Blanco y negro / Versión original con subtítulos / Duración 2hs. \nA principios de los años cincuenta\, el cine de Hollywood respiraba nuevos aires\, al menos para un conjunto de cineastas y productores. Las consecuencias de la segunda guerra mundial así como los nuevos cines europeos con el neorrealismo italiano a la cabeza\, señalaban que la hora de los cambios había llegado. Y esta obra\, considerada como una de las grandes de la historia del cine\, se convirtió en suceso masivo dentro y fuera de las fronteras USA. Adaptando la obra de uno de los mayores escritores del periodo 1900-1945\, el enorme Theodore Dreiser (1891-1945) publicada en 1926\, «Una tragedia americana»\, el cineasta George Stevens filmó otra de sus obras maestras. Como el autor\, el director sentía una enorme sensibilidad por los pobres y ambos conocían por vivencias propias aquella realidad. Del dolor ambos extrajeron arte para sus realizaciones y dieron lugar dentro de la cultura norteamericana al ideario socialista muy instalado en su tiempo como alternativa al capitalismo imperante. También ambos sufrieron las iras y los castigos del poder al que criticaban. Algo que define a los verdaderos artistas. \nEn su adaptación al cine\, los nombres y alguna situación son cambiados pero la esencia  respetada: George Eastman es un joven con poco más de veinte años. Criado en la miseria\, ambiciona todo lo que tienen los ricos. Su matrimonio con Alice Tripp\, de quien se avergüenza por su sencillez y humildad\, le llena de frustración. Decide acercarse a un familiar de gran poderío y prestigio social. Este le atenderá ante la mirada atónita de su núcleo familiar que nada quiere saber con parentelas pobres. Detrás de las humillaciones persiste la ambición de este hombre que no es malo sino producto de las fuerzas ciegas y fatalistas que determinan el mundo y el de su clase en particular. El descubrimiento de Angela\, la hija del magnate\, dará lugar a un nuevo proyecto donde su joven esposa simplemente sobra. El asesinato\, las consecuencias\, definirán el destino de George. La película persigue y logra algunas de las propuestas del escritor original de este clásico: un retrato social realista que procura denunciar un mundo injusto\, plagado de desigualdades\, que eran la otra cara del famoso «sueño americano» de progreso\, triunfo y ascenso social. Una mentira que el paso de un siglo no ha logrado acallar\, de ahí la enorme vigencia de esta obra mayor del cine. \nLos protagonistas definieron una nueva forma tanto de interpretación como de estrellato inspirados en los cambios del contexto que bullía en aquellos años: Montgomery Clift (1920-1966) fue el actor que impuso una nueva forma de actuar a partir de su formación en el famoso Actor’s Studio\, del que luego saldrían los otros tres famosos nombres: Brando\, Dean y Newman\, el cuarteto fundamental de los nuevos intérpretes que cambiaron los estilos dominantes. Un accidente que le desfiguró el rostro marcó el inicio de su decadencia hasta su temprana muerte a los 46 años. Dentro de sus 17 películas destacan clásicos como «Río Rojo»\, «La Heredera»\, «De aquí a la Eternidad»\, «Juicio en Nuremberg» y «Los Inadaptados». Elizabeth Taylor (1932-2011) \,una de las mujeres con rostro más bello de la historia del cine debutó siendo niña y tuvo una larga carrera de décadas siendo su tiempo dorado el iniciado con esta película hasta la culminación en 1966 con «¿Quien le teme a Virginia Woolf?» por la que ganó su segundo Oscar. Amiga íntima de Clift\, filmaron juntos dos películas más. La actriz defendió siempre la homosexualidad atacada de su amigo y le acompañó hasta el final\, cuando intentó filmar una última película que la temprana muerte impidió. Taylor es de las pocas figuras realmente legendarias de la cultura contemporánea desde su lugar en el cine y la influencia que ejerció sobre medios de comunicación y públicos. Shelley Winters (1920-2006) filmó más de un centenar de películas (muchas en Europa durante la última etapa de su carrera)\, actriz de extraordinaria capacidad\, sufrió un cambio físico a temprana edad que definió su carrera\, pasando de protagonizar a convertirse en una de las más solicitadas actrices de reparto\, categoría que le brindó múltiples premios\, entre ellos dos Oscar. Y el cineasta George Stevens (1904-1975) filmó entre 1930 y 1969\, destacando clásicos como «Gunga Gin» (1939)\, «Shane» (1953) y «Gigante» (1956). Uno de los grandes y olvidados nombres del mejor cine norteamericano.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/ambiciones-que-matan/
LOCATION:CASA RONCO\, Calle San Martín 362\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"COLETTE"
DESCRIPTION:«COLETTE» / Reino Unido- Hungría- EE.UU.-2018 / Dirección Wash Westmoreland / Intérpretes Keira Knightley\, Fiona Shaw\, Dominic West / Color / Versión original con subtítulos / Duración 1h.50 minutos. \nSidonie Colette nació en 1873 y murió en 1954 en Francia. La historia de la Literatura la conoce simplemente como Colette.Casada en la adolescencia con un hombre mayor que le brinda la oportunidad de abandonar su hogar de pobreza y multiple familia para descubrir el Paris de finales del Siglo XIX\, la mujer fue novelista\, periodista\, guionista pero también actriz de variedades\, music-hall y revistas de la capital gala. Divorciada de aquel hombre que la introdujo en el medio artístico y el de la alta sociedad\, tendría además de otros matrimonios\, una gran cantidad de amantes. Su condición bisexual la acercó a mujeres con las que mantuvo apasionadas relaciones. Publicó decenas de escritos entre cuentos\, relatos\, artículos y novelas. La consagración definitiva llegó de la mano de su obra publicada en los años veinte: «Cheri». En 1944 sería la hora de su creación más popular: «Gigi»\, que fue prontamente adaptada al teatro y en los cincuenta base de una de las grandes comedias de la época\, de igual título y encarnada por la bella Leslie Caron bajo la dirección de Vincente Minelli\, ya clásico del cine. \nLa película que narra parte de toda esta larga trayectoria se concentra en su vida ya consagrada y es relatada en base a recuerdos desde su presente. Colette funciona como una precursora del feminismo que por aquellos tiempos era ya visible en diferentes ciudades capitales de Occidente\, desde donde irradiaba luz hacia todos los puntos cardinales. Con un gran cuidado en la reconstrucción histórica de un tiempo de entreguerras\, la temática permite al director recuperar el nombre de una figura olvidada en este presente cuasi amnésico y fundamentalmente ignorante y al parecer\, retrógrado. Donde la modernidad de personajes como el señalado no hace más que interrogarnos sobre nuestra actualidad que parece marchar en dirección contraria a los avances espectaculares\, logros obtenidos tras enormes luchas y sufrimientos de seres humanos que intentaron romper las sogas de ancestrales mandatos. A un siglo de lo narrado en esta película\, demasiadas cuestiones siguen en entredicho para inmensas mayorías de la civilización; por ejemplo el ejercicio de la sexualidad en sus diferentes prácticas adultas: los mismos recelos que Colette genera en su entorno\, la misma hipocresía\, hoy continúa escandalizando a millones que no mueven un pelo\, por ejemplo\, por otras cuestiones que si son realmente escandalosas como el hambre\, la miseria\, etc\, etc\, etc. Una sociedad que no escapa de sus hipocresías y a quien el arte y el cine en particular sigue provocando. Que continúe la función. \n 
URL:https://alfredovivarelli.com/event/colette/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"LA BICICLETA VERDE".
DESCRIPTION:«LA BICICLETA VERDE» / WADJDA / Arabia Saudita- 2012 / Dirección y guión Haifaa Al-Mansour / Intérpretes Waad Mohammed\, Reem Abdullah\, Sultan Al Assaf\, Ahd / Color / Versión original con subtítulos / Duración 1h.38 minutos. \nHaifaa Al-Mansour nació en Arabia en 1974. En un país que cumple\, según se nos informa ocasionalmente\, con todas las restricciones posibles hacia la mujer segun la interpretación religiosa y política\, ser directora de cine era una de esas imposibilidades. Entre 1997 y 2012 esta mujer se atrevió a rodar tres cortometrajes y un mediometraje antes de abordar la tarea  histórica de dirigir un largo en femenino por primera vez en 2012. Las salas de cine estuvieron prohibidas entre 1983 y 2018\, con lo cual el trabajo de realizar películas aparece como una actividad prácticamente clandestina hasta hace pocos años.Un mundo absolutamente desconocido para nuestra realidad. La gente podía ver películas en la intimidad de sus hogares desde la implementación de las antenas satelitales y los formatos domésticos de VHS y DVD. El consumo de cine en lengua árabe proveniente de Egipto\, Irán o Líbano estaba dentro de las preferencias. Al parecer\, poco a poco comienza a verse en estas salas recientemente abiertas cine norteamericano. No olvidemos que este país es emblemático para el mundo musulmán donde La Meca\, la ciudad de peregrinación de los practicantes del Corán\, es objetivo de vida. \nLa cineasta y también guionista da el protagonismo a una niña de 10 años que jamás volvió a filmar. Su creación de Wadjda es sencillamente antológica así como la de la mayoría de las mujeres de diferentes edades que habitan la película\, donde el hombre tiene un rol decididamente secundario. Es muy sugestivo todo el entramado de la propia realización del film en el contexto arriba señalado. Tanto como los resultados obtenidos que acercan a la obra a una óptica casi revolucionaria: la crítica sobre hábitos y costumbres del lugar están en primer plano\, siempre bajo la valiente y desinhibida mirada de la niña cuyo mayor deseo es ahorrar dinero para comprarse una bicicleta de color verde\, que como una ensoñación ha visto aparecer por vez primera tras los muros de un paredón. Desde ese preciso instante\, obtenerla será su premisa. Las relaciones con sus padres\, los diálogos con su madre\, sus compañeras\, sus actitudes frente al ejercicio de autoridad de diferentes espacios que atraviesa la convierten en testigo lúcido y feroz de un mundo que va descubriendo pero que se niega aceptar. En su amistad con un niño de su misma edad\, reside el germen de un tiempo venidero que el propio devenir de la Historia confirmará o seguirá negando. La fuerza femenina\, parece decir la realizadora\, no ha hecho más que ponerse en marcha. \nUna de las películas más hermosas y valientes de cine contemporáneo\, voz que pide ser escuchada y proviene de los rincones más ocultos del mundo. Para nosotros\, occidentales y habitantes de un mismo planeta: la Tierra. \n 
URL:https://alfredovivarelli.com/event/la-bicicleta-verde/
LOCATION:CÍRCULO ÁRABE DE AZUL\, Bolivar 674\, Azul\, Buenos Aires\, 7300
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SUMMARY:"SOBREVIVIENDO A PICASSO"
DESCRIPTION:«SOBREVIVIENDO A PICASSO» / SURVIVING PICASSO / EE.UU.-1996 / Dirección James Ivory / Intérpretes Anthony Hopkins\, Natascha McElhone\, Julianne Moore\, Dominic West\, Diane Venora / Color / Versión original con subtítulos / Duración 2hs. \nEn 1964 se publicó en Francia un libro que vendió miles de ejemplares: «Mi vida con Picasso». Su autora fue Francoise Gilot (1921-2023) recientemente fallecida a los 101 años de edad\, donde narraba en primera persona los diez años en que fue una de las compañeras del artista andaluz Pablo Picasso (1881-1973)\, uno de los mayores genios del Siglo XX. Sus ambiciones personales en relación al arte quedaron aplacadas a causa del control extremo\, celos\, poder y ego del pintor\, para quien el mundo parecía rodar a su alrededor y a su antojo. Tirano\, manipulador\, despectivo con todas sus compañeras\, algunas como Gilot madres de sus cinco hijos\, Picasso condiciona la vida de quienes le rodean y nadie escapa de su órbita. Su talento mayúsculo\, sus ganancias millonarias\, lo ubicaron en un lugar de privilegio del que gozó hasta su muerte pasados los 90 años de edad. \nA partir de este material\, el cineasta norteamericano James Ivory (1928) activo desde los años sesenta en la dirección de cine pero consagrado popularmente a mediado de los ochenta con una serie de films que adaptaban libros de prestigiosos y no tan populares escritores\, encara un acercamiento a la persona antes que al artista Picasso\, y lo hace teniendo como narradora y protagonista absoluta a la joven Francoise\, tan fascinada al principio de la relación como saturada al final de la misma. Ivory\, maestro en la reconstrucción de época y fiel a los detalles más pequeños para recrear ambientes y sensaciones amorosas\, encuentra en esta película el primer batacazo comercial después de una serie de éxitos. Lo que no resta valor al film que describe con precisión la mezquindad\, menosprecio hacia los semejantes y escasa simpatía por cualquier destello amoroso de un artista mitificado y adorado durante toda su carrera. Y precisamente es en este punto en el que construye el relato en un intento de ir contra la corriente y presentar la trastienda de los millonarios y prestigiosos nombres que dieron identidad al siglo pasado. El mundo del arte parisino desde la ocupación nazi de Francia hasta entrados los años cincuenta es el periodo que la película aborda con extrema dedicación estética pero también deteniéndose en la composición de los sentimientos que atraviesan a los personajes. \nInterpretado por un Anthony Hopkins (1937) que había alcanzado el estrellato después de veinte años de silenciosa carrera en teatro\, televisión y cine de Inglaterra y de Estados Unidos y que da vida con gran presencia física además de fuerza interior\, el protagonismo verdadero recae en una actriz debutante\, la británica y talentosa McElhone (1969) cuya carrera se oscureció después de una serie de éxitos\, y que presta su incomparable elegancia\, estilo y belleza a la creación de la enérgica mujer que hizo frente al dios del arte.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"ENVIDIA SANA"
DESCRIPTION:«ENVIDIA SANA» / LE BONHEUR DES UNS…/ Francia- Bélgica-2020 / Dirección Daniel Cohen / Intérpretes Vincent Cassel\, Bérénice Bejo\, Florence Foresti\, Francois Damiens / Color / Versión original con subtítulos / Duración 1h.44 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:"EL ARTISTA"
DESCRIPTION:«EL ARTISTA» / Argentina-2008 / Dirección Mariano Cohn y Gastón Duprat / Intérpretes Sergio Pangaro y Alberto Laiseca / Color / Versión original sin subtítulos / Duración 1h.40 minutos. \nEsta película se ve mas importante con la distancia que le otorga el tiempo a las creaciones verdaderas: a quince años de su estreno su modernidad resulta cada vez más elocuente y genera lo que pocas obras cinematográficas\, en cada nuevo visionado el espectador atento podrá experimentar nuevas sensaciones y mejor\, reflexiones.Sus creadores son Mariano Cohn (1975) y Gastón Duprat (1969) dupla de cineastas con escasos equivalentes en la cinematografía global: los hermanos Taviani en Italia y los Coen en USA\, entre los más reconocidos. Pero ellos no están unidos por una relación familiar sino por una inquietud que les mantiene juntos desde su primera colaboración en 1996\, cuando firmaron el corto «Venimos llenos de tierra». Luego llegaría el debut en la televisión con la experimental y anticipatoria (de Youtube) «Televisión abierta» y más tarde en 2004 el primer largometraje en el género documental «Yo Presidente» \, un insólito (por irreverente) acercamiento a la figura de los presidentes argentinos desde 1983 hasta 2003. Cuatro años más tarde\, en 2008\, estrenan «El artista» y confirman lo que ya venían demostrando desde doce años atrás: un talento único en la dirección cinematográfica y escritura de guiones en la historia del cine nacional. \n«El artista» es\, brevemente\, la mirada que ellos escrutan sobre el panorama del arte contemporáneo (pintura y escultura) en el mundo de las galerías y las elites que las dirigen\, y también consumen\, en el ámbito de la siempre prepotente ciudad de Buenos Aires. La cámara se recrea desde sus pasivos y jamás aburridos ni vacíos planos fijos\, en contarnos la historia de un paciente internado en un geriátrico que posee una enorme capacidad de crear aunque parezca no ser consciente de ello y el enfermero que lo cuida. Cuando este último sustrae las creaciones del otro y las muestra en el mercado del arte\, es aceptado como un referente moderno\, un talento a punto de estallar convertido en primera figura\, su mundo mediocre\, oscuro\, rutinario\, sufrirá un vuelco extraordinario que le hará protagonista y también testigo de todo ese ambiente solo para unos pocos. \nLa ferocidad de la mirada de los cineastas sobre diferentes sectores del mundo de la creación (luego vendrían la arquitectura y el diseño\, la escritura\, la pintura y el propio cine en trabajos memorables como «El hombre de al lado» (2009)\, «El ciudadano ilustre» (2016)\, «Mi obra maestra» (2018) y «Competencia oficial» (2021)\, marca en este primer largometraje de ficción en conjunto ( en alguno de los siguientes dirigieron en forma solitaria\, aunque siempre la colaboración apareció en otros rubros) los signos de identidad de toda su posterior filmografía. Una forma muy concreta de trabajar tanto el plano fijo como el plano secuencia\, donde el ritmo interno de la acción nos recuerda la inutilidad y vacío de la mayoría del cine contemporáneo donde la mayoría confunde el movimiento enloquecedor con la acción cinematográfica. \nInterpretada en sus personajes protagónicos por un escritor prestigioso y un músico alternativo que también pueden ser aceptables actores\, la propuesta de la película sigue estando tan activa como cuando su estreno. Porque lo que nos propone es algo que trasciende el arte y sus diferentes territorios: la propia condición humana de quienes los habitan y atraviesan.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/el-artista/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
CATEGORIES:Cine fórum
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