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SUMMARY:CINE: "LA VERDAD" (2019).
DESCRIPTION:La cinematografía japonesa\, una de las mas potentes del extremo asiático\, tiene a uno de sus mejores cineastas en el nombre de Hirokazu Koreeda (Tokio\, 1962)\, quien tras haber debutado en 1995 irrumpe en el cine europeo (y desde allí hacia puntos como Buenos Aires) con sus films «Nadie sabe» (2004) y «Still Walking» (2009). Los premios obtenidos\, el suceso en su propio país\, las criticas y apoyos de los circuitos de cine arte\, convierten su nombre en uno de los mas importantes de la cinematografía actual. En 2018 se consagra en Cannes (Palma de Oro) con su retrato intimista «Un asunto de familia» y el año siguiente estrena su primera película rodada en idioma extranjero\, la producción que hoy nos ocupa. La mirada siempre dedicada (y delicada) en los comportamientos humanos y los lazos que entre si tejen las personas\, se aplica en tierra extraña y el resultado es esta obra. Una actriz legendaria francesa coincide en la publicación de un libro autobiográfico con su participación en un film de ciencia-ficción con gente joven (todo sea para permanecer vigente y mantener su narcisismo alto además de carrera y prestigio) y su hija viaja desde USA para acompañar este presente. La relación entre ellas jamás fue buena y ahora luce peor que nunca. Los reclamos\, rencores e incapacidades varias de ambas salen a la luz en este nuevo encuentro. El mundo íntimo se funde con el profesional y los ambientes hogareños se confunden con los sets de rodaje\, territorio elegido por la diva para construir su engañosa verdad. Dos mujeres adultas que no dejan de competir. Dos actrices clásicas del cine francés (uno de los mas activos en cuanto producción de Europa) se unen por primera vez en sus carreras: Catherine Deneuve (1943) y Juliette Binoche (1964). Nacidas ambas en la capital del cine galo\, ese Paris siempre vigente como escenario de ficciones\, debutaron en plena adolescencia y desde entonces forjaron carreras ininterrumpidas\, siendo una de las características que las acercan la de haber trabajado con los mejores cineastas locales\, con otros de geografías cercanas y también distantes. «La verdad» las encuentra con décadas de trabajo a sus espaldas y decenas de films entre los que se encuentran clásicos como «Los paraguas de Cherburgo»\, «Repulsión»\, «Belle de Jour»\, «Tristana»\, «El último subte»\, «Indochina» en la lista de la primera y «Azul» o «El paciente inglés» en la de la segunda. El cine mas autoral se cruza con el mas comercial y ambas mantienen el prestigio personal: Roger Vadim\, Jacques Demy\, Roman Polanski\, Luis Buñuel\, Claude Chabrol\, Francois Truffaut\, Marco Ferreri\, Mauro Bolognini\, Dino Risi\, Mario Monicelli\, Lars von Trier\, Robert Aldrich\, André Techine\, entre los directores de Deneuve\, Carax\, Godard\, Malle\, Kieslowski\, Haneke\, Kauffman\, Assayas o Cronenberg entre los de la segunda. El cineasta asiático\, mientras tanto sigue su carrera y tras este film regresó a Japón donde continua su trayectoria con un futuro estreno\, esperado entre los espectadores mas demandantes. «La Verdad» suma en la obra de los tres implicados. \n«LA VERDAD» (LA VERITÉ-2019) / Francia / Dirección Hirokazu Koreeda / intérpretes Catherine Deneuve\, Juliette Binoche\, Ethan Hawke\, Ludivine Sagnier\, Maya Sansa / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 46 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LOS AÑOS MAS BELLOS DE UNA VIDA".2019.
DESCRIPTION:El cineasta Claude Lelouch (1937)\, uno de los mas prolíficos de Francia\, estrena en 2019 su tercer acercamiento a unos personajes que vieron la luz en 1966: Anne Gauthier y Jean Louis Duroc. Estas criaturas se conocen en una de las películas mas populares de la década de los sesenta: «Un hombre y una mujer»(1966) y tuvieron secuela en «Un hombre y una mujer: 20 años después» (1986). Una situación insólita en la cinematografía\, la continuidad de personajes a través de medio siglo interpretados por los mismos actores\, se convierte en realidad cuando el director convoca a sus protagonistas a sumarse a una nueva aventura. Cercanos a los 90 años de edad\, responden positivamente y con la condición de ser un trabajo de pocas semanas de compromiso\, se embarcan en esta aventura fílmica. El resultado es factible de tener\, al menos\, dos lecturas: la de reencontrarse con ellos en su vejez\, con toda la vida transitada\, lo que abre las puertas a un ensayo sobre la memoria y la pervivencia del amor en las personas\, así también un acercamiento casi documental al propio devenir de los actores\, un hombre y una mujer para quienes el cine fue un trabajo y quizás también una pasión. El cineasta\, un mago en el uso de la cámara cinematográfica (también cameraman) los escruta y sigue\, en un reencuentro inesperado gestado por los descendientes de él. Y el regreso a uno de los escenarios donde vivieron su pasión se convertirá también en el de los propios espectadores conocedores de la fundacional película (que conquistó públicos internacionales así como dos premios codiciados en los ambientes cinematográficos: la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el Oscar de Hollywood). La música de Francis Lai y las letras de Pierre Barouh también pertenecen al terreno de la mítica cinéfila. Esta tercera y presumiblemente final parte de la trilogía se convierte entonces en homenaje a toda la magia de un arte deslumbrante\, el que se disfrutaba sobre las pantallas blancas y gigantes de las salas\, hoy también en riesgo de extinción como el propio estilo de cine que propone. Las plataformas audiovisuales jamás podrán competir con su oferta\, aunque intenten fagocitarla. \n«LOS AÑOS MAS BELLOS DE UNA VIDA» ( LES PLUS BELLE ANNÉES D’UNE VIE) / Francia- 2019 / Director\, guionista y productor Claude Lelouch / Intérpretes Anouk Aimee\, Jean Louis Trintrignant\, Mónica Bellucci / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1 h 30 minutos.
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SUMMARY:CINE: "CARAMEL" (SUKKAR BANAT).2007.
DESCRIPTION:El film de origen libanés-francés «Caramel» será el que abrirá un nuevo ciclo de cine en el Círculo Árabe de Azul a partir de este mes de mayo de 2022. Con la intención de descubrir antiguas cinematografías en lenguaje árabe\, alejadas de los circuitos comerciales de Argentina así como también difíciles de encontrar en programaciones del espacio virtual\, esta producción cinematográfica encontró amplia aceptación pública y critica a partir de su estreno en 2007\, habilitó el estreno de otros films de similar origen y en lo particular para su directora y co-protagonista Nadine Labaki la posibilidad de realizar dos largometrajes hasta el presente. Beirut\, la deslumbrante capital del Líbano\, sufrió las consecuencias de luchas internas y extranjeras a partir del año 1975 cuando se inició una guerra civil que duró hasta 1990. El presente de la película nos muestra un tiempo de reconstrucción donde los seres humanos persisten en la idea de recuperar espacios e identidades afectadas. Las relaciones que se entrecruzan entre un grupo de cinco mujeres sirve como excusa para trazar un relato actual de una tierra violentada en el pasado. La realizadora focaliza su mirada en sus problemáticas (el paso del tiempo\, la sexualidad\, los amores correspondidos y los perdidos o imposibles\, los mandatos generacionales\, lo ancestral y lo moderno) al son de músicas exquisitas que acompañan el devenir de estas cinco vidas de diferentes edades y realidades\, mientras las líneas que van estableciéndose entre ellas dibujan heridas a curar paralelas a las de la gran ciudad que las contiene. Una comedia romántica es la opción que la artista elige para este debut\, seguido en los años siguientes por dos films que demuestran su capacidad para conectar con los mas diversos públicos mas allá de religiones y geografías: el alma humana parece no querer saber nada con ellas. \nNADINE LABAKI nació en Beirut en 1974. De amplia carrera como actriz\, debutó en la dirección con esta película obteniendo amplia repercusión en su país de origen\, Europa y Estados Unidos\, habiéndose iniciado en la dirección de video-clips musicales para la cantante Nancy Ajram\, una de las máximas estrellas del pop del mundo árabe. “Caramel”\, con su suceso internacional recupera en parte el aliento de una de las dos cinematografías árabes más fecundas (junto a la egipcia)\, logrando en los años transcurridos desde su estreno que varias películas libanesas hayan encontrado cabida y reconocimiento en circuitos internacionales\, incluidos los grandes festivales de cine como Cannes\, Berlín\, Venecia. \n«CARAMEL» /2007/ Dirección Nadine Labaki. Intérpretes: Nadine Labaki\, Joanna Moukarzel\, Gisele Aouad\, Yasmine Al Massri\, Sekam Haddad / Producción Les Films des Tournelles\, Les Films de Beyrouth\, Roissy Films. Duración 1 hora 35 minutos / Presupuesto de realización (estimado) 1.300.000 dólares\, recaudación mundial: 14.250.000 dólares. Idioma: árabe\, francés con subtítulos en castellano. Color.
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SUMMARY:CINE:"APUNTES SOBRE LA GUERRA FRIA (1945-1991)"
DESCRIPTION:Durante el mes de abril se realizará el Ciclo de Cine de Otoño en el Museo Etnográfico Enrique Squirru. La cita será los días viernes 1\, 8\, 22 y 29 a las 19 hs. Cuatro jornadas donde a través de la cinematografía se abordará el periodo histórico comprendido entre 1945 y 1991 conocido como «La Guerra Fría»\, que paralelamente generó en la cinematografía occidental varios géneros de mucha repercusión en los años cincuenta y sesenta\, desde espacios tan emblemáticos y populares como el cine de ciencia ficción (donde en realidad los malvados extraterrestres no eran mas que los peligrosos comunistas-interesante analizar como se repite la cuestión en nuestro presente-)\, los films de James Bond 007 y sus secuelas\, las adaptaciones de best sellers famosos de autores especialistas como John Le Carre o sátiras humorísticas de genios como Woody Allen o Billy Wilder. La Segunda Guerra Mundial confirmó como potencia global a la URSS (Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas) que con la detonación de la primera arma atómica en 1949 dio inicio a la confrontación capitalismo versus comunismo a lo largo y ancho del planeta. Se la conoce como «fría» porque no hubo ataques directos entre los dos contrincantes mayores (USA-URSS)\, pero si incidentes y guerras en zonas distantes apoyados por unos y otros\, Básicamente se trató de una división del mundo en zonas de influencias políticas\, económicas\, culturales. La caída del Muro de Berlin en 1989 y la desintegración como Estado del gigante soviético en 1991\, pusieron un «final» que a ojos actuales se demuestra como engañoso: la presente guerra en Ucrania no hace mas que demostrarlo. \nViernes 1º de abril: «RAPSODIA EN AGOSTO» (Hachigatsu no rapusodi\, 1991 /Japón) / Dirección: Akira Kurosawa / Intérpretes Sachiko Murase\, Richard Gere y otros. / Color / Hablada en japonés  e inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 38 minutos. Síntesis: una anciana\, Kane\, queda al cuidado de sus nietos y nietas al viajar los padres a Hawaii para conocer a familiares. La mujer y los niños establecen una relación diferente a partir de los relatos de la explosión de la bomba atómica de Nagasaki en agosto de 1945. El cineasta Kurosawa\, uno de los maestros del cine mundial\, reflexiona sobre la influencia del pasado y la memoria en las relaciones humanas\, siempre atravesadas por las realidades externas y cargando con las consecuencias de los dictados del Poder. Una de las pocas obras maestras verdaderas de los años noventa. \nViernes 8 de abril: «PASARON LAS GRULLAS» (Letyat Zhuravli\,1957 URSS) / Dirección: Mikhail Kalatozov / Intérpretes Tatyana Samoylova\, Aleksey Batalov\, Vasily Merkurev y otros /Blanco y Negro /Hablada en ruso con subtítulos en castellano / Duración 1h 35 minutos. Síntesis: Verónica es una joven vital. La calma de su rutina se ve alterada por la guerra y la partida de su enamorado al frente. Esta película soviética forma parte del nuevo tiempo tras la muerte del líder Stalin\, cuando se realizó una apertura hacia el exterior por parte de su cinematografía. «Pasaron las Grullas» fue la gran triunfadora del festival de Cannes de 1958 y su suceso se expandió a todo el mundo\, convirtiéndose en un fenómeno de critica y publico y estableciendo la figura de la actriz rusa en la primera plana del interés cinematográfico. Por su parte\, la maestría del realizador Kalatozov sigue manteniendo moderna la realización del film. \n22 de abril: «EL BAILARIN» o «Nureyev\, el cuervo blanco» (The white crowd\, 2018\, Reino Unido\, Francia\, Serbia) / Dirección: Ralph Fiennes / Intérpretes Oleg Ivenko\, Ralph Fiennes\, Louis Hofmann y otros / Color / Hablada en ruso\, inglés\, francés y español con subtítulos en castellano / Duración 2h 7 minutos. Síntesis: El bailarín Nureyev se convierte en un ídolo en la URSS y también en sus giras al exterior. En una de ellas\, el artista solicita asilo político y desata un conflicto internacional. La película es una coproducción actual europea y recrea una de las realidades mas conflictivas de la Guerra Fría: los refugiados políticos. \n29 de abril: «COLD WAR» o «Guerra Fría» ( Zimna Wojna\, 2018\, Polonia\, Reino Unido\, Bélgica\, Francia) / Dirección: Pawel Pawlikowski / Intérpretes Joanna Kulig\, Tomasz Kot y otros / Blanco y Negro / Síntesis: La compleja historia de amor entre una cantante y un director de música es la excusa perfecta para desarrollar un recorrido sobre las tensiones entre el comunismo y el capitalismo en los años cincuenta en una Europa totalmente atravesada por esta problemática. Una de la películas mas aclamadas por la crítica en el tiempo anterior al estallido de la pandemia.
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LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE:"LA ODISEA DE LOS GILES" (2019).
DESCRIPTION:2019 será recordado en el futuro como el último año «antes de la pandemia»\, una realidad internacional que cambió o alteró comportamientos: entre ellos el de los espectadores de cine. El tiempo de encierro destruyó la economía ya de por si frágiles de las salas cinematográficas\, y aumentó la de las plataformas de películas y series que pueden consumirse desde la comodidad del hogar. Uno de los últimos sucesos\, entonces\, fue el de esta película argentina a lo largo del territorio nacional. «La odisea de los giles» fue una de las producciones mas taquilleras de aquella temporada y se inspiró en un texto de un escritor ya consagrado por la gran pantalla: Eduardo Sacheri (1967)\, que se inició como profesor de historia en colegios del conurbano bonaerense y desde alli\, dando rienda suelta a su pasión por la escritura (y también por el futbol\, que supo insertar de una manera u otra en gran parte de su obra)\, consiguió reconocimiento crítico y suceso de ventas con su primera novela «La pregunta de sus ojos» (2005). Sa adaptación al cine con el título de «El secreto de sus ojos» (2009) le abrió las puertas a la escritura cinematográfica\, donde firmó trabajos como «Futbolín» (2013) o la adaptación de otras de sus producciones\, «Papeles en el viento» ( 2015). El director Sebastián Borensztein (1965) debutó en 2005 con una comedia\, «La suerte está echada»  y tras otros tres títulos\, dirigió este. \nEn la Argentina del año 2001\, un grupo de habitantes del interior del país pierde todos los ahorros en una inversión como consecuencia de los sucesos del mes de diciembre\, uno de los mas dramáticos de la reciente historia argentina cuando el «corralito» se instaló como realidad inesperada con las consecuencias que marcarían los siguientes años. Escritor y cineasta utilizan el humor para hablar de cosas terribles y de esa manera logran introducir en lector y ahora espectador en un tema para nada divertido. Una licencia poética para recuperar un tiempo que aun deja huellas. La critica al comportamiento de toda una sociedad está servida por una producción cuidada\, dinámica\, ejemplar en la mirada que sobre sus criaturas dedica. Y un plantel de interpretes formidables da vida a los personajes de Sacheri: Brandoni\, Darin padre e hijo\, Cortese\, Llinas y un elenco de excelentes profesionales. «La odisea de los giles» pasa a formar parte de las mejores radiografías cinematográficas de un tiempo histórico que deseamos no volver a transitar. Una linea de cine popular que nuestra cinematografía trazo sutilmente a lo largo de las décadas y que de tanto en tanto se agranda con un nuevo título. \n«LA ODISEA DE LOS GILES» (Argentina- España\, 2019)/ Dirección Sebastián Borensztein / guion: Borensztein y Eduardo Sacheri /Intérpretes Ricardo Darin\, Luis Brandoni\, Rita Cortese\, Chino Darin\, Verónica Llinas\, Marco Antonio Caponi\, Daniel Araoz\, Andrés Parra / Color / Hablada en castellano sin subtítulos / Duración: 1h 56 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LUZ\, CÁMARA...¡TELÓN!" / 4ª EDICIÓN 2022.
DESCRIPTION:El Equipo Delta-Trabajo Teatral presenta dentro del Programa Otoño Azul Imagen la cuarta edición del Ciclo de Cine Estudio en Homenaje a Hector “Cacho Nebbia” Ferrarelo. Se desarrollará los días Viernes 28\, Sábado 29 y Domingo 30 de enero de 2022 durante tres jornadas\, a las 21.00 hs. en La Salita / Vivero Cultural Otoño Azul\, en la calle Malere (Ex-Córdoba) N.º 567 en la ciudad de Azul. Tras la interrupción obligada a causa de la Pandemia\, este verano retomamos la senda.\n\nPROGRAMA.\nViernes 28 de enero: «EL DÍA DE LA POLLERA» / LE JOURNÉE DE LA JUPE / Francia-Bélgica (2008) / Dirección y guion Jean Paul Lilienfeld / Intérpretes : Isabelle Adjani\, Denis Podalydés\, Yann Ebongé\, Kevin Azais\, Karim Zakraoui. / Duración 1 h 27 minutos / Hablada en francés con subtítulos en castellano. SINTESIS: Sonia es una docente adulta que transita una separación matrimonial. Su trabajo en la escuela de un barrio marginal parisino la enfrenta a la indisciplina del alumnado y la indiferencia de sus compañeros y autoridades escolares. A partir de una situación fortuita\, la mujer toma el control del aula de una manera violenta. Ahora todos estarán bajo sus ordenes…dentro de una situación incontrolable. Una mirada adulta sobre la decadencia del sistema educativo y las dificultades de la integración social con la inmigración como tema de fondo en la Europa actual.\n\nSábado 29 de enero: «¡ ABAJO EL TELÓN…!» / THE CRADLE WILL ROCK/ EE.UU. (1999) / Dirección y guion Tim Robbins / Intérpretes: Tim Robbins\, Susan Sarandon\, Hank Azaria\, Vanessa Redgrave\, Bill Murray\, Emily Watson\, John Turturro / Duración 2h 11 minutos / Hablada en inglés con subtítulos en castellano. SINTESIS: basada en hechos reales\, la película narra las situaciones que vive un grupo teatral para estrenar una obra políticamente incorrecta en la New York de la segunda mitad de los años 1930. Un tiempo donde las ideologías estaban a flor de piel y condicionaban la creación y la libertad artística. Personajes inspirados en figuras tan legendarias como Orson Welles\, Nelson Rockefeller\, Diego Ribera\, quienes rodean a los transgresores interpretes que luchan por imponer su arte ante cualquiera otra cuestión. Un conflicto siempre vigente: el arte y la cultura enfrentadas al Poder.\n\nDomingo 30 de enero: «EL PADRE» / THE FATHER / Francia-Reino Unido (2020) / Director Florian Zeller / Guion Christopher Hampton y Florian Zeller sobre su propia obra teatral / Intérpretes : Anthony Hopkins\, Olivia Colman\, Mark Gatiss / Duración 1h 37 minutos / Hablada en inglés con subtítulos en castellano. SINTESIS: Anthony\, un octogenario londinense comienza a dudar de sus propios recuerdos mientras la memoria se confunde con lo imaginado. La realidad llega de la mano de su hija Anne que le anuncia su traslado a Paris. Las siempre complejas relaciones filiales se manifiestan en toda su humanidad ante la enfermedad y el paso del tiempo. Uno de los dramaturgos mas importantes del presente\, debuta como director de cine junto a dos de los mayores intérpretes británicos: el clásico Hopkins y la nueva sensación Colman.
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LOCATION:La Salita / Vivero Cultural Otoño Azul\, Malere (ex Córdoba) 567\, Azul\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:"MARTIN FIERRO Y COMPAÑIAS: EL GAUCHO EN EL CINE ARGENTINO.
DESCRIPTION:  \n  \nTESTIMONIOS (extraídos de textos originales de Jorge Abel Martin: “Los films de Leopoldo Torre Nilsson” (Ediciones \nCorregidor\, 1980) y “Cine argentino’84” (Editorial Legasa\, 1987)). \n  \nPrologo de Leopoldo Torre Nilsson al libro cinematográfico (guion) de “Martin Fierro” (1968). \n“Nuestra pampa vista en larga y ancha perspectiva. Es la pampa de 1860 con sus pajonales que pueden esconder la figura de un caballo o la de un hombre huyendo. Con sus pastos altos y bayos. \nOnírica e inalcanzable como la habrán sentido San Martín y Alberdi en sus largos años de ausencia. \nY quizá como la apetecen y la hemos apetecido los que hemos estado un mes\, un año\, o una vida lejos de ella\, por exilio voluntario\, forzado\, o ambiciosos o transitorio. \nY después acogedora\, fraternal\, compañera\, hija o madre como la tuvieron los gauchos\, los paisanos\, los reseros. \nO misteriosa e insólita como la fueron descubriendo los viajeros ingleses o franceses que dejaron su objetivo. Y a veces su apasionado o desapasionado testimonio. \nO como la amó Hudson en sus pájaros\, en sus pocos árboles o en sus pastos\, y que vivió su ausencia y su presencia. \nO como la paseó el indio\, su nómade y elemental primer amante\, y que se fue replegando y perdiéndola como se pierden las cosas que no se saben amar o nos van quitando seres más sagaces que nosotros\, para quererla más\, o despedazarla o engrandecerla.” \n  \nNotas (de Fernando Ezequiel Solanas) sobre “Los hijos de Fierro” a propósito de su estreno (12 de abril de 1984). \n“…el poema original me atraía no solo por su belleza o por el hecho de que como ninguna otra obra de nuestra literatura expresa la sed de justicia y libertad\, la dignidad y la silenciosa lucha del pueblo argentino\, sino también\, y sobre todo\, por la notable proyección actual de sus conflictos…” \n“…a más de un siglo de su creación\, la obra de José Hernández continúa marcando la línea divisoria entre dos concepciones enfrentadas: una colonizada y una nacional. Para Jorge Luis Borges\, un “europeo en exilio”\, como él mismo se define\,”…pensar que nosotros\, argentinos\, estamos representados por un gaucho matrero y desertor\, es totalmente imposible. Nuestra historia es mucho más compleja que las vicisitudes de un cuchillero de 1872 aunque hayan sido contadas de un modo admirable”. Para Leopoldo Marechal\, en cambio: “…el Martin Fierro es materia de un arte que nos hace falta cultivar ahora como nunca\, el ser argentinos y latinoamericanos. Como las epopeyas clásicas\, es el canto de un pueblo\, es decir\, el relato de sus hechos notables cumplidos en la manifestación de su propio ser y en el logro de su destino histórico. ¿ Y quién es el héroe del Martin Fierro?. En el sentido literario\, es un gaucho de nuestra llanura\, y en sentido simbólico\, es el pueblo de la Nación recién salido de su guerra de la independencia y de sus luchas civiles\, en las cuales se ha fogueado. Por lo tanto es el real protagonista del drama en que se juega su devenir”. \n  \nDATOS BÁSICOS. \nPrimera proyección en Argentina: 18 de julio de 1896 en Teatro Odeón (programa Hnos. Lumiere)\, Buenos Aires. \nPrimeros films argentinos: “LA BANDERA ARGENTINA” (1897) de Eugenio Py (corto). “ASI CANTABA CARLOS GARDEL” (1930) de Eduardo Morera (Corto). “POR UNA ARGENTINA GRANDE\, CIVILIZADA Y JUSTA” (1931) (51 MINUTOS). \nEl periodo de cine mudo se cierra según registros de Roberto di Chiara (*) en 1937 con el corto “NAHUEL HUAPI Y SU REGIÓN”. \nPrimeros films se destruían para la utilización de Nitrato de Plata que tenían en las cintas en su base. \nEn 1924 nació el film de 16 mm\, donde no se utilizaba el Nitrato. \nPrimera sala exclusivamente cinematográfica “NACIONAL”\, calle Maipú entre Corrientes y Lavalle. Tenía  menos de 300 sillas\, con películas de entre 2 y 3 minutos en funciones de tarde y noche. Empresario Gregorio Ortuño. \n(*) Archivo de Florencio Varela del cine mudo argentino. \n  \nNOMBRES PROPIOS: CINEASTAS Y ESCRITORES. \nLeopoldo Marechal\, escritor (1900-1970). (70 años). \nJorge Luis Borges\, escritor (1899-1986). (87 años). \nCarlos Cores\, actor y cineasta (1923-2000) (77 años / 39 al filmar). \nLeopoldo Torre Nilsson\, cineasta (1924-1978). (54 años / 43 al filmar). \nRoberto di Chiara\, investigador de cine mudo argentino (1933-2008)(75 años). \nFernando Ezequiel Solanas\, cineasta (1936-2020). (84 años / 36 al filmar). \nJorge Abel Martín\, investigador y escritor de cine argentino (1946-1990) (44 años). \n  \nJosé Hernández\, escritor (1834-1886) (52 años). \nLibros: El gaucho Martin Fierro (1872) y La vuelta de Martin Fierro (1879). \nEstanislao del Campo\, escritor (1834-1880) (46 años). \nLibro: Fausto\, impresiones del gaucho Anastasio el Pollo en la representación de esta ópera (1866). \nEduardo Gutiérrez\, escritor (1851-1889) (38 años). \nLibros: Juan Moreira (1879) / Santos Vega (1880). \nRicardo Güiraldes\, escritor (1886-1927) (41 años). \nLibro: Don Segundo Sombra (1926) \nWalter Ciocca\, arquitecto e historietista (1907-1984) (77 años) \nHistorieta: Lindor Covas (1954-1981). \n  \nADAPTACIONES DEL LIBRO MARTÍN FIERRO AL CINE ARGENTINO. \nMARTIN FIERRO (1923) director Alfredo Quesada. \nMARTIN FIERRO (1968) director Leopoldo Torre Nilsson. \nLOS HIJOS DE FIERRO (1972-1975) director Fernando E. Solanas. \nLA VUELTA DE MARTIN FIERRO (1974) director Enrique Dawi. \nMARTIN FIERRO (1989) director Fernando Laverde.(film inédito). \nMARTIN FIERRO\, EL AVE SOLITARIA (2006) director Gerardo Vallejo. \nMARTIN FIERRO\, LA PELÍCULA (2007) directores Liliana Romero y Norman Ruiz. \n  \nApéndice: \nHay una versión realizada en España para Televisión Española dentro de un ciclo llamado “Los Libros”:”MARTIN FIERRO” (1974) dirección de Julio Diamante. Protagoniza al gaucho Fierro\, Carlos Estrada\, actor argentino residente en Europa con elenco español. \n  \nLISTADO DE PELÍCULAS (parcial) de películas que abordan temática gauchesca. \nCINE MUDO. \nNOBLEZA GAUCHA (1915). \nSANTOS VEGA (1917). \nEL GAUCHO (1920) de Rici Rondamina. (Fragmentos de este film desconocido en Archivo de Florencio Varela). \nJUAN MOREIRA o EL ÚLTIMO CENTAURO o LA EPOPEYA DEL GAUCHO (1924) de E. Regules y E.Peirano. \nLA PULPERA DE SANTA LUCIA (1929) (destruida\, catalogada a partir de datos de una lata y de revistas de la época). \n  \nCINE SONORO. \nEL LINYERA (1933) de Enrique Larreta. \nJUAN MOREIRA (1936) de Nelo Cosimi. \nSANTOS  VEGA (1936) de Luis Moglia Barth. \nVIENTO NORTE (1937) de Mario Soffici. (Según Lucio Mansilla). \nPAMPA Y CIELO (1938) de Raúl Gurruchaga. \nPLEGARIA GAUCHA (1938) de Julio Irigoyen. \n¡GAUCHO! (1942)  de Leopoldo Torres Ríos. \nPAMPA BÁRBARA (1945) de Lucas Demare y Hugo Fregonese. \nSANTOS VEGA VUELVE (1947) de Leopoldo Torres Ríos. (Según poema de Rafael Obligado). \nJUAN MOREIRA (1948) de Luis Moglia Barth. \nEL ÚLTIMO PAYADOR (1950) de Homero Manzi y Ralph Pappier. \nEL GAUCHO Y EL DIABLO (1952) de Ernesto Remani. \nWAY OF THE GAUCHO / EL CAMINO DEL GAUCHO (1952) de Jacques Tourneur. \nEL ÚLTIMO COW BOY (1954) de Juan Sires. (Sátira sobre EL CAMINO DEL GAUCHO). \nEL ÚLTIMO PERRO (1956) de Lucas Demare. \nEL ROMANCE DE UN GAUCHO (1961) de Rubén W. Cavallotti. \nMATE COSIDO (1962) de Goffredo Alessandrini. \nLINDOR COVAS\, EL CIMARRÓN  (1963) de Carlos Cores. \nPAMPA SALVAJE (1966) de Hugo Fregonese. \nDON SEGUNDO SOMBRA (1969) de Manuel Antin (según Guiraldes). \nLA FRONTERA OLVIDADA (1969) de Juan Carlos Neyra. (film inédito). \nSANTOS VEGA (1971) de Carlos Borcosque (h). \nJUAN MOREIRA (1973) de Leonardo Favio. \nHORMIGA NEGRA (1979) de Ricardo Alberto de Filippi. \nEL FAUSTO CRIOLLO (1979) de Luis Saslavsky (según Estanislao del Campo). \nMATE COSIDO\, EL BANDOLERO FANTASMA (2003) de Michelina Oviedo (documental sobre Segundo David Peralta\, alias Mate Cosido). \nEL GAUCHITO GIL\, LA SANGRE INOCENTE (2006) de Ricardo Becher. \nEL DESIERTO NEGRO (2007) de Gaspar Schever. \nISIDRO VELAZQUEZ\, LA LEYENDA DEL ÚLTIMO SAPUCAY (2010) de Camilo José Gómez (docudrama). \nABALLAY\, EL HOMBRE SIN MIEDO (2010) de Fernando Spiner. \nGAUCHITO GIL (2020) de Roberto Vallejos. \n  \nDATOS SOBRE FILM “LINDOR COVAS\, EL CIMARRÓN”. \nAño de producción 1962. \nFecha de estreno: 24-4-1963. \nEstrenada en la sala Hindú\, calle Lavalle 842-Buenos Aires. \nCalificada sin restricciones /Duración: 108 minutos. \nDirector Carlos Cores / Guion de Antonio Ortiz Noguera\, Guillermo Haro y Juan Carlos Márquez según argumento de Walter Ciocca / Fotografía Vicente Cosentino / Música Tito Ribero / Escenografía Saulo Benavente / Montaje Ricardo Rodríguez Nistal e Higinio Vecchione / Producción y distribución Lumiton. \nIntérpretes: Carlos Cores (Covas)\, Mario Lozano\, Elizabeth Killian\, Liliana Lagos\, Joaquín Petrosino\, Enrique Kossi\, Adolfo García Grau\, Jorge de la Riestra\, Héctor Figueroa\, Oscar Ferrigno\, Evangelina Salazar. \nSíntesis: el film adapta una de las historietas más populares y longevas del comic argentino. Se publicó en el periódico “La Razón” entre 1952 y 1981\, como también en decenas de diarios del interior. La producción recoge tres historias del personaje: la primera relacionada con una heredera que es requerida desde Europa\, desconociendo hasta ese momento sus orígenes. La segunda encuentra a Covas en un pueblo donde se prepara una función de teatro y la tercera en un poblado indio donde establece relación con la hija del jefe tribal. Todos los argumentos tienen como telón de fondo una pintura muy lograda de los ambientes gauchescos\, con una calidad técnica notable y donde los paisajes de nuestra zona tienen real protagonismo. La película fue muy maltratada por la crítica de su momento y se ha convertido en una más de las obras cinematográficas que merecen ser recuperadas y revalorizadas\, a 60 años de su producción. \nSe utilizaron exteriores en la zona de Olavarria y agradece en sus títulos a: \nGuarnición Olavarria Lanceros General Paz. \nDestacamento Ingenieros. \nSr. Esteban Loudge (sic). \nEstancia La Isolina. \nSegún los autores Raúl Manrupe y María Alejandra Portela en su libro “UN DICCIONARIO DE FILMS ARGENTINOS (1930-1995)\,editado en 2001 por Ediciones Corregidor\, Buenos Aires\, esta película fue filmada en Olavarria y Azul. La visión de la misma no aclara ni confirma escenas en la segunda ciudad. \nTambién se señala como productora y distribuidora la firma Lumiton. Esta fue la empresa creada en 1931 por un grupo de empresarios (todos médicos que antes habían incurrido en la primera transmisión radial desde el Teatro Colón en 1920) que se convirtió en el primer estudio de cine al modelo de Hollywood en la Argentina. Situado en dos manzanas de Munro\, Partido de Vicente López\, en Avenida Mitre N.º 2351\, inició sus actividades en 1931 y estrenó su primer largometraje sonoro en 1933: “Los tres berretines”\, que lanzó al estrellato a Luis Sandrini\, también protagonista del film “Tango” del estudio que sería su gran rival durante dos décadas: Argentina Sono Film. El estreno de “Tango” se realizó una semana antes\, motivo por el cual es considerado el “primer film sonoro argentino”. El primer estreno de la empresa tuvo un costo de 19.000 $ y recaudó la cifra de 1.000.000 $\, convirtiéndose en un negocio fabuloso para el estudio. Que cerraría sus puertas en 1952 debido a la quiebra de la misma\, habiendo realizado alrededor de 180 películas en ese periodo. Luego el nombre fue utilizado en algunos films como “productora y distribuidora” hasta mediado de los años sesenta\, siendo “Lindor Covas\, el cimarrón” (1963) uno de los títulos finales de este “segundo” emprendimiento Lumiton. Hoy el lugar ha dado sitio a un Museo con su nombre que tiene entrada por calle Cabral  2354 en la mencionada localidad de Munro. Se exhiben recuerdos del tiempo en que los mismos estuvieron activos.
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LOCATION:Biblioteca Popular «Bartolomé J.Ronco»\, Burgos 687\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "CINE&GLOBALIZACIÓN: DEL PASADO AL PRESENTE / 1936-2020"
DESCRIPTION:La primera definición que aparece en Internet sobre esta palabra\, remite al verbo globalizar: luego\, a la derecha\, se lee esto: «La globalización es un proceso económico\, tecnológico\, político\, social y cultural a escala mundial que consiste en la creciente comunicación e interdependencia entre los distintos países del mundo». Una apreciación lo suficientemente amplia donde englobar un Ciclo de Cine. Que podría ser también el inicio a otro mas extenso y por tanto de mayor profundización sobre la cuestión. En Marzo 2020 el Museo Enrique Squirru programa una serie de encuentros en tres viernes consecutivos (6\, 13 y 20) a las 19.00 hs donde se exhibirán tres películas de reciente producción que pueden servir como ilustración a este fenómeno en el que todo el Planeta lleva «embarcado» desde ya hace décadas.Y que hoy\, entre otras cosas\, vuelve a estar presente por el contagio de un virus que desde Asia ha ido esparciéndose por toda la geografía de la Tierra. \nUn Pasado político y social que vuelve a reproducirse (inquietamente) hoy\, un Líder global que reflexiona (por primera vez ante una cámara de cine)  y una ficción de un país distante (para nosotros) premiada en festivales y lugares impensados que despierta la curiosidad del público\, también globalizado. Desde España a Corea del Sur pasando por el Vaticano\, tres enormes y talentosos cineastas actuales nos ofrecen sus miradas sobre la situación\, o como decía el famoso título del film de uno de ellos: «el estado de las cosas». \nPROGRAMACIÓN \nViernes 6-03-2020 «MIENTRAS DURE LA GUERRA» (2019) / España- Argentina / Dirección Alejandro Amenabar / Intérpretes Karra Elejalde\, Eduard Fernández\, Santi Prego\, Natalie Poza / Hablada en castellano\, inglés y alemán con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 47 minutos / Sinopsis: En julio de 1936 se produce un levantamiento militar contra la República Española que desatará una Guerra Civil de tres años y tragedia para todo un pueblo. El escritor y filósofo Miguel de Unamuno (1864-1936) es Director de la Universidad de Salamanca\, donde se encuentra uno de los núcleos de la rebelión. Apoyando ésta\, sus lazos con dirigentes como los Generales Millán Astray (1879-1954) y Franco (1892-1975) lo posicionan en un lugar muy conflictivo. A medida que transcurren las semanas\, muchos de sus allegados y amigos van cayendo uno a uno. Y se ve obligado a replantear su postura. El Fascismo del Siglo XX aparece visibilizado por primera vez tras el poder de Hitler y Mussolini en Europa. Franco seguirá sus pasos. Hoy\, mas de ocho décadas después\, Europa y varios lugares del mundo\, tienen instalado dentro de sus sistemas democráticos grupos de esta índole que se han posicionado con el voto de amplios sectores del electorado. El cineasta ofrece su mirada para ilustrar a las nuevas generaciones los peligros que para ellas parecen ser ignorados. Una película que reflexiona sobre el avance del desconocimiento\, la ignorancia y el fracaso educacional en el presente. \nViernes 13-03-2020 «EL PAPA FRANCISCO:UN HOMBRE DE PALABRA» (Pope Francis: a man of his worlds\, 2018) / Suiza-Vaticano-Italia-Francia-Alemania / Dirección Wim Wenders / Documental con la participación del Papa Francisco / Hablada en castellano\, italiano\, inglés y alemán con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 36 minutos / Sinopsis: el cineasta alemán Wim Wenders (1945) ha construido desde 1969 al presente una de las carreras mas deslumbrantes del cine contemporáneo (68 obras\, alternado ficción con documental\, cortos con medio y largometrajes). En ella destacan títulos claves como «El amigo americano» (1977)\, «París Texas» (1984) o «Las alas del deseo» (1987) entre sus ficciones\, y «Pina» (2011) o «La sal de la tierra» (2014) entre los documentales. A este género corresponde su último largometraje\, donde por primera vez en la Historia\, un líder vaticano enfrenta la cámara como protagonista. Entre director y persona se establece un dialogo siempre rico que intercalado con imágenes de archivo que documentan situaciones reales\, deriva en enorme testimonio de nuestro tiempo. \nViernes 20-03-2020 «PARÁSITOS» ( Parasite \, 2018) / Corea del Sur / Dirección Bong Joon Ho / Intérpretes: Kang-Hu Song\, Sun-Kyun Lee\, Yeo-Jeong Jo\, Woo-Sik Choi\, So.dam Park\, Jeong-enn Lee\, Hye-Jin Jang / Hablada en coreano e inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 2 hs 10 minutos / Sinopsis: una familia que vive en un deteriorado y marginal barrio de una metrópolis va introduciéndose\, personaje a personaje\, en la casa de otra de muy alto nivel económico. La astucia e inteligencia del hijo varón le permite ser el primero en arribar a la lujosa y ultra moderna vivienda en el barrio mas sofisticado y elitista de la misma ciudad. Monstruosidades varias\, externas e internas\, afloran durante el relato\, orquestado bajo la maestra mano de uno de los mayores (y desconocidos) cineastas asiáticos del momento. El coreano Bong Joon Ho deslumbró a Occidente en 2003 con su film «Memorias de un asesino». Y volvió a hacerlo en 2006 con «The Host» y en 2013 con su primer trabajo internacional «Rompenieves». El genero policial\, la ciencia ficción\, la acción y el drama intimista son abordados con enorme e igual talento en cada una de las citadas películas. Y «Parásitos» se va convirtiendo en un fenómeno globalizado donde se demuestra que las distancias geográficas no impiden las similitudes en las relaciones entre los seres humanos y las políticas imperantes.
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LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
CATEGORIES:Cine fórum
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SUMMARY:CINE: "LUZ\, CÁMARA...¡TELÓN!" / 3º EDICIÓN 2020.
DESCRIPTION:«LUZ\, CÁMARA…¡TELÓN!» 3º EDICIÓN 2020.\n\nEl Equipo Delta-Trabajo Teatral presenta dentro del Programa Otoño Azul Imagen la tercera edición del Ciclo de Cine Estudio en Homenaje a Hector «Cacho Nebbia» Ferrarelo. Se desarrollará los días Viernes 14\, Sábado 15 y Domingo 16 de Febrero durante tres jornadas\, a las 21.00 hs. en La Salita / Vivero Cultural Otoño Azul\, en la calle Malere (Ex-Córdoba) Nº 567 en la ciudad de Azul.\n\n\n\nPROGRAMA\n\n\n\n\nViernes 14: «CORIOLANO» (CORIOLANUS\, Reino Unido\, 2011) / Dirección Ralph Fiennes / Guión sobre obra de William Shakespeare / Intérpretes Ralph Fiennes\, Gerard Butler\, Brian Cox\, Vanessa Redgrave\, Jessica Chastain\,  Lubna Azabal / Hablada en Inglés con subtítulos en castellano /Duración 2 hs.\nSinopsis: la tragedia narra la historia de un brillante general romano de la época de la República que es desterrado de la ciudad después de habersele negado un reconocimiento en el Senado\, a causa de su enfrentamiento y menosprecio a la misma masa que lo ha reconocido como héroe. En venganza\, se une a los enemigos\, el pueblo de los Volscos y trama la destrucción de Roma. Pero los ruegos de su madre\, persona de enorme influencia sobre el militar\, impedirán la acción y abrirán las puertas al drama final. El director traslada la acción a un presente que remite a la Guerra de los Balcanes\, cuando la ex Yugoslavia se desangró en varios estados durante los años 90 del Siglo pasado. La propuesta resulta arriesgada\, pero la mano férrea del cineasta la convierte en una muy original recreación del texto escrito por Shakespeare cuatro siglos atrás\, demostrando la permanente actualidad de un Clásico. El film estrenado en 2011 cosechó enorme apoyo critico pero no difusión comercial fuera de Inglaterra a pesar del enorme elenco protagonista. Tenemos la gran oportunidad de disfrutar de un film escasamente conocido y de altos valores artísticos.\n\n\n\nSábado 15: «LA MUERTE Y LA DONCELLA» ( DEATH AND THE MAIDEN\, Reino Unido- Francia\, 1994) / Dirección Roman Polanski / Sobre obra de Ariel Dorfman / Intérpretes: Sigourney Weaver\, Ben Kingsley\, Stuart Wilson / Hablada en Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 43 minutos.\nSinopsis: en un país sudamericano sin identificar\, una pareja vive aislada en una casa de campo. Una noche\, un viajero llama a la puerta a causa de la rotura de su vehículo. Invitado a pernoctar\, la esposa cree descubrir en el extraño al hombre que la torturó estando secuestrada durante una Dictadura. Las consecuencias psicológicas generan una sombría memoria en la mujer\, que decide tomarlo prisionero. Su marido se debate entre el amor que siente por ella y la legalidad. El recién llegado se nos presenta con una verdad incierta y un pasado pleno de sospechas. El gran director franco-polaco traslada a la pantalla la obra del argentino nacionalizado chileno Ariel Dorfman después de haber triunfado en los teatros con esta obra siempre abierta a nuevas interpretaciones.\n\n\n\nDomingo 16:»EL NOMBRE» (LE PRENON\, Francia\, 2012) /Directores Alexandre de La Patelliere y Matthieu Delaporte / Sobre obra propia de los citados directores / Intérpretes Patrick Bruel\, Valerie Beneguigui\, Charles Berling\, Judith El Zein\, Francoise Fabian / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 50 minutos.\nSinopsis: un hombre que va a ser padre por primera vez se reúne con su hermana y cuñado a cenar. Otros personajes van sumándose al encuentro. La familiaridad\, la amistad\, el afecto parece estar por encima de todas las consideraciones. Pero la elección del nombre del que está por nacer\, abrirá las puertas de lo que no se dice nunca a la cara y se habla en ausencia de los otros. De la paz al conflicto no hay mas que un paso: el que todos los implicados han dado y ya no tiene regreso. Uno de los mayores sucesos teatrales de Occidente en las últimas décadas\,comedia actual representada en varios idiomas y países\, en todos con enorme aceptación pública\, llega al Cine de mano de sus propios autores.
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LOCATION:La Salita / Vivero Cultural Otoño Azul\, Malere (ex Córdoba) 567\, Azul\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "CINE Y CENSURA: 1969/2019\, MEDIO SIGLO DE LA CREACIÓN DEL ENTE DE CALIFICACIÓN CINEMATOGRÁFICA""
DESCRIPTION:El Ente de Calificación Cinematográfica fue creado en Enero de 1969 por medio de una Ley: la 18.019 del gobierno de la segunda junta militar de la autodenominada Revolución Argentina (1966-1973). Esto no significa que antes no existiera censura\, lo cual ocurrió desde la instalación propia del Cine como espectáculo de masas\, sino que un gobierno dictatorial de facto le puso un rostro definitivo. El 6 de septiembre de 1930 se fija como la fecha del primer triunfo total de un golpe militar en nuestro país\, cuando fuerzas ultra-conservadoras derrocan al Presidente Yrigoyen e instalan los primeros controles sobre lo que el Público puede o no ver y el 22 de febrero de 1984 se anuncia la disolución del Ente: estos 54 años de nuestra Historia concentran todo el poder censor sobre cine. Las tensiones entre Cine y Poder existieron siempre ante determinadas películas que por diferentes motivos eran merecedoras de una atención especial por las fuerzas del orden e instituciones siempre retrógradas que se adjudicaban el derecho de velar por la moral y la supervivencia de los valores del público. Desde su instauración y hasta fines de 1983 prohibió\, censuró o mutiló 727 títulos (¡setecientos veinte y siete!) y\, algo mas grave aun\, promovió la auto censura tanto en los cineastas argentinos como en los profesionales que distribuían cine extranjero en Argentina. El primer censor fue el abogado Ramiro de la Fuente que luego fue reemplazado por el mas «popular» de todos: el periodista Miguel Paulino Tato. Hubo un tercero hasta la disolución del mismo y una especie de «primavera» muy breve de tres meses a finales de 1973 donde Octavio Getino liberó la exhibición de unas ochenta peliculas nacionales y extranjeras que\, ya fuera del cargo\, fueron vueltas a prohibir. El Erotismo\, la Violencia y el Crimen\, son aspectos inseparables de la cinematografía de todos los tiempos y su inevitable respuesta\, la Censura. Esta breve introducción sirve para ejemplificar la intención de este Tercer Ciclo de Cine que proponemos desde el Museo Histórico Y Etnográfico Enrique Squirru donde se exhibirán a lo largo de tres viernes tres películas ilustrativas sobre la cuestión\, que de ninguna manera pueden reemplazar a las cientos de obras de cine afectadas pero ilustran en nuestro presente de 2019 toda una época que\, como muchas de la Historia\, permanecen olvidadas o simplemente desconocidas por gran parte de la ciudadanía presente. \nVIERNES 25 DE OCTUBRE: «BOB Y CAROL Y TED Y ALICE» (Bob&Carol&Ted&Alice\,1969) / Dirección Paul Mazursky / Intérpretes Nathalie Wood\, Robert Culp\, Elliot Gould y Dyan Cannon / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos / Sobre la obra: esta realización llegó a Argentina dos años después de su estreno en EE.UU. a causa de demoras del Ente censor que veía en ella una obra subversiva en tanto cuestionaba la institución familiar y sus valores. La película narra la historia de dos matrimonios jovenes y de buena posición social que se enfrentan a la sexualidad de su época donde el final de una década de enormes cambios sociales y de paradigmas en todos los sentidos\, les obliga a reflexionar sobre deseos y posicionamientos propios. Todo Occidente se encontraba entonces en una encrucijada sobre cuestiones que las nuevas generaciones habían traído a un primer plano: las luchas por los derechos civiles de la población negra\, los movimientos feministas\, anti-bélicos\, el hipismo\, las revoluciones cubanas y africanas\, los golpes de estado\, formaban entre otros\, un cóctel explosivo donde el realizador Mazursky encuentra material para su película y los censores para sus tijeras siempre hambrientas. El film se estrena a principios de 1971 con varios cortes que no alteran la comprensión del film pero si su ritmo narrativo. Ahora\, la exhibición de la copia restaurada y completa nos permite disfrutar de una gran comedia donde a través de las relaciones entre esos cuatro seres humanos se nos pinta parte del comportamiento de las clases media de entonces. La obra permanece fresca y actual a medio siglo de su realización y demuestra el incomparable valor y permanencia de la mejor comedia\, un genero que siempre habilitó a los autores para hablar de los temas mas incómodos\, cualquiera fuera el contexto donde fueron generadas. La presencia de una de las actrices mas emblemáticas y rebeldes de Hollywood\, la tan bella como malograda Nathalie Wood\, da un encanto especial a un elenco donde los otros tres integrantes eran figuras noveles o llegadas de la televisión que impusieron nuevos nombres al cine venidero. La música del maestro Burt Bacharach\, músico emblemático de los 60 y 70\, colabora en el placer de este film recuperado. \nVIERNES 1 DE NOVIEMBRE: «REFLEJOS EN UN OJO DORADO» (Reflections in a golden eye\, 1967) / Director John Huston / Intérpretes Elizabeth Taylor\, Marlon Brando\, Brian Keith\, Julie Harris\, Robert \, Zorro David / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 50 minutos / Sobre el film: la autora norteamericana Carson McCullers (1917-1967) tuvo una vida tan breve como intensa que le convirtió en referente de su época. Una mujer se atrevía a firmar libros complejos que ahondaban en las profundidades de la criatura humana. El mismo año de su muerte a una edad temprana\, 50\, es el que se estrena esta obra llena de nombres legendarios: su director y pareja protagónica se encuentran entre los grandes nombres del cine de todos los tiempos: Huston-Taylor-Brando. Esta obra esta considerada como la primera dentro del cine comercial en tratar abiertamente varios temas tabúes que durante décadas fueron censurados: las malas relaciones (adulterios) en la intimidad matrimonial\, el peso de la educación militar en hombres y en consecuencia\, sus familias\, y la homosexualidad. Temas controvertidos a mediado de los sesenta\, y lamentablemente también hoy\, a pesar del tiempo transcurrido. La película nos ubica en una población habitada exclusivamente por militares de diferentes rangos y sus familias. Leonora esta casada con el Mayor Weldon. Sin hijos\, se detestan profundamente\, pero la obligación de guardar las apariencias les mantiene juntos. El matrimonio amigo compuesto por el Coronel Morris y su esposa Allison componen el cuarteto protagonista. Pero otros dos personajes rondan y transgreden todas las hipocresías: el sirviente Anacleto y el soldado Williams\, ambos referentes de todo lo que le mundo militar abomina y esconde. El realizador Huston consideraba esta obra entre sus predilectas y mas queridas\, como un hijo enfermo al que la sociedad (espectadores) había rechazado y por ello mismo\, él mas quería. El estrellato de Liz Taylor y Marlon Brando\, dos nombres top de su tiempo no alcanzó para calmar las iras de los censores locales que mutilaron la película hasta volverla casi incomprensible para el público\, que huyó de las salas tanto por la incomprensión de la misma como el fastidio que provocaba y afectaba la hipocresía reinante. Los críticos de cine (mayoría)\, ciegos como de costumbre ante una obra transgresora\, hicieron su parte y la película pasó pronto al olvido. Esta copia restaurada y completa sin cortes nos permite reflexionar sobre sus temáticas propuestas\, aun transgresoras e incomodas para amplios sectores de la población\, que permite en nuestro presente un retroceso intolerable de los logros alcanzados a lo largo de las décadas transcurridas desde la realización del film. La belleza\, el talento\, la fuerza única ante la cámara de Taylor y Brando\, colabora en el atractivo de estos reflejos que aun siguen perturbando las mentes. \nVIERNES 8 DE NOVIEMBRE: «CRISTO SE DETUVO EN EBOLI / Cristo si é fermato a Eboli\, 1979 / Italia / Director Francesco Rosi / Intérpretes Gian María Volonté\, Paolo Bonacelli\, Alain Cuny\, Francois Simon\, Irene Papas\, Lea Massari / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 2hs 15 minutos / Sobre el film: Francesco Rosi (1922-2015) fue uno de los grandes directores del cine italiano. Debutó en 1958 y filmó su última película en 1997. Dentro de sus 16 largometrajes de ficción destacan «Salvatore Giuliano» (1962)\, «El Caso Mattei» (1972)\, «Lucky Luciano» (1973) y «Cadáveres Exquisitos» (1976)\, que junto al presente\, forma el grupo de su mejor rama política\, denunciando las interioridades y bajezas del poder italiano. También realizó obras maestras como «Tres Hermanos» (1980) o la versión de la ópera clásica «Carmen» (1983). Para esta realización adapta la novela del mismo nombre de Carlo Levi (1902-1975)\, quién estudió medicina pero se volcó a la pintura y la literatura. Figura de fuerte posicionamiento antifascista\, fue ·desterrado» en varias ocasiones por el régimen de Mussolini. En el segundo de ellos\, lo destinan al «mezzogiorno»\, zona del sur\, Lucania entonces y actualmente Basilicata. Eboli\, en las cercanias de Salerno es hasta donde llega el tren. De ahí\, el sentido del título. Luego recorrerá el interior hasta dar con el poblado de Aliano (en el libro lo muta a Gagliano por respeto a sus habitantes). Durante el año que dura su castigo\, descubrirá y luego describirá en un texto\, las retrógradas condiciones en que vive el pueblo bajo el mandato de la élite local (iglesia\, gobierno y aristocracia terrateniente). Levi\, hombre culto\, formado\, militante\, observa y actúa en consecuencia. La película describe con enorme arte cinematográfico y transforma un lenguaje en otro: la literatura se hace cine. El humanismo del autor se potencia en manos del cineasta. La censura argentina odiaba especialmente el cine politizado\, y ésta\, como cientos de obras de diferentes países\, cayeron bajo sus tijeras. Hubo que esperar años para su estreno y con la Democracia se produjo. Hoy la recuperamos para este ciclo como pieza final del brevisimo recorrido por lo que no nos dejaron ver entonces. El actor Gian Maria Volonté (1933-1994)\, uno de los mas comprometidos de su tiempo\, presta toda su figura para dar vida a Carlo Levi\, testigo y artista de ese tiempo oscuro al que el cine regresa para reivindicarlo. El cine Italiano mantiene vivas las cualidades que lo hicieron destacar\, formando parte del mejor de todos los tiempos\, del clásico\, el que resiste el paso de los años. Y de las tijeras. Esta versión completa nos permitirá reflexionar sobre un tiempo pasado de censuras y uno presente donde ciertas cuestiones que se consideraban obsoletas demuestran no estarlo: las fuerzas conservadoras actuales que guían gran parte de la civilización parece seguir despreciando este tipo de cine y cuenta  cuenta con nuevas armas para silenciarlo dentro de los valores democráticos. Esta será cuestión de otras reflexiones. La Cinematografía que no se ajusta puramente a los parámetros mas comerciales\, sigue emitiendo brillos como un diamante. Su resistencia y valor\, permanecen como un faro que ilumina y señala lo mejor de la creatividad humana.
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SUMMARY:CINE: "PROMESA AL AMANECER" (2017).
DESCRIPTION:«Promesa al amanecer» es el título de una novela editada en Francia en 1960 y cuyo autor\, Romain Gary (1914-1980)\, fue uno de los mas renombrados de la literatura gala de la posguerra hasta su muerte («Educación Europea» (1945)\, «Las raíces del cielo» (1956)\, premio Goncourt\, «Lady L» (1963)\, «La vie devant soi» (1976)\, segundo premio Goncourt con seudónimo Emile Ajar\, o «Clair de femme» (1977)\, todas con adaptación al cine). En ella\, el escritor recupera su propia historia: la madre y él mismo\, niño y adolescente\, son los protagonistas de esta autobiografía donde se narran sucesos claves de la existencia de ambos. Nacido en tierras del aun Imperio Zarista Ruso\, hijo de padre desconocido\, viven en Lituania\, Polonia y finalmente Niza\, Francia. La madre es una mujer con tanta energía como desquicio emocional\, inventa y proyecta sobre el niño muchas de sus propias frustraciones. Admiradora del cine y la cultura francesa\, un referente e ideal en esos primeros años del Siglo XX\, la mujer hace lo imposible para sacar adelante la vida de ambos: cualquier trabajo es posible para ella\, pero en todos\, la cuestión delirante es notable. Esta relación condicionará para siempre la vida de Romain\, que a los cuarenta años de edad escribe esta historia en un intento de sublimar demonios y amores que la figura materna ha trazado en su persona. Fue un combatiente condecorado por De Gaulle en la Segunda Guerra\, diplomático frances en Bolivia y EE.UU. en los años cincuenta\, escritor siempre y hasta director de cine en dos ocasiones\, donde la protagonista fue su segunda esposa\, gran amor y madre de su único hijo\, la actriz norteamericana Jean Seberg (1938-1979).La historia de amor que mantuvo con ella fue tan densa como trágica y de esa relación nació el descendiente que hoy es productor de esta película. Una historia familiar\, intima\, que no ha dejado de moverse a través de todo un siglo. Esta película obtuvo un buen suceso critico y publico en Francia y no fue estrenada en Argentina. Una prueba mas de la dificultad que el Cine actual encuentra para ser visible a pesar de contar con el sello de una gran potencia cinematográfica como es Francia y el protagonismo de una de las grandes figuras del panorama interpretativo actual como es Charlotte Gainsbourg\, que nacida en 1971\, debutó siendo adolescente y no ha dejado de trabajar hasta el presente. En esta obra\, su composición de Nina Kacew\, esa madre tan fuerte como frágil\, es uno de los grandes trabajos de su trayectoria. Una película formidable. \n«PROMESA AL AMANECER» ( La promesse de l’aube) / 2017 / Francia / Director Eric Barbier / Intérpretes Charlotte Gainsbourg\, Pierre Niney\, Catherine McKormack\, Pawel Puchalski\, Nemo Schiffman / Color / Hablada en francés con subtítulos en español / Duración 2 hs /
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "AMAMA" (2015)
DESCRIPTION:Amama significa abuela en euskera\, la ancestral lengua del pueblo vasco. Y sobre esos ancestros reflexiona esta deslumbrante película donde todo parece conducir a un viaje a la profundidad del ser de un pueblo- El «Caserío» es el espacio natural\, el núcleo duro de la familia rural vasca. La que ve en la permanencia de las costumbres ancestrales la única posibilidad de conservar la tradición y por ende\, la identidad de un pueblo. Pero los tiempos cambian y las nuevas generaciones tienen los ojos puestos en otras realidades. La Ciudad es su destino natural\, y hacía allí emigran los hijos de un matrimonio adulto\, envejecidos sin ser viejos\, todos observados bajo la mirada dura\, silenciosa\, seca de la abuela\, la «amama» que da título al film. Ella será la encargada de cumplir con una tradición: pintar cada árbol por cada nuevo integrante del clan familiar con un color: el rojo para los trabajadores natos\, el blanco para los inútiles y el negro para los rebeldes. Colores que son también condena\, estigma u orgullo para cada uno de ellos. Los negros y los blancos son los hijos del matrimonio que cuestionan tanto hábito ancestral y que quieren huir de ellos\, mientras esperan que el padre pueda decir algo afectuoso alguna vez\, mas allá de los continuos reproches que otorga a cada hijo. A los que aun lo visitan\, porque el mas joven mas que partir\, huye del lugar. La madre\, mientras tanto\, es testigo y cómplice del hombre que ve como todo su mundo se va desmoronando. La película se abre y prácticamente cierra con una imagen que dará sentido a la historia: ese hombre que atraviesa un bosque solitario con alguien a sus espaldas es precisamente el mas rebelde\, el que rescatará de su destino final a la mayor de todas. Nieto y abuela unidos por un respeto silencioso\, sincero\, donde las palabras parecen no tener lugar pero si los actos que encubren afectos imposibles de ser dichos. Obra rigurosa que se convierte en una de las mejores expresiones de una cinematografía que quiere hablar con voz propia\, la que la diferencie de ese resto del estado español donde cada región tiene sus propias amamas. Aunque con diferentes nombres. El paisaje\, la tierra\, los árboles\, los animales\, las montañas silenciosas al fondo del cuadro\, las pinturas que llegan desde la ciudad para romper las reglas y convertir todo en una exposición de arte deslumbrante que cierra la película\, que es a la vez despedida y ritual no solo de una mujer muerta sino de toda una tradición en un tren que parece circular en contramano. Asier Altuna (1969) es parte de la última generación de directores y directoras que ejemplifican la renovación de las primeras voces del cine vasco\, aquellas que de la mano de Montxo Armendariz o Imanol Uribe dieron el pistoletazo de salida\, a principios de los años 80 de una nueva forma de mirar el pasado. Vasco\, obviamente. \n«AMAMA» (ABUELA) / ídem\, 2015 / España / Director Asier Altuna / Intérpretes Kandido Uranga\, Iaia Elias\, Amparo Badiola\, Klara Badiola / Color / Versión doblada al castellano sin subtítulos / Duración 1h 35 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL AMOR ES MAS FUERTE QUE LAS BOMBAS" (2015)
DESCRIPTION:Un nuevo director europeo\, Joachim Trier (1974\, Dinamarca) llamó la atención de los críticos con su segundo largometraje de 2011 «Oslo\, 31 de agosto»\, adaptación de un clásico de la literatura francesa\, la obra «Fuego Fatuo» de Pierre Drieu La Rochelle\, que narra las últimas horas de un joven y que ya había sido llevada a la pantalla en 1963 en la memorable obra de Louis Malle\, con el mismo título que el original. Este éxito le permitió abordar su siguiente film con apoyo internacional y fue rodado en Estados Unidos: «El amor es mas fuerte que las bombas». Un cineasta interesado en indagar las conductas humanas\, encuentra en esta nueva ficción los elementos que mas le atraen. Gene es padre de dos hijos. El mayor\, Jonah se ha marchado de casa hace mucho tiempo y el menor\, Conrad\, le acompaña. Con motivo de un gran homenaje que se hace a la madre muerta tres años atrás\, una famosa fotógrafa especializada en temas de guerra\, los tres hombres se reunirán bajo un mismo techo después de mucho tiempo de desencuentros. La vuelta no es cómoda para ninguno de ellos\, y viejas cuestiones latentes y jamas resueltas\, vuelven a un primer plano. La figura ausente de la madre/ esposa Isabelle será el detonante de todo el conflicto presente a la vez que se prepara el homenaje en su memoria en una famosa galería de arte. La obra está narrada en dos tiempos: el presente que les reúne y el pasado que va apareciendo para dar respuesta a interrogantes siempre adultos. Los tiempos no hacen mas que complementarse y el resultado traerá un cambio para todos. El realizador dinamarques se muestra especialmente apto para narrar este tipo de ficciones que siempre han estado presentes en el Cine\, y en el del Norte de Europa (Suecia\, Noruega\, Dinamarca o Finlandia) con su especial manera de realizarlo. De allí surgieron maestros como Ingmar Bergman\, Lars von Trier\, Jan Troell o los hermanos Kaurismaki. Todos autores de un cine personal y de alta calidad artística que el joven cineasta continua con extrema naturalidad y mayor talento. Cuatro intérpretes valiosos dan vida a los personajes y entre todos ellos destaca la actuación de Isabelle Huppert\, la extraordinaria actriz francesa con mas de cuatro décadas de gran cine a sus espaldas. Con un tipo físico muy especial\, del que ha construido una potente imagen cinematográfica\, su creación de la fotógrafa\, madre y esposa Isabelle\, sobrevuela como un fantasma toda la historia\, la de estos tres hombre que han quedado desconcertados tras su desaparición. Como telón de fondo\, y siempre sutilmente\, aparece el tema de las guerras presentes\, esas que no paran de sucederse en todo el planeta ante el alarmante silencio de los medios de comunicación homogéneos\, esos que parecen haber quitado de sus espacios cualquier referencia seria a un tema tan doloroso\, intentando quizás un perverso objetivo: si no se los menciona\, no existen. El Cine\, en su enorme y permanente grandeza\, viene a recordarnos lo opuesto y da a las temáticas mas complejas el espacio que se merecen. Para ello debe contar con espectadores que busquen experiencias mas allá del puro y evasivo entretenimiento. El Arte también puede tener cabida dentro del aspecto Industrial del Cine. \n«EL AMOR ES MAS FUERTE QUE LAS BOMBAS» (Louder than bombs\, 2015) / Dinamarca-Noruega- Francia- EE.UU. / Director Joachim Trier / Intérpretes Gabriel Byrne\, Jesse Eisenberg\, Devin Druid\, Isabelle Huppert / Color / Hablada en inglés y francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 49 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "DOLOR Y GLORIA" (2019).
DESCRIPTION:A nivel global\, fuera del alcance que tuvo en Latinoamerica y de manera parcial\, durante los años cuarenta y cincuenta con su cine «popular\, folclórico y franquista» (Lola Flores\, Carmen Sevilla\, Sara Montiel\, Joselito\, Marisol)\, el cine español fue uno de los menos conocidos del mundo. Solo tres directores han alcanzado una real categoría realmente internacional a lo largo del tiempo: Luis Buñuel (1900-1983)\, que solo realizó tres peliculas en territorio hispano\, Carlos Saura (1932)\, autor de una vasta obra hasta el presente y Pedro Almodovar (1949): «Dolor y Gloria» es su largometraje número 22 (el primero\, rodado en 1978 en Super 8 no suele contar en este listado que lo deja en 21 títulos) y ha cosechado enorme suceso tanto en España como en el exterior. Estrenado en el el Festival de Cine de Cannes de este año\, se alzó con el premio al mejor actor para su protagonista\, y actor fetiche de su primera etapa (y al parecer reencontrado desde «La Piel que habito» hasta hoy) el también español Antonio Banderas. Se narra la historia de un director de cine en crisis durante las últimas décadas\, lo que ha impedido volver a filmar. Bloqueado y enfermo\, una circunstancia le obliga a enfrentar su presente. A través de recuerdos de su infancia\, donde su madre adquiere enorme protagonismo\, y de su propia experiencia como niño cercano a la pubertad\, Salvador Mallo comprende que los años no pasan en vano y que aun hay tiempo para un reencuentro con lo mejor de si mismo. Almodovar\, que ha sido tan popular con sus films como discutido y discutible en sus logros\, aunando odios y fervores por igual\, parece haber obtenido a los 70 años una adultez definitiva\, dejando de lado superficialidades y narcisismos estériles que hicieron que durante mas de 15 años\, el público de su propia tierra le quitara del lugar de semidiós que ocupó en aquellos años ochenta cuando emergió como el mas «moderno y mejor de todos». Sus estrenos eran tan divertidos\, originales y transgresores de un contexto político-social como mediocres en términos artísticos. Ocupó un lugar en el «underground» que pocos parecían rebatirle y el éxito le sonrió con títulos como «Laberinto de pasiones». «Entre tinieblas»\, «¿Que he hecho yo para merecer esto?» o «La ley del deseo». En 1988\, el suceso internacional de «Mujeres al borde de un ataque de nervios» le lleva a las puertas de Hollywood\, New York\, Buenos Aires o París\, donde sus delirios en colores y situaciones disparatadas teñidas de «incorrecciones» sexuales\, políticas y religiosas lo convirtieron en uno de los «niños terribles» de su tiempo y confundieron a muchos con un «genio» a la altura de los grandes cineastas del mundo. Se lo tomó demasiado en serio y comenzó a perder esa frescura inicial que le hizo creer que su talento era único. Como tal comenzó a funcionar y filmó horribles películas entre alguna discreta («La flor de mi secreto» o «Volver»). Con «Los Amantes Pasajeros» recupera algo del delirio humorístico perdido y con «Julieta» aparece por primera vez un cineasta mas alejado de los egos y mas cercano a una madurez necesaria\, la que permite desarrollar el mejor talento…y Almodovar lo tuvo. «Dolor y Gloria» es el resultado del tránsito de un largo camino que ya cumplió 40 años desde aquel primer y desconocido largo en Super 8 «Folle\, folle…folleme Tim» (¿podrá recuperarse?). Sus criaturas son todas profundamente humanas y los tejidos que entre ellos se tejen\, conservan o destruyen\, no hace mas que confirmar la plenitud del realizador. Con momentos memorables donde su madre\, joven o anciana le acompaña\, el descubrimiento temprano del deseo sexual que le convulsiona\, el reencuentro con un amor lejano\, la escinificación de todas las enfermedades que padece haciendo gala de lo mejor del cine de efectos especiales actuales\, hace de esta película una de las mas hermosas y recomendables de la actualidad. En lo personal\, me reconcilia con un cineasta al que disfrute y critiqué por partes iguales durante demasiado tiempo. Siempre habrá ocasiones para los reencuentros entre las personas que apuestan por lo mejor de nosotros mismos. \n«DOLOR Y GLORIA» (ídem\, 2019) / España / Director Pedro Almodovar / Intérpretes Antonio Banderas\, Asier Flores\, Penelope Cruz\, Julieta Serrano\, Asier Etxeandía\, Raul Arevalo\, Nora Nabas\, Leonardo Sbaraglia\, Cesar Vicente\, Cecilia Roth./ Color / Hablada en español con subtítulos en castellano / Duración 1h 53 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LA PRUEBA DEL LEÓN" (1965).
DESCRIPTION:El Seminario Nº4 de Introducción al Cine continúa dictándose los días martes en la Escuela de Bellas Artes a las 19.00 hs. con entrada gratuita. Este 15-11 se dedicará a las llamadas «Películas de Culto» (Cult Movies) que es una tendencia con décadas de historia consistente en recuperar para los espectadores actuales films de gran valor que en su momento pasaron inadvertidamente por las salas de estreno y son rescatadas por nuevas generaciones con el objetivo de darles el lugar que les corresponde. A veces\, la falta de calidad de algunos títulos les da un propio interés por el simple hecho de haber sido apuestas arriesgadas que no llegaron a buen puerto o también películas realmente malas que generan un nuevo atractivo por eso mismo. El mundo de las «cult movies» no puede ser mas que amplio y democrático\, donde confluyan en un solo objetivo: disfrutar de rarezas de diferente origen. \n«La prueba del león» es un film que se estrenó en Argentina en 1967 y apenas gozó de un cierto interés público y crítico. Pertenece al género del «cine de aventuras en tierras exóticas» muy en boga en aquella época. Si el lugar pertenecía a  alguna geografía de África o Asia\, mejor aun. Pero en este caso se trata además de una excelente realización que narra lo que ocurre a un grupo de occidentales que realizan un safari por Sudáfrica a finales del Siglo XIX\, cuando aquel territorio estaba bajo dominio colonialista europeo. La negativa a ser generosos con los integrantes de un tribu local y milenaria\, les lleva al exterminio del que solo uno se salvará: el jefe de los nativos le dará la posibilidad de sobrevivir\, sin armas ni ropaje. Con una diferencia de tiempo\, correrá en punta mientras detrás decenas de hombres furiosos le persiguen. Un ejercicio sobre la supervivencia humana en situaciones y paisajes extremos\, da la posibilidad a su intérprete y director\, el olvidado actor Cornel Wilde (1912-1989) a realizar su mejor obra dentro de las ocho que dirigió a lo largo de veinte años\, mientras seguía siendo el actor de films de aventuras\, piratas u otros géneros que recorrió en su carrera como actor. Olvidado\, como su propia obra\, murió en 1989. Hoy\, su película está dentro de las mas revalorizadas de los años sesenta y es una obra llena de matices donde la aventura es interpretada desde un punto de vista muy original. Nativos y colonizadores son hombres que luchan por la posesión de un territorio. De quién es verdaderamente\, la Historia a veces\, se ocupa de decirlo. \n«LA PRUEBA DEL LEÓN» / The naked prey / 1965 / Sudáfrica- USA / Director Cornel Wilde / Intérpretes Cornel Wilde\, Gert van den Bergh\, Ken Gampu\, Patrick Mynlaardt / Color / Hablada en inglés y lenguas nativas con subtítulos en castellano / Duración 1h 36 minutos /
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SUMMARY:CINE: "EL AMOR MENOS PENSADO" (2018)
DESCRIPTION:El genero de la comedia «costumbrista» es uno de los mas exitosos del cine argentino. El público apoya mayoritariamente estas ofertas mientras deja de lado otras propuestas que nuestra cinematografía brinda. Un fenómeno amargo que no hace mas que acentuar los gustos por un determinado tipo de películas y que permanece activo desde hace décadas en Argentina. En todo caso hay obras que destacan por encima de otras dentro de este apartado y «El Amor Menos Pensado» es una de ellas. Un título que tuvo tanta aceptación aquí como en otras tierras donde el nombre de Ricardo Darin (1957) convoca por si mismo. En esta trama da vida a Marcos\, un hombre que descubre como su vida se ve afectada por la marcha al exterior de su único hijo. Su esposa Ana siente que algo fundamental se ha roto entre ellos y ambos acuerdan separarse para intentar rehacer sus vidas en esta etapa de la adultez\, donde el envejecimiento asoma sus narices. Amigas y amigos\, familiares y algún recién llegado completan el coro que hace funcionar perfectamente el engranaje de la comedia\, matizada con momentos dramáticos siempre visualizados desde un lugar donde la esperanza aparece presente. Una temática actual conocida coloquialmente como el «síndrome del nido vacío» que ha sido objeto de otras realizaciones y que siempre da lugar a una nueva mirada sobre esta cuestión que afecta a millones de parejas en el mundo entero. Básicamente a los que habitan las franjas de la clase media\, que parece tener siempre sus propias reglas y convenciones. Un grupo de excelentes profesionales secundan a la pareja protagonista\, compuesta por Darin y la gran Mercedes Moran (1955)\, actriz emblemática del cine nacional desde su triunfo en el film de Lucrecia Martel «La Ciénaga (2001). Una película que es también retrato de un tiempo: el presente \n«EL AMOR MENOS PENSADO» (2018) / Argentina / Director Juan Vera / Intérpretes Ricardo Darin\, Mercedes Moran\, Claudia Fontán\, Norman Brisky\, Andrea Politti\, Andrea Pietra\, Juan Minujin\, Claudia Lapaco\, Chico Novarro / Color / Hablada en castellano / Duración 2 hs.
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SUMMARY:CINE: "NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS" (2011).
DESCRIPTION:Enrique Urbizu es uno de los grandes narradores cinematográficos del cine español del periodo que va entre 1991 cuando realiza su segundo film («Todo por la pasta»\,1991) hasta 2011 cuando estrena esta obra y la convierte en una de las mas premiadas del año\, ademas de suceso mayor de espectadores. Nacido en 1962 en Bilbao\, Vizcaya\, País Vasco\, el cineasta debuta con una floja comedia que en nada hacia presagiar al talentoso director que aparecería años mas tarde\, En 2002 inicia su colaboración con el actor Jose Coronado (1957) que daría lugar a una triada de films muy valiosos: «La caja 507»\, de ese año\, «La Vida Mancha» (2003) y\, ocho años mas tarde\, el aquí reseñado. En todos\, el tandem artístico logra crear desde la ficción un lucido retrato de la España moderna. Y no precisamente de su lado mas amable. El actor alcanza unos registros impensados hasta ese momento\, que lo convierten en uno de los grandes nombres actuales del cine hispano. Urbizu ha rodado fuera de su tierra natal\, «inmigrante interior» si se quiere\, pero toda su mirada esta atravesada por características muy propias del comportamiento vasco: seco\, riguroso\, de pocas palabras\, muy efectivo en sus retratos audiovisuales. En este\, su ultimo largometraje rodado hasta la fecha (ha incursionado con éxito en la ficción televisiva)\, pareciera reflexionar sobre la violencia\, tanto de los grupos armados como de las fuerzas de seguridad que luchan por controlarlos. Pero aquí no es ETA la protagonista sino un grupo de islamistas radicales que preparan un atentado en un shopping de Madrid. La característica principal es que quien está detrás de sus pasos iniciales\, que luego derivan en un compromiso de las fuerzas espaciales de la Policía\, es un agente destrozado psiquicamente que descubre la trama a partir de un crimen grupal del que es autor. En paralelo transcurre la historia\,donde el principal sospechoso de aquel hecho pasa inadvertido\, mientras se busca gente mas peligrosa todavía. Una jueza joven será la contrapartida de este Santos Trinidad\, un personaje ya clásico del policíaco español. Un tema de lamentable actualidad durante demasiadas décadas en España\, primero a través de los actos terroristas de ETA y luego de las masacres de Atocha del 11 de marzo de 2004\, donde la voladura de trenes ocasiono centenares de muertos inocentes\, a cargo del terrorismo islámico internacional. El cineasta vasco salda cuentas con la propia historia de su pueblo\, contándonos una historia donde no todo es exactamente como parece\, dejando al espectador con la complicidad de buscar respuestas a un terror que pareciera no tener fin. Un obra mayor y formidable de necesaria visión para comprender los tiempos actuales\, al menos en una de sus variantes mas notables: la violencia intrinsica de la condición humana. Cine testimonial de primer orden\, el que perdura con el paso del tiempo. \n«NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS» / 2011\, España- Francia / Director Enrique Urbizu / Intérpretes José Coronado\, Rodolfo Sancho\, Helena Miguel\, Juanjo Artero / Color / Hablada en castellano / Duración 1h 54 minutos.
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SUMMARY:CINE: "QUE DIOS NOS PERDONE" (2016) Seminario 3º de Introducción al Cine.
DESCRIPTION:El genero policial\, policíaco o criminal\, según acepciones de diferentes tierras\, ha gozado de apoyo publico desde los inicios del cine sonoro. Tanto en Norteamérica como países europeos (Francia\, Alemania\, Inglaterra\, España) o en la misma Argentina\, la incorporación del sonido a la imagen\, convirtió a este tipo de films en uno de los preferidos del espectador de cine. Y en muchos de ellos se habilitó la posibilidad de realizar un sub-genero que luego tendría voz propia: el de Denuncia. Porque los ambientes y personajes que poblaban sus historias permitían descender a los ambientes mas bajos de la escala humana\, mas allá de las clases sociales donde las acciones tuvieran lugar. El crimen\, el homicidio\, el asesinato\, la delincuencia\, la policía\, la prostitución\, el narcotráfico\, el contrabando\, encontraron aquí el marco ideal para ser visibilizados. La «ficción» habilitaba hablar lo que de otra manera estaba prohibido. Los carteles que advertían que «todo parecido con la realidad es mera coincidencia»\, o frases similares\, venían a decirnos que la realidad era una cosa y las películas otra. Pero el público supo identificar de inmediato una cosa con la otra. En la actualidad\, con la competencia que las series de televisión de alta calidad y complejidad han proporcionado a la gran pantalla\, todo parece estar permitido. Incluso personajes de la vida real\, aireados por los grandes medios de comunicación\, se han visto convertidos en personajes de ficción dando lugar a un ejercicio de metalenguaje siempre apasionante. El género Documental\, por su parte\, genera sus propias realizaciones donde la rigurosidad de la información y la confirmación de los actos evocados por medio de documentación acreditada\, toma distancia de la siempre mas modificable ficción. «QUE DIOS NOS PERDONE» es una realización española estrenada en el año 2016 y ganadora de importantes premios así como merecedora de una excelente carrera comercial. Dirigida por uno de los talentos jóvenes mas sobresalientes del cine hispano\, el madrileño Rodrigo Sorogoyen (1981)\, la trama se centra en tres personajes que detentan psicopatías muy evidentes. Uno es un asesino serial de mujeres mayores y los otros dos son los investigadores que siguen sus huellas. Todos tienen comportamientos enfermizos y la película propone el ejercicio de reflexionar sobre los delicados limites que separan lo legitimo de los que no lo es. Un policía puede resultar un asesino tan feroz como la figura perseguida. Desde los comportamientos mas evidentes y públicos a los realizados dentro de la mas estricta intimidad. Un ejercicio apasionante que se desarrolla mediante una trama donde la tensión jamas decae hasta culminar en la la escena final\, en un autentico muestrario de la ferocidad de la que el ser humano puede ser capaz una vez transgredidos todos los limites. En una sociedad en continua crisis de valores\, los comportamientos privados invaden terrenos que no deberían. Las sociedades democráticas todas atraviesan profundas crisis cuyos mandatarios no siempre resultan ser los mas adecuados e incluso potencian el comportamientos de las llamadas fuerzas del orden. La Europa retratada en estas películas se ubica en las antípodas de la turística y se convierten en herramienta formidable para reflexionar sobre la deriva de todo un sistema que no parece encontrar limites en su decadencia actual. Todo el progreso conseguido en el avance social es puesto a cada momento en cuestionamiento. Y de esto se nutren los cineastas mas comprometidos y valientes: en dar lugar dentro de las ficciones a la realidad tapada pero ampliamente\, al menos\, sospechada por la mayoría de la población. Que no todos los integrantes de estas fuerzas sean iguales\, algo obvio\, no impide detener la mirada sobre quienes con su comportamiento\, hacen estériles en demasiadas ocasiones\, el buen hacer pretendido por una sociedad que\, se dice\, moderna y progresista. El Cine continua siendo una de las armas de difusión masiva con las que cuenta la Cultura en todas las latitudes. Los nuevos cineastas no hacen mas que continuar el sendero iniciado por maestros como John Ford («Las uvas del mal\, sobre la Gran Depresión Americana)\, Robert Aldrich\, con sus relatos bélicos\, Constantin Costa-Gavras\, uno de los nombres mas populares del cine político-denuncia ( «Z»\, «La Confesión»\, «Estado de Sitio»\, «Sección Special»\, «Desaparecido» o «El Capital»)\, el francés Robert Guidegain con sus muestras sobre la Francia contemporánea\, los maestros italianos del Neorrealismo Vittorio de Sica\, Roberto Rossellini o Luchino Visconti\, con sus obras mas emblemáticas («Ladrones de Bicicletas»\, «Lustrabotas»\, «Roma ciudad abierta» o «La Tierra Tiembla»)\, el británico Kenneth Loach (desde su «Poor Cow» en 1967 hasta la enorme «Yo\, Daniel Blake») o los siempre vigentes maestros latinoamericanos Fernando Solanas\, Octavio Getino\, Leonardo Favio\, Miguel Littin\, Arturo Ripstein\, Paul Leduc\, Fernando Birri\, Patricio Guzmán\, Jorge Sanjinés\, Glauber Rocha\, quienes desde sus Argentina\, Chile\, México\, Bolivia o Brasil supieron combinar sus denuncias con los maestros del Nuevo Cine Cubano\, Tomas Gutierrez Alea\, Juan Carlos Taibo\, Fernando Perez\, Solás\, quienes una vez instalada la Revolución ofrecieron un cine unico e imprescindible. Todos ellos deben mucho de su hacer a los grandes cineastas rusos que desde la Revolucion de 1917 encendieron la mecha del cine mas contestatario y revulsivo. El que permanece\, junto a los nuevos realizadores\, como el necesario y obligatorio para entender algo mas de quienes somos nosotros\, los humanos. \n«QUE DIOS NOS PERDONE» (2016\, España) / Director Rodrigo Sorogoyen / Intérpretes Antonio de la Torre\, Roberto Álamo\, Javier Pereira / Color / Hablada en castellano con subtítulos en el mismo idioma / Duración 2hs. \n 
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SUMMARY:CINE: "PIXOTE\, LA LEY DEL MAS DÉBIL" (1981). Seminario Nº 3 Introducción al Cine
DESCRIPTION:Un cineasta nacido en Argentina que realizó su carrera entre Brasil y Estados Unidos\, con dos regresos a su país donde no obtuvo el suceso similar al alcanzado en las citadas tierras. «Pixote» (1981) fue la película que lanzó internacionalmente el nombre de Héctor Babenco (1946-2016)\, nacido en Mar del Plata y muerto en Brasil. Es interesante reflexionar sobre un film rodado en el final de una dictadura militar (1964-1985) con una temática abiertamente social y de denuncia y con todo ello\, haber traspasado los limites de los censores: los protagonistas son (en su mayoría) actores no profesionales elegidos para representar personajes tan marginales como ellos mismos\, que reconstruyen mediante una ficción la realidad de las clases sociales mas castigadas en una favela de una enorme ciudad como Sao Pablo. Pixote es un niño de de 12 años que es detenido en una redada policial y a partir de ese momento conocerá los rigores de las cárceles y tambien los de la calle\, una vez fuera de ellas. Tomando los postulados del neorrealismo italiano y sus acepciones latinoamericanas\, Babenco busca con su cámara inquieta\, captar la realidad de estos seres que tienen todo en contra desde su propio nacimiento.Las autoridades siempre represoras no hacen mas que acentuar las limitaciones del niño y sus amigos\, compañeros de vida en las malas\, y pocas en las buenas. Una obra que los años han convertido en clásico de los mas destacados del cine latinoamericano\, cuyas imágenes siguen siendo tan perturbadoras y vigentes como en el momento de su estreno. Porque lo que la obra viene a decirnos es que las estructuras sociales se mantienen (malamente) vigentes casi cuatro décadas después. La pobreza no ha dejado jamas de estar presente en los países del tercer mundo\, aunque el termino sueno antiguo y despectivo. Los niños siguen ocupando espacios que no deberían en sociedades donde la injusticia es tolerada como una realidad inamovible. Babenco llevaba realizados un documental (sobre el automovilista Emerson Fitipaldi de gran éxito en Brasil) y dos películas de alto contenido social\, «O rei da noite» (1975)\, y la extraordinaria «Lucio Flavio\, pasajero de la agonía» (1977). Las dos últimas fueron prohibidas por la Dictadura argentina (1976-1983) que tampoco permitió el estreno de «Pixote» ( fue exhibida brevemente dentro de una semana del cine brasilero en 1982 en Buenos Aires). Una cuestión que permite reflexionar e indagar sobre dos regímenes anti-democráticos y vecinos que permitían y censuraban según sus diferentes criterios. El cine brasilero de mediados de los años setenta se convirtió en uno de los mas formidables del continente y fue a través del suceso internacional de «Doña Flor y sus dos maridos» (1976) que se visibilizaron una serie de films de alto valor artístico y compromiso social\, impensable en nuestra Argentina. Con el rodaje mediante capitales norteamericanos de «El beso de la mujer araña» (1985)\, basada en la novela homónima de otro argentino exiliado\, el enorme Manuel Puig (1932-1990)\, el cineasta argentino-brasilero tendría una breve etapa de trabajo en Hollywood\, para saltar de allí a Argentina y rodar por primera vez en tierra propia: la Mar del Plata que fue escenario de una historia de amores y exilios en «Corazón Iluminado» (1998). Regresaría en 2007 para filmar su segundo y ultimo trabajo nacional: «El Pasado» (2007) habiendo logrado entre ambas su otra gran obra maestra en un registro similar al de «Pixote»: la trama carcelaria «Carandirú» (2003)\, estremecedor retrato de las intimidades de la vida carcelaria. Su carrera finalizó un año antes de su muerte con su último trabajo brasilero: «Meu amigo hindú» (2015). La obra de Héctor Babenco perdura como testimonio de un cineasta visceral\, humanista y nomade\, que buscó y logró indagar en los aspectos mas dolorosos de la condición humana\, para brindarnos un cine siempre vigente y necesario\, alejado de cualquier intención sensacionalista\, aunque sus tramas fueran propicias para caer en ello. \n«PIXOTE\, A LEI DO MAS FRACO» (1981) / Brasil / Director Hector Babenco / Intérprete Fernando Ramos da Silva / Hablada en portugués con subtítulos en castellano / Color / Duración 2h 7 minutos.
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SUMMARY:CINE: "REGRESA A MI / BEN ESTÁ DE VUELTA" (2018)
DESCRIPTION:Julia Roberts (1967) es una de las actrices mas populares del cine desde su aparición en «Mujer Bonita» (1990). Su dominio de la comedia la convirtió en una de las preferidas del público y a medida que fue cumpliendo años amplió su registro actoral hasta convertirse en una espléndida actriz dramática. Aceptando el paso del tiempo\, fue incorporando personajes que tenían que ver con su edad\, sin caer en el absurdo de otras figuras a la búsqueda de imposibles personajes siempre jóvenes. Títulos como «Agosto» (2013) o «El maestro del dinero» (2016) demuestran el talento que ahora vuelve a estar presente en su creación de Holly Burns\, la madre de cuatro hijos nacidos de dos matrimonios. Ben\, el mayor de ellos\, está saliendo de una cura de desintoxicación y el regreso al hogar para pasar juntos la Navidad\, aviva todos los temores que la mujer conllevo por la salud del joven. El padrastro y la hija mayor no son tan receptivos a la vuelta de Ben\, mientras que la madre se debate por mantener la calma entre todos. Una problemática moderna cada vez mas visible en la sociedad y con víctimas cada mes menores están detrás de la propuesta del cineasta Peter Hedges\, uno de los nuevos realizadores del panorama actual hollywoodense\, que intenta acercar al público reflejos de la vida cotidiana y familiar siempre en conflicto. Un grupo de jóvenes actores dan vida a los protagonistas y convierten a la película\, de reciente estreno en Buenos Aires\, en una nueva oportunidad de disfrutar de un cine sobre problemas modernos dirigidos al publico adulto\, mas allá de la edad que este tenga. \n«REGRESA A MI» ( Ben is back\, 2018) / EE.UU. / Director Peter Hedges / Intérpretes Julia Roberts\, Lucas Hedges\, Courtney B.Vance\, Kathryn Newton / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "OREIRA" (CIERVO) (2018).
DESCRIPTION:El cine vasco va encontrando nuevas formas de expresión con la incorporación incesante de nuevos y jóvenes cineastas que aportan una personal mirada sobre el mundo que los rodea. Kaldo Almandoz (1973) ganó prestigio por una serie de cortometrajes realizados a lo largo de dos décadas y ahora debuta en el largo con este título que fue galardonado en el último festival de Cine de San Sebastian 2018\, en su edición 66 con el premio Irizar. Forma parte del cine mas independiente y renovador que corre paralelo al de producciones comerciales y que encuentra su lugar en los festivales y salas de cine arte. El País Vasco que aparece aquí carece de nombres concretos para centrarse en un paisaje pocas veces mostrado en la pantalla: marismas y zonas industriales que conviven con los caseríos mas tradicionales. Los elementos y el paisaje son protagonistas a la par que los interpretes: unos se entrecruzan con los otros al compás de imágenes de gran potencia visual y músicas que aparecen y desparecen enriqueciendo cada fotograma. Cinco personajes estructuran una historia que debe ser atendida por el espectador para armar una especie de rompecabezas a la vez complejo y sencillo. Las relaciones entre los seres humanos son las mismas de siempre pero la mirada del realizador las re-ubica en un presente que ha mutado las antiguas tradiciones en actuales comportamientos. Ya no es una tierra solo de nativos sino que es compartida con la llegada de otros. La emigración presente ocupa el espacio de inmigración de otros tiempos: ya no son vascos que van al exterior a encontrar fortuna\, sino extranjeros ricos y pobres que llegan a Euskadi en busca de nuevas oportunidades. Del norte de África o de Japón\, jóvenes que se ganan la vida como pueden o empresarios que vienen a abrir nuevos mercados en un mundo globalizado que todo lo abarca. Las tradiciones y los comportamientos de un pueblo persisten pero tambien son atravesados por las culturas recién llegadas. Khalil es un joven que vive aquí desde los seis años cuando llego con su familia desde el norte de África\, Jose Ramon y Martin son hermanos lugareños que comparten casa pero no se hablan desde hace años\, una guardia forestal sigue en silencio sus pasos y una joven que atiende el negocio de su padre acompaña al extranjero. El dinero se consigue como se puede y Khalil no tiene pudores en las formas. Trabaja tanto la tierra como acompaña a pescar o vende droga. Las relaciones entre los habitantes de toda Europa han cambiado en los ultimas décadas y el panorama del presente poco tiene que ver con el anterior. Del progreso y del rechazo\, de la incomunicación y las relaciones dañados\, de madres que quieren y cuidan a su hijos\, de estas y muchas otras cosas trata la película. Una de las mejor consideradas por la critica española del año 2018 y el primer film de un realizador que promete. Como muchos otros de su entorno vasco que con cada colaboración vas dibujando la diversidad de una cinematografía pujante que poco a poco\, y casi en silencio\, va construyendo y completando la identidad de la cultura vasca. \n«OREINA /CIERVO» (2018) / España / Director Kaldo Almandoz / Intérpretes Laulad Ahmed Saleh\, Ramon Agirre\, Patxi Bisquert\, Iraia Elias\, Erika Olaizola / Color / Hablada en euskera\, castellano\, frances\, inglés y japones con subtítulos en castellano / Duración 1h 25 minutos.
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SUMMARY:CINE/CICLO "ALEMANIA Y SU MURO: 30 AÑOS DESPUÉS"
DESCRIPTION:La Caída del Muro de Berlin el 9 de Noviembre de 1989\, de la que se cumplirá 30 años en este 2019\, fue un acontecimiento que puso fin a un periodo iniciado en 1961 con su construcción. La división entre las dos potencias que diseñaron el panorama político durante el Siglo XX encontró en esta absurda construcción de varios kilómetros la manera mas visible de ejemplificar sus diferencias y destaca como uno de los hitos del periodo conocido como la «Guerra Fría» entre EE.UU y la URSS\, o lo que es lo mismo entre dos sistemas socio-económicos antagónicos: el Comunismo y el Capitalismo. La Cinematografía occidental se hizo eco del mismo desde sus orígenes y fue ampliamente reflejado durante los años sesenta en un género muy exitoso entonces: el de espías. Con una tendencia desmesurada a posicionar a los comunistas como los «malos» de la Historia\, la temática se encuadraba dentro del feroz anticomunismo inherente a los estudios de Hollywood y\, la categoría de los mismos fue variable. Algunos grandes cineastas utilizaron la situación para crear auténticas piezas valiosas como «Llamada para el muerto» (1967) o «Alto Espionaje: El espía que vino del frío» (1965). Sin embargo fue una comedia realizada el mismo año de la construcción la que abordó desde una óptica diferente la situación: «Uno\, dos\, tres…» (1961)\, que puede considerarse el punto de partida de la existencia del Muro de Berlin en la pantalla. \nPara el presente ciclo se han seleccionado tres obras del cine contemporáneo (2000-2012) para acercar una mirada mas reflexiva y sutil sobre el tema. La oscuridad que cubre el periodo cinematográfico de la Alemania del Este\, hace dificultoso en extremo comprobar la mirada que desde allí se observaba. Por lo tanto\, es la Occidental la que predomina y dentro de ella\, se ha intentado en esta breve selección de tres títulos (a todas luces insuficiente\, pero valioso en cuanto posible introducción a un tema aun con mucho que desarrollar) escoger obras de cineastas rigurosos que intentan mostrar cierta e imposible quizás\, objetividad. En todo caso se trata de tres largometrajes con los suficientes valores artísticos como para ser disfrutados\, apreciados y obviamente\, discutidos. No son películas «sentenciosas» aunque sea fácil creer que si\, sino que intentan mostrar al ser humano inmerso en situaciones de extrema singularidad por el tiempo y el lugar que les toca transitar y son\, en general\, victimas de una Historia que los trasciende. Cineastas que han sido también críticos con el funcionamiento de los valores occidentales alejados de cualquier ideal maravilloso como asiduamente se trata de representar al sistema: el Vencedor (Occidente) es por tanto superior al Vencido (el Comunismo soviético y los países bajo su influencia). Un tema siempre postergado de ser analizado en profundidad por la Cinematografía\, salvo contadas excepciones\, porque en definitiva lo que termina imperando es la mirada política e ideológica sobre la realidad. Siempre manipulada según los intereses del poderoso de turno. En este tiempo presente de feroz avance del capitalismo mas salvaje\, el cine serio brinda la oportunidad a los espectadores que se permitan entrar en el juego de los cineastas\, de buscar sus propias reflexiones a partir de la narración ficcional. El cine fue\, es y es de esperar que sea\, mas allá de un maravilloso entretenimiento\, una formidable expresión artística que brinda al ser humano la capacidad de ser un poco mejor. El Museo Etnográfico y Archivo Histórico Enrique Squirru de Azul aparece como un marco ideal desde donde realizar esta oferta a la ciudadanía mas inquieta por el conocimiento y comprensión del pasado histórico. \nPROGRAMA \nVIERNES 9 de AGOSTO / 18.00 hs. /:«BÁRBARA» (ídem\, 2012) /Alemania / Director Christian Petzold / Intérpretes Nina Hoss\, Ronald Zehrfeld\, Rainer Bock / Color / Alemán con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos. \nSíntesis: Alemania del Este\, 1980. Bárbara es una talentosa médica que pide autorización para dejar el país rumbo a Occidente. En castigo por ello\, es enviada a un pueblo del Mar Báltico donde en una clínica deberá realizar su trabajo mientras se siente observada y vigilada por todo el entorno. El director de la institución\, André\, resulta diferente a los demas y despierta la curiosidad de la joven mujer. Su dedicación profesional la enfrenta a la rigurosidad de la vida en el lugar. Una obra maestra del cine alemán contemporaneo\, ganadora de premios y gran éxito de publico dentro de los circuitos mas rigurosos del gran cine europeo. \nVIERNES 16 de AGOSTO / 18.00 hs. / «EL SILENCIO TRAS EL DISPARO»  (Die stille nach dem schuss\, 2000) / Alemania / Director Volker Schlondorff / Intérpretes Bibiana Beglau\, Nadja Uhl\, Martin Wuttke\, Harald Schrott / Color / Alemán con subtítulos en castellano / Duración 1h 40 minutos \nSíntesis: Años 80. Alemania Federal está atravesada por la crisis que representa la irrupción del terrorismo en el sistema democrático. De ideología anti-capitalista\, los grupos armados nacionales se emparentaron con los de Irlanda\, Italia\, Medio Oriente y España\, entre otros\, en su búsqueda por la vía de la lucha armada\, de un nuevo sistema alternativo al imperante. Rita Vogt y sus compañeros integran uno de los mas activos. Pero al sentirse derrotada y a la vez interrogándose sobre su propio posicionamiento\, busca iniciar una nueva vida en la Alemania del Este. Allí vivirá en carne propia esa otra realidad defendida desde la batalla. Mientras\, será testigo en la distancia\, de la suerte de varios de sus ex-compañeros.La caída del Muro de Berlin\, ahondará mas aun sus problemáticas. Una obra memorable sobre una cuestión siempre apasionante y soterrada en el discurso occidental\, del gran cineasta germano Schlondorff\, junto a Win Wenders\, Werner Herzog\, Rainer Fassbinder y otros\, integrante del movimiento cinematográfico que revolucionó los cimientos del cine alemán en los años setenta\, y uno de sus mas lucidos integrantes. Director de films tan prestigiosos como «El Joven Torless» (1966)\, «Golpe de Gracia» (1976)\, «El Tambor de Hojalata»(1979) o «Un amor de Swan» (1984)\, realiza aquí otro de sus grandes aportes al Cine. \nVIERNES 23 de AGOSTO a las 18.00 hs / «BERLIN ESTÁ EN ALEMANIA» / Berlin is in Germany\, 2001) / Director Hannes Stohr / Intérpretes Jorg Schuttauf\, Julia Jager / Color / Versión en castellano con subtítulos en castellano / Duración 1h 40 minutos. \nSíntesis: Tras la Caída del Muro de Berlin en 1989\, Martin sale de la cárcel tras haber pasado 11 años en ella. El mundo exterior que encuentra poco tiene que ver con el que conoció en su anterior vida en la Alemania del Este. Ni ha conocido a su hijo\, nacido al poco de caer en prisión\, ni su esposa le ha esperado. Es un buen hombre con una vida rota que intentará reorganizarla con la ayuda de los pocos amigos que le apoyan: antiguos compañeros de celda también en libertad. Una visión lucida y brillante sobre como los cambios sociales y la propia Historia\, condicionan al individuo. Una película dirigida con enorme sensibilidad por el mas joven de los cineastas de este ciclo\, Hannes Stohr\, que debutó con enorme suceso con este largometraje. Su carrera consta de otros tres films\, todos de gran valor y aceptación critica y popular\, que sin embargo no han permitido que vuelva a filmar desde hace ya seis años. Uno de los mas valiosos integrantes del cine alemán mas reciente\, que combina con singular maestría los géneros del drama y la comedia mas humana. \n \n 
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LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "SAMBA" (2014)
DESCRIPTION:Samba Cisse es un hombre que vive desde hace diez años en Francia. Inmigrante llegado de Senegal\, debe cambiar continuamente de nombre para encontrar trabajo porque su documentación no acaba de confirmarse. Walid llegó de Argelia pero se finge brasilero y es conocido como Wilson en su afán de ser aceptado por los franceses. Alice\, la única europea de los tres protagonistas se recupera de un trabajo que la condujo al stress con un voluntariado en temas de integración de extranjeros. La dupla de realizadores Nakache-Toledano es una de las mas prestigiosas del cine galo y entre sus siete películas hasta el presente\, destaca uno de los mayores sucesos de los últimos tiempos\, que inspiró versiones en Argentina y en USA: «Amigos Intocables» (Intouchables\,2011)\, que contaba la relación entre un amargado y lisiado millonario y su cuidador\, tambien inmigrante y negro. En Argentina\, la versión logró un suceso similar con Martinez y de la Serna repitiendo personajes adaptados a nuestra realidad. El protagonista de aquella\, Omar Sy (1978)\, uno de los astros del actual cine galo\, vuelve a serlo en esta ocasión. La imparable transformación del panorama social europeo con las nuevas generaciones hijas de corrientes migratorias que confluyen con las actuales\, es tema recurrente y propicio para analizar las relaciones humanas en este contexto. Y los cineastas demuestran tener enorme talento a la hora de narrar estas historias donde la comedia se entremezcla con la seriedad del conflicto y las nuevas posibilidades de relacionarse sin caer en tópicos. Un trío de protagonistas muy populares que se completa con Charlotte Gainsbourg(1971)\, actriz fetiche de grandes cineastas como Lars von Trier y una de las mas prestigiosas interpretes desde su juventud tanto en Francia como EE.UU. y Tahar Rahim (1981)\, protagonista de «Un Profeta» y «El Pasado»\, dos grandes títulos. El cine francés en su variante mas potente y sobre todo\, universal. \n«SAMBA» (2014) / Francia / Dirección Eric Toledano y Olivier Nakache / Intérpretes Omar Sy\, Charlotte Gainsbourg\, Tahar Rahim\, Izia Higelin / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 50 minutos
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SUMMARY:CINE: "LA PRIMERA COSA BELLA" (2010)
DESCRIPTION:El Cine Italiano vuelve a tener protagonismo de la mano de una camada de nuevos realizadores con carreras\, en muchos casos\, ya establecidas. Paolo Virzi (Livorno\, 1964) es uno de ellos y fue con esta película que saltó a un primer plano en la atención de público y critica. Luego\, los sucesos de «El Capital Humano» (2013) y «Loca Alegría» (2016 ) lo confirmarían como uno de los mas aceptados cineastas italianos. Bruno ronda los cuarenta años y debe regresar a su ciudad natal por asuntos familiares. Su madre Anna requiere atención. Junto a su hermana y el contacto con viejos recuerdos que fingía superados\, el hombre regresará al pasado para tratar de ordenar partes fundamentales de su vida. El ayer y el hoy se alternan para construir la historia de un núcleo familiar compuesto por una madre poco convencional y un marido intolerante. La rebeldía y la ruptura con el orden establecido conlleva riesgos. El director Virzi recupera parte de las herramientas del cine clásico italiano\, el de la maestría para enfrentar comedia y drama a la vez\, y generar ese estilo propio que lo identifica de otros países europeos. Con un grupo de nuevos y talentosos intérpretes\, unidos a la presencia de una de las grandes actrices peninsulares\, la bella Stefania Sandrelli\, la película se convierte en un conmovedor fresco sobre la realidad italiana de las últimas décadas al compás de las vicisitudes de una familia tan poco convencional como humanamente reconocible. El Cine Italiano ha vuelto con fuerza y espera ser re-descubierto por una nueva generación de espectadores y recuperado por las que supieron hacerlo uno de sus favoritos. \n«LA PRIMERA COSA BELLA» / La prima cosa bella\, 2010 / Italia / Director Paolo Virzi / Intérpretes  Valerio Mastandrea\, Micaela Ramazzotti\, Stefania Sandrelli\, Claudia Pandolfi / Color / Italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h 55 minutos.
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SUMMARY:CINE:"BLANCANIEVES" (2012)
DESCRIPTION:do Vivarelli\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nEstrenar un film mudo a siete décadas de haber finalizado el período donde el sonido estaba ajena a la imagen\, es un caso poco frecuente en el panorama cinematográfico actual. El vasco Pablo Berger (Bilbao\, 1963) lo logró con su segundo largometraje cuando utilizando las tecnologías modernas\, firma una de las propuestas mas insólitas y atractivas del cine europeo presente. La imagen del fotógrafo Kiko de la Rica (Bilbao\, 1965) se encarga de dar contenido a una historia que no es mas que una revisión libre del clásico cuento de los Hermanos Grimm\, escritores alemanes que a partir de 1812 publicaron una serie de relatos que se convirtieron en clásicos\, Blancanieves fue uno de ellos. El director vasco traslada los personajes al universo del sur español\, la Andalucía de los años 1920\, donde un torero famoso pierde a su esposa y se casa con una mujer tan bella como despiadada\, que será la que ocupe el rol de la tirana/bruja del cuento original\, y quién con sus maquinaciones hará de la vida de Carmencita\, la hija del hombre\, un verdadero tormento. Pero esta Carmen/ Blancanieves no es una mujer dócil ni entregada a los mandatos. Dará rienda suelta al deseo de emular la trayectoria de su padre e intentará convertirse en una famosa torera. En su viaje dará con un circo donde unos enanos que trabajan en el\, se convierten en coro protector. Una de las mejores películas de este decenio ganadora de muchos de los mas importantes premios en España y estrenada con gran aceptación crítica en Europa y Latinoamerica. Un cine diferente pero enormemente atractivo. \n«BLANCANIEVES» / 2012 / España- Bélgica- Francia / Director Pablo Berger / Fotografía Kiko de la Rica / Música Alfonso de Villalonga / Intérpretes Sofía Oria\, Macarena Garcia\, Maribel Verdú\, Angela Molina\, Inma Cuesta\, Daniel Gimenez Cacho / Blanco y Negro con subtítulos en castellano / Duración 1h. 44 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LAS COSAS DE LA VIDA" (1970).
DESCRIPTION:Una película para volver a ver a medio siglo de su realización. Cuando se estrenó en Argentina se convirtió en un suceso inmediato y puso en órbita a un director y su cine siguiente. El francés Claude Sautet (1924-2000) desarrolló en el lapso que va desde su debut a su último trabajo (1956-1995) una breve pero intensa en títulos carrera. Dentro de la cual destacan algunas de las mejores películas francesas de ese tiempo. Sus historias sobre las cuestiones humanas dentro del sector burgués se convirtieron en hitos importantes y le ubicaron en un espacio único del cine europeo\, donde se le reconoce como uno de sus mayores creadores. Títulos como este\, mas «El Inspector Max»\, «Cesar y Rosalie»\, «Una historia simple» o «Un corazón en invierno» nos remiten a lo mas profundo del cine humanístico. Con «Las Cosas de la Vida» inicia un ciclo de ocho años donde todas (menos una) sus realizaciones son interpretadas por una de las mas deslumbrantes criaturas de la pantalla: la austriaca Romy Schneider (1938-1982)\, una de las grandes actrices de la Historia que encajó perfectamente con el universo del cineasta y revitalizó su carrera tras un tiempo de oscuridad. Su muerte trágica a los 43 años nos privó de uno de los rostros mas bellos que jamás atravesaron la pantalla. Aquí interpreta a Helene\, la amante de un señor adulto muy atribulado que tiene un accidente de auto y mientras este se desarrolla va recordando momentos de su vida: su ex-esposa\, hijos\, su mundo afectivo que está a punto de terminar. Con una modernidad narrativa que hoy resulta mas moderna que nunca\, y precursora de un cine que no ha parado de indagar por esa vía\, la historia de Pierre Berard\, cincuentón que vive apurado\, sigue conmoviendo hoy. Una narración ágil que va aportando datos para construir un rompecabezas que nos muestra una vida mas\, tan cercana y posible a la de muchos de los habitantes de esta tierra. La tercera figura de la historia la interpreta Lea Massari (1933)\,una actriz italiana hoy olvidada que fue una de las grandes actrices del mejor tiempo del cine europeo\,el que va desde el final de la Segunda Guerra hasta comienzo de los años noventa. Michel Piccoli (1925) estuvo activo hasta el año 2014 y hoy se considera uno de los últimos supervivientes del cine galo donde dejo innumerables obras maestras. «Las Cosas de la Vida» es un clásico que merece ser visto una y otra vez. \n«LAS COSAS DELA VIDA» (Les Choses de la Vie\, 1970) / Francia- Italia / Dirección Claude Sautet / Intérpretes Michel Piccoli\, Romy Schneider\, Lea Massari / Color / Francés con subtítulos en Castellano / Duración 1h 25 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-las-cosas-de-la-vida-1970/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "NACE UNA ESTRELLA" (2018).
DESCRIPTION:La historia de dos personas a las que reúne una misma pasión: el canto. Ally es una mujer joven que trabaja en el mundo de la hostelería y los clubes nocturnos. A veces sube al escenario y seduce a los espectadores de esos pequeños ambientes de la noche. Jack es una super celebridad que llena estadios\, vende discos y es famoso en todo el planeta. Una noche\, hastiado de su mundo profesional\, entra a un lugar donde presenciará una actuación de la desconocida Ally. A partir de ese momento la vida de ambos cambiará para siempre. Esta historia ha sido llevada al cine en tres oportunidades: en la década de los 30 (donde no había música sino actuación)\, en los 50 (donde Judy Garland incorporó la opción cantante) y los 70 (cuando ambos protagonistas eran célebres intérpretes: Barbra Streisand y Kris Krisstoferson). En las tres ocasiones el éxito acompaño la propuesta y en nuestro presente\, tras una larga década de intentos\, se estrena la versión cuarta. Un actor joven muy popular en Estados Unidos debuta como director y dirige a una super estrella del pop: Lady Gaga (1986)\, una de las mas extravagantes figuras del actual panorama musical. Heredera del lugar que ocupo Madonna en el imaginario popular\, la cantante se convierte en actriz de cine tras haberlo hecho en años anteriores en la pantalla televisiva y ganado premios por ello. La película describe ademas de una historia compleja de amor\, los entresijos del mundo del espectáculo\, la creación y desaparición de nuevas y consagradas figuras. Bradley Cooper (1975) hereda un trabajo que iba a estar en manos de Clint Eastwood con Beyoncé Knowles\, otra gran figura actual del mundo mediático-musical\, como protagonista. Finalmente este el resultado del proyecto y desde su estreno\, el film ha conseguido apoyo popular y critico\, siendo una de las películas mas vistas en la presente temporada. El Cine se alimenta de sus propios éxitos pasados para construir nuevos vínculos con los espectadores del presente. \n«NACE UNA ESTRELLA» (A Star is Born) / 2018 / EE.UU. / Director Bradley Cooper / Intérpretes Bradley Cooper\, Lady Gaga\, Sam Elliot / Color / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs /. Género: drama romántico-musical. \n 
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SUMMARY:CINE: "EL PRIMER HOMBRE EN LA LUNA" (2018).
DESCRIPTION:Neil Armstrong (1930-2012) fue un ingeniero espacial\, piloto de guerra\, piloto de pruebas\, astronauta y profesor universitario. En ese orden. También fue esposo\, padre. Y el primer ser humano que puso un pie sobre la Luna\, nuestro satélite espacial y motivo eterno de inspiración para creadores de todas las especies y seres humanos con sensibilidad en especial. El cineasta Damien  Chazelle nació en 1985 cuando el alunizaje ya era historia pasada y creció educándose en la música\, el cine y la historia de su tierra. Después de tres largometrajes donde indagó sobre el mundo de la música y la relación entre esta y las personas\, para su cuarta producción elige mirar hacia el interior de un ser humano común que tuvo una vida extraordinaria\, donde la pasión por el conocimiento y la experimentación de intensas emociones sobre el mundo de la aeronáutica le depararon un destino único en toda la historia de la civilización: ser el primero en llegar a pisar un suelo que no fuera el de nuestro propio planeta. El cineasta recrea con magnifica ayuda de la tecnología actual de cara a la cinematografía\, la intimidad de este hombre que sentía tanta tentación por el avance de la ciencia en términos generales como mayor dificultad para establecer vínculos con el interior de las personas. Su rol de padre y esposo fueron probablemente desafíos mayores a los de lanzarse al aire. Sobre este desdoblamiento hablo el cineasta y permite\, a nosotros espectadores\, evaluar desde una ficción cercana a lo real sobre misterios mas cercanos.Una película que no conectó con el gran publico y que desde esa perspectiva puede considerarse un fracaso económico. Pero sin embargo se transformó en logro artístico. Que debería ser una cuestión a tomar mas en cuenta hoy cuando nos enfrentamos a películas que abordan ciertas temáticas muy populares\, pero lo hacen desde un lugar riguroso y adulto. Aquí no hay superheroes infantilizados\, de tanta aceptación en el no menos infantilizado publico global del presente\, sino un hombre verdadero y terrenal que alcanzo logros históricos. La realidad presente se mezcla continuamente con la ficción y la mentira mas descarada. Pero hay un Cine que se niega a aceptar estas reglas (no escritas) y apuesta por continuar siendo adulto y provocar a los ídem. «El Primer Hombre en la Luna» llega cuando se cumplen cincuenta años de aquella deslumbrante historia y lo hace con enorme talento y rigurosidad. \n«EL PRIMER HOMBRE EN LA LUNA» / THE FIRST MAN / 2018 / Estados Unidos-Japón / Director Damien Chazelle / Intérpretes Ryan Gosling\, Claire Foy\, Jason Clarke\, Kyle Chandler / Inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 2hs. 9 minutos.
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SUMMARY:CINE: "BUSCO MI DESTINO" (EASY RIDER). 1969. 8ª Clase de Introducción al Cine.
DESCRIPTION:El Cine Independiente. Panorama hasta 1970. La Era Analógica. \nLa primera pregunta que surge es: ¿Independiente\, de quién?. Intentar encontrar una respuesta definitiva resulta muy complejo porque estamos hablando de la cinematografía a nivel global\, donde cada territorio responde a un contexto. Pero resulta efectivo comenzar respondiendo que se refiere a «independiente» de los grandes estudios\, circuitos e industria dominante. Es un cine hecho a partir de esta realidad: al no conseguir\, o renegar\, de la ayuda de estos grandes centros del poder en cuanto a producción se refiere\, quienes optan por esta vía se ven enfrentados a una primera dificultad: la financiación\, ese dinero imprescindible aun para película de bajo o escaso coste. Podríamos afirmar que el primer cine independiente es el que surge a partir de las imposiciones de Tomas Edison en la primera década del Siglo XX de cobrar altos cánones a cualquiera que quiera tener algo que ver con la realización de cine. Al ser muy poco democráticas y hasta extorsionadoras estas prácticas\, generan un grupo disidente que decide trasladarse desde la Zona Este (New York) donde se da la primera producción masiva de cine en USA\, hasta el lado opuesto: esa California en el extremo Oeste que dará lugar a Hollywood y a la vez\, a todo un Sistema de Estudios que en pocos años no harán mas que ocupar el espacio generado por Edison y del que estos nuevos fundadores huyeron. Desde allí\, otros generarían nuevas formas de independencia. \nEn los años treinta\, en plena Depresión económica\, se estrenan películas de muy bajo presupuesto que\, «camufladas» tras una supuesta mirada realista o documental\, tratan temas de salud o adicciones\, drogas o prostitución\, para realizar autenticas apologías sobre diferentes formas de practicar la sexualidad. El sexo\, entre otras prohibiciones\, aparece como uno de los grandes impulsores de cierto cine independiente que derivará en el pornográfico suave y duro (que por otro lado ya se filmaba desde los propios orígenes del cine en 1895). Entre 1934 y 1967 entra en vigor en Estados Unidos el «Código Hays»\, que controla la decencia y la moral de las producciones de cine. prohibiendo cualquier obra que no se ajustara a sus disparatados dictados (no podía hablarse abiertamente de temas como el aborto\, la prostitución\, el alcoholismo\, las perversiones\, ni las parejas aun casadas dormir en una misma cama). Esta situación da lugar a un cine alternativo que tras la excusa moralizante y educadora\, da rienda suelta al tratamiento de muchas de estas prohibiciones que serán protagonistas de estos films\, en general\, exhibidos en el interior del país en salas baratas\, fuera del sistema. Podría pensarse entonces\, en un primer cine independiente. \nLa finalización de la Segunda Guerra Mundial trajo nuevos aires y se comenzaron a realizar films mas experimentales donde continuaban ocupando lugar los temas prohibidos en el cine llamado comercial\, donde el código de censura seguía vigente. Aparece el llamado cine «Underground» (subterráneo) que es también una manera mucho mas artística de ejercer la independencia. Cito a uno de sus precursores\, un niño nacido en Hollywood\, conocedor de todos los entresijos de la Industria y que desde los 9 años de edad\, filma. Entre 1941 y 2013 dirige una casi treintena de cortos de diferentes duración\, con una total libertad de expresión y experimentación\, su nombre: Kenneth Anger (1929). Es mas conocido por su obra literaria de dos tomos:»Hollywood Babylon»\, donde describe chimentos sobre famosos del cine en sus aspectos mas sórdidos. La audacia de sus temáticas fueron muy rechazadas por el público de su país\, por lo que muchos de sus trabajos los realizó en Europa. Los otros items importantes son: a mediado de los años cincuenta surge una nueva camada de cineastas gestados desde la Televisión que van pasando al Cine\, la «Generación de la TV». En realidad muchos acaban trabajando para los grandes estudios que se muestran mas permisivos y les permiten ahondar en temáticas antes censuradas\, en lo que sería el «tramo final» del ejercicio estricto del Código Hays. Son sus abanderados el cineasta Stanley Kramer e intérpretes como Burt Lancaster o Kirk Douglas que generan producciones al margen de los grandes estudios y permiten que realizadores\, entre otros\, Stanley Kubrick\, firmen sus primeros trabajos (este realizador experimenta en un cine de bajo presupuesto que le visibiliza a los ojos de la gente citada). Cineastas de este tiempo son Sidney Lumet\, Martin Ritt\, John Frankenheimer\, Delbert Mann o Robert Mulligan\, autores de grandes obras desde sus debuts hasta el final de sus carreras. Mas al «margen» y con mucho menos presupuesto aparece la «Escuela de New York» (American Cinema Group) de la mano de uno de los grandes innovadores\, el actor John Cassavetes (1929-1989) que deslumbra con su film «Shadows» (1958) y siembra las semillas de las que nacerán futuros y grandes realizadores actuales. El otro nombre fundamental de entonces es el del artista multifacetico Andy Warhol (1928-1987) que organiza un espacio de producción cinematográfica donde se experimenta en las posibilidades mas arriesgadas. Dirige algunos trabajos\, en diferentes formatos y produce una serie de films al mando de Paul Morrisey (1938) que se convierten en trilogía básica para comprender las intenciones de este grupo: «Flesh» (1968)\, «Trash» (1970) y «Heat» (1972). También destacan en cine de bajo presupuesto los nombres de Russ Meyer (1922-2004)\, que desde 1959 realiza films eróticos muy bien diseñados y Roger Corman (1926) que con la creación de una productora propia\, fomentará el trabajo de jovenes que darán luz al siguiente y último gran movimiento independiente: el New Hollywood Group (Nuevo Cine Americano). De este saldrán grandes nombres como Dennis Hopper\, Peter Fonda\, Martin Scorsese\, Francis Ford Coppola\, Paul Schrader\, Brian de Palma\, William Friedkin\, quienes desde sus debuts en films alternativos a la gran Industria\, pasarán a formar parte de ella modificandola por una década. Estos cineastas ven finalmente la muerte e imposición del Código Hays que agoniza durante los primeros sesenta hasta desaparecer en 1967. Los aires de libertad que respira gran parte de este tiempo se ve reflejada en sus producciones. \nEn Europa la independencia no fue tan llamativa como en EE.UU. Excepto por la influencia en Alemania\, Italia y España de sus gobiernos fascistas (Hitler\, Mussolini o Franco)\, la cinematografía no estuvo tan limitada a las Censuras lo que permitió una alternancia mas significativa entre el cine estrictamente comercial y el que ahondaba en su aspecto mas artístico. El «Expresionismo» alemán de los años 20\, en un país arrasado por las consecuencias de la Primera Guerra Mundial\, el «Neorrealismo» italiano tras la segunda\, el «Free Cinema» inglés de los cincuenta\, nacido de la mirada documentalista de sus ideólogos\, la «Nouvelle Vague» francesa\, emergente desde la critica de unas revistas\, mas las expresiones de Alemania desde mediado de los sesenta o España en esos mismos años\, serían la parte mas evidente de un cine independiente creado al margen del estrictamente comercial. \nLatinoamérica tarda mucho mas en hacer evidente esta manifestación. Un continente dominado desde principios del cine sonoro hasta finales de los cincuenta por dos grandes cinematografías\, la argentina y la mexicana\, no dejó demasiado espacio a las alternancias y libertades. Los demás países del hemisferio (Brasil\, con su lengua portuguesa generó espacios propios no exportables) no desarrollaron verdaderas industrias cinematográficas\, ni comerciales ni independientes. Quizás los años sesenta y primeros setenta con la Revolución Cubana\, el Chile socialista\, alguna excepción desde Bolivia o Colombia\, serían terrenos abonados excepcionalmente con alguna muestra de independencia. \nMéxico y Argentina\, con el final de sus sistemas de estudios calcados de Hollywood\, si tuvieron la posibilidad de generar un cierto cine independiente\, en general muy politizado\, reflejo de los años emergentes en nuevas realidades de todo tipo. En nuestro país\, podría hablarse de un movimiento tan excepcional como breve que tuvo su tiempo entre finales de los años cincuenta y primeros sesenta con la aparición de cineastas curtidos en las salas de cine-clubes o redacciones de revistas o periódicos o en la que fue la primera escuela de cine nacional: la del Litoral\, que comandada por transgresores como Fernando Birri generó un cine totalmente diferente al visto hasta entonces. Un tiempo dorado merecedor de un permanente reconocimiento. Los nombres de David Jose Kohon\, Lautaro Murua\, Simón Feldman\, Jose Martinez Suarez\, Rodolfo Kuhn o Leonardo Favio antecedieron a los de Fernando Solanas\, Octavio Getino\, Raymundo Gleyzer y otros cineastas militantes que serían los verdaderos fundadores del cine independiente argentino. Tanto que fueron perseguidos\, censurados y hasta desaparecidos por un sistema que no podía aceptar semejantes aires libertarios. \n«BUSCO MI DESTINO» (Easy Rider) / EE.UU.\, 1969 / Director Dennis Hopper / Intérpretes Peter Fonda\, Dennis Hopper\, Jack Nicholson / Color / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 35 minutos. \nEste es un proyecto nacido de los deseos personales de un actor con capacidad de encontrar dinero para materializarlos. Peter Fonda (1940-2019) fue hijo y hermano de dos figuras míticas dentro del mundo del cine norteamericano: Henry Fonda (1905-1982) y Jane (1937). Los dos encarnaron a lo largo de sus carreras personajes emblemáticos de la pantalla y sus nombres quedaron asociados al cine de calidad\, incluso al apartado del mas comprometido políticamente. En el caso de ella fue mucho mas manifiesto: luchas por los derechos civiles\, la condición femenina atacada y la guerra de Vietnam fueron causas que la vieron y ven aun activa entre sus defensores. Peter nace en el seno de una familia muy acomodada y al llegar a la adolescencia se rebela contra toda su crianza. Debuta muy joven como actor en una comedia intrascendente e inmediatamente se vuelca a un cine mas comprometido con la realidad que atraviesa EE.UU. en su momento. Trabaja a las ordenes de realizadores serios hasta llegar al territorio de Roger Corman\, magnate del cine de bajo presupuesto. Protagoniza dos películas emblemáticas de su «factoría»: «The Wild Angels / Los Ángeles Salvajes\, 1966)\, sobre el mundo de los motoristas y las reacciones negativas que provocan en la población mas conservadora\, y «The Trip» (1967)\, un viaje al interior de los efectos del LSD en sus consumidores. Estas obras lo sitúan en un espacio muy especial del momento: el reconocimiento por parte de un público joven y alternativo que no es ni el de su padre y tampoco\, hasta ese entonces\, el de su hermana. Junto a su amigo actor Dennis Hopper (1936-2010) desarrollan un proyecto: contar la historia de dos amigos que apasionados por las motos\, inician un viaje por el interior de su tierra\, por una de las zonas mas oscuras y retrógradas en cuanto a cultura e ignorancia. En ese trayecto\, desarrollan una mirada diferente al ser testigos de todo un mundo solapado que van descubriendo desde una mirada casi documental. La violencia del entorno aparece casi instantáneamente y será parte fundamental de la narración\, en todas las variantes posibles\, hasta desembocar en un final trágico y seco que pocas esperanzas pintan para el futuro. Habiéndose convertido en productores de la obra\, logran lo que sería un hito histórico: que la película sea comprada por un gran estudio de Cine\, la Columbia Pictures. Esto les permite una difusión nacional e internacional alejada de las que sus trabajos precedentes habían obtenido. Y se convierte en suceso instantáneo en un tiempo de cambios radicales en la Industria de Hollywood. Agotados los antiguos esquemas del cine de estudio que imperaron desde los inicios de Hollywood y que a mediados de los años sesenta\, colapsaron\, esta nueva forma de hacer películas abriría las puertas de un tiempo histórico para la expresión mas comprometida y renovadora: la de un grupo de jóvenes cineastas que tuvieron la oportunidad de aportar nuevas miradas sobre el presente\, haciendo añicos mucho del esquema precedente. «Easy Rider» permanece a cincuenta años de su estreno como una obra clásica que sirve también para ilustrar unos años de cambios donde se luchó por remover los cimientos de un mundo anquilosado. No se consiguió\, viendo lo que ocurrió en la década siguiente\, pero las intenciones siguen tan vigentes como entrañables. Para los que apostamos por cambios progresistas y combatimos el conservadurismo troglodita que invade hoy todo el planeta
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SUMMARY:CINE: "EL SUBMARINO AMARILLO" (1969). 7ª Clase de Introducción al cine.
DESCRIPTION:El Cine de Dibujos Animados: desde Walt Disney a los años setenta. \nCuando en 1937 se estrenó el film «Blancanieves y los Siete Enanitos» (duración: 1 hora y 23 minutos)\, el nombre de Walt Disney (1901-1966) llevaba ya 15 años tras la experimentación del dibujo animado\, una técnica que cambiaba el rodaje de imágenes reales por las de animación. En 1922 había presentado su primer cortometraje basado en el cuento clásico «Caperucita Roja» y filmó decenas mas hasta llegar a su primera película de larga duración y ademas sonora. En 1928 había presentado a su primer gran criatura\, Mickey Mouse en «Steamboat Willie»\, de seis minutos de duración\, y allí ya utilizaba las técnicas del sonoro. Sus creaciones no pararon de hablar ni de desarrollar la calidad de imagen\, hasta su temprana muerte a los 65 años. Dejaba atrás mas de 650 trabajos inducidos por él. Pero Disney no fue el inventor de este tipo de cine sino quien con el tiempo\, gracias a innovaciones que él diseñaba y luego desarrollaban y elaboraban centenares de dibujantes a sueldo en su estudio\, como si de una fábrica se tratara (y lo era en el sentido mas estricto del término)\, sino el hombre que mas protagonismo alcanzó con el paso del tiempo. Hasta eclipsar a competidores y precursores. \nUnos años antes de la irrupción de los hermanos Lumiere con su invento\, el Cinematógrafo\, otros investigadores habían presentado artefactos que reproducían imágenes ya en animación. En la «era» del Cine\, 1908 es el año que se cita como pionero en esta técnica con la aparición de los trabajos de Emile Cohl (1857-1938)\, cuando se estrena el corto «Fantasmagorie»\, uno de los primeros de sus mas de 300 trabajos. También Georges Meliés (1861-1938) había experimentado y alternando personajes reales con dibujos u otros trucos de los que fue inventor. Estos dos grandes y fundamentales nombres mueren el mismo año\, casi olvidados ambos. \nHasta aquí he citado nombres de cinematografías pioneras. Pero también lo fue la nuestra\, la Argentina\, y un nuevo caso de desmemoria nos recuerda nuestra enorme capacidad de olvidar o ignorar datos fundamentales del pasado nacional. Un hombre nacido en Italia y emigrado a Buenos Aires a los cuatro años\, Quirino Cristiani (1896-1984) es probablemente uno de los artistas mas olvidados y /o desconocidos de la historia nacional. En 1917 estrena el primer largometraje mudo del mundo en dibujos animados: «El Apóstol» (1 hora y diez minutos). Compuesto por unos 58.000 dibujos\, y en 35 mm\, a 14 cuadros por segundo\, esta obra pionera se ha perdido para siempre. En 1918 presenta su siguiente trabajo\, «Sin dejar rastros» y en 1931 estrena el primer largo sonoro\, la sátira política «Peludópolis» (80 minutos) donde sus protagonistas son caricaturas de personajes contemporáneos como Yrigoyen\, Uriburu\, M. T.de Alvear\, en una narración que descubre las intrigas políticas y corruptas (¡!) de nuestras clases dirigentes (y gobernantes). Sigue filmando\, en sus propios estudios\, hasta 1943 cuando estrena «Carbonada»\, después de deslumbrar con «El mono relojero» (1938) y «Entre pitos y flautas» (1941). En 1957 y 1961\, dos enormes incendios destruyen toda su producción (solo sobrevive copia de «El mono relojero»). El hombre\, agobiado y envejecido\, se retira a su casa de Bernal\, Provincia de Buenos Aires\, donde moriría a los 98 años de edad. Algunos tuvieron el valor de rendirle un mas que tardío homenaje. Como retribución\, citamos que en 2018 se instauró en España el premio «Quirino» que selecciona lo mejor de la animación ibero-americana. Un precursor indispensable de nuestra cinematografía y un nombre que aun hoy espera todas las reivindicaciones merecedoras de semejante talento. En 1941\, el mismísimo Walt Disney viajó a Argentina para contratarlo y llevarlo a sus estudios de California. El inmigrante rechazó la oferta. Y eligió su destino argentino. \nLas ramas mas generales de esta manifestación audiovisual se dividen en tres en la cinematografía: 1) el dibujo animado (dibujos planos en dos dimensiones fotografiados imagen por imagen)\, 2) animación en volumen (modelos reducidos o marionetas) y 3) animación por computadora (hija de los avances científicos / tecnológicos). Podríamos hablar de dos grandes vías o caminos que tomó el género: el clásico y el experimental. Dentro de este último destacan los trabajos realizados en la Unión Soviética y sus países satélites\, con el nombre del checo Jiri Trnka (1912-1969) a la cabeza. Sus películas de corta y larga duración trabajan con marionetas filmadas imagen a imagen que alcanzan una maestría única y son el pilar del que parten creadores de todo el globo. El canadiense Norman McLaren (1914-1987) crea a partir de uno de los centros mas innovadores del mundo\, el National Film Board of Canadá\, todo un mundo donde lo experimental y lo abstracto se adueñan de la pantalla. Sus creaciones permanecen dentro de las mas modernas\, un estilo de cine alejado de fines comerciales; en este terreno destacan en Argentina dos nombres que suceden a Quirino Cristiani: Dante Quinterno (1909-2003)\, dibujante mítico nacional\, padre de Patoruzú y sus compañeros\, estrena en 1942 el primer film animado en colores: «Upa en apuros» que queda en una duración de 15 minutos debido a enormes problemas de producción. Otro inmigrante\, el español Manuel García Ferré (1929-2013) será el que desarrollará a lo largo de décadas un trabajo industrial que le convierte de alguna manera en el «Disney nacional». A finales de los sesenta estrena en televisión una serie con su creación «Hijitus». Enorme suceso que le acompañará por cuatro años en una televisión hastiada de producciones extranjeras. En 1972 estrena el primer largometraje de larga duración y en colores: «Mil Intentos y un invento»\, donde sus criaturas escapadas de las revistas\, Anteojito y Antifaz\, toman vida propia y convierten al film en un buen suceso comercial. Mucho mas lo tendría su segundo largo\, «Trapito» de 1975\, estrenado a finales del «boom» del cine argentino iniciado en 1973 y que la Dictadura se encargaría de liquidar definitivamente. Un periodo enormemente rico de nuestra cinematografía que merece todas las reivindicaciones posibles. \n En Estados Unidos hay mas nombres después de Walt Disney: los hermanos Fleischer\, con Max (1883-1972) a la cabeza. Es el padre de la deslumbrante y transgresora Betty Boop y el animador para cine del marinero lleno de espinacas y músculos\, Popeye. También lleva a Superman por primera vez a la animación fílmica.»Los Viajes de Gulliver» (1939)\, dirigida por su hermano Dave (1894-1979)\, es uno de los mas hermosos trabajos de su factoría\, quien había deslumbrado ya en 1924 con «Oh\, Mabel…!»\, el primer dibujo animado con sonido…que tuvo que proyectarse mudo porque se anticipo al uso masivo que llegaría a partir de 1927. Después de finalizada la Segunda Guerra Mundial\, comienza la verdadera Era del género\, que continúa hasta el presente. Se traduce en dos vías: la Televisión y los Cines. Mientras que de la segunda se adueña absolutamente Walt Disney con sus deslumbrantes largometrajes\, famosos en toda la Tierra\, tanto de animación como ficción\, el ámbito casero de la «pantalla chica» es territorio de unos pocos. Ademas de Disney\, quien también reina en este terreno\, los estudios Warner Bros. y Metro-Goldwyn-Mayer son los grandes productores a través de artistas como Chuck Jones (1912-2002)\, Friz Freleng (1906-1995) y Tex Avery (1908-1980) padres\, entre otras creaciones\, de Looney Tunes y Merrie Melodies\, cantera de adorables criaturas como El Coyote y el Corre-caminos\, Porky\, Piolin\, Bugs Bunny o Silvestre.  Mas adelante aparecerá la otra gran locomotora de la televisión animada: Hanna-Barbera\, estudio creado en 1957 y desde donde llegarían Los Picapiedras mas otras figuras hoy míticas. Los años 70 descubren la figura del maestro del cine de animación adulto\, perseguido por censores varios por sus dibujos animados para mayores\, repletos de sexo y complejidades varias: Ralph Bakshi\, nacido en Medio Oriente\, emigrante a USA y padre de «Fritz\, el Gato»\, «Trafico Pesado» (ambos estrenados y rápidamente censurados en Argentina a mediado de los setenta)\, la primera versión cinematográfica de «El Señor de los Anillos»\, «Wizards»\, «American Pop» (con música deslumbrante incluida) o el experimento con actores y animación «Cool World»\, donde en 1993 Kim Basinger y Brad Pitt se dan la mano con criaturas salidas de la calenturienta mente del artista. Europa\, menos dedicada al genero\, entrega en los setenta el solitario nombre de Rene Laloux y su premiada » El Planeta Salvaje». \nEl presente de Pixar y el anime Japonés será motivo de una clase futura. Nos detenemos en el experimento sesentero de llevar al cine y con dibujos animados\, el mundo de la música y cultura pop de The Beatles y su «Submarino Amarillo». \n  \n«EL SUBMARINO AMARILLO» / The Yellow Submarine / 1968 / Director  George Dunning / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 30 minutos / Dibujos animados. \nEn el año 1964 se estrena el primer film que tienen a The Beatles como protagonistas. Tras cuatro años de suceso en aumento que les convierte en auténtico fenómeno global\, el realizador norteamericano afincado en Reino Unido\, Richard Lester (1932) que venía de realizar dos largometrajes de escaso renombre\, es el encargado de firmar el debut en la cinematografía de los cuatro integrantes de la banda: «A hard day’s night» (1964)\, conocida en Argentina como «Yeah\, yeah\, yeah…»\, es una obra de su época. En el sentido menos afortunado de la expresión. Porque no ha superado el paso del tiempo y lo que en su momento podía resultar novedoso\, revulsivo\, experimental\, hoy resulta extrañamente envejecido. El tono de comedia irreverente\, carente de una narrativa solida que convierte al guión en un devenir\, se supone que surrealista\, sobre las andanzas de estos cuatro músicos que se interpretan (¿?) a si mismos\, en medio de atropellos visuales varios\, solo conserva algunos momentos verdaderamente graciosos. Sobreviven una deslumbrante fotografía en blanco y negro que transmite algo de una parte de la ciudad de Londres\, cuyo espíritu rebelde de entonces marcó modas y tendencias. La falta mayor\, quizás sea el escaso talento interpretativo de los cuatro y sus exagerados intentos de resultar graciosos e irresistibles. En realidad es una película muy irritante: el querer ser graciosos a toda costa resulta un intento frustrado. Cuando dejan de lado estos esfuerzos y cantan\, interpretan música\, la magia se apodera de la función y el registro documental se impone y aparece como lo unico realmente posible de lograr después de tantas idas y venidas. Igualmente el film fue un enorme suceso comercial y hasta crítico en varios sectores de «modernos» que arropaban cualquier cosa que se distanciara de lo «convencional». Confundieron los logros del «Free Cinema» con los del realizador que llegaba desde la publicidad\, que\, sin embargo\, una vez fuera del mundo beatle\, encontró su propia voz en una serie de magnificas manifestaciones artísticas de su época: «El Knack…y como lograrlo»\, «Petulia» o » Después de la bomba»\, mas algunas realizaciones de mediados a finales de los años setenta\, aportan al cine la mirada inquieta de un cineasta que busca en la mordacidad de la comedia sus mejores propósitos. A veces lo consigue\, otras no. En 1965 vuelven a trabajar juntos y repiten suceso en color: «¡Help!» (¡Socorro!) continúa por la senda anterior. Pero es peor. La gracia parece desaparecer de casi todos los planos. El tercer intento beatle será a través del genero del dibujo animado: «El Submarino Amarillo». Basada en un guión escrito a cinco o seis manos\, parece un terreno mas fértil de abonar todo ese imaginario pop que trasmiten las canciones de la banda. Con una utilización de nuevas técnicas surgidas en la época con la llegada de nuevos talentos al mundo de la animación\, la película sin embargo puede considerarse un fracaso en términos comerciales. El publico que aplaudió las dos anteriores entregas\, huyó despavorido de las salas al no poder acceder al mundo de ficción propuesto por los autores. Esta ficción\, donde un grupo de malvados de color azul y formas deformes y monstruosas aterrorizan a toda una población hasta dejarlos literalmente paralizados\, será atravesado por un submarino con fines revolucionarios\, mientras los cuatro músicos dibujados según imagen y semejanza\, cantaran algunas bellisimas canciones a la par de intentar ser héroes devenidos autómatas a las ordenes del Capitán Fred. Que lucha por acabar con la maldad reinante e imponer definitivamente la paz\, el orden «desordenado»\, la libertad y la dicha entre la población. Los ecos del movimiento hippie\, las influencias de las culturas orientales\, el trazo pop estilo de su tiempo\, se impone por sobre todas las demas consideraciones. El resultado es una obra de extraña belleza visual pero con un ritmo que decae continuamente y hace tedioso el devenir de la casi hora y media que dura la función. Sin embargo sus imágenes resaltan hoy como testigos poderosos de un tiempo en que se creyó que los himnos de amor y paz acabarían por alcanzar a la civilización. Un intento fallido alejado de las revoluciones violentas que se desarrollaban en varios lugares del planeta mientras The Beatles perseguían sus ideales a golpe de musica y colorido. \n 
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LOCATION:Escuela de Bellas Artes\, Av.25 de Mayo 573\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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