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SUMMARY:CINE: "DE PERSONA A PERSONAJE: CUATRO PELICULAS SOBRE SERES REALES"
DESCRIPTION:El Museo Enrique Squirru anuncia el «Ciclo de Cine en Invierno» a partir del Viernes 24 de junio y se extenderá por cuatro encuentros\, siendo el último el Viernes 19 de agosto siempre a las 18.00 hs. En esta ocasión se abordará la cuestión de personas de reconocida trayectoria e influencia en los espacios en que desarrollaron sus vidas. Se han seleccionado cuatro films que en su conjunto ofrecen una visión del Occidente del último medio siglo. Y la ocasión de reflexionar sobre espacios tan diferentes como interconectados: la canción popular con sus extensiones a la discografía\, los escenarios\, la radiofonía y la prensa\, la presidencia de una potencia global y su aspecto mas privado\, la aristocracia europea y sus secretos mas sospechados y las figuras de una periodista y un narcotraficante latinoamericanos.. Los elegidos son: Dalida (1933-1987)\, una de las cantantes que mas discos vendió en la Historia\, George W.Bush (1946)\, el 43º presidente de Estados Unidos\, Diana Spencer\, Lady Di (1961-1997)\, aristócrata y activista\, figura clave de la presa rosa de las décadas del 80 hasta su muerte y Pablo Escobar (1949-1993) narcotraficante y político colombiano. El cine contemporáneo avanza en el estudio de estas cuestiones y nos ofrece la posibilidad de descubrir a través de la ficción aspectos de las personas reseñadas. \nVIERNES 24 DE JUNIO: «DALIDA» / IDEM / 2016 / Francia / Dirección Lisa Azuelos / Intérpretes Sveva Alviti (Dalida)\, Riccardo Scamarcio\, Jean Paul Rouve\, Niels Schneider\, Vincent Perez\, Alessandro Borghi / Hablada en francés\, italiano\, árabe e inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 2h 5 minutos. \nSinopsis: un recorrido por la vida personal y profesional de una de las cantantes mas populares de Europa. A partir de su triunfo a finales de los años cincuenta\, la carrera de esta artista se extiende hasta su muerte en 1987. Canciones traducidas a varios idiomas que sirven a la realizadora del film para establecer un potente vínculo entre las letras de las mismas y sus vivencias personales\, siempre lindantes con la tragedia. Una voz y una presencia excepcional lograron ubicarla entre los seres humanos que mas discos han vendido en la Historia. El cine recupera sus melodías de la mano de una actriz nobel que cumple a la perfección con la encarnación de la diva. \n  \nVIERNES 1 DE JULIO: «W» / IDEM / 2008/ EE.UU. / Dirección Oliver Stone / Intérpretes Josh Brolin (George W.Bush)\, Elizabeth Banks\, Richard Dreyffus\, Thandie Newton\, James Cromwell\, Toby Jones./ Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 2h 9 minutos. \nSinopsis: el cineasta norteamericano\, contemporáneo en edad y contexto al biografiado\, entrega una nueva pieza en su mirada sobre Estados Unidos. Si en el pasado se había atrevido con los nombres de presidentes como Kennedy\, Nixon o enemigos (del gobierno\, no de él) de la categoría de Castro\, Arafat o Chávez\, ahora dedica su mirada al mandatario numero 43. Tanto los matices personales como su deambular por la presidencia de una potencia sirven en el intento de reflejar a uno de los personajes mas controvertidos de las últimas décadas. El film recorre momentos de su vida y está filmada cuando Bush ejercía su segundo mandato: la universidad\, el servicio militar\, la gobernación de Texas\, el negocio del petróleo\, la candidatura a la presidencia en el año 2000 con sus cuatro turbulentos primeros años y la campaña para la reelección son tratadas por el cineasta durante el metraje de la película .Una crónica realizada en pleno ejercicio presidencial y un film de escasa trayectoria global. Siendo Stone uno de los cineastas mas populares y ruidosos de las últimas décadas es llamativo el silencio casi unánime que envolvió la distribución de una obra repleta de actores conocidos que encarnan con acierto a personajes reales del entorno presidencial y familiar. Quizás la óptica nada complaciente del cineasta haya chocado con la insufrible corrección política reinante y sea este el motivo de su escasa difusión. Evidentemente los tiempos de ·»Pelotón»\, «Nacido el 4 de Julio» o «JFK» han pasado y los gustos de público y crítica hayan variado. En todo caso la obra permanece viva y provocadora\, como casi todo en el universo Stone. \n  \n  \nVIERNES 15 DE JULIO: «SPENCER»/ IDEM/  2021 / Reino Unido-Alemania- Chile-EE.UU. / Dirección Pablo Larrain / Intérpretes Kristen Stewart ( Lady Di)\, Sally Hawkins\, Timothy Spall\, Jack Nielen\, Freddie Spry / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 55 minutos. \nSinopsis: la acción transcurre durante un fin de semana en uno de los palacios de la familia real inglesa. Las tribulaciones de Diana ante un matrimonio naufragado y las relaciones protocolarias a las que se ve sometida son las referencias que toma el cineasta chileno en su nuevo trabajo en lengua inglesa. Una aproximación intimista alejada de los focos de la prensa y cercana a la presencia de sus propios hijos y colaboradores estrechos. \nVIERNES 19 DE AGOSTO :»LOVING PABLO» / ídem / España- Bulgaria / Dirección Fernando León de Aranoa / Intérpretes Javier Bardem (Pablo Escobar)\, Penélope Cruz\, Peter Sarsgaard\, Oscar Jaenada\, Judith Restrepo/ Hablada en inglés y castellano con subtítulos en castellano / Color / Duración 2hs. \nSinopsis: A principios de los años 80 la periodista estrella de la televisión colombiana conoce y establece una relación amorosa con el narcotraficante y político Pablo Escobar\, una de las figuras más destacadas de la década. La relación es vivida con tremenda ingenuidad o ignorancia por la mujer que confunde fama con impunidad. Hasta que comienza a temer por su vida. Una historia de aprendizaje en un entorno tan violento como millonario. Las nuevas elites sociales y una obra vigorosa que intenta analizarlas\, interpretada por dos de los mejores intérpretes españoles de las últimas décadas que también han alcanzado proyección internacional. Los dirige uno de los mayores cineastas hispanos actuales\, autor de clásicos como “Familia” (1996)\, “Los lunes al sol” (2002) y el último gran suceso del presente año: “El buen patrón” (2021). Una película que fracasó comercialmente siendo de las mejores que giraron sobre la figura del ya legendario traficante de drogas.
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LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "SATURNO EN OPOSICIÓN".
DESCRIPTION:El cine italiano fue uno de los mas exitosos en Argentina. La paulatina desaparición de salas y el avance de los canales de cable hicieron que su presencia en nuestro país fuese disminuyendo en las tres últimas décadas. Sin embargo su producción sigue siendo alta y la calidad de muchas de sus peliculas está a la altura de su edad dorada (1945-1980). Una de sus características fue el tratamiento que se le daba a las situaciones dramáticas en muchos obras donde la comicidad y el humor se alternaban con la seriedad. Los cineastas italianos que cultivaron esta variante (desde Fellini hasta Monicelli\, desde Steno a Capitani) se convirtieron en maestros imbatibles. El director Ferzan Ozpetek (Estambul\, 1959) debutó en 1997 con un título que fue suceso (minoritario) en varios países: «Haman-El baño turco»\, obra que ya contenía temas que iba a desarrollar en su posterior carrera. «Saturno en oposición» (se llamó en Buenos Aires «No basta una vida»\, título absurdo que no respeta el original) narra historias de un grupo de amigos compuesto por tres mujeres y varios hombres. Parejas y solitarios se entrecruzan en un ir y venir de situaciones cotidianas unidas por el concepto de la amistad. Porque sobre este tema versa la película: los lazos que los años van construyendo entre los seres humanos que conforman esa «otra» familia\, le elegida pero tan factible de ser atravesada por las crisis que salpican a las tradicionales. Esta gente tiene sus vivencias en la gran ciudad\, que puede ser Roma u otra\, pero siempre con el calor y el color italiano\, que tan cercano resulta por momentos a nuestra idiosincrasia. Los amores\, los celos\, las infidelidades\, los secretos guardados y las verdades que saltan en el momento menos pensado. Relaciones libres\, donde como dice uno de los personajes\, no se trata de «comprender» sino de apoyar las sensibilidades y elecciones de cada cual. Una película conmovedora donde la risa y la lagrima se alternan dando un toque siempre\, insisto\, italiano. Con secuencias formidables e inolvidables\, momentos que la cámara más el talento de director e interpretes hacen que la magia del cine vuelva a encandilar una vez mas. Los invitamos a acompañar a Davide\, Lorenzo\, Antonio\, Angélica y los otros\, amigas y amigos…¿para siempre? \n«SATURNO EN OPOSICIÓN» /  o «NO BASTA UNA VIDA» / SATURNO CONTRO / Italia /2007 / Dirección Ferzan Ozpetek / Intérpretes Margherita Buy\, Stefano Acorsi\, Luca Argentero\, Pierfrancesco Favino\, Serra Yilmaz\, Ennio Fantaschini\, Isabella Ferrari\, Milena Vukotic\, Luigi Diberti\, Ambra Angiolini / Versión original en italiano con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40minutos.
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SUMMARY:CINE: "CARA DE ÁNGEL" (2019).
DESCRIPTION:La cinematografía francesa ha dedicado un amplio segmento de su producción a indagar en el mundo de la infancia y su relación con los adultos. Desde las obras cumbres de Rene Clement («Juegos Prohibidos») hasta las de Francois Truffaut («Los 400 golpes» o «La Piel Dura») pasando por joyas como «Zazie dans le Metro» o «Ser y Tener»\, la pantalla gala no para de ofrecer nuevas miradas. La gran actriz Marion Cotillard (Paris\, 1975) protagoniza una de sus últimas películas de la mano de la cineasta Vanessa Filho dando vida a Marlene\, una madre joven y compleja de una ciudad del interior. Su hija Ellis pareciera ser una amiga o una hermana menor ante su incapacidad de ser una madre convencional\, por definirlo según sus propias palabras. El paso de los años\, el esplendor físico que va perdiéndose\, la economía desastrosa que no acaba de mantenerse\, los hombres que pasan sin dejar apenas nada\, ponen a la mujer en una encrucijada. Donde la menor tendrá que enfrentar de un momento a otro\, e inesperadamente\, el vivir lejos de su lado. El amor\, la maternidad\, el presente\, los desafíos ante una sociedad en permanente crisis involutiva sirven de marco a las intenciones de la realizadora y la actriz unidas en un nuevo intento de abordar temáticas siempre ricas y cambiantes. La universalidad del tema nos alcanza y los limites geográficos se convierten en nada ante situaciones repetidas dentro de un sistema capitalista donde el neoliberalismo dominante dinamita interioridades humanas y deja a los sujetos en una deriva que resulta ser mucho mas generalizada de lo que tiende a aceptarse. El formidable dúo interpretativo entre la actriz consumada y la niña debutante es prodigioso y acercan al espectador las intenciones de la producción. Esa «cara de ángel» infantil que no es mas que el espejo del de la madre\, una buena persona herida y en caída libre. Un universo atractivo y apasionante que la cinematografía nos ofrece compartir por una horas. El cine también puede ser «salud». Cotillard\, la gran heredera de las divas francesas\, reina en el universo cinematográfico actual\, donde su talento le ha permitido la hazaña (segunda y única tras Sophia Loren) de recibir un Oscar a la Mejor Actriz en lengua no inglesa. Un placer extra para los ojos y los oídos de nosotros\, espectadores siempre apasionados por la pantalla del cine. \n«CARA DE ÁNGEL» (GUEULE D’ANGE) / Francia / 2019 / Dirección Vanessa Filho / Intérpretes Marion Cotillard\, Ayline Aksoy-Etaix / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 48minutos\,
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SUMMARY:CINE: "¿...Y AHORA ADÓNDE VAMOS...?" (2011).
DESCRIPTION:Una nueva cita con el cine árabe (después del auspicioso debut el pasado mayo) nos acercará a otra producción filmada en aquellas tierras. El título de la película refiere a la pregunta que los hombres del pueblo donde transcurre la acción realizan a las mujeres y toda la historia nos deriva al mundo de los cuentos\, donde el cine encuentra una justificación para tratar temas de la realidad. Que casi nunca es como nos gustaría pero para eso está la cultura que siempre aporta respuestas a nuestras inquietudes. En un lugar sin nombre ni ubicación pero claramente indicativo de las geografías del cercano oriente mediterráneo\, conviven las comunidades musulmanas y cristianas tras haber sellado la paz después de una guerra. La aldea está tan aislada del mundo exterior que solo se accede a ella por un desfiladero rodeado de abismos. Las mujeres han decidido aplacar la furia bélica y son respetadas por los varones. La vida cotidiana transcurre a tropezones porque fuera los conflictos continúan y por eso la radio y la televisión suelen estar silenciadas. La música\, los rituales\, las palabras\, la comida y los amores establecen lazos. Pero hay que salir a buscar lo que falta alli y en uno de esos viajes\, ocurre lo menos deseado: el mundo sigue su marcha nos guste o no. Y habrá que perseverar para que la sensatez y la armonía no vuelen por los aires. Una temática actual  que el cine toma como elemento para crear ficciones y devolver al espectador respuestas en forma de películas. Rodada en el Líbano en co-producción con otros países\, el film mezclando la comedia y el drama\, nos muestra a seres humanos separados por las creencias religiosas y el enfrentamiento que en casos límites conduce a la guerra\, la mas terrible de las soluciones posibles. Una obra estructurada desde la perspectiva de las mujeres\, siempre mas sensatas a la hora de limar asperezas. Un retrato del mundo presente de países lejanos pero ligados a nuestras raíces de tierra de inmigrantes. La música\, el paisaje\, las vestimentas\, la comida como elemento aglutinante. El mundo femenino y el masculino con muchas mas similitudes a las nuestras de lo que creemos en primera instancia. Una obra formidable para establecer puentes con otras culturas donde los espectadores\, allí como acá\, reconocen la calidad de las ofertas que el cine nos brinda. Para disfrutar y reflexionar. \n«¿…Y AHORA A DÓNDE VAMOS…?» / ¿ET MAINTENANT ON VA OÚ? / 2011 / Líbano-Francia- Catar- Egipto- Italia/ Dirección Nadine Labaki / Intérpretes Claude Baz Moussawbaa\, Yvonne Maalouf\, Layla Hakim\, Nadine Labaki / Color / Hablada en árabe\, inglés y ruso con subtítulos en castellano / Duración 1h.50minutos.
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SUMMARY:CINE:"E.T. EL EXTRA-TERRESTRE" (1982).
DESCRIPTION:Cuando en 1982 Steven Spielberg (1946) estrenó su 6º largometraje contaba en su haber con tres super sucesos: «Tiburón» (1975)\, «Encuentros Cercanos» (1978) y «Los cazadores del Arca Perdida» (1981). Y esta obra lo convertiría en el mago de las taquillas en las siguientes décadas. Junto a George Lucas\, ideólogos de parte del cine que llega hasta el presente. Un cine de puro entretenimiento pero realizado con enormes dosis de dinero y temáticas que han llegado a las emociones mas profundas de millones de espectadores de todo el planeta\, de diferentes edades y hasta ideologías y creencias. Un fenómeno que invirtió en su realización un presupuesto de 10.500.000 dólares y ganancias hasta el presente cercanas a los 800.000.000 de dólares\, convirtiéndola en una de las películas mas taquilleras y populares de la Historia. Asi\, con mayúsculas y con los crudos datos a la vista. Al cumplirse los primeros 40 años de edad de semejante creación (y acontecimiento cuasi sociológico\, o extra-cinematográfico) nos acercamos a un nuevo visionado en pantalla grande en la sala del Círculo de Médicos de Azul. Una época y un espacio que se prestan para otro encuentro con el alienígena mas pacífico de los que el cine tenga memoria: en un barrio residencial de clase media se produce el encuentro fortuito entre una criatura abandonada a las apuradas del espacio exterior (perseguidos sus compañeros por humanos no dulces) y tres hermanos cuyo padre se ha marchado a México con una amante\, dejando a la joven madre con sus crías. En ese ambiente hogareño se dará la mayor parte de las situaciones de la ficción. Cuando los adultos irrumpan en la acción (rara vez hasta el tramo final se les ve el cuerpo entero\, mas allá de la madre\, también una «niña» mayor)\, ésta se desplazará a calles y bosques cercanos del paisaje. La acción de ocultar al Ser bajito\, feo y encantador\, da lugar a toda una reflexión sobre la infancia de un cierto sector social\, porque es importante resaltar la elección del cineasta en referir siempre al mundo que mas conoce: el suyo propio\, el resto parece resultarle a Spielberg tan extraño como la vida en otros planetas. La criatura imaginada por Carlo Rambaldi (1925-2012)\, maestro italiano del diseño que comenzó en films de terror patrio\, famosos «giallos» de principio de los setenta\, continuó con la factoría Andy Warhol y sus monstruos de 1973 y desembarcó en Hollywood en 1976 con su creación del «King Kong» que aterrorizaba a la bella y debutante Jessica Lange. Luego vendrían las creaciones de «Encuentros Cercanos»\, su primer Spielberg\, la cabeza del «Alien» (1979) de Ridley Scott y su hijo mas prestigioso\, este «E.T». que a diferencia de todos sus anteriores diseños era pura ternura y accesibilidad. Los niños Henry Thomas (1971) y Drew Barrymoore (1975) se convirtieron en intérpretes adultos (con mayor o menor suerte) y la madre Dee Wallace quedó para siempre señalada con esta creación en la memoria de aquella y todas las generaciones que disfrutaron y disfrutan de este film. El cine de entretenimiento siempre caminó al lado de su hermano menor\, el artístico y sus caminos varias veces se cruzan a lo largo del tiempo. Una ocasión para debatir si aun esta obra sigue siendo uno de esos casos. En tiempos de turbulencia y decadencia como la actual\, el cine aparece como terreno propicio para la evasión (y hasta refugio ante lo insoportable) y por momentos creer que la bondad es mayor que su opuesto. Larga vida a Spielberg\, mago contemporáneo y maestro del cine. Guste o no. \n«E.T. EL EXTRA-TERRESTRE / E.T. THE EXTRA-TERRESTRIAL /1982 / Dirección Steven Spielberg / sobre idea de Melissa Mathison / Intérpretes Dee Wallace\, Henry Thomas\, Drew Barrymoore\, Robert MacNaughton\, Peter Coyote / Música John Williams / Efectos especiales Carlo Rambaldi / Color / Duración 1h.55 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LA MATRONA" (2017).
DESCRIPTION:CINE: “LA MATRONA” .2017 \nEsta producción reciente de la cinematografía francesa aborda la temática de la relación que se establece entre una mujer mayor  y otra más  joven que llevan treinta años sin verse. Beatrice fue amante durante un tiempo del padre de Claire y después de tanto tiempo la mujer regresa para recuperar parte de su pasado. Pero la vida de Claire ya no tiene nada que ver con aquello: ahora ejerce su profesión de partera y sus necesidades vitales están colmadas por esta profesión. También por la relación con su hijo. Sin embargo\, la memoria tiene sus reglas y mandatos. La insistencia de Beatrice hará que la matrona vuelva su mirada a otro tiempo. Interpretada por una de las actrices más importantes de los últimos veinte años del cine francés\, Catherine Frot  especializada en comedias y que aquí cambia a un registro más severo\, está acompañada por la llamada reina del cine de Francia: la legendaria Catherine Deneuve\, quien desde sus inicios en la adolescencia no ha parado de trabajar. Los cineastas jóvenes siguen requiriendo sus servicios y la actriz presta su rostro y su cuerpo demostrando que el paso de los años no han hecho otra cosa que mejorar sus condiciones actorales sin importarle las arrugas y si el amor permanente por el cine. Una película emotiva y emocionante\, una mirada lúcida y contemporánea sobre las personas que quieren a sus trabajos y la entrega que brindan a quienes requieren su ayuda así como la capacidad y condición humana noble que le permite superar prejuicios y rencores en pos de un presente siempre necesario. Una obra formidable que nos acerca al mejor cine europeo y por ende\, universal. \n“LA MATRONA” / SAGE FEMME / 2017 / Francia / Dirección Martin Provost / Intérpretes Catherine Frot\, Catherine Deneuve\, Olivier Gourmet\, Mylene Demongeot / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 2hs.
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SUMMARY:CINE: "DIARIO ÍNTIMO DE ADELA H." (1975).
DESCRIPTION:El cuarto encuentro del Ciclo Rostros del Cine Francés: Las Mujeres» nos acerca a la figura de una de las actrices mas importantes de la historia de Francia: Isabelle Adjani\, nacida en 1955 e hija de inmigrantes argelinos. Siendo niña comenzó a trabajar y destacó como una de las promesas jóvenes mas potentes de la Comedie Francaise\, la institución teatral mas prestigiosa de Francia con siglos de historia. Allí se convirtió en la sensación del Paris de principio de los setenta y su llegada al cine corrió de forma paralela: con su quinto largometraje se convierte en la actriz mas solicitada tanto dentro como fuera de su tierra natal. Construye una carrera errática donde los fracasos se entrecruzan con los premios mas deseados y los tiempos de retiro con los de actividad así como la diva con la actriz talentosa y la cirugía estética con el paso de los años . Adjani es hoy una institución francesa a la altura de Bardot y Deneuve. En este su quinto trabajo para el cine la actriz realiza a sus veinte años de edad uno de los tantos (y primeros) trabajos memorables que ocasionalmente adoran su ya extensa trayectoria de medio siglo. Adele Hugo fue la quinta hija del famoso escritor Victor Hugo\, padre de «Los Miserables» y figura indiscutible del arte francés. Criada con dinero y cultura en abundancia\, la joven desarrolla un notable talento para la música pero su frágil salud mental afectará toda su vida. Su enamoramiento enfermizo con un militar ingles\, rechazado por su progenitor da inicio a una profundización de la enfermedad. Atraviesa el océano en su busqueda y se convierte en una total acosadora del apuesto seductor. Los años pasan y la enfermedad avanza. Este periodo en la larga vida de la mujer (murió a los 85 años) sirven de elementos para la construcción cinematográfica de una de los mas recordados cineastas galos: François Truffaut\, quien alcanzó en los años setenta un nuevo hito en su carrera con esta producción. A medio siglo de su elaboración la película mantiene intactas las calidades de entonces y el trabajo de Isabelle Adjani nos convence de que Adele H fue tal cual ella nos la presenta. Una actriz memorable en una actuación modélica. Un tema humano siempre vigente y que el presente nos permite abordar con nuevas miradas. \n«DIARIO INTIMO DE ADELA H»/ L’HISTOIRE D’ADELE H» / 1975 / Francia /Dirección Francois Truffaut / Intérpretes Isabelle Adjani\, Bruce Robinson\, Sylvia Marriot / Color / Hablada en francés e inglés con subtítulos en castellano / duración 1h 36 minutos.
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SUMMARY:CINE: "ELLE" (ELLA). 2016.
DESCRIPTION:La tercera función del ciclo «Rostros del Cine Francés: Las Mujeres» estará dedicada a la actriz Isabelle Huppert. Nacida en 1953\, debuta a los 19 años y a partir del film «La Encajera» de 1977 se consagra como una de las mayores figuras del cine europeo\, trabajando también en Estados Unidos a partir de 1980. Destacan sus peliculas a las ordenes de cineastas como Jean Luc Godard\, Michael Haneke o Claude Chabrol entre los que con mas frecuencia la dirigieron. Cercana su trayectoria a los 150 trabajos\, la actividad frenética se desató a partir del año 2005 y tiene estrenos en fila de espera. En 2016 alcanzó repercusión internacional a partir de su nominación al Oscar a la Mejor Actriz por su interpretación de Michele\, la protagonista de «Elle». Ganó varios premios en aquella temporada y volvió a poner en primera fila el nombre de su realizador\, el holandés Paul Verhoeven (1939). Este cineasta alcanzó enorme prestigio en los circuitos de arte europeos con sus primeros siete films a partir del debut en 1971 con «Delicias holandesas»\, una comedia rupturista que le habilito una intensa carrera que le llevo en 1987 a la industria de Hollywood: tras sucesos como «RoboCop»(1987)\,»Desafío Total» (1990) o «Instinto básico» (1992)\, uno de los films mas populares de la década\, regresó en 2006 a Europa y alli continúa activo con menos pero deslumbrantes creaciones. \n«Elle» es su primera producción francesa y logra de la mano de la actriz Huppert una de sus mejores obras. Un retrato adulto\, riguroso\, sin concesiones sobre una familia no convencional pero no por ello minoritaria. Fuera de la corrección política en la que lamentablemente parecen ubicarse demasiados «artistas»\, la película nos introduce en la intimidades de la mente de una mujer que sufre un ataque violento en su domicilio pero se enfrenta al mismo de una manera muy personal. A partir del inicio y del acercamiento a sus primeras vivencias vamos conociendo su mundo: la empresa que dirige junto a una amiga y que crea juegos violentos y comerciales para la Industria audiovisual\, su hijo y la esposa de este\, su amiga\, su ex-marido\, su madre y hasta sus nuevos vecinos formaran una ronda de turbiedades varias que entroncan con la cinematografía francesa mas transgresora y potente. El Arte debe servir para incomodar conciencias y a partir de ello introducir en los espectadores interrogantes que le hagan abandonar el cómodo espacio del entretenimiento para avanzar en un conocimiento de aspectos humanos que aporten nuevas miradas. Las relaciones materno-filiales son abarcadas desde diferentes perspectivas así como la infancia traumática de la mujer que es madre pero también hija\, los hombres que la rodean y las relaciones establecidas con tres de ellos\, el empresariado al servicio de entretenimientos dudosos para la población actual\, la violencia latente de una sociedad que no para de generarla\, son algunas de las muchas cuestiones sobre las que se interroga esta formidable creación. Lejos del escandalo barato\, la obra nos introduce en la vía del cine mas humano que\, al retratar sus aspectos menos agradables logra conmover al espectador y enriquecerlo con la experiencia. Una de las grandes obras del cine contemporáneo. \n«ELLE» / 2016 / Dirección Paul Verhoeven / Intérpretes Isabelle Huppert\, Laurent Lafitte\, Anne Cosigny\, Charles Berling\, Virginie Efira\, Judith Magre / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 2h 10 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EXPRESO DE MEDIANOCHE" (1978).
DESCRIPTION:Una vez al mes a partir de este miércoles 15 y hasta final de año\, el Círculo Médico de Azul proyectará una serie de peliculas ya legendarias que merecen ser disfrutadas en pantalla grande. Estrenadas a lo largo del último medio siglo\, todas ellas tuvieron un enorme suceso en Argentina\, desde las capitales hasta los desaparecidos cines del interior del país. En un intento de recuperarlas para quienes no pudieron verlas en esas enormes dimensiones (y a quienes las vieron también)\, la sala de la calle San Martín de nuestra ciudad permitirá esta experiencia imprescindible para disfrutarlas tal como fueron concebidas: en compañía de otros y sobre telas blancas. Serán siete funciones y la primera exhibirá un clásico de los años setenta: «EXPRESO DE MEDIANOCHE». Estrenada el 25 de diciembre de 1979 en los cines Atlas de la calle Lavalle y Gaumont de la calle Rivadavia de Buenos Aires\, se convirtió en uno de los sucesos de aquel verano plomizo de la Dictadura Militar y fue uno de los primeros hits de la nueva década\, exhibiéndose a lo largo de todo el territorio durante los siguientes años. La censura de la época demoró su estreno durante un año y fue presentada con varios cortes. El guion del entonces desconocido Oliver Stone se inspiró en un libro autobiográfico de Billy Hayes\, quién el 6 de octubre de 1970 fue detenido y encarcelado en Estambul por la posesión de hachís.. Su experiencia en la cárcel turca sirvió como base para su texto y luego este film del cineasta británico Alan Parker (1944-2020). El gobierno turco protestó por la visión que la obra daba de su país y prohibió su estreno hasta 1992 cuando se conoció por un pase televisivo. El film fue rodado en la isla de Malta donde se reconstruyó la cárcel Sagmalcilar de Estambul\, donde transcurre la acción y ganó los premios Oscar a la mejor Banda Sonora y al Mejor Guion Adaptado: Giorgio Moroder y Oliver Stone\, sus responsables. El protagonista fue Brad Davis (1949-1991)\, un actor de carrera errática muerto a los 41 años y su director Alan Parker se convirtió en uno de los mas populares de los años ochenta tras este segundo film: luego vendrían «Fama» (1980)\, «Pink Floyd: The Wall» (1982)\, «El corazón del ángel» y «Arde Mississippi» (1988). En 1996 estrenó la versión cinematográfica del éxito teatral «Evita»\, una excelente película que no tuvo el éxito de los anteriores films y en 2003 firmó su última obra. A cuatro décadas de su estreno\, «Expreso de Medianoche» se ha convertido en un clásico indiscutible del cine\, que ahora regresa para ser disfrutado en pantalla grande.
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SUMMARY:CINE: "ENTRE NAVAJAS Y SECRETOS" (2019).
DESCRIPTION:Ya podemos hablar de un «cine anterior y posterior» a la pandemia. El año 2019 y sus estrenos cinematográficos quedará como un periodo a estudiar en el futuro y esta película será una de las emblemáticas del cine norteamericano porque combinó dos cuestiones que rara vez coinciden en la producción de los últimos tiempos: el apoyo critico y las taquillas globales. Fue tan grande su aceptación que ya han rodado una segunda parte y se prepara una tercera. «Entre navajas y secretos» retoma una idea nada original pero con excelentes resultados: el regreso al cine inspirado en tramas criminales pero desde la perspectiva de la comedia. La escritora británica Agatha Christie (1890-1976) vivió 85 años\, escribió cuentos\, obras de teatro y 66 novelas policiales. Algunas de ellas fueron llevadas al cine desde 1928 hasta el presente aunque el medio que mas provecho sacó y saca de sus textos es la televisión. Y es precisamente en ello que se inspira esta producción: una de las creaciones mas populares de la autora fue el inspector Hércules Poirot\, un ciudadano belga que sufre por ser confundido con francés y que destila humor a la par que solvencia para descubrir los crímenes mas rocambolescos: el detective Benoit Blanc de este film no es mas que una reencarnación actualizada que homenajea a aquel. Su propio nombre afrancesado es un guiño a los fanáticos de Christie. Es el encargado de descubrir quién es el culpable de la muerte de un famoso escritor de novelas criminales\, el millonario Harlan Thrombey\, jefe de una familia demencial donde sus integrantes tienen todos motivos para ser el asesino. Con enorme sentido del humor\, la comedia y el suspenso se dan cita con todas los giros narrativos necesarios para construir una gran historia. El cine y la literatura vuelven a cruzar sus senderos y dan como resultado una de las mas disfrutables obras del cine presente\, donde no falta una inteligente reflexión sobre las diferencias sociales y un progresismo ideológico apenas encubierto. Un grupo de grandes intérpretes da vida a los desquiciados personajes: el intérprete de James Bond\, el siempre elegante Daniel Craig se pone a la cabeza de la investigación\, siendo Christopher Plummer en uno de sus últimos trabajos\, la contrapartida talentosa como el autor muerto a poco de cumplir 85 años. Y el resto del elenco hace las delicias de la función: la casa enorme y misteriosa\, el bosque que la rodea\, las bellas inocentes y las malvadas\, la música y la estética puesta al servicio de un gran espectáculo. Dos horas de entretenimiento inteligente y el placer recuperado del buen cine. Todo esto y mucho mas es la obra reseñada. El espíritu novelesco demuestra ser de los mas vitales y vigentes entre los géneros preferidos por lectores y espectadores porque lo criminal sublima nuestras tendencias y secretos mas oscuros y al transformarlos en ficción nos permite un placer siempre renovable. \n«ENTRE NAVAJAS Y SECRETOS» / KNIVES OUT.2019- ESTADOS UNIDOS / Dirección Rian Johnson / Intérpretes Christopher Plummer\, Daniel Craig\, Jamie Lee Curtis\, Ana de Armas\, Chris Evans\, Michael Shannon\, Toni Colette\, Don Johnson / Color / Hablada en inglés\, español e hindi con subtítulos en castellano / Duración 2h 10 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LA VERDAD" (2019).
DESCRIPTION:La cinematografía japonesa\, una de las mas potentes del extremo asiático\, tiene a uno de sus mejores cineastas en el nombre de Hirokazu Koreeda (Tokio\, 1962)\, quien tras haber debutado en 1995 irrumpe en el cine europeo (y desde allí hacia puntos como Buenos Aires) con sus films «Nadie sabe» (2004) y «Still Walking» (2009). Los premios obtenidos\, el suceso en su propio país\, las criticas y apoyos de los circuitos de cine arte\, convierten su nombre en uno de los mas importantes de la cinematografía actual. En 2018 se consagra en Cannes (Palma de Oro) con su retrato intimista «Un asunto de familia» y el año siguiente estrena su primera película rodada en idioma extranjero\, la producción que hoy nos ocupa. La mirada siempre dedicada (y delicada) en los comportamientos humanos y los lazos que entre si tejen las personas\, se aplica en tierra extraña y el resultado es esta obra. Una actriz legendaria francesa coincide en la publicación de un libro autobiográfico con su participación en un film de ciencia-ficción con gente joven (todo sea para permanecer vigente y mantener su narcisismo alto además de carrera y prestigio) y su hija viaja desde USA para acompañar este presente. La relación entre ellas jamás fue buena y ahora luce peor que nunca. Los reclamos\, rencores e incapacidades varias de ambas salen a la luz en este nuevo encuentro. El mundo íntimo se funde con el profesional y los ambientes hogareños se confunden con los sets de rodaje\, territorio elegido por la diva para construir su engañosa verdad. Dos mujeres adultas que no dejan de competir. Dos actrices clásicas del cine francés (uno de los mas activos en cuanto producción de Europa) se unen por primera vez en sus carreras: Catherine Deneuve (1943) y Juliette Binoche (1964). Nacidas ambas en la capital del cine galo\, ese Paris siempre vigente como escenario de ficciones\, debutaron en plena adolescencia y desde entonces forjaron carreras ininterrumpidas\, siendo una de las características que las acercan la de haber trabajado con los mejores cineastas locales\, con otros de geografías cercanas y también distantes. «La verdad» las encuentra con décadas de trabajo a sus espaldas y decenas de films entre los que se encuentran clásicos como «Los paraguas de Cherburgo»\, «Repulsión»\, «Belle de Jour»\, «Tristana»\, «El último subte»\, «Indochina» en la lista de la primera y «Azul» o «El paciente inglés» en la de la segunda. El cine mas autoral se cruza con el mas comercial y ambas mantienen el prestigio personal: Roger Vadim\, Jacques Demy\, Roman Polanski\, Luis Buñuel\, Claude Chabrol\, Francois Truffaut\, Marco Ferreri\, Mauro Bolognini\, Dino Risi\, Mario Monicelli\, Lars von Trier\, Robert Aldrich\, André Techine\, entre los directores de Deneuve\, Carax\, Godard\, Malle\, Kieslowski\, Haneke\, Kauffman\, Assayas o Cronenberg entre los de la segunda. El cineasta asiático\, mientras tanto sigue su carrera y tras este film regresó a Japón donde continua su trayectoria con un futuro estreno\, esperado entre los espectadores mas demandantes. «La Verdad» suma en la obra de los tres implicados. \n«LA VERDAD» (LA VERITÉ-2019) / Francia / Dirección Hirokazu Koreeda / intérpretes Catherine Deneuve\, Juliette Binoche\, Ethan Hawke\, Ludivine Sagnier\, Maya Sansa / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 46 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LOS AÑOS MAS BELLOS DE UNA VIDA".2019.
DESCRIPTION:El cineasta Claude Lelouch (1937)\, uno de los mas prolíficos de Francia\, estrena en 2019 su tercer acercamiento a unos personajes que vieron la luz en 1966: Anne Gauthier y Jean Louis Duroc. Estas criaturas se conocen en una de las películas mas populares de la década de los sesenta: «Un hombre y una mujer»(1966) y tuvieron secuela en «Un hombre y una mujer: 20 años después» (1986). Una situación insólita en la cinematografía\, la continuidad de personajes a través de medio siglo interpretados por los mismos actores\, se convierte en realidad cuando el director convoca a sus protagonistas a sumarse a una nueva aventura. Cercanos a los 90 años de edad\, responden positivamente y con la condición de ser un trabajo de pocas semanas de compromiso\, se embarcan en esta aventura fílmica. El resultado es factible de tener\, al menos\, dos lecturas: la de reencontrarse con ellos en su vejez\, con toda la vida transitada\, lo que abre las puertas a un ensayo sobre la memoria y la pervivencia del amor en las personas\, así también un acercamiento casi documental al propio devenir de los actores\, un hombre y una mujer para quienes el cine fue un trabajo y quizás también una pasión. El cineasta\, un mago en el uso de la cámara cinematográfica (también cameraman) los escruta y sigue\, en un reencuentro inesperado gestado por los descendientes de él. Y el regreso a uno de los escenarios donde vivieron su pasión se convertirá también en el de los propios espectadores conocedores de la fundacional película (que conquistó públicos internacionales así como dos premios codiciados en los ambientes cinematográficos: la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el Oscar de Hollywood). La música de Francis Lai y las letras de Pierre Barouh también pertenecen al terreno de la mítica cinéfila. Esta tercera y presumiblemente final parte de la trilogía se convierte entonces en homenaje a toda la magia de un arte deslumbrante\, el que se disfrutaba sobre las pantallas blancas y gigantes de las salas\, hoy también en riesgo de extinción como el propio estilo de cine que propone. Las plataformas audiovisuales jamás podrán competir con su oferta\, aunque intenten fagocitarla. \n«LOS AÑOS MAS BELLOS DE UNA VIDA» ( LES PLUS BELLE ANNÉES D’UNE VIE) / Francia- 2019 / Director\, guionista y productor Claude Lelouch / Intérpretes Anouk Aimee\, Jean Louis Trintrignant\, Mónica Bellucci / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1 h 30 minutos.
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SUMMARY:CINE: "CARAMEL" (SUKKAR BANAT).2007.
DESCRIPTION:El film de origen libanés-francés «Caramel» será el que abrirá un nuevo ciclo de cine en el Círculo Árabe de Azul a partir de este mes de mayo de 2022. Con la intención de descubrir antiguas cinematografías en lenguaje árabe\, alejadas de los circuitos comerciales de Argentina así como también difíciles de encontrar en programaciones del espacio virtual\, esta producción cinematográfica encontró amplia aceptación pública y critica a partir de su estreno en 2007\, habilitó el estreno de otros films de similar origen y en lo particular para su directora y co-protagonista Nadine Labaki la posibilidad de realizar dos largometrajes hasta el presente. Beirut\, la deslumbrante capital del Líbano\, sufrió las consecuencias de luchas internas y extranjeras a partir del año 1975 cuando se inició una guerra civil que duró hasta 1990. El presente de la película nos muestra un tiempo de reconstrucción donde los seres humanos persisten en la idea de recuperar espacios e identidades afectadas. Las relaciones que se entrecruzan entre un grupo de cinco mujeres sirve como excusa para trazar un relato actual de una tierra violentada en el pasado. La realizadora focaliza su mirada en sus problemáticas (el paso del tiempo\, la sexualidad\, los amores correspondidos y los perdidos o imposibles\, los mandatos generacionales\, lo ancestral y lo moderno) al son de músicas exquisitas que acompañan el devenir de estas cinco vidas de diferentes edades y realidades\, mientras las líneas que van estableciéndose entre ellas dibujan heridas a curar paralelas a las de la gran ciudad que las contiene. Una comedia romántica es la opción que la artista elige para este debut\, seguido en los años siguientes por dos films que demuestran su capacidad para conectar con los mas diversos públicos mas allá de religiones y geografías: el alma humana parece no querer saber nada con ellas. \nNADINE LABAKI nació en Beirut en 1974. De amplia carrera como actriz\, debutó en la dirección con esta película obteniendo amplia repercusión en su país de origen\, Europa y Estados Unidos\, habiéndose iniciado en la dirección de video-clips musicales para la cantante Nancy Ajram\, una de las máximas estrellas del pop del mundo árabe. “Caramel”\, con su suceso internacional recupera en parte el aliento de una de las dos cinematografías árabes más fecundas (junto a la egipcia)\, logrando en los años transcurridos desde su estreno que varias películas libanesas hayan encontrado cabida y reconocimiento en circuitos internacionales\, incluidos los grandes festivales de cine como Cannes\, Berlín\, Venecia. \n«CARAMEL» /2007/ Dirección Nadine Labaki. Intérpretes: Nadine Labaki\, Joanna Moukarzel\, Gisele Aouad\, Yasmine Al Massri\, Sekam Haddad / Producción Les Films des Tournelles\, Les Films de Beyrouth\, Roissy Films. Duración 1 hora 35 minutos / Presupuesto de realización (estimado) 1.300.000 dólares\, recaudación mundial: 14.250.000 dólares. Idioma: árabe\, francés con subtítulos en castellano. Color.
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SUMMARY:CINE:"APUNTES SOBRE LA GUERRA FRIA (1945-1991)"
DESCRIPTION:Durante el mes de abril se realizará el Ciclo de Cine de Otoño en el Museo Etnográfico Enrique Squirru. La cita será los días viernes 1\, 8\, 22 y 29 a las 19 hs. Cuatro jornadas donde a través de la cinematografía se abordará el periodo histórico comprendido entre 1945 y 1991 conocido como «La Guerra Fría»\, que paralelamente generó en la cinematografía occidental varios géneros de mucha repercusión en los años cincuenta y sesenta\, desde espacios tan emblemáticos y populares como el cine de ciencia ficción (donde en realidad los malvados extraterrestres no eran mas que los peligrosos comunistas-interesante analizar como se repite la cuestión en nuestro presente-)\, los films de James Bond 007 y sus secuelas\, las adaptaciones de best sellers famosos de autores especialistas como John Le Carre o sátiras humorísticas de genios como Woody Allen o Billy Wilder. La Segunda Guerra Mundial confirmó como potencia global a la URSS (Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas) que con la detonación de la primera arma atómica en 1949 dio inicio a la confrontación capitalismo versus comunismo a lo largo y ancho del planeta. Se la conoce como «fría» porque no hubo ataques directos entre los dos contrincantes mayores (USA-URSS)\, pero si incidentes y guerras en zonas distantes apoyados por unos y otros\, Básicamente se trató de una división del mundo en zonas de influencias políticas\, económicas\, culturales. La caída del Muro de Berlin en 1989 y la desintegración como Estado del gigante soviético en 1991\, pusieron un «final» que a ojos actuales se demuestra como engañoso: la presente guerra en Ucrania no hace mas que demostrarlo. \nViernes 1º de abril: «RAPSODIA EN AGOSTO» (Hachigatsu no rapusodi\, 1991 /Japón) / Dirección: Akira Kurosawa / Intérpretes Sachiko Murase\, Richard Gere y otros. / Color / Hablada en japonés  e inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 38 minutos. Síntesis: una anciana\, Kane\, queda al cuidado de sus nietos y nietas al viajar los padres a Hawaii para conocer a familiares. La mujer y los niños establecen una relación diferente a partir de los relatos de la explosión de la bomba atómica de Nagasaki en agosto de 1945. El cineasta Kurosawa\, uno de los maestros del cine mundial\, reflexiona sobre la influencia del pasado y la memoria en las relaciones humanas\, siempre atravesadas por las realidades externas y cargando con las consecuencias de los dictados del Poder. Una de las pocas obras maestras verdaderas de los años noventa. \nViernes 8 de abril: «PASARON LAS GRULLAS» (Letyat Zhuravli\,1957 URSS) / Dirección: Mikhail Kalatozov / Intérpretes Tatyana Samoylova\, Aleksey Batalov\, Vasily Merkurev y otros /Blanco y Negro /Hablada en ruso con subtítulos en castellano / Duración 1h 35 minutos. Síntesis: Verónica es una joven vital. La calma de su rutina se ve alterada por la guerra y la partida de su enamorado al frente. Esta película soviética forma parte del nuevo tiempo tras la muerte del líder Stalin\, cuando se realizó una apertura hacia el exterior por parte de su cinematografía. «Pasaron las Grullas» fue la gran triunfadora del festival de Cannes de 1958 y su suceso se expandió a todo el mundo\, convirtiéndose en un fenómeno de critica y publico y estableciendo la figura de la actriz rusa en la primera plana del interés cinematográfico. Por su parte\, la maestría del realizador Kalatozov sigue manteniendo moderna la realización del film. \n22 de abril: «EL BAILARIN» o «Nureyev\, el cuervo blanco» (The white crowd\, 2018\, Reino Unido\, Francia\, Serbia) / Dirección: Ralph Fiennes / Intérpretes Oleg Ivenko\, Ralph Fiennes\, Louis Hofmann y otros / Color / Hablada en ruso\, inglés\, francés y español con subtítulos en castellano / Duración 2h 7 minutos. Síntesis: El bailarín Nureyev se convierte en un ídolo en la URSS y también en sus giras al exterior. En una de ellas\, el artista solicita asilo político y desata un conflicto internacional. La película es una coproducción actual europea y recrea una de las realidades mas conflictivas de la Guerra Fría: los refugiados políticos. \n29 de abril: «COLD WAR» o «Guerra Fría» ( Zimna Wojna\, 2018\, Polonia\, Reino Unido\, Bélgica\, Francia) / Dirección: Pawel Pawlikowski / Intérpretes Joanna Kulig\, Tomasz Kot y otros / Blanco y Negro / Síntesis: La compleja historia de amor entre una cantante y un director de música es la excusa perfecta para desarrollar un recorrido sobre las tensiones entre el comunismo y el capitalismo en los años cincuenta en una Europa totalmente atravesada por esta problemática. Una de la películas mas aclamadas por la crítica en el tiempo anterior al estallido de la pandemia.
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LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE:"LA ODISEA DE LOS GILES" (2019).
DESCRIPTION:2019 será recordado en el futuro como el último año «antes de la pandemia»\, una realidad internacional que cambió o alteró comportamientos: entre ellos el de los espectadores de cine. El tiempo de encierro destruyó la economía ya de por si frágiles de las salas cinematográficas\, y aumentó la de las plataformas de películas y series que pueden consumirse desde la comodidad del hogar. Uno de los últimos sucesos\, entonces\, fue el de esta película argentina a lo largo del territorio nacional. «La odisea de los giles» fue una de las producciones mas taquilleras de aquella temporada y se inspiró en un texto de un escritor ya consagrado por la gran pantalla: Eduardo Sacheri (1967)\, que se inició como profesor de historia en colegios del conurbano bonaerense y desde alli\, dando rienda suelta a su pasión por la escritura (y también por el futbol\, que supo insertar de una manera u otra en gran parte de su obra)\, consiguió reconocimiento crítico y suceso de ventas con su primera novela «La pregunta de sus ojos» (2005). Sa adaptación al cine con el título de «El secreto de sus ojos» (2009) le abrió las puertas a la escritura cinematográfica\, donde firmó trabajos como «Futbolín» (2013) o la adaptación de otras de sus producciones\, «Papeles en el viento» ( 2015). El director Sebastián Borensztein (1965) debutó en 2005 con una comedia\, «La suerte está echada»  y tras otros tres títulos\, dirigió este. \nEn la Argentina del año 2001\, un grupo de habitantes del interior del país pierde todos los ahorros en una inversión como consecuencia de los sucesos del mes de diciembre\, uno de los mas dramáticos de la reciente historia argentina cuando el «corralito» se instaló como realidad inesperada con las consecuencias que marcarían los siguientes años. Escritor y cineasta utilizan el humor para hablar de cosas terribles y de esa manera logran introducir en lector y ahora espectador en un tema para nada divertido. Una licencia poética para recuperar un tiempo que aun deja huellas. La critica al comportamiento de toda una sociedad está servida por una producción cuidada\, dinámica\, ejemplar en la mirada que sobre sus criaturas dedica. Y un plantel de interpretes formidables da vida a los personajes de Sacheri: Brandoni\, Darin padre e hijo\, Cortese\, Llinas y un elenco de excelentes profesionales. «La odisea de los giles» pasa a formar parte de las mejores radiografías cinematográficas de un tiempo histórico que deseamos no volver a transitar. Una linea de cine popular que nuestra cinematografía trazo sutilmente a lo largo de las décadas y que de tanto en tanto se agranda con un nuevo título. \n«LA ODISEA DE LOS GILES» (Argentina- España\, 2019)/ Dirección Sebastián Borensztein / guion: Borensztein y Eduardo Sacheri /Intérpretes Ricardo Darin\, Luis Brandoni\, Rita Cortese\, Chino Darin\, Verónica Llinas\, Marco Antonio Caponi\, Daniel Araoz\, Andrés Parra / Color / Hablada en castellano sin subtítulos / Duración: 1h 56 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LUZ\, CÁMARA...¡TELÓN!" / 4ª EDICIÓN 2022.
DESCRIPTION:El Equipo Delta-Trabajo Teatral presenta dentro del Programa Otoño Azul Imagen la cuarta edición del Ciclo de Cine Estudio en Homenaje a Hector “Cacho Nebbia” Ferrarelo. Se desarrollará los días Viernes 28\, Sábado 29 y Domingo 30 de enero de 2022 durante tres jornadas\, a las 21.00 hs. en La Salita / Vivero Cultural Otoño Azul\, en la calle Malere (Ex-Córdoba) N.º 567 en la ciudad de Azul. Tras la interrupción obligada a causa de la Pandemia\, este verano retomamos la senda.\n\nPROGRAMA.\nViernes 28 de enero: «EL DÍA DE LA POLLERA» / LE JOURNÉE DE LA JUPE / Francia-Bélgica (2008) / Dirección y guion Jean Paul Lilienfeld / Intérpretes : Isabelle Adjani\, Denis Podalydés\, Yann Ebongé\, Kevin Azais\, Karim Zakraoui. / Duración 1 h 27 minutos / Hablada en francés con subtítulos en castellano. SINTESIS: Sonia es una docente adulta que transita una separación matrimonial. Su trabajo en la escuela de un barrio marginal parisino la enfrenta a la indisciplina del alumnado y la indiferencia de sus compañeros y autoridades escolares. A partir de una situación fortuita\, la mujer toma el control del aula de una manera violenta. Ahora todos estarán bajo sus ordenes…dentro de una situación incontrolable. Una mirada adulta sobre la decadencia del sistema educativo y las dificultades de la integración social con la inmigración como tema de fondo en la Europa actual.\n\nSábado 29 de enero: «¡ ABAJO EL TELÓN…!» / THE CRADLE WILL ROCK/ EE.UU. (1999) / Dirección y guion Tim Robbins / Intérpretes: Tim Robbins\, Susan Sarandon\, Hank Azaria\, Vanessa Redgrave\, Bill Murray\, Emily Watson\, John Turturro / Duración 2h 11 minutos / Hablada en inglés con subtítulos en castellano. SINTESIS: basada en hechos reales\, la película narra las situaciones que vive un grupo teatral para estrenar una obra políticamente incorrecta en la New York de la segunda mitad de los años 1930. Un tiempo donde las ideologías estaban a flor de piel y condicionaban la creación y la libertad artística. Personajes inspirados en figuras tan legendarias como Orson Welles\, Nelson Rockefeller\, Diego Ribera\, quienes rodean a los transgresores interpretes que luchan por imponer su arte ante cualquiera otra cuestión. Un conflicto siempre vigente: el arte y la cultura enfrentadas al Poder.\n\nDomingo 30 de enero: «EL PADRE» / THE FATHER / Francia-Reino Unido (2020) / Director Florian Zeller / Guion Christopher Hampton y Florian Zeller sobre su propia obra teatral / Intérpretes : Anthony Hopkins\, Olivia Colman\, Mark Gatiss / Duración 1h 37 minutos / Hablada en inglés con subtítulos en castellano. SINTESIS: Anthony\, un octogenario londinense comienza a dudar de sus propios recuerdos mientras la memoria se confunde con lo imaginado. La realidad llega de la mano de su hija Anne que le anuncia su traslado a Paris. Las siempre complejas relaciones filiales se manifiestan en toda su humanidad ante la enfermedad y el paso del tiempo. Uno de los dramaturgos mas importantes del presente\, debuta como director de cine junto a dos de los mayores intérpretes británicos: el clásico Hopkins y la nueva sensación Colman.
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LOCATION:La Salita / Vivero Cultural Otoño Azul\, Malere (ex Córdoba) 567\, Azul\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:"MARTIN FIERRO Y COMPAÑIAS: EL GAUCHO EN EL CINE ARGENTINO.
DESCRIPTION:  \n  \nTESTIMONIOS (extraídos de textos originales de Jorge Abel Martin: “Los films de Leopoldo Torre Nilsson” (Ediciones \nCorregidor\, 1980) y “Cine argentino’84” (Editorial Legasa\, 1987)). \n  \nPrologo de Leopoldo Torre Nilsson al libro cinematográfico (guion) de “Martin Fierro” (1968). \n“Nuestra pampa vista en larga y ancha perspectiva. Es la pampa de 1860 con sus pajonales que pueden esconder la figura de un caballo o la de un hombre huyendo. Con sus pastos altos y bayos. \nOnírica e inalcanzable como la habrán sentido San Martín y Alberdi en sus largos años de ausencia. \nY quizá como la apetecen y la hemos apetecido los que hemos estado un mes\, un año\, o una vida lejos de ella\, por exilio voluntario\, forzado\, o ambiciosos o transitorio. \nY después acogedora\, fraternal\, compañera\, hija o madre como la tuvieron los gauchos\, los paisanos\, los reseros. \nO misteriosa e insólita como la fueron descubriendo los viajeros ingleses o franceses que dejaron su objetivo. Y a veces su apasionado o desapasionado testimonio. \nO como la amó Hudson en sus pájaros\, en sus pocos árboles o en sus pastos\, y que vivió su ausencia y su presencia. \nO como la paseó el indio\, su nómade y elemental primer amante\, y que se fue replegando y perdiéndola como se pierden las cosas que no se saben amar o nos van quitando seres más sagaces que nosotros\, para quererla más\, o despedazarla o engrandecerla.” \n  \nNotas (de Fernando Ezequiel Solanas) sobre “Los hijos de Fierro” a propósito de su estreno (12 de abril de 1984). \n“…el poema original me atraía no solo por su belleza o por el hecho de que como ninguna otra obra de nuestra literatura expresa la sed de justicia y libertad\, la dignidad y la silenciosa lucha del pueblo argentino\, sino también\, y sobre todo\, por la notable proyección actual de sus conflictos…” \n“…a más de un siglo de su creación\, la obra de José Hernández continúa marcando la línea divisoria entre dos concepciones enfrentadas: una colonizada y una nacional. Para Jorge Luis Borges\, un “europeo en exilio”\, como él mismo se define\,”…pensar que nosotros\, argentinos\, estamos representados por un gaucho matrero y desertor\, es totalmente imposible. Nuestra historia es mucho más compleja que las vicisitudes de un cuchillero de 1872 aunque hayan sido contadas de un modo admirable”. Para Leopoldo Marechal\, en cambio: “…el Martin Fierro es materia de un arte que nos hace falta cultivar ahora como nunca\, el ser argentinos y latinoamericanos. Como las epopeyas clásicas\, es el canto de un pueblo\, es decir\, el relato de sus hechos notables cumplidos en la manifestación de su propio ser y en el logro de su destino histórico. ¿ Y quién es el héroe del Martin Fierro?. En el sentido literario\, es un gaucho de nuestra llanura\, y en sentido simbólico\, es el pueblo de la Nación recién salido de su guerra de la independencia y de sus luchas civiles\, en las cuales se ha fogueado. Por lo tanto es el real protagonista del drama en que se juega su devenir”. \n  \nDATOS BÁSICOS. \nPrimera proyección en Argentina: 18 de julio de 1896 en Teatro Odeón (programa Hnos. Lumiere)\, Buenos Aires. \nPrimeros films argentinos: “LA BANDERA ARGENTINA” (1897) de Eugenio Py (corto). “ASI CANTABA CARLOS GARDEL” (1930) de Eduardo Morera (Corto). “POR UNA ARGENTINA GRANDE\, CIVILIZADA Y JUSTA” (1931) (51 MINUTOS). \nEl periodo de cine mudo se cierra según registros de Roberto di Chiara (*) en 1937 con el corto “NAHUEL HUAPI Y SU REGIÓN”. \nPrimeros films se destruían para la utilización de Nitrato de Plata que tenían en las cintas en su base. \nEn 1924 nació el film de 16 mm\, donde no se utilizaba el Nitrato. \nPrimera sala exclusivamente cinematográfica “NACIONAL”\, calle Maipú entre Corrientes y Lavalle. Tenía  menos de 300 sillas\, con películas de entre 2 y 3 minutos en funciones de tarde y noche. Empresario Gregorio Ortuño. \n(*) Archivo de Florencio Varela del cine mudo argentino. \n  \nNOMBRES PROPIOS: CINEASTAS Y ESCRITORES. \nLeopoldo Marechal\, escritor (1900-1970). (70 años). \nJorge Luis Borges\, escritor (1899-1986). (87 años). \nCarlos Cores\, actor y cineasta (1923-2000) (77 años / 39 al filmar). \nLeopoldo Torre Nilsson\, cineasta (1924-1978). (54 años / 43 al filmar). \nRoberto di Chiara\, investigador de cine mudo argentino (1933-2008)(75 años). \nFernando Ezequiel Solanas\, cineasta (1936-2020). (84 años / 36 al filmar). \nJorge Abel Martín\, investigador y escritor de cine argentino (1946-1990) (44 años). \n  \nJosé Hernández\, escritor (1834-1886) (52 años). \nLibros: El gaucho Martin Fierro (1872) y La vuelta de Martin Fierro (1879). \nEstanislao del Campo\, escritor (1834-1880) (46 años). \nLibro: Fausto\, impresiones del gaucho Anastasio el Pollo en la representación de esta ópera (1866). \nEduardo Gutiérrez\, escritor (1851-1889) (38 años). \nLibros: Juan Moreira (1879) / Santos Vega (1880). \nRicardo Güiraldes\, escritor (1886-1927) (41 años). \nLibro: Don Segundo Sombra (1926) \nWalter Ciocca\, arquitecto e historietista (1907-1984) (77 años) \nHistorieta: Lindor Covas (1954-1981). \n  \nADAPTACIONES DEL LIBRO MARTÍN FIERRO AL CINE ARGENTINO. \nMARTIN FIERRO (1923) director Alfredo Quesada. \nMARTIN FIERRO (1968) director Leopoldo Torre Nilsson. \nLOS HIJOS DE FIERRO (1972-1975) director Fernando E. Solanas. \nLA VUELTA DE MARTIN FIERRO (1974) director Enrique Dawi. \nMARTIN FIERRO (1989) director Fernando Laverde.(film inédito). \nMARTIN FIERRO\, EL AVE SOLITARIA (2006) director Gerardo Vallejo. \nMARTIN FIERRO\, LA PELÍCULA (2007) directores Liliana Romero y Norman Ruiz. \n  \nApéndice: \nHay una versión realizada en España para Televisión Española dentro de un ciclo llamado “Los Libros”:”MARTIN FIERRO” (1974) dirección de Julio Diamante. Protagoniza al gaucho Fierro\, Carlos Estrada\, actor argentino residente en Europa con elenco español. \n  \nLISTADO DE PELÍCULAS (parcial) de películas que abordan temática gauchesca. \nCINE MUDO. \nNOBLEZA GAUCHA (1915). \nSANTOS VEGA (1917). \nEL GAUCHO (1920) de Rici Rondamina. (Fragmentos de este film desconocido en Archivo de Florencio Varela). \nJUAN MOREIRA o EL ÚLTIMO CENTAURO o LA EPOPEYA DEL GAUCHO (1924) de E. Regules y E.Peirano. \nLA PULPERA DE SANTA LUCIA (1929) (destruida\, catalogada a partir de datos de una lata y de revistas de la época). \n  \nCINE SONORO. \nEL LINYERA (1933) de Enrique Larreta. \nJUAN MOREIRA (1936) de Nelo Cosimi. \nSANTOS  VEGA (1936) de Luis Moglia Barth. \nVIENTO NORTE (1937) de Mario Soffici. (Según Lucio Mansilla). \nPAMPA Y CIELO (1938) de Raúl Gurruchaga. \nPLEGARIA GAUCHA (1938) de Julio Irigoyen. \n¡GAUCHO! (1942)  de Leopoldo Torres Ríos. \nPAMPA BÁRBARA (1945) de Lucas Demare y Hugo Fregonese. \nSANTOS VEGA VUELVE (1947) de Leopoldo Torres Ríos. (Según poema de Rafael Obligado). \nJUAN MOREIRA (1948) de Luis Moglia Barth. \nEL ÚLTIMO PAYADOR (1950) de Homero Manzi y Ralph Pappier. \nEL GAUCHO Y EL DIABLO (1952) de Ernesto Remani. \nWAY OF THE GAUCHO / EL CAMINO DEL GAUCHO (1952) de Jacques Tourneur. \nEL ÚLTIMO COW BOY (1954) de Juan Sires. (Sátira sobre EL CAMINO DEL GAUCHO). \nEL ÚLTIMO PERRO (1956) de Lucas Demare. \nEL ROMANCE DE UN GAUCHO (1961) de Rubén W. Cavallotti. \nMATE COSIDO (1962) de Goffredo Alessandrini. \nLINDOR COVAS\, EL CIMARRÓN  (1963) de Carlos Cores. \nPAMPA SALVAJE (1966) de Hugo Fregonese. \nDON SEGUNDO SOMBRA (1969) de Manuel Antin (según Guiraldes). \nLA FRONTERA OLVIDADA (1969) de Juan Carlos Neyra. (film inédito). \nSANTOS VEGA (1971) de Carlos Borcosque (h). \nJUAN MOREIRA (1973) de Leonardo Favio. \nHORMIGA NEGRA (1979) de Ricardo Alberto de Filippi. \nEL FAUSTO CRIOLLO (1979) de Luis Saslavsky (según Estanislao del Campo). \nMATE COSIDO\, EL BANDOLERO FANTASMA (2003) de Michelina Oviedo (documental sobre Segundo David Peralta\, alias Mate Cosido). \nEL GAUCHITO GIL\, LA SANGRE INOCENTE (2006) de Ricardo Becher. \nEL DESIERTO NEGRO (2007) de Gaspar Schever. \nISIDRO VELAZQUEZ\, LA LEYENDA DEL ÚLTIMO SAPUCAY (2010) de Camilo José Gómez (docudrama). \nABALLAY\, EL HOMBRE SIN MIEDO (2010) de Fernando Spiner. \nGAUCHITO GIL (2020) de Roberto Vallejos. \n  \nDATOS SOBRE FILM “LINDOR COVAS\, EL CIMARRÓN”. \nAño de producción 1962. \nFecha de estreno: 24-4-1963. \nEstrenada en la sala Hindú\, calle Lavalle 842-Buenos Aires. \nCalificada sin restricciones /Duración: 108 minutos. \nDirector Carlos Cores / Guion de Antonio Ortiz Noguera\, Guillermo Haro y Juan Carlos Márquez según argumento de Walter Ciocca / Fotografía Vicente Cosentino / Música Tito Ribero / Escenografía Saulo Benavente / Montaje Ricardo Rodríguez Nistal e Higinio Vecchione / Producción y distribución Lumiton. \nIntérpretes: Carlos Cores (Covas)\, Mario Lozano\, Elizabeth Killian\, Liliana Lagos\, Joaquín Petrosino\, Enrique Kossi\, Adolfo García Grau\, Jorge de la Riestra\, Héctor Figueroa\, Oscar Ferrigno\, Evangelina Salazar. \nSíntesis: el film adapta una de las historietas más populares y longevas del comic argentino. Se publicó en el periódico “La Razón” entre 1952 y 1981\, como también en decenas de diarios del interior. La producción recoge tres historias del personaje: la primera relacionada con una heredera que es requerida desde Europa\, desconociendo hasta ese momento sus orígenes. La segunda encuentra a Covas en un pueblo donde se prepara una función de teatro y la tercera en un poblado indio donde establece relación con la hija del jefe tribal. Todos los argumentos tienen como telón de fondo una pintura muy lograda de los ambientes gauchescos\, con una calidad técnica notable y donde los paisajes de nuestra zona tienen real protagonismo. La película fue muy maltratada por la crítica de su momento y se ha convertido en una más de las obras cinematográficas que merecen ser recuperadas y revalorizadas\, a 60 años de su producción. \nSe utilizaron exteriores en la zona de Olavarria y agradece en sus títulos a: \nGuarnición Olavarria Lanceros General Paz. \nDestacamento Ingenieros. \nSr. Esteban Loudge (sic). \nEstancia La Isolina. \nSegún los autores Raúl Manrupe y María Alejandra Portela en su libro “UN DICCIONARIO DE FILMS ARGENTINOS (1930-1995)\,editado en 2001 por Ediciones Corregidor\, Buenos Aires\, esta película fue filmada en Olavarria y Azul. La visión de la misma no aclara ni confirma escenas en la segunda ciudad. \nTambién se señala como productora y distribuidora la firma Lumiton. Esta fue la empresa creada en 1931 por un grupo de empresarios (todos médicos que antes habían incurrido en la primera transmisión radial desde el Teatro Colón en 1920) que se convirtió en el primer estudio de cine al modelo de Hollywood en la Argentina. Situado en dos manzanas de Munro\, Partido de Vicente López\, en Avenida Mitre N.º 2351\, inició sus actividades en 1931 y estrenó su primer largometraje sonoro en 1933: “Los tres berretines”\, que lanzó al estrellato a Luis Sandrini\, también protagonista del film “Tango” del estudio que sería su gran rival durante dos décadas: Argentina Sono Film. El estreno de “Tango” se realizó una semana antes\, motivo por el cual es considerado el “primer film sonoro argentino”. El primer estreno de la empresa tuvo un costo de 19.000 $ y recaudó la cifra de 1.000.000 $\, convirtiéndose en un negocio fabuloso para el estudio. Que cerraría sus puertas en 1952 debido a la quiebra de la misma\, habiendo realizado alrededor de 180 películas en ese periodo. Luego el nombre fue utilizado en algunos films como “productora y distribuidora” hasta mediado de los años sesenta\, siendo “Lindor Covas\, el cimarrón” (1963) uno de los títulos finales de este “segundo” emprendimiento Lumiton. Hoy el lugar ha dado sitio a un Museo con su nombre que tiene entrada por calle Cabral  2354 en la mencionada localidad de Munro. Se exhiben recuerdos del tiempo en que los mismos estuvieron activos.
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LOCATION:Biblioteca Popular «Bartolomé J.Ronco»\, Burgos 687\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
CATEGORIES:Conferencia
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SUMMARY:CINE: "CINE&GLOBALIZACIÓN: DEL PASADO AL PRESENTE / 1936-2020"
DESCRIPTION:La primera definición que aparece en Internet sobre esta palabra\, remite al verbo globalizar: luego\, a la derecha\, se lee esto: «La globalización es un proceso económico\, tecnológico\, político\, social y cultural a escala mundial que consiste en la creciente comunicación e interdependencia entre los distintos países del mundo». Una apreciación lo suficientemente amplia donde englobar un Ciclo de Cine. Que podría ser también el inicio a otro mas extenso y por tanto de mayor profundización sobre la cuestión. En Marzo 2020 el Museo Enrique Squirru programa una serie de encuentros en tres viernes consecutivos (6\, 13 y 20) a las 19.00 hs donde se exhibirán tres películas de reciente producción que pueden servir como ilustración a este fenómeno en el que todo el Planeta lleva «embarcado» desde ya hace décadas.Y que hoy\, entre otras cosas\, vuelve a estar presente por el contagio de un virus que desde Asia ha ido esparciéndose por toda la geografía de la Tierra. \nUn Pasado político y social que vuelve a reproducirse (inquietamente) hoy\, un Líder global que reflexiona (por primera vez ante una cámara de cine)  y una ficción de un país distante (para nosotros) premiada en festivales y lugares impensados que despierta la curiosidad del público\, también globalizado. Desde España a Corea del Sur pasando por el Vaticano\, tres enormes y talentosos cineastas actuales nos ofrecen sus miradas sobre la situación\, o como decía el famoso título del film de uno de ellos: «el estado de las cosas». \nPROGRAMACIÓN \nViernes 6-03-2020 «MIENTRAS DURE LA GUERRA» (2019) / España- Argentina / Dirección Alejandro Amenabar / Intérpretes Karra Elejalde\, Eduard Fernández\, Santi Prego\, Natalie Poza / Hablada en castellano\, inglés y alemán con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 47 minutos / Sinopsis: En julio de 1936 se produce un levantamiento militar contra la República Española que desatará una Guerra Civil de tres años y tragedia para todo un pueblo. El escritor y filósofo Miguel de Unamuno (1864-1936) es Director de la Universidad de Salamanca\, donde se encuentra uno de los núcleos de la rebelión. Apoyando ésta\, sus lazos con dirigentes como los Generales Millán Astray (1879-1954) y Franco (1892-1975) lo posicionan en un lugar muy conflictivo. A medida que transcurren las semanas\, muchos de sus allegados y amigos van cayendo uno a uno. Y se ve obligado a replantear su postura. El Fascismo del Siglo XX aparece visibilizado por primera vez tras el poder de Hitler y Mussolini en Europa. Franco seguirá sus pasos. Hoy\, mas de ocho décadas después\, Europa y varios lugares del mundo\, tienen instalado dentro de sus sistemas democráticos grupos de esta índole que se han posicionado con el voto de amplios sectores del electorado. El cineasta ofrece su mirada para ilustrar a las nuevas generaciones los peligros que para ellas parecen ser ignorados. Una película que reflexiona sobre el avance del desconocimiento\, la ignorancia y el fracaso educacional en el presente. \nViernes 13-03-2020 «EL PAPA FRANCISCO:UN HOMBRE DE PALABRA» (Pope Francis: a man of his worlds\, 2018) / Suiza-Vaticano-Italia-Francia-Alemania / Dirección Wim Wenders / Documental con la participación del Papa Francisco / Hablada en castellano\, italiano\, inglés y alemán con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 36 minutos / Sinopsis: el cineasta alemán Wim Wenders (1945) ha construido desde 1969 al presente una de las carreras mas deslumbrantes del cine contemporáneo (68 obras\, alternado ficción con documental\, cortos con medio y largometrajes). En ella destacan títulos claves como «El amigo americano» (1977)\, «París Texas» (1984) o «Las alas del deseo» (1987) entre sus ficciones\, y «Pina» (2011) o «La sal de la tierra» (2014) entre los documentales. A este género corresponde su último largometraje\, donde por primera vez en la Historia\, un líder vaticano enfrenta la cámara como protagonista. Entre director y persona se establece un dialogo siempre rico que intercalado con imágenes de archivo que documentan situaciones reales\, deriva en enorme testimonio de nuestro tiempo. \nViernes 20-03-2020 «PARÁSITOS» ( Parasite \, 2018) / Corea del Sur / Dirección Bong Joon Ho / Intérpretes: Kang-Hu Song\, Sun-Kyun Lee\, Yeo-Jeong Jo\, Woo-Sik Choi\, So.dam Park\, Jeong-enn Lee\, Hye-Jin Jang / Hablada en coreano e inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 2 hs 10 minutos / Sinopsis: una familia que vive en un deteriorado y marginal barrio de una metrópolis va introduciéndose\, personaje a personaje\, en la casa de otra de muy alto nivel económico. La astucia e inteligencia del hijo varón le permite ser el primero en arribar a la lujosa y ultra moderna vivienda en el barrio mas sofisticado y elitista de la misma ciudad. Monstruosidades varias\, externas e internas\, afloran durante el relato\, orquestado bajo la maestra mano de uno de los mayores (y desconocidos) cineastas asiáticos del momento. El coreano Bong Joon Ho deslumbró a Occidente en 2003 con su film «Memorias de un asesino». Y volvió a hacerlo en 2006 con «The Host» y en 2013 con su primer trabajo internacional «Rompenieves». El genero policial\, la ciencia ficción\, la acción y el drama intimista son abordados con enorme e igual talento en cada una de las citadas películas. Y «Parásitos» se va convirtiendo en un fenómeno globalizado donde se demuestra que las distancias geográficas no impiden las similitudes en las relaciones entre los seres humanos y las políticas imperantes.
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LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LUZ\, CÁMARA...¡TELÓN!" / 3º EDICIÓN 2020.
DESCRIPTION:«LUZ\, CÁMARA…¡TELÓN!» 3º EDICIÓN 2020.\n\nEl Equipo Delta-Trabajo Teatral presenta dentro del Programa Otoño Azul Imagen la tercera edición del Ciclo de Cine Estudio en Homenaje a Hector «Cacho Nebbia» Ferrarelo. Se desarrollará los días Viernes 14\, Sábado 15 y Domingo 16 de Febrero durante tres jornadas\, a las 21.00 hs. en La Salita / Vivero Cultural Otoño Azul\, en la calle Malere (Ex-Córdoba) Nº 567 en la ciudad de Azul.\n\n\n\nPROGRAMA\n\n\n\n\nViernes 14: «CORIOLANO» (CORIOLANUS\, Reino Unido\, 2011) / Dirección Ralph Fiennes / Guión sobre obra de William Shakespeare / Intérpretes Ralph Fiennes\, Gerard Butler\, Brian Cox\, Vanessa Redgrave\, Jessica Chastain\,  Lubna Azabal / Hablada en Inglés con subtítulos en castellano /Duración 2 hs.\nSinopsis: la tragedia narra la historia de un brillante general romano de la época de la República que es desterrado de la ciudad después de habersele negado un reconocimiento en el Senado\, a causa de su enfrentamiento y menosprecio a la misma masa que lo ha reconocido como héroe. En venganza\, se une a los enemigos\, el pueblo de los Volscos y trama la destrucción de Roma. Pero los ruegos de su madre\, persona de enorme influencia sobre el militar\, impedirán la acción y abrirán las puertas al drama final. El director traslada la acción a un presente que remite a la Guerra de los Balcanes\, cuando la ex Yugoslavia se desangró en varios estados durante los años 90 del Siglo pasado. La propuesta resulta arriesgada\, pero la mano férrea del cineasta la convierte en una muy original recreación del texto escrito por Shakespeare cuatro siglos atrás\, demostrando la permanente actualidad de un Clásico. El film estrenado en 2011 cosechó enorme apoyo critico pero no difusión comercial fuera de Inglaterra a pesar del enorme elenco protagonista. Tenemos la gran oportunidad de disfrutar de un film escasamente conocido y de altos valores artísticos.\n\n\n\nSábado 15: «LA MUERTE Y LA DONCELLA» ( DEATH AND THE MAIDEN\, Reino Unido- Francia\, 1994) / Dirección Roman Polanski / Sobre obra de Ariel Dorfman / Intérpretes: Sigourney Weaver\, Ben Kingsley\, Stuart Wilson / Hablada en Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 43 minutos.\nSinopsis: en un país sudamericano sin identificar\, una pareja vive aislada en una casa de campo. Una noche\, un viajero llama a la puerta a causa de la rotura de su vehículo. Invitado a pernoctar\, la esposa cree descubrir en el extraño al hombre que la torturó estando secuestrada durante una Dictadura. Las consecuencias psicológicas generan una sombría memoria en la mujer\, que decide tomarlo prisionero. Su marido se debate entre el amor que siente por ella y la legalidad. El recién llegado se nos presenta con una verdad incierta y un pasado pleno de sospechas. El gran director franco-polaco traslada a la pantalla la obra del argentino nacionalizado chileno Ariel Dorfman después de haber triunfado en los teatros con esta obra siempre abierta a nuevas interpretaciones.\n\n\n\nDomingo 16:»EL NOMBRE» (LE PRENON\, Francia\, 2012) /Directores Alexandre de La Patelliere y Matthieu Delaporte / Sobre obra propia de los citados directores / Intérpretes Patrick Bruel\, Valerie Beneguigui\, Charles Berling\, Judith El Zein\, Francoise Fabian / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 50 minutos.\nSinopsis: un hombre que va a ser padre por primera vez se reúne con su hermana y cuñado a cenar. Otros personajes van sumándose al encuentro. La familiaridad\, la amistad\, el afecto parece estar por encima de todas las consideraciones. Pero la elección del nombre del que está por nacer\, abrirá las puertas de lo que no se dice nunca a la cara y se habla en ausencia de los otros. De la paz al conflicto no hay mas que un paso: el que todos los implicados han dado y ya no tiene regreso. Uno de los mayores sucesos teatrales de Occidente en las últimas décadas\,comedia actual representada en varios idiomas y países\, en todos con enorme aceptación pública\, llega al Cine de mano de sus propios autores.
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SUMMARY:CINE: "CINE Y CENSURA: 1969/2019\, MEDIO SIGLO DE LA CREACIÓN DEL ENTE DE CALIFICACIÓN CINEMATOGRÁFICA""
DESCRIPTION:El Ente de Calificación Cinematográfica fue creado en Enero de 1969 por medio de una Ley: la 18.019 del gobierno de la segunda junta militar de la autodenominada Revolución Argentina (1966-1973). Esto no significa que antes no existiera censura\, lo cual ocurrió desde la instalación propia del Cine como espectáculo de masas\, sino que un gobierno dictatorial de facto le puso un rostro definitivo. El 6 de septiembre de 1930 se fija como la fecha del primer triunfo total de un golpe militar en nuestro país\, cuando fuerzas ultra-conservadoras derrocan al Presidente Yrigoyen e instalan los primeros controles sobre lo que el Público puede o no ver y el 22 de febrero de 1984 se anuncia la disolución del Ente: estos 54 años de nuestra Historia concentran todo el poder censor sobre cine. Las tensiones entre Cine y Poder existieron siempre ante determinadas películas que por diferentes motivos eran merecedoras de una atención especial por las fuerzas del orden e instituciones siempre retrógradas que se adjudicaban el derecho de velar por la moral y la supervivencia de los valores del público. Desde su instauración y hasta fines de 1983 prohibió\, censuró o mutiló 727 títulos (¡setecientos veinte y siete!) y\, algo mas grave aun\, promovió la auto censura tanto en los cineastas argentinos como en los profesionales que distribuían cine extranjero en Argentina. El primer censor fue el abogado Ramiro de la Fuente que luego fue reemplazado por el mas «popular» de todos: el periodista Miguel Paulino Tato. Hubo un tercero hasta la disolución del mismo y una especie de «primavera» muy breve de tres meses a finales de 1973 donde Octavio Getino liberó la exhibición de unas ochenta peliculas nacionales y extranjeras que\, ya fuera del cargo\, fueron vueltas a prohibir. El Erotismo\, la Violencia y el Crimen\, son aspectos inseparables de la cinematografía de todos los tiempos y su inevitable respuesta\, la Censura. Esta breve introducción sirve para ejemplificar la intención de este Tercer Ciclo de Cine que proponemos desde el Museo Histórico Y Etnográfico Enrique Squirru donde se exhibirán a lo largo de tres viernes tres películas ilustrativas sobre la cuestión\, que de ninguna manera pueden reemplazar a las cientos de obras de cine afectadas pero ilustran en nuestro presente de 2019 toda una época que\, como muchas de la Historia\, permanecen olvidadas o simplemente desconocidas por gran parte de la ciudadanía presente. \nVIERNES 25 DE OCTUBRE: «BOB Y CAROL Y TED Y ALICE» (Bob&Carol&Ted&Alice\,1969) / Dirección Paul Mazursky / Intérpretes Nathalie Wood\, Robert Culp\, Elliot Gould y Dyan Cannon / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos / Sobre la obra: esta realización llegó a Argentina dos años después de su estreno en EE.UU. a causa de demoras del Ente censor que veía en ella una obra subversiva en tanto cuestionaba la institución familiar y sus valores. La película narra la historia de dos matrimonios jovenes y de buena posición social que se enfrentan a la sexualidad de su época donde el final de una década de enormes cambios sociales y de paradigmas en todos los sentidos\, les obliga a reflexionar sobre deseos y posicionamientos propios. Todo Occidente se encontraba entonces en una encrucijada sobre cuestiones que las nuevas generaciones habían traído a un primer plano: las luchas por los derechos civiles de la población negra\, los movimientos feministas\, anti-bélicos\, el hipismo\, las revoluciones cubanas y africanas\, los golpes de estado\, formaban entre otros\, un cóctel explosivo donde el realizador Mazursky encuentra material para su película y los censores para sus tijeras siempre hambrientas. El film se estrena a principios de 1971 con varios cortes que no alteran la comprensión del film pero si su ritmo narrativo. Ahora\, la exhibición de la copia restaurada y completa nos permite disfrutar de una gran comedia donde a través de las relaciones entre esos cuatro seres humanos se nos pinta parte del comportamiento de las clases media de entonces. La obra permanece fresca y actual a medio siglo de su realización y demuestra el incomparable valor y permanencia de la mejor comedia\, un genero que siempre habilitó a los autores para hablar de los temas mas incómodos\, cualquiera fuera el contexto donde fueron generadas. La presencia de una de las actrices mas emblemáticas y rebeldes de Hollywood\, la tan bella como malograda Nathalie Wood\, da un encanto especial a un elenco donde los otros tres integrantes eran figuras noveles o llegadas de la televisión que impusieron nuevos nombres al cine venidero. La música del maestro Burt Bacharach\, músico emblemático de los 60 y 70\, colabora en el placer de este film recuperado. \nVIERNES 1 DE NOVIEMBRE: «REFLEJOS EN UN OJO DORADO» (Reflections in a golden eye\, 1967) / Director John Huston / Intérpretes Elizabeth Taylor\, Marlon Brando\, Brian Keith\, Julie Harris\, Robert \, Zorro David / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 50 minutos / Sobre el film: la autora norteamericana Carson McCullers (1917-1967) tuvo una vida tan breve como intensa que le convirtió en referente de su época. Una mujer se atrevía a firmar libros complejos que ahondaban en las profundidades de la criatura humana. El mismo año de su muerte a una edad temprana\, 50\, es el que se estrena esta obra llena de nombres legendarios: su director y pareja protagónica se encuentran entre los grandes nombres del cine de todos los tiempos: Huston-Taylor-Brando. Esta obra esta considerada como la primera dentro del cine comercial en tratar abiertamente varios temas tabúes que durante décadas fueron censurados: las malas relaciones (adulterios) en la intimidad matrimonial\, el peso de la educación militar en hombres y en consecuencia\, sus familias\, y la homosexualidad. Temas controvertidos a mediado de los sesenta\, y lamentablemente también hoy\, a pesar del tiempo transcurrido. La película nos ubica en una población habitada exclusivamente por militares de diferentes rangos y sus familias. Leonora esta casada con el Mayor Weldon. Sin hijos\, se detestan profundamente\, pero la obligación de guardar las apariencias les mantiene juntos. El matrimonio amigo compuesto por el Coronel Morris y su esposa Allison componen el cuarteto protagonista. Pero otros dos personajes rondan y transgreden todas las hipocresías: el sirviente Anacleto y el soldado Williams\, ambos referentes de todo lo que le mundo militar abomina y esconde. El realizador Huston consideraba esta obra entre sus predilectas y mas queridas\, como un hijo enfermo al que la sociedad (espectadores) había rechazado y por ello mismo\, él mas quería. El estrellato de Liz Taylor y Marlon Brando\, dos nombres top de su tiempo no alcanzó para calmar las iras de los censores locales que mutilaron la película hasta volverla casi incomprensible para el público\, que huyó de las salas tanto por la incomprensión de la misma como el fastidio que provocaba y afectaba la hipocresía reinante. Los críticos de cine (mayoría)\, ciegos como de costumbre ante una obra transgresora\, hicieron su parte y la película pasó pronto al olvido. Esta copia restaurada y completa sin cortes nos permite reflexionar sobre sus temáticas propuestas\, aun transgresoras e incomodas para amplios sectores de la población\, que permite en nuestro presente un retroceso intolerable de los logros alcanzados a lo largo de las décadas transcurridas desde la realización del film. La belleza\, el talento\, la fuerza única ante la cámara de Taylor y Brando\, colabora en el atractivo de estos reflejos que aun siguen perturbando las mentes. \nVIERNES 8 DE NOVIEMBRE: «CRISTO SE DETUVO EN EBOLI / Cristo si é fermato a Eboli\, 1979 / Italia / Director Francesco Rosi / Intérpretes Gian María Volonté\, Paolo Bonacelli\, Alain Cuny\, Francois Simon\, Irene Papas\, Lea Massari / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 2hs 15 minutos / Sobre el film: Francesco Rosi (1922-2015) fue uno de los grandes directores del cine italiano. Debutó en 1958 y filmó su última película en 1997. Dentro de sus 16 largometrajes de ficción destacan «Salvatore Giuliano» (1962)\, «El Caso Mattei» (1972)\, «Lucky Luciano» (1973) y «Cadáveres Exquisitos» (1976)\, que junto al presente\, forma el grupo de su mejor rama política\, denunciando las interioridades y bajezas del poder italiano. También realizó obras maestras como «Tres Hermanos» (1980) o la versión de la ópera clásica «Carmen» (1983). Para esta realización adapta la novela del mismo nombre de Carlo Levi (1902-1975)\, quién estudió medicina pero se volcó a la pintura y la literatura. Figura de fuerte posicionamiento antifascista\, fue ·desterrado» en varias ocasiones por el régimen de Mussolini. En el segundo de ellos\, lo destinan al «mezzogiorno»\, zona del sur\, Lucania entonces y actualmente Basilicata. Eboli\, en las cercanias de Salerno es hasta donde llega el tren. De ahí\, el sentido del título. Luego recorrerá el interior hasta dar con el poblado de Aliano (en el libro lo muta a Gagliano por respeto a sus habitantes). Durante el año que dura su castigo\, descubrirá y luego describirá en un texto\, las retrógradas condiciones en que vive el pueblo bajo el mandato de la élite local (iglesia\, gobierno y aristocracia terrateniente). Levi\, hombre culto\, formado\, militante\, observa y actúa en consecuencia. La película describe con enorme arte cinematográfico y transforma un lenguaje en otro: la literatura se hace cine. El humanismo del autor se potencia en manos del cineasta. La censura argentina odiaba especialmente el cine politizado\, y ésta\, como cientos de obras de diferentes países\, cayeron bajo sus tijeras. Hubo que esperar años para su estreno y con la Democracia se produjo. Hoy la recuperamos para este ciclo como pieza final del brevisimo recorrido por lo que no nos dejaron ver entonces. El actor Gian Maria Volonté (1933-1994)\, uno de los mas comprometidos de su tiempo\, presta toda su figura para dar vida a Carlo Levi\, testigo y artista de ese tiempo oscuro al que el cine regresa para reivindicarlo. El cine Italiano mantiene vivas las cualidades que lo hicieron destacar\, formando parte del mejor de todos los tiempos\, del clásico\, el que resiste el paso de los años. Y de las tijeras. Esta versión completa nos permitirá reflexionar sobre un tiempo pasado de censuras y uno presente donde ciertas cuestiones que se consideraban obsoletas demuestran no estarlo: las fuerzas conservadoras actuales que guían gran parte de la civilización parece seguir despreciando este tipo de cine y cuenta  cuenta con nuevas armas para silenciarlo dentro de los valores democráticos. Esta será cuestión de otras reflexiones. La Cinematografía que no se ajusta puramente a los parámetros mas comerciales\, sigue emitiendo brillos como un diamante. Su resistencia y valor\, permanecen como un faro que ilumina y señala lo mejor de la creatividad humana.
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SUMMARY:CINE: "PROMESA AL AMANECER" (2017).
DESCRIPTION:«Promesa al amanecer» es el título de una novela editada en Francia en 1960 y cuyo autor\, Romain Gary (1914-1980)\, fue uno de los mas renombrados de la literatura gala de la posguerra hasta su muerte («Educación Europea» (1945)\, «Las raíces del cielo» (1956)\, premio Goncourt\, «Lady L» (1963)\, «La vie devant soi» (1976)\, segundo premio Goncourt con seudónimo Emile Ajar\, o «Clair de femme» (1977)\, todas con adaptación al cine). En ella\, el escritor recupera su propia historia: la madre y él mismo\, niño y adolescente\, son los protagonistas de esta autobiografía donde se narran sucesos claves de la existencia de ambos. Nacido en tierras del aun Imperio Zarista Ruso\, hijo de padre desconocido\, viven en Lituania\, Polonia y finalmente Niza\, Francia. La madre es una mujer con tanta energía como desquicio emocional\, inventa y proyecta sobre el niño muchas de sus propias frustraciones. Admiradora del cine y la cultura francesa\, un referente e ideal en esos primeros años del Siglo XX\, la mujer hace lo imposible para sacar adelante la vida de ambos: cualquier trabajo es posible para ella\, pero en todos\, la cuestión delirante es notable. Esta relación condicionará para siempre la vida de Romain\, que a los cuarenta años de edad escribe esta historia en un intento de sublimar demonios y amores que la figura materna ha trazado en su persona. Fue un combatiente condecorado por De Gaulle en la Segunda Guerra\, diplomático frances en Bolivia y EE.UU. en los años cincuenta\, escritor siempre y hasta director de cine en dos ocasiones\, donde la protagonista fue su segunda esposa\, gran amor y madre de su único hijo\, la actriz norteamericana Jean Seberg (1938-1979).La historia de amor que mantuvo con ella fue tan densa como trágica y de esa relación nació el descendiente que hoy es productor de esta película. Una historia familiar\, intima\, que no ha dejado de moverse a través de todo un siglo. Esta película obtuvo un buen suceso critico y publico en Francia y no fue estrenada en Argentina. Una prueba mas de la dificultad que el Cine actual encuentra para ser visible a pesar de contar con el sello de una gran potencia cinematográfica como es Francia y el protagonismo de una de las grandes figuras del panorama interpretativo actual como es Charlotte Gainsbourg\, que nacida en 1971\, debutó siendo adolescente y no ha dejado de trabajar hasta el presente. En esta obra\, su composición de Nina Kacew\, esa madre tan fuerte como frágil\, es uno de los grandes trabajos de su trayectoria. Una película formidable. \n«PROMESA AL AMANECER» ( La promesse de l’aube) / 2017 / Francia / Director Eric Barbier / Intérpretes Charlotte Gainsbourg\, Pierre Niney\, Catherine McKormack\, Pawel Puchalski\, Nemo Schiffman / Color / Hablada en francés con subtítulos en español / Duración 2 hs /
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "AMAMA" (2015)
DESCRIPTION:Amama significa abuela en euskera\, la ancestral lengua del pueblo vasco. Y sobre esos ancestros reflexiona esta deslumbrante película donde todo parece conducir a un viaje a la profundidad del ser de un pueblo- El «Caserío» es el espacio natural\, el núcleo duro de la familia rural vasca. La que ve en la permanencia de las costumbres ancestrales la única posibilidad de conservar la tradición y por ende\, la identidad de un pueblo. Pero los tiempos cambian y las nuevas generaciones tienen los ojos puestos en otras realidades. La Ciudad es su destino natural\, y hacía allí emigran los hijos de un matrimonio adulto\, envejecidos sin ser viejos\, todos observados bajo la mirada dura\, silenciosa\, seca de la abuela\, la «amama» que da título al film. Ella será la encargada de cumplir con una tradición: pintar cada árbol por cada nuevo integrante del clan familiar con un color: el rojo para los trabajadores natos\, el blanco para los inútiles y el negro para los rebeldes. Colores que son también condena\, estigma u orgullo para cada uno de ellos. Los negros y los blancos son los hijos del matrimonio que cuestionan tanto hábito ancestral y que quieren huir de ellos\, mientras esperan que el padre pueda decir algo afectuoso alguna vez\, mas allá de los continuos reproches que otorga a cada hijo. A los que aun lo visitan\, porque el mas joven mas que partir\, huye del lugar. La madre\, mientras tanto\, es testigo y cómplice del hombre que ve como todo su mundo se va desmoronando. La película se abre y prácticamente cierra con una imagen que dará sentido a la historia: ese hombre que atraviesa un bosque solitario con alguien a sus espaldas es precisamente el mas rebelde\, el que rescatará de su destino final a la mayor de todas. Nieto y abuela unidos por un respeto silencioso\, sincero\, donde las palabras parecen no tener lugar pero si los actos que encubren afectos imposibles de ser dichos. Obra rigurosa que se convierte en una de las mejores expresiones de una cinematografía que quiere hablar con voz propia\, la que la diferencie de ese resto del estado español donde cada región tiene sus propias amamas. Aunque con diferentes nombres. El paisaje\, la tierra\, los árboles\, los animales\, las montañas silenciosas al fondo del cuadro\, las pinturas que llegan desde la ciudad para romper las reglas y convertir todo en una exposición de arte deslumbrante que cierra la película\, que es a la vez despedida y ritual no solo de una mujer muerta sino de toda una tradición en un tren que parece circular en contramano. Asier Altuna (1969) es parte de la última generación de directores y directoras que ejemplifican la renovación de las primeras voces del cine vasco\, aquellas que de la mano de Montxo Armendariz o Imanol Uribe dieron el pistoletazo de salida\, a principios de los años 80 de una nueva forma de mirar el pasado. Vasco\, obviamente. \n«AMAMA» (ABUELA) / ídem\, 2015 / España / Director Asier Altuna / Intérpretes Kandido Uranga\, Iaia Elias\, Amparo Badiola\, Klara Badiola / Color / Versión doblada al castellano sin subtítulos / Duración 1h 35 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL AMOR ES MAS FUERTE QUE LAS BOMBAS" (2015)
DESCRIPTION:Un nuevo director europeo\, Joachim Trier (1974\, Dinamarca) llamó la atención de los críticos con su segundo largometraje de 2011 «Oslo\, 31 de agosto»\, adaptación de un clásico de la literatura francesa\, la obra «Fuego Fatuo» de Pierre Drieu La Rochelle\, que narra las últimas horas de un joven y que ya había sido llevada a la pantalla en 1963 en la memorable obra de Louis Malle\, con el mismo título que el original. Este éxito le permitió abordar su siguiente film con apoyo internacional y fue rodado en Estados Unidos: «El amor es mas fuerte que las bombas». Un cineasta interesado en indagar las conductas humanas\, encuentra en esta nueva ficción los elementos que mas le atraen. Gene es padre de dos hijos. El mayor\, Jonah se ha marchado de casa hace mucho tiempo y el menor\, Conrad\, le acompaña. Con motivo de un gran homenaje que se hace a la madre muerta tres años atrás\, una famosa fotógrafa especializada en temas de guerra\, los tres hombres se reunirán bajo un mismo techo después de mucho tiempo de desencuentros. La vuelta no es cómoda para ninguno de ellos\, y viejas cuestiones latentes y jamas resueltas\, vuelven a un primer plano. La figura ausente de la madre/ esposa Isabelle será el detonante de todo el conflicto presente a la vez que se prepara el homenaje en su memoria en una famosa galería de arte. La obra está narrada en dos tiempos: el presente que les reúne y el pasado que va apareciendo para dar respuesta a interrogantes siempre adultos. Los tiempos no hacen mas que complementarse y el resultado traerá un cambio para todos. El realizador dinamarques se muestra especialmente apto para narrar este tipo de ficciones que siempre han estado presentes en el Cine\, y en el del Norte de Europa (Suecia\, Noruega\, Dinamarca o Finlandia) con su especial manera de realizarlo. De allí surgieron maestros como Ingmar Bergman\, Lars von Trier\, Jan Troell o los hermanos Kaurismaki. Todos autores de un cine personal y de alta calidad artística que el joven cineasta continua con extrema naturalidad y mayor talento. Cuatro intérpretes valiosos dan vida a los personajes y entre todos ellos destaca la actuación de Isabelle Huppert\, la extraordinaria actriz francesa con mas de cuatro décadas de gran cine a sus espaldas. Con un tipo físico muy especial\, del que ha construido una potente imagen cinematográfica\, su creación de la fotógrafa\, madre y esposa Isabelle\, sobrevuela como un fantasma toda la historia\, la de estos tres hombre que han quedado desconcertados tras su desaparición. Como telón de fondo\, y siempre sutilmente\, aparece el tema de las guerras presentes\, esas que no paran de sucederse en todo el planeta ante el alarmante silencio de los medios de comunicación homogéneos\, esos que parecen haber quitado de sus espacios cualquier referencia seria a un tema tan doloroso\, intentando quizás un perverso objetivo: si no se los menciona\, no existen. El Cine\, en su enorme y permanente grandeza\, viene a recordarnos lo opuesto y da a las temáticas mas complejas el espacio que se merecen. Para ello debe contar con espectadores que busquen experiencias mas allá del puro y evasivo entretenimiento. El Arte también puede tener cabida dentro del aspecto Industrial del Cine. \n«EL AMOR ES MAS FUERTE QUE LAS BOMBAS» (Louder than bombs\, 2015) / Dinamarca-Noruega- Francia- EE.UU. / Director Joachim Trier / Intérpretes Gabriel Byrne\, Jesse Eisenberg\, Devin Druid\, Isabelle Huppert / Color / Hablada en inglés y francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 49 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "DOLOR Y GLORIA" (2019).
DESCRIPTION:A nivel global\, fuera del alcance que tuvo en Latinoamerica y de manera parcial\, durante los años cuarenta y cincuenta con su cine «popular\, folclórico y franquista» (Lola Flores\, Carmen Sevilla\, Sara Montiel\, Joselito\, Marisol)\, el cine español fue uno de los menos conocidos del mundo. Solo tres directores han alcanzado una real categoría realmente internacional a lo largo del tiempo: Luis Buñuel (1900-1983)\, que solo realizó tres peliculas en territorio hispano\, Carlos Saura (1932)\, autor de una vasta obra hasta el presente y Pedro Almodovar (1949): «Dolor y Gloria» es su largometraje número 22 (el primero\, rodado en 1978 en Super 8 no suele contar en este listado que lo deja en 21 títulos) y ha cosechado enorme suceso tanto en España como en el exterior. Estrenado en el el Festival de Cine de Cannes de este año\, se alzó con el premio al mejor actor para su protagonista\, y actor fetiche de su primera etapa (y al parecer reencontrado desde «La Piel que habito» hasta hoy) el también español Antonio Banderas. Se narra la historia de un director de cine en crisis durante las últimas décadas\, lo que ha impedido volver a filmar. Bloqueado y enfermo\, una circunstancia le obliga a enfrentar su presente. A través de recuerdos de su infancia\, donde su madre adquiere enorme protagonismo\, y de su propia experiencia como niño cercano a la pubertad\, Salvador Mallo comprende que los años no pasan en vano y que aun hay tiempo para un reencuentro con lo mejor de si mismo. Almodovar\, que ha sido tan popular con sus films como discutido y discutible en sus logros\, aunando odios y fervores por igual\, parece haber obtenido a los 70 años una adultez definitiva\, dejando de lado superficialidades y narcisismos estériles que hicieron que durante mas de 15 años\, el público de su propia tierra le quitara del lugar de semidiós que ocupó en aquellos años ochenta cuando emergió como el mas «moderno y mejor de todos». Sus estrenos eran tan divertidos\, originales y transgresores de un contexto político-social como mediocres en términos artísticos. Ocupó un lugar en el «underground» que pocos parecían rebatirle y el éxito le sonrió con títulos como «Laberinto de pasiones». «Entre tinieblas»\, «¿Que he hecho yo para merecer esto?» o «La ley del deseo». En 1988\, el suceso internacional de «Mujeres al borde de un ataque de nervios» le lleva a las puertas de Hollywood\, New York\, Buenos Aires o París\, donde sus delirios en colores y situaciones disparatadas teñidas de «incorrecciones» sexuales\, políticas y religiosas lo convirtieron en uno de los «niños terribles» de su tiempo y confundieron a muchos con un «genio» a la altura de los grandes cineastas del mundo. Se lo tomó demasiado en serio y comenzó a perder esa frescura inicial que le hizo creer que su talento era único. Como tal comenzó a funcionar y filmó horribles películas entre alguna discreta («La flor de mi secreto» o «Volver»). Con «Los Amantes Pasajeros» recupera algo del delirio humorístico perdido y con «Julieta» aparece por primera vez un cineasta mas alejado de los egos y mas cercano a una madurez necesaria\, la que permite desarrollar el mejor talento…y Almodovar lo tuvo. «Dolor y Gloria» es el resultado del tránsito de un largo camino que ya cumplió 40 años desde aquel primer y desconocido largo en Super 8 «Folle\, folle…folleme Tim» (¿podrá recuperarse?). Sus criaturas son todas profundamente humanas y los tejidos que entre ellos se tejen\, conservan o destruyen\, no hace mas que confirmar la plenitud del realizador. Con momentos memorables donde su madre\, joven o anciana le acompaña\, el descubrimiento temprano del deseo sexual que le convulsiona\, el reencuentro con un amor lejano\, la escinificación de todas las enfermedades que padece haciendo gala de lo mejor del cine de efectos especiales actuales\, hace de esta película una de las mas hermosas y recomendables de la actualidad. En lo personal\, me reconcilia con un cineasta al que disfrute y critiqué por partes iguales durante demasiado tiempo. Siempre habrá ocasiones para los reencuentros entre las personas que apuestan por lo mejor de nosotros mismos. \n«DOLOR Y GLORIA» (ídem\, 2019) / España / Director Pedro Almodovar / Intérpretes Antonio Banderas\, Asier Flores\, Penelope Cruz\, Julieta Serrano\, Asier Etxeandía\, Raul Arevalo\, Nora Nabas\, Leonardo Sbaraglia\, Cesar Vicente\, Cecilia Roth./ Color / Hablada en español con subtítulos en castellano / Duración 1h 53 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LA PRUEBA DEL LEÓN" (1965).
DESCRIPTION:El Seminario Nº4 de Introducción al Cine continúa dictándose los días martes en la Escuela de Bellas Artes a las 19.00 hs. con entrada gratuita. Este 15-11 se dedicará a las llamadas «Películas de Culto» (Cult Movies) que es una tendencia con décadas de historia consistente en recuperar para los espectadores actuales films de gran valor que en su momento pasaron inadvertidamente por las salas de estreno y son rescatadas por nuevas generaciones con el objetivo de darles el lugar que les corresponde. A veces\, la falta de calidad de algunos títulos les da un propio interés por el simple hecho de haber sido apuestas arriesgadas que no llegaron a buen puerto o también películas realmente malas que generan un nuevo atractivo por eso mismo. El mundo de las «cult movies» no puede ser mas que amplio y democrático\, donde confluyan en un solo objetivo: disfrutar de rarezas de diferente origen. \n«La prueba del león» es un film que se estrenó en Argentina en 1967 y apenas gozó de un cierto interés público y crítico. Pertenece al género del «cine de aventuras en tierras exóticas» muy en boga en aquella época. Si el lugar pertenecía a  alguna geografía de África o Asia\, mejor aun. Pero en este caso se trata además de una excelente realización que narra lo que ocurre a un grupo de occidentales que realizan un safari por Sudáfrica a finales del Siglo XIX\, cuando aquel territorio estaba bajo dominio colonialista europeo. La negativa a ser generosos con los integrantes de un tribu local y milenaria\, les lleva al exterminio del que solo uno se salvará: el jefe de los nativos le dará la posibilidad de sobrevivir\, sin armas ni ropaje. Con una diferencia de tiempo\, correrá en punta mientras detrás decenas de hombres furiosos le persiguen. Un ejercicio sobre la supervivencia humana en situaciones y paisajes extremos\, da la posibilidad a su intérprete y director\, el olvidado actor Cornel Wilde (1912-1989) a realizar su mejor obra dentro de las ocho que dirigió a lo largo de veinte años\, mientras seguía siendo el actor de films de aventuras\, piratas u otros géneros que recorrió en su carrera como actor. Olvidado\, como su propia obra\, murió en 1989. Hoy\, su película está dentro de las mas revalorizadas de los años sesenta y es una obra llena de matices donde la aventura es interpretada desde un punto de vista muy original. Nativos y colonizadores son hombres que luchan por la posesión de un territorio. De quién es verdaderamente\, la Historia a veces\, se ocupa de decirlo. \n«LA PRUEBA DEL LEÓN» / The naked prey / 1965 / Sudáfrica- USA / Director Cornel Wilde / Intérpretes Cornel Wilde\, Gert van den Bergh\, Ken Gampu\, Patrick Mynlaardt / Color / Hablada en inglés y lenguas nativas con subtítulos en castellano / Duración 1h 36 minutos /
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LOCATION:Escuela de Bellas Artes\, Av.25 de Mayo 573\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL AMOR MENOS PENSADO" (2018)
DESCRIPTION:El genero de la comedia «costumbrista» es uno de los mas exitosos del cine argentino. El público apoya mayoritariamente estas ofertas mientras deja de lado otras propuestas que nuestra cinematografía brinda. Un fenómeno amargo que no hace mas que acentuar los gustos por un determinado tipo de películas y que permanece activo desde hace décadas en Argentina. En todo caso hay obras que destacan por encima de otras dentro de este apartado y «El Amor Menos Pensado» es una de ellas. Un título que tuvo tanta aceptación aquí como en otras tierras donde el nombre de Ricardo Darin (1957) convoca por si mismo. En esta trama da vida a Marcos\, un hombre que descubre como su vida se ve afectada por la marcha al exterior de su único hijo. Su esposa Ana siente que algo fundamental se ha roto entre ellos y ambos acuerdan separarse para intentar rehacer sus vidas en esta etapa de la adultez\, donde el envejecimiento asoma sus narices. Amigas y amigos\, familiares y algún recién llegado completan el coro que hace funcionar perfectamente el engranaje de la comedia\, matizada con momentos dramáticos siempre visualizados desde un lugar donde la esperanza aparece presente. Una temática actual conocida coloquialmente como el «síndrome del nido vacío» que ha sido objeto de otras realizaciones y que siempre da lugar a una nueva mirada sobre esta cuestión que afecta a millones de parejas en el mundo entero. Básicamente a los que habitan las franjas de la clase media\, que parece tener siempre sus propias reglas y convenciones. Un grupo de excelentes profesionales secundan a la pareja protagonista\, compuesta por Darin y la gran Mercedes Moran (1955)\, actriz emblemática del cine nacional desde su triunfo en el film de Lucrecia Martel «La Ciénaga (2001). Una película que es también retrato de un tiempo: el presente \n«EL AMOR MENOS PENSADO» (2018) / Argentina / Director Juan Vera / Intérpretes Ricardo Darin\, Mercedes Moran\, Claudia Fontán\, Norman Brisky\, Andrea Politti\, Andrea Pietra\, Juan Minujin\, Claudia Lapaco\, Chico Novarro / Color / Hablada en castellano / Duración 2 hs.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS" (2011).
DESCRIPTION:Enrique Urbizu es uno de los grandes narradores cinematográficos del cine español del periodo que va entre 1991 cuando realiza su segundo film («Todo por la pasta»\,1991) hasta 2011 cuando estrena esta obra y la convierte en una de las mas premiadas del año\, ademas de suceso mayor de espectadores. Nacido en 1962 en Bilbao\, Vizcaya\, País Vasco\, el cineasta debuta con una floja comedia que en nada hacia presagiar al talentoso director que aparecería años mas tarde\, En 2002 inicia su colaboración con el actor Jose Coronado (1957) que daría lugar a una triada de films muy valiosos: «La caja 507»\, de ese año\, «La Vida Mancha» (2003) y\, ocho años mas tarde\, el aquí reseñado. En todos\, el tandem artístico logra crear desde la ficción un lucido retrato de la España moderna. Y no precisamente de su lado mas amable. El actor alcanza unos registros impensados hasta ese momento\, que lo convierten en uno de los grandes nombres actuales del cine hispano. Urbizu ha rodado fuera de su tierra natal\, «inmigrante interior» si se quiere\, pero toda su mirada esta atravesada por características muy propias del comportamiento vasco: seco\, riguroso\, de pocas palabras\, muy efectivo en sus retratos audiovisuales. En este\, su ultimo largometraje rodado hasta la fecha (ha incursionado con éxito en la ficción televisiva)\, pareciera reflexionar sobre la violencia\, tanto de los grupos armados como de las fuerzas de seguridad que luchan por controlarlos. Pero aquí no es ETA la protagonista sino un grupo de islamistas radicales que preparan un atentado en un shopping de Madrid. La característica principal es que quien está detrás de sus pasos iniciales\, que luego derivan en un compromiso de las fuerzas espaciales de la Policía\, es un agente destrozado psiquicamente que descubre la trama a partir de un crimen grupal del que es autor. En paralelo transcurre la historia\,donde el principal sospechoso de aquel hecho pasa inadvertido\, mientras se busca gente mas peligrosa todavía. Una jueza joven será la contrapartida de este Santos Trinidad\, un personaje ya clásico del policíaco español. Un tema de lamentable actualidad durante demasiadas décadas en España\, primero a través de los actos terroristas de ETA y luego de las masacres de Atocha del 11 de marzo de 2004\, donde la voladura de trenes ocasiono centenares de muertos inocentes\, a cargo del terrorismo islámico internacional. El cineasta vasco salda cuentas con la propia historia de su pueblo\, contándonos una historia donde no todo es exactamente como parece\, dejando al espectador con la complicidad de buscar respuestas a un terror que pareciera no tener fin. Un obra mayor y formidable de necesaria visión para comprender los tiempos actuales\, al menos en una de sus variantes mas notables: la violencia intrinsica de la condición humana. Cine testimonial de primer orden\, el que perdura con el paso del tiempo. \n«NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS» / 2011\, España- Francia / Director Enrique Urbizu / Intérpretes José Coronado\, Rodolfo Sancho\, Helena Miguel\, Juanjo Artero / Color / Hablada en castellano / Duración 1h 54 minutos.
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LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "QUE DIOS NOS PERDONE" (2016) Seminario 3º de Introducción al Cine.
DESCRIPTION:El genero policial\, policíaco o criminal\, según acepciones de diferentes tierras\, ha gozado de apoyo publico desde los inicios del cine sonoro. Tanto en Norteamérica como países europeos (Francia\, Alemania\, Inglaterra\, España) o en la misma Argentina\, la incorporación del sonido a la imagen\, convirtió a este tipo de films en uno de los preferidos del espectador de cine. Y en muchos de ellos se habilitó la posibilidad de realizar un sub-genero que luego tendría voz propia: el de Denuncia. Porque los ambientes y personajes que poblaban sus historias permitían descender a los ambientes mas bajos de la escala humana\, mas allá de las clases sociales donde las acciones tuvieran lugar. El crimen\, el homicidio\, el asesinato\, la delincuencia\, la policía\, la prostitución\, el narcotráfico\, el contrabando\, encontraron aquí el marco ideal para ser visibilizados. La «ficción» habilitaba hablar lo que de otra manera estaba prohibido. Los carteles que advertían que «todo parecido con la realidad es mera coincidencia»\, o frases similares\, venían a decirnos que la realidad era una cosa y las películas otra. Pero el público supo identificar de inmediato una cosa con la otra. En la actualidad\, con la competencia que las series de televisión de alta calidad y complejidad han proporcionado a la gran pantalla\, todo parece estar permitido. Incluso personajes de la vida real\, aireados por los grandes medios de comunicación\, se han visto convertidos en personajes de ficción dando lugar a un ejercicio de metalenguaje siempre apasionante. El género Documental\, por su parte\, genera sus propias realizaciones donde la rigurosidad de la información y la confirmación de los actos evocados por medio de documentación acreditada\, toma distancia de la siempre mas modificable ficción. «QUE DIOS NOS PERDONE» es una realización española estrenada en el año 2016 y ganadora de importantes premios así como merecedora de una excelente carrera comercial. Dirigida por uno de los talentos jóvenes mas sobresalientes del cine hispano\, el madrileño Rodrigo Sorogoyen (1981)\, la trama se centra en tres personajes que detentan psicopatías muy evidentes. Uno es un asesino serial de mujeres mayores y los otros dos son los investigadores que siguen sus huellas. Todos tienen comportamientos enfermizos y la película propone el ejercicio de reflexionar sobre los delicados limites que separan lo legitimo de los que no lo es. Un policía puede resultar un asesino tan feroz como la figura perseguida. Desde los comportamientos mas evidentes y públicos a los realizados dentro de la mas estricta intimidad. Un ejercicio apasionante que se desarrolla mediante una trama donde la tensión jamas decae hasta culminar en la la escena final\, en un autentico muestrario de la ferocidad de la que el ser humano puede ser capaz una vez transgredidos todos los limites. En una sociedad en continua crisis de valores\, los comportamientos privados invaden terrenos que no deberían. Las sociedades democráticas todas atraviesan profundas crisis cuyos mandatarios no siempre resultan ser los mas adecuados e incluso potencian el comportamientos de las llamadas fuerzas del orden. La Europa retratada en estas películas se ubica en las antípodas de la turística y se convierten en herramienta formidable para reflexionar sobre la deriva de todo un sistema que no parece encontrar limites en su decadencia actual. Todo el progreso conseguido en el avance social es puesto a cada momento en cuestionamiento. Y de esto se nutren los cineastas mas comprometidos y valientes: en dar lugar dentro de las ficciones a la realidad tapada pero ampliamente\, al menos\, sospechada por la mayoría de la población. Que no todos los integrantes de estas fuerzas sean iguales\, algo obvio\, no impide detener la mirada sobre quienes con su comportamiento\, hacen estériles en demasiadas ocasiones\, el buen hacer pretendido por una sociedad que\, se dice\, moderna y progresista. El Cine continua siendo una de las armas de difusión masiva con las que cuenta la Cultura en todas las latitudes. Los nuevos cineastas no hacen mas que continuar el sendero iniciado por maestros como John Ford («Las uvas del mal\, sobre la Gran Depresión Americana)\, Robert Aldrich\, con sus relatos bélicos\, Constantin Costa-Gavras\, uno de los nombres mas populares del cine político-denuncia ( «Z»\, «La Confesión»\, «Estado de Sitio»\, «Sección Special»\, «Desaparecido» o «El Capital»)\, el francés Robert Guidegain con sus muestras sobre la Francia contemporánea\, los maestros italianos del Neorrealismo Vittorio de Sica\, Roberto Rossellini o Luchino Visconti\, con sus obras mas emblemáticas («Ladrones de Bicicletas»\, «Lustrabotas»\, «Roma ciudad abierta» o «La Tierra Tiembla»)\, el británico Kenneth Loach (desde su «Poor Cow» en 1967 hasta la enorme «Yo\, Daniel Blake») o los siempre vigentes maestros latinoamericanos Fernando Solanas\, Octavio Getino\, Leonardo Favio\, Miguel Littin\, Arturo Ripstein\, Paul Leduc\, Fernando Birri\, Patricio Guzmán\, Jorge Sanjinés\, Glauber Rocha\, quienes desde sus Argentina\, Chile\, México\, Bolivia o Brasil supieron combinar sus denuncias con los maestros del Nuevo Cine Cubano\, Tomas Gutierrez Alea\, Juan Carlos Taibo\, Fernando Perez\, Solás\, quienes una vez instalada la Revolución ofrecieron un cine unico e imprescindible. Todos ellos deben mucho de su hacer a los grandes cineastas rusos que desde la Revolucion de 1917 encendieron la mecha del cine mas contestatario y revulsivo. El que permanece\, junto a los nuevos realizadores\, como el necesario y obligatorio para entender algo mas de quienes somos nosotros\, los humanos. \n«QUE DIOS NOS PERDONE» (2016\, España) / Director Rodrigo Sorogoyen / Intérpretes Antonio de la Torre\, Roberto Álamo\, Javier Pereira / Color / Hablada en castellano con subtítulos en el mismo idioma / Duración 2hs. \n 
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SUMMARY:CINE: "PIXOTE\, LA LEY DEL MAS DÉBIL" (1981). Seminario Nº 3 Introducción al Cine
DESCRIPTION:Un cineasta nacido en Argentina que realizó su carrera entre Brasil y Estados Unidos\, con dos regresos a su país donde no obtuvo el suceso similar al alcanzado en las citadas tierras. «Pixote» (1981) fue la película que lanzó internacionalmente el nombre de Héctor Babenco (1946-2016)\, nacido en Mar del Plata y muerto en Brasil. Es interesante reflexionar sobre un film rodado en el final de una dictadura militar (1964-1985) con una temática abiertamente social y de denuncia y con todo ello\, haber traspasado los limites de los censores: los protagonistas son (en su mayoría) actores no profesionales elegidos para representar personajes tan marginales como ellos mismos\, que reconstruyen mediante una ficción la realidad de las clases sociales mas castigadas en una favela de una enorme ciudad como Sao Pablo. Pixote es un niño de de 12 años que es detenido en una redada policial y a partir de ese momento conocerá los rigores de las cárceles y tambien los de la calle\, una vez fuera de ellas. Tomando los postulados del neorrealismo italiano y sus acepciones latinoamericanas\, Babenco busca con su cámara inquieta\, captar la realidad de estos seres que tienen todo en contra desde su propio nacimiento.Las autoridades siempre represoras no hacen mas que acentuar las limitaciones del niño y sus amigos\, compañeros de vida en las malas\, y pocas en las buenas. Una obra que los años han convertido en clásico de los mas destacados del cine latinoamericano\, cuyas imágenes siguen siendo tan perturbadoras y vigentes como en el momento de su estreno. Porque lo que la obra viene a decirnos es que las estructuras sociales se mantienen (malamente) vigentes casi cuatro décadas después. La pobreza no ha dejado jamas de estar presente en los países del tercer mundo\, aunque el termino sueno antiguo y despectivo. Los niños siguen ocupando espacios que no deberían en sociedades donde la injusticia es tolerada como una realidad inamovible. Babenco llevaba realizados un documental (sobre el automovilista Emerson Fitipaldi de gran éxito en Brasil) y dos películas de alto contenido social\, «O rei da noite» (1975)\, y la extraordinaria «Lucio Flavio\, pasajero de la agonía» (1977). Las dos últimas fueron prohibidas por la Dictadura argentina (1976-1983) que tampoco permitió el estreno de «Pixote» ( fue exhibida brevemente dentro de una semana del cine brasilero en 1982 en Buenos Aires). Una cuestión que permite reflexionar e indagar sobre dos regímenes anti-democráticos y vecinos que permitían y censuraban según sus diferentes criterios. El cine brasilero de mediados de los años setenta se convirtió en uno de los mas formidables del continente y fue a través del suceso internacional de «Doña Flor y sus dos maridos» (1976) que se visibilizaron una serie de films de alto valor artístico y compromiso social\, impensable en nuestra Argentina. Con el rodaje mediante capitales norteamericanos de «El beso de la mujer araña» (1985)\, basada en la novela homónima de otro argentino exiliado\, el enorme Manuel Puig (1932-1990)\, el cineasta argentino-brasilero tendría una breve etapa de trabajo en Hollywood\, para saltar de allí a Argentina y rodar por primera vez en tierra propia: la Mar del Plata que fue escenario de una historia de amores y exilios en «Corazón Iluminado» (1998). Regresaría en 2007 para filmar su segundo y ultimo trabajo nacional: «El Pasado» (2007) habiendo logrado entre ambas su otra gran obra maestra en un registro similar al de «Pixote»: la trama carcelaria «Carandirú» (2003)\, estremecedor retrato de las intimidades de la vida carcelaria. Su carrera finalizó un año antes de su muerte con su último trabajo brasilero: «Meu amigo hindú» (2015). La obra de Héctor Babenco perdura como testimonio de un cineasta visceral\, humanista y nomade\, que buscó y logró indagar en los aspectos mas dolorosos de la condición humana\, para brindarnos un cine siempre vigente y necesario\, alejado de cualquier intención sensacionalista\, aunque sus tramas fueran propicias para caer en ello. \n«PIXOTE\, A LEI DO MAS FRACO» (1981) / Brasil / Director Hector Babenco / Intérprete Fernando Ramos da Silva / Hablada en portugués con subtítulos en castellano / Color / Duración 2h 7 minutos.
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SUMMARY:CINE: "REGRESA A MI / BEN ESTÁ DE VUELTA" (2018)
DESCRIPTION:Julia Roberts (1967) es una de las actrices mas populares del cine desde su aparición en «Mujer Bonita» (1990). Su dominio de la comedia la convirtió en una de las preferidas del público y a medida que fue cumpliendo años amplió su registro actoral hasta convertirse en una espléndida actriz dramática. Aceptando el paso del tiempo\, fue incorporando personajes que tenían que ver con su edad\, sin caer en el absurdo de otras figuras a la búsqueda de imposibles personajes siempre jóvenes. Títulos como «Agosto» (2013) o «El maestro del dinero» (2016) demuestran el talento que ahora vuelve a estar presente en su creación de Holly Burns\, la madre de cuatro hijos nacidos de dos matrimonios. Ben\, el mayor de ellos\, está saliendo de una cura de desintoxicación y el regreso al hogar para pasar juntos la Navidad\, aviva todos los temores que la mujer conllevo por la salud del joven. El padrastro y la hija mayor no son tan receptivos a la vuelta de Ben\, mientras que la madre se debate por mantener la calma entre todos. Una problemática moderna cada vez mas visible en la sociedad y con víctimas cada mes menores están detrás de la propuesta del cineasta Peter Hedges\, uno de los nuevos realizadores del panorama actual hollywoodense\, que intenta acercar al público reflejos de la vida cotidiana y familiar siempre en conflicto. Un grupo de jóvenes actores dan vida a los protagonistas y convierten a la película\, de reciente estreno en Buenos Aires\, en una nueva oportunidad de disfrutar de un cine sobre problemas modernos dirigidos al publico adulto\, mas allá de la edad que este tenga. \n«REGRESA A MI» ( Ben is back\, 2018) / EE.UU. / Director Peter Hedges / Intérpretes Julia Roberts\, Lucas Hedges\, Courtney B.Vance\, Kathryn Newton / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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