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SUMMARY:CINE: "PROMESA AL AMANECER" (2017).
DESCRIPTION:«Promesa al amanecer» es el título de una novela editada en Francia en 1960 y cuyo autor\, Romain Gary (1914-1980)\, fue uno de los mas renombrados de la literatura gala de la posguerra hasta su muerte («Educación Europea» (1945)\, «Las raíces del cielo» (1956)\, premio Goncourt\, «Lady L» (1963)\, «La vie devant soi» (1976)\, segundo premio Goncourt con seudónimo Emile Ajar\, o «Clair de femme» (1977)\, todas con adaptación al cine). En ella\, el escritor recupera su propia historia: la madre y él mismo\, niño y adolescente\, son los protagonistas de esta autobiografía donde se narran sucesos claves de la existencia de ambos. Nacido en tierras del aun Imperio Zarista Ruso\, hijo de padre desconocido\, viven en Lituania\, Polonia y finalmente Niza\, Francia. La madre es una mujer con tanta energía como desquicio emocional\, inventa y proyecta sobre el niño muchas de sus propias frustraciones. Admiradora del cine y la cultura francesa\, un referente e ideal en esos primeros años del Siglo XX\, la mujer hace lo imposible para sacar adelante la vida de ambos: cualquier trabajo es posible para ella\, pero en todos\, la cuestión delirante es notable. Esta relación condicionará para siempre la vida de Romain\, que a los cuarenta años de edad escribe esta historia en un intento de sublimar demonios y amores que la figura materna ha trazado en su persona. Fue un combatiente condecorado por De Gaulle en la Segunda Guerra\, diplomático frances en Bolivia y EE.UU. en los años cincuenta\, escritor siempre y hasta director de cine en dos ocasiones\, donde la protagonista fue su segunda esposa\, gran amor y madre de su único hijo\, la actriz norteamericana Jean Seberg (1938-1979).La historia de amor que mantuvo con ella fue tan densa como trágica y de esa relación nació el descendiente que hoy es productor de esta película. Una historia familiar\, intima\, que no ha dejado de moverse a través de todo un siglo. Esta película obtuvo un buen suceso critico y publico en Francia y no fue estrenada en Argentina. Una prueba mas de la dificultad que el Cine actual encuentra para ser visible a pesar de contar con el sello de una gran potencia cinematográfica como es Francia y el protagonismo de una de las grandes figuras del panorama interpretativo actual como es Charlotte Gainsbourg\, que nacida en 1971\, debutó siendo adolescente y no ha dejado de trabajar hasta el presente. En esta obra\, su composición de Nina Kacew\, esa madre tan fuerte como frágil\, es uno de los grandes trabajos de su trayectoria. Una película formidable. \n«PROMESA AL AMANECER» ( La promesse de l’aube) / 2017 / Francia / Director Eric Barbier / Intérpretes Charlotte Gainsbourg\, Pierre Niney\, Catherine McKormack\, Pawel Puchalski\, Nemo Schiffman / Color / Hablada en francés con subtítulos en español / Duración 2 hs /
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-promesa-al-amanecer-2017/
LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "AMAMA" (2015)
DESCRIPTION:Amama significa abuela en euskera\, la ancestral lengua del pueblo vasco. Y sobre esos ancestros reflexiona esta deslumbrante película donde todo parece conducir a un viaje a la profundidad del ser de un pueblo- El «Caserío» es el espacio natural\, el núcleo duro de la familia rural vasca. La que ve en la permanencia de las costumbres ancestrales la única posibilidad de conservar la tradición y por ende\, la identidad de un pueblo. Pero los tiempos cambian y las nuevas generaciones tienen los ojos puestos en otras realidades. La Ciudad es su destino natural\, y hacía allí emigran los hijos de un matrimonio adulto\, envejecidos sin ser viejos\, todos observados bajo la mirada dura\, silenciosa\, seca de la abuela\, la «amama» que da título al film. Ella será la encargada de cumplir con una tradición: pintar cada árbol por cada nuevo integrante del clan familiar con un color: el rojo para los trabajadores natos\, el blanco para los inútiles y el negro para los rebeldes. Colores que son también condena\, estigma u orgullo para cada uno de ellos. Los negros y los blancos son los hijos del matrimonio que cuestionan tanto hábito ancestral y que quieren huir de ellos\, mientras esperan que el padre pueda decir algo afectuoso alguna vez\, mas allá de los continuos reproches que otorga a cada hijo. A los que aun lo visitan\, porque el mas joven mas que partir\, huye del lugar. La madre\, mientras tanto\, es testigo y cómplice del hombre que ve como todo su mundo se va desmoronando. La película se abre y prácticamente cierra con una imagen que dará sentido a la historia: ese hombre que atraviesa un bosque solitario con alguien a sus espaldas es precisamente el mas rebelde\, el que rescatará de su destino final a la mayor de todas. Nieto y abuela unidos por un respeto silencioso\, sincero\, donde las palabras parecen no tener lugar pero si los actos que encubren afectos imposibles de ser dichos. Obra rigurosa que se convierte en una de las mejores expresiones de una cinematografía que quiere hablar con voz propia\, la que la diferencie de ese resto del estado español donde cada región tiene sus propias amamas. Aunque con diferentes nombres. El paisaje\, la tierra\, los árboles\, los animales\, las montañas silenciosas al fondo del cuadro\, las pinturas que llegan desde la ciudad para romper las reglas y convertir todo en una exposición de arte deslumbrante que cierra la película\, que es a la vez despedida y ritual no solo de una mujer muerta sino de toda una tradición en un tren que parece circular en contramano. Asier Altuna (1969) es parte de la última generación de directores y directoras que ejemplifican la renovación de las primeras voces del cine vasco\, aquellas que de la mano de Montxo Armendariz o Imanol Uribe dieron el pistoletazo de salida\, a principios de los años 80 de una nueva forma de mirar el pasado. Vasco\, obviamente. \n«AMAMA» (ABUELA) / ídem\, 2015 / España / Director Asier Altuna / Intérpretes Kandido Uranga\, Iaia Elias\, Amparo Badiola\, Klara Badiola / Color / Versión doblada al castellano sin subtítulos / Duración 1h 35 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-amama-2015/
LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL AMOR ES MAS FUERTE QUE LAS BOMBAS" (2015)
DESCRIPTION:Un nuevo director europeo\, Joachim Trier (1974\, Dinamarca) llamó la atención de los críticos con su segundo largometraje de 2011 «Oslo\, 31 de agosto»\, adaptación de un clásico de la literatura francesa\, la obra «Fuego Fatuo» de Pierre Drieu La Rochelle\, que narra las últimas horas de un joven y que ya había sido llevada a la pantalla en 1963 en la memorable obra de Louis Malle\, con el mismo título que el original. Este éxito le permitió abordar su siguiente film con apoyo internacional y fue rodado en Estados Unidos: «El amor es mas fuerte que las bombas». Un cineasta interesado en indagar las conductas humanas\, encuentra en esta nueva ficción los elementos que mas le atraen. Gene es padre de dos hijos. El mayor\, Jonah se ha marchado de casa hace mucho tiempo y el menor\, Conrad\, le acompaña. Con motivo de un gran homenaje que se hace a la madre muerta tres años atrás\, una famosa fotógrafa especializada en temas de guerra\, los tres hombres se reunirán bajo un mismo techo después de mucho tiempo de desencuentros. La vuelta no es cómoda para ninguno de ellos\, y viejas cuestiones latentes y jamas resueltas\, vuelven a un primer plano. La figura ausente de la madre/ esposa Isabelle será el detonante de todo el conflicto presente a la vez que se prepara el homenaje en su memoria en una famosa galería de arte. La obra está narrada en dos tiempos: el presente que les reúne y el pasado que va apareciendo para dar respuesta a interrogantes siempre adultos. Los tiempos no hacen mas que complementarse y el resultado traerá un cambio para todos. El realizador dinamarques se muestra especialmente apto para narrar este tipo de ficciones que siempre han estado presentes en el Cine\, y en el del Norte de Europa (Suecia\, Noruega\, Dinamarca o Finlandia) con su especial manera de realizarlo. De allí surgieron maestros como Ingmar Bergman\, Lars von Trier\, Jan Troell o los hermanos Kaurismaki. Todos autores de un cine personal y de alta calidad artística que el joven cineasta continua con extrema naturalidad y mayor talento. Cuatro intérpretes valiosos dan vida a los personajes y entre todos ellos destaca la actuación de Isabelle Huppert\, la extraordinaria actriz francesa con mas de cuatro décadas de gran cine a sus espaldas. Con un tipo físico muy especial\, del que ha construido una potente imagen cinematográfica\, su creación de la fotógrafa\, madre y esposa Isabelle\, sobrevuela como un fantasma toda la historia\, la de estos tres hombre que han quedado desconcertados tras su desaparición. Como telón de fondo\, y siempre sutilmente\, aparece el tema de las guerras presentes\, esas que no paran de sucederse en todo el planeta ante el alarmante silencio de los medios de comunicación homogéneos\, esos que parecen haber quitado de sus espacios cualquier referencia seria a un tema tan doloroso\, intentando quizás un perverso objetivo: si no se los menciona\, no existen. El Cine\, en su enorme y permanente grandeza\, viene a recordarnos lo opuesto y da a las temáticas mas complejas el espacio que se merecen. Para ello debe contar con espectadores que busquen experiencias mas allá del puro y evasivo entretenimiento. El Arte también puede tener cabida dentro del aspecto Industrial del Cine. \n«EL AMOR ES MAS FUERTE QUE LAS BOMBAS» (Louder than bombs\, 2015) / Dinamarca-Noruega- Francia- EE.UU. / Director Joachim Trier / Intérpretes Gabriel Byrne\, Jesse Eisenberg\, Devin Druid\, Isabelle Huppert / Color / Hablada en inglés y francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 49 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "DOLOR Y GLORIA" (2019).
DESCRIPTION:A nivel global\, fuera del alcance que tuvo en Latinoamerica y de manera parcial\, durante los años cuarenta y cincuenta con su cine «popular\, folclórico y franquista» (Lola Flores\, Carmen Sevilla\, Sara Montiel\, Joselito\, Marisol)\, el cine español fue uno de los menos conocidos del mundo. Solo tres directores han alcanzado una real categoría realmente internacional a lo largo del tiempo: Luis Buñuel (1900-1983)\, que solo realizó tres peliculas en territorio hispano\, Carlos Saura (1932)\, autor de una vasta obra hasta el presente y Pedro Almodovar (1949): «Dolor y Gloria» es su largometraje número 22 (el primero\, rodado en 1978 en Super 8 no suele contar en este listado que lo deja en 21 títulos) y ha cosechado enorme suceso tanto en España como en el exterior. Estrenado en el el Festival de Cine de Cannes de este año\, se alzó con el premio al mejor actor para su protagonista\, y actor fetiche de su primera etapa (y al parecer reencontrado desde «La Piel que habito» hasta hoy) el también español Antonio Banderas. Se narra la historia de un director de cine en crisis durante las últimas décadas\, lo que ha impedido volver a filmar. Bloqueado y enfermo\, una circunstancia le obliga a enfrentar su presente. A través de recuerdos de su infancia\, donde su madre adquiere enorme protagonismo\, y de su propia experiencia como niño cercano a la pubertad\, Salvador Mallo comprende que los años no pasan en vano y que aun hay tiempo para un reencuentro con lo mejor de si mismo. Almodovar\, que ha sido tan popular con sus films como discutido y discutible en sus logros\, aunando odios y fervores por igual\, parece haber obtenido a los 70 años una adultez definitiva\, dejando de lado superficialidades y narcisismos estériles que hicieron que durante mas de 15 años\, el público de su propia tierra le quitara del lugar de semidiós que ocupó en aquellos años ochenta cuando emergió como el mas «moderno y mejor de todos». Sus estrenos eran tan divertidos\, originales y transgresores de un contexto político-social como mediocres en términos artísticos. Ocupó un lugar en el «underground» que pocos parecían rebatirle y el éxito le sonrió con títulos como «Laberinto de pasiones». «Entre tinieblas»\, «¿Que he hecho yo para merecer esto?» o «La ley del deseo». En 1988\, el suceso internacional de «Mujeres al borde de un ataque de nervios» le lleva a las puertas de Hollywood\, New York\, Buenos Aires o París\, donde sus delirios en colores y situaciones disparatadas teñidas de «incorrecciones» sexuales\, políticas y religiosas lo convirtieron en uno de los «niños terribles» de su tiempo y confundieron a muchos con un «genio» a la altura de los grandes cineastas del mundo. Se lo tomó demasiado en serio y comenzó a perder esa frescura inicial que le hizo creer que su talento era único. Como tal comenzó a funcionar y filmó horribles películas entre alguna discreta («La flor de mi secreto» o «Volver»). Con «Los Amantes Pasajeros» recupera algo del delirio humorístico perdido y con «Julieta» aparece por primera vez un cineasta mas alejado de los egos y mas cercano a una madurez necesaria\, la que permite desarrollar el mejor talento…y Almodovar lo tuvo. «Dolor y Gloria» es el resultado del tránsito de un largo camino que ya cumplió 40 años desde aquel primer y desconocido largo en Super 8 «Folle\, folle…folleme Tim» (¿podrá recuperarse?). Sus criaturas son todas profundamente humanas y los tejidos que entre ellos se tejen\, conservan o destruyen\, no hace mas que confirmar la plenitud del realizador. Con momentos memorables donde su madre\, joven o anciana le acompaña\, el descubrimiento temprano del deseo sexual que le convulsiona\, el reencuentro con un amor lejano\, la escinificación de todas las enfermedades que padece haciendo gala de lo mejor del cine de efectos especiales actuales\, hace de esta película una de las mas hermosas y recomendables de la actualidad. En lo personal\, me reconcilia con un cineasta al que disfrute y critiqué por partes iguales durante demasiado tiempo. Siempre habrá ocasiones para los reencuentros entre las personas que apuestan por lo mejor de nosotros mismos. \n«DOLOR Y GLORIA» (ídem\, 2019) / España / Director Pedro Almodovar / Intérpretes Antonio Banderas\, Asier Flores\, Penelope Cruz\, Julieta Serrano\, Asier Etxeandía\, Raul Arevalo\, Nora Nabas\, Leonardo Sbaraglia\, Cesar Vicente\, Cecilia Roth./ Color / Hablada en español con subtítulos en castellano / Duración 1h 53 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LA PRUEBA DEL LEÓN" (1965).
DESCRIPTION:El Seminario Nº4 de Introducción al Cine continúa dictándose los días martes en la Escuela de Bellas Artes a las 19.00 hs. con entrada gratuita. Este 15-11 se dedicará a las llamadas «Películas de Culto» (Cult Movies) que es una tendencia con décadas de historia consistente en recuperar para los espectadores actuales films de gran valor que en su momento pasaron inadvertidamente por las salas de estreno y son rescatadas por nuevas generaciones con el objetivo de darles el lugar que les corresponde. A veces\, la falta de calidad de algunos títulos les da un propio interés por el simple hecho de haber sido apuestas arriesgadas que no llegaron a buen puerto o también películas realmente malas que generan un nuevo atractivo por eso mismo. El mundo de las «cult movies» no puede ser mas que amplio y democrático\, donde confluyan en un solo objetivo: disfrutar de rarezas de diferente origen. \n«La prueba del león» es un film que se estrenó en Argentina en 1967 y apenas gozó de un cierto interés público y crítico. Pertenece al género del «cine de aventuras en tierras exóticas» muy en boga en aquella época. Si el lugar pertenecía a  alguna geografía de África o Asia\, mejor aun. Pero en este caso se trata además de una excelente realización que narra lo que ocurre a un grupo de occidentales que realizan un safari por Sudáfrica a finales del Siglo XIX\, cuando aquel territorio estaba bajo dominio colonialista europeo. La negativa a ser generosos con los integrantes de un tribu local y milenaria\, les lleva al exterminio del que solo uno se salvará: el jefe de los nativos le dará la posibilidad de sobrevivir\, sin armas ni ropaje. Con una diferencia de tiempo\, correrá en punta mientras detrás decenas de hombres furiosos le persiguen. Un ejercicio sobre la supervivencia humana en situaciones y paisajes extremos\, da la posibilidad a su intérprete y director\, el olvidado actor Cornel Wilde (1912-1989) a realizar su mejor obra dentro de las ocho que dirigió a lo largo de veinte años\, mientras seguía siendo el actor de films de aventuras\, piratas u otros géneros que recorrió en su carrera como actor. Olvidado\, como su propia obra\, murió en 1989. Hoy\, su película está dentro de las mas revalorizadas de los años sesenta y es una obra llena de matices donde la aventura es interpretada desde un punto de vista muy original. Nativos y colonizadores son hombres que luchan por la posesión de un territorio. De quién es verdaderamente\, la Historia a veces\, se ocupa de decirlo. \n«LA PRUEBA DEL LEÓN» / The naked prey / 1965 / Sudáfrica- USA / Director Cornel Wilde / Intérpretes Cornel Wilde\, Gert van den Bergh\, Ken Gampu\, Patrick Mynlaardt / Color / Hablada en inglés y lenguas nativas con subtítulos en castellano / Duración 1h 36 minutos /
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LOCATION:Escuela de Bellas Artes\, Av.25 de Mayo 573\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL AMOR MENOS PENSADO" (2018)
DESCRIPTION:El genero de la comedia «costumbrista» es uno de los mas exitosos del cine argentino. El público apoya mayoritariamente estas ofertas mientras deja de lado otras propuestas que nuestra cinematografía brinda. Un fenómeno amargo que no hace mas que acentuar los gustos por un determinado tipo de películas y que permanece activo desde hace décadas en Argentina. En todo caso hay obras que destacan por encima de otras dentro de este apartado y «El Amor Menos Pensado» es una de ellas. Un título que tuvo tanta aceptación aquí como en otras tierras donde el nombre de Ricardo Darin (1957) convoca por si mismo. En esta trama da vida a Marcos\, un hombre que descubre como su vida se ve afectada por la marcha al exterior de su único hijo. Su esposa Ana siente que algo fundamental se ha roto entre ellos y ambos acuerdan separarse para intentar rehacer sus vidas en esta etapa de la adultez\, donde el envejecimiento asoma sus narices. Amigas y amigos\, familiares y algún recién llegado completan el coro que hace funcionar perfectamente el engranaje de la comedia\, matizada con momentos dramáticos siempre visualizados desde un lugar donde la esperanza aparece presente. Una temática actual conocida coloquialmente como el «síndrome del nido vacío» que ha sido objeto de otras realizaciones y que siempre da lugar a una nueva mirada sobre esta cuestión que afecta a millones de parejas en el mundo entero. Básicamente a los que habitan las franjas de la clase media\, que parece tener siempre sus propias reglas y convenciones. Un grupo de excelentes profesionales secundan a la pareja protagonista\, compuesta por Darin y la gran Mercedes Moran (1955)\, actriz emblemática del cine nacional desde su triunfo en el film de Lucrecia Martel «La Ciénaga (2001). Una película que es también retrato de un tiempo: el presente \n«EL AMOR MENOS PENSADO» (2018) / Argentina / Director Juan Vera / Intérpretes Ricardo Darin\, Mercedes Moran\, Claudia Fontán\, Norman Brisky\, Andrea Politti\, Andrea Pietra\, Juan Minujin\, Claudia Lapaco\, Chico Novarro / Color / Hablada en castellano / Duración 2 hs.
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SUMMARY:CINE: "NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS" (2011).
DESCRIPTION:Enrique Urbizu es uno de los grandes narradores cinematográficos del cine español del periodo que va entre 1991 cuando realiza su segundo film («Todo por la pasta»\,1991) hasta 2011 cuando estrena esta obra y la convierte en una de las mas premiadas del año\, ademas de suceso mayor de espectadores. Nacido en 1962 en Bilbao\, Vizcaya\, País Vasco\, el cineasta debuta con una floja comedia que en nada hacia presagiar al talentoso director que aparecería años mas tarde\, En 2002 inicia su colaboración con el actor Jose Coronado (1957) que daría lugar a una triada de films muy valiosos: «La caja 507»\, de ese año\, «La Vida Mancha» (2003) y\, ocho años mas tarde\, el aquí reseñado. En todos\, el tandem artístico logra crear desde la ficción un lucido retrato de la España moderna. Y no precisamente de su lado mas amable. El actor alcanza unos registros impensados hasta ese momento\, que lo convierten en uno de los grandes nombres actuales del cine hispano. Urbizu ha rodado fuera de su tierra natal\, «inmigrante interior» si se quiere\, pero toda su mirada esta atravesada por características muy propias del comportamiento vasco: seco\, riguroso\, de pocas palabras\, muy efectivo en sus retratos audiovisuales. En este\, su ultimo largometraje rodado hasta la fecha (ha incursionado con éxito en la ficción televisiva)\, pareciera reflexionar sobre la violencia\, tanto de los grupos armados como de las fuerzas de seguridad que luchan por controlarlos. Pero aquí no es ETA la protagonista sino un grupo de islamistas radicales que preparan un atentado en un shopping de Madrid. La característica principal es que quien está detrás de sus pasos iniciales\, que luego derivan en un compromiso de las fuerzas espaciales de la Policía\, es un agente destrozado psiquicamente que descubre la trama a partir de un crimen grupal del que es autor. En paralelo transcurre la historia\,donde el principal sospechoso de aquel hecho pasa inadvertido\, mientras se busca gente mas peligrosa todavía. Una jueza joven será la contrapartida de este Santos Trinidad\, un personaje ya clásico del policíaco español. Un tema de lamentable actualidad durante demasiadas décadas en España\, primero a través de los actos terroristas de ETA y luego de las masacres de Atocha del 11 de marzo de 2004\, donde la voladura de trenes ocasiono centenares de muertos inocentes\, a cargo del terrorismo islámico internacional. El cineasta vasco salda cuentas con la propia historia de su pueblo\, contándonos una historia donde no todo es exactamente como parece\, dejando al espectador con la complicidad de buscar respuestas a un terror que pareciera no tener fin. Un obra mayor y formidable de necesaria visión para comprender los tiempos actuales\, al menos en una de sus variantes mas notables: la violencia intrinsica de la condición humana. Cine testimonial de primer orden\, el que perdura con el paso del tiempo. \n«NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS» / 2011\, España- Francia / Director Enrique Urbizu / Intérpretes José Coronado\, Rodolfo Sancho\, Helena Miguel\, Juanjo Artero / Color / Hablada en castellano / Duración 1h 54 minutos.
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SUMMARY:CINE: "QUE DIOS NOS PERDONE" (2016) Seminario 3º de Introducción al Cine.
DESCRIPTION:El genero policial\, policíaco o criminal\, según acepciones de diferentes tierras\, ha gozado de apoyo publico desde los inicios del cine sonoro. Tanto en Norteamérica como países europeos (Francia\, Alemania\, Inglaterra\, España) o en la misma Argentina\, la incorporación del sonido a la imagen\, convirtió a este tipo de films en uno de los preferidos del espectador de cine. Y en muchos de ellos se habilitó la posibilidad de realizar un sub-genero que luego tendría voz propia: el de Denuncia. Porque los ambientes y personajes que poblaban sus historias permitían descender a los ambientes mas bajos de la escala humana\, mas allá de las clases sociales donde las acciones tuvieran lugar. El crimen\, el homicidio\, el asesinato\, la delincuencia\, la policía\, la prostitución\, el narcotráfico\, el contrabando\, encontraron aquí el marco ideal para ser visibilizados. La «ficción» habilitaba hablar lo que de otra manera estaba prohibido. Los carteles que advertían que «todo parecido con la realidad es mera coincidencia»\, o frases similares\, venían a decirnos que la realidad era una cosa y las películas otra. Pero el público supo identificar de inmediato una cosa con la otra. En la actualidad\, con la competencia que las series de televisión de alta calidad y complejidad han proporcionado a la gran pantalla\, todo parece estar permitido. Incluso personajes de la vida real\, aireados por los grandes medios de comunicación\, se han visto convertidos en personajes de ficción dando lugar a un ejercicio de metalenguaje siempre apasionante. El género Documental\, por su parte\, genera sus propias realizaciones donde la rigurosidad de la información y la confirmación de los actos evocados por medio de documentación acreditada\, toma distancia de la siempre mas modificable ficción. «QUE DIOS NOS PERDONE» es una realización española estrenada en el año 2016 y ganadora de importantes premios así como merecedora de una excelente carrera comercial. Dirigida por uno de los talentos jóvenes mas sobresalientes del cine hispano\, el madrileño Rodrigo Sorogoyen (1981)\, la trama se centra en tres personajes que detentan psicopatías muy evidentes. Uno es un asesino serial de mujeres mayores y los otros dos son los investigadores que siguen sus huellas. Todos tienen comportamientos enfermizos y la película propone el ejercicio de reflexionar sobre los delicados limites que separan lo legitimo de los que no lo es. Un policía puede resultar un asesino tan feroz como la figura perseguida. Desde los comportamientos mas evidentes y públicos a los realizados dentro de la mas estricta intimidad. Un ejercicio apasionante que se desarrolla mediante una trama donde la tensión jamas decae hasta culminar en la la escena final\, en un autentico muestrario de la ferocidad de la que el ser humano puede ser capaz una vez transgredidos todos los limites. En una sociedad en continua crisis de valores\, los comportamientos privados invaden terrenos que no deberían. Las sociedades democráticas todas atraviesan profundas crisis cuyos mandatarios no siempre resultan ser los mas adecuados e incluso potencian el comportamientos de las llamadas fuerzas del orden. La Europa retratada en estas películas se ubica en las antípodas de la turística y se convierten en herramienta formidable para reflexionar sobre la deriva de todo un sistema que no parece encontrar limites en su decadencia actual. Todo el progreso conseguido en el avance social es puesto a cada momento en cuestionamiento. Y de esto se nutren los cineastas mas comprometidos y valientes: en dar lugar dentro de las ficciones a la realidad tapada pero ampliamente\, al menos\, sospechada por la mayoría de la población. Que no todos los integrantes de estas fuerzas sean iguales\, algo obvio\, no impide detener la mirada sobre quienes con su comportamiento\, hacen estériles en demasiadas ocasiones\, el buen hacer pretendido por una sociedad que\, se dice\, moderna y progresista. El Cine continua siendo una de las armas de difusión masiva con las que cuenta la Cultura en todas las latitudes. Los nuevos cineastas no hacen mas que continuar el sendero iniciado por maestros como John Ford («Las uvas del mal\, sobre la Gran Depresión Americana)\, Robert Aldrich\, con sus relatos bélicos\, Constantin Costa-Gavras\, uno de los nombres mas populares del cine político-denuncia ( «Z»\, «La Confesión»\, «Estado de Sitio»\, «Sección Special»\, «Desaparecido» o «El Capital»)\, el francés Robert Guidegain con sus muestras sobre la Francia contemporánea\, los maestros italianos del Neorrealismo Vittorio de Sica\, Roberto Rossellini o Luchino Visconti\, con sus obras mas emblemáticas («Ladrones de Bicicletas»\, «Lustrabotas»\, «Roma ciudad abierta» o «La Tierra Tiembla»)\, el británico Kenneth Loach (desde su «Poor Cow» en 1967 hasta la enorme «Yo\, Daniel Blake») o los siempre vigentes maestros latinoamericanos Fernando Solanas\, Octavio Getino\, Leonardo Favio\, Miguel Littin\, Arturo Ripstein\, Paul Leduc\, Fernando Birri\, Patricio Guzmán\, Jorge Sanjinés\, Glauber Rocha\, quienes desde sus Argentina\, Chile\, México\, Bolivia o Brasil supieron combinar sus denuncias con los maestros del Nuevo Cine Cubano\, Tomas Gutierrez Alea\, Juan Carlos Taibo\, Fernando Perez\, Solás\, quienes una vez instalada la Revolución ofrecieron un cine unico e imprescindible. Todos ellos deben mucho de su hacer a los grandes cineastas rusos que desde la Revolucion de 1917 encendieron la mecha del cine mas contestatario y revulsivo. El que permanece\, junto a los nuevos realizadores\, como el necesario y obligatorio para entender algo mas de quienes somos nosotros\, los humanos. \n«QUE DIOS NOS PERDONE» (2016\, España) / Director Rodrigo Sorogoyen / Intérpretes Antonio de la Torre\, Roberto Álamo\, Javier Pereira / Color / Hablada en castellano con subtítulos en el mismo idioma / Duración 2hs. \n 
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SUMMARY:CINE: "PIXOTE\, LA LEY DEL MAS DÉBIL" (1981). Seminario Nº 3 Introducción al Cine
DESCRIPTION:Un cineasta nacido en Argentina que realizó su carrera entre Brasil y Estados Unidos\, con dos regresos a su país donde no obtuvo el suceso similar al alcanzado en las citadas tierras. «Pixote» (1981) fue la película que lanzó internacionalmente el nombre de Héctor Babenco (1946-2016)\, nacido en Mar del Plata y muerto en Brasil. Es interesante reflexionar sobre un film rodado en el final de una dictadura militar (1964-1985) con una temática abiertamente social y de denuncia y con todo ello\, haber traspasado los limites de los censores: los protagonistas son (en su mayoría) actores no profesionales elegidos para representar personajes tan marginales como ellos mismos\, que reconstruyen mediante una ficción la realidad de las clases sociales mas castigadas en una favela de una enorme ciudad como Sao Pablo. Pixote es un niño de de 12 años que es detenido en una redada policial y a partir de ese momento conocerá los rigores de las cárceles y tambien los de la calle\, una vez fuera de ellas. Tomando los postulados del neorrealismo italiano y sus acepciones latinoamericanas\, Babenco busca con su cámara inquieta\, captar la realidad de estos seres que tienen todo en contra desde su propio nacimiento.Las autoridades siempre represoras no hacen mas que acentuar las limitaciones del niño y sus amigos\, compañeros de vida en las malas\, y pocas en las buenas. Una obra que los años han convertido en clásico de los mas destacados del cine latinoamericano\, cuyas imágenes siguen siendo tan perturbadoras y vigentes como en el momento de su estreno. Porque lo que la obra viene a decirnos es que las estructuras sociales se mantienen (malamente) vigentes casi cuatro décadas después. La pobreza no ha dejado jamas de estar presente en los países del tercer mundo\, aunque el termino sueno antiguo y despectivo. Los niños siguen ocupando espacios que no deberían en sociedades donde la injusticia es tolerada como una realidad inamovible. Babenco llevaba realizados un documental (sobre el automovilista Emerson Fitipaldi de gran éxito en Brasil) y dos películas de alto contenido social\, «O rei da noite» (1975)\, y la extraordinaria «Lucio Flavio\, pasajero de la agonía» (1977). Las dos últimas fueron prohibidas por la Dictadura argentina (1976-1983) que tampoco permitió el estreno de «Pixote» ( fue exhibida brevemente dentro de una semana del cine brasilero en 1982 en Buenos Aires). Una cuestión que permite reflexionar e indagar sobre dos regímenes anti-democráticos y vecinos que permitían y censuraban según sus diferentes criterios. El cine brasilero de mediados de los años setenta se convirtió en uno de los mas formidables del continente y fue a través del suceso internacional de «Doña Flor y sus dos maridos» (1976) que se visibilizaron una serie de films de alto valor artístico y compromiso social\, impensable en nuestra Argentina. Con el rodaje mediante capitales norteamericanos de «El beso de la mujer araña» (1985)\, basada en la novela homónima de otro argentino exiliado\, el enorme Manuel Puig (1932-1990)\, el cineasta argentino-brasilero tendría una breve etapa de trabajo en Hollywood\, para saltar de allí a Argentina y rodar por primera vez en tierra propia: la Mar del Plata que fue escenario de una historia de amores y exilios en «Corazón Iluminado» (1998). Regresaría en 2007 para filmar su segundo y ultimo trabajo nacional: «El Pasado» (2007) habiendo logrado entre ambas su otra gran obra maestra en un registro similar al de «Pixote»: la trama carcelaria «Carandirú» (2003)\, estremecedor retrato de las intimidades de la vida carcelaria. Su carrera finalizó un año antes de su muerte con su último trabajo brasilero: «Meu amigo hindú» (2015). La obra de Héctor Babenco perdura como testimonio de un cineasta visceral\, humanista y nomade\, que buscó y logró indagar en los aspectos mas dolorosos de la condición humana\, para brindarnos un cine siempre vigente y necesario\, alejado de cualquier intención sensacionalista\, aunque sus tramas fueran propicias para caer en ello. \n«PIXOTE\, A LEI DO MAS FRACO» (1981) / Brasil / Director Hector Babenco / Intérprete Fernando Ramos da Silva / Hablada en portugués con subtítulos en castellano / Color / Duración 2h 7 minutos.
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SUMMARY:CINE: "REGRESA A MI / BEN ESTÁ DE VUELTA" (2018)
DESCRIPTION:Julia Roberts (1967) es una de las actrices mas populares del cine desde su aparición en «Mujer Bonita» (1990). Su dominio de la comedia la convirtió en una de las preferidas del público y a medida que fue cumpliendo años amplió su registro actoral hasta convertirse en una espléndida actriz dramática. Aceptando el paso del tiempo\, fue incorporando personajes que tenían que ver con su edad\, sin caer en el absurdo de otras figuras a la búsqueda de imposibles personajes siempre jóvenes. Títulos como «Agosto» (2013) o «El maestro del dinero» (2016) demuestran el talento que ahora vuelve a estar presente en su creación de Holly Burns\, la madre de cuatro hijos nacidos de dos matrimonios. Ben\, el mayor de ellos\, está saliendo de una cura de desintoxicación y el regreso al hogar para pasar juntos la Navidad\, aviva todos los temores que la mujer conllevo por la salud del joven. El padrastro y la hija mayor no son tan receptivos a la vuelta de Ben\, mientras que la madre se debate por mantener la calma entre todos. Una problemática moderna cada vez mas visible en la sociedad y con víctimas cada mes menores están detrás de la propuesta del cineasta Peter Hedges\, uno de los nuevos realizadores del panorama actual hollywoodense\, que intenta acercar al público reflejos de la vida cotidiana y familiar siempre en conflicto. Un grupo de jóvenes actores dan vida a los protagonistas y convierten a la película\, de reciente estreno en Buenos Aires\, en una nueva oportunidad de disfrutar de un cine sobre problemas modernos dirigidos al publico adulto\, mas allá de la edad que este tenga. \n«REGRESA A MI» ( Ben is back\, 2018) / EE.UU. / Director Peter Hedges / Intérpretes Julia Roberts\, Lucas Hedges\, Courtney B.Vance\, Kathryn Newton / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "OREIRA" (CIERVO) (2018).
DESCRIPTION:El cine vasco va encontrando nuevas formas de expresión con la incorporación incesante de nuevos y jóvenes cineastas que aportan una personal mirada sobre el mundo que los rodea. Kaldo Almandoz (1973) ganó prestigio por una serie de cortometrajes realizados a lo largo de dos décadas y ahora debuta en el largo con este título que fue galardonado en el último festival de Cine de San Sebastian 2018\, en su edición 66 con el premio Irizar. Forma parte del cine mas independiente y renovador que corre paralelo al de producciones comerciales y que encuentra su lugar en los festivales y salas de cine arte. El País Vasco que aparece aquí carece de nombres concretos para centrarse en un paisaje pocas veces mostrado en la pantalla: marismas y zonas industriales que conviven con los caseríos mas tradicionales. Los elementos y el paisaje son protagonistas a la par que los interpretes: unos se entrecruzan con los otros al compás de imágenes de gran potencia visual y músicas que aparecen y desparecen enriqueciendo cada fotograma. Cinco personajes estructuran una historia que debe ser atendida por el espectador para armar una especie de rompecabezas a la vez complejo y sencillo. Las relaciones entre los seres humanos son las mismas de siempre pero la mirada del realizador las re-ubica en un presente que ha mutado las antiguas tradiciones en actuales comportamientos. Ya no es una tierra solo de nativos sino que es compartida con la llegada de otros. La emigración presente ocupa el espacio de inmigración de otros tiempos: ya no son vascos que van al exterior a encontrar fortuna\, sino extranjeros ricos y pobres que llegan a Euskadi en busca de nuevas oportunidades. Del norte de África o de Japón\, jóvenes que se ganan la vida como pueden o empresarios que vienen a abrir nuevos mercados en un mundo globalizado que todo lo abarca. Las tradiciones y los comportamientos de un pueblo persisten pero tambien son atravesados por las culturas recién llegadas. Khalil es un joven que vive aquí desde los seis años cuando llego con su familia desde el norte de África\, Jose Ramon y Martin son hermanos lugareños que comparten casa pero no se hablan desde hace años\, una guardia forestal sigue en silencio sus pasos y una joven que atiende el negocio de su padre acompaña al extranjero. El dinero se consigue como se puede y Khalil no tiene pudores en las formas. Trabaja tanto la tierra como acompaña a pescar o vende droga. Las relaciones entre los habitantes de toda Europa han cambiado en los ultimas décadas y el panorama del presente poco tiene que ver con el anterior. Del progreso y del rechazo\, de la incomunicación y las relaciones dañados\, de madres que quieren y cuidan a su hijos\, de estas y muchas otras cosas trata la película. Una de las mejor consideradas por la critica española del año 2018 y el primer film de un realizador que promete. Como muchos otros de su entorno vasco que con cada colaboración vas dibujando la diversidad de una cinematografía pujante que poco a poco\, y casi en silencio\, va construyendo y completando la identidad de la cultura vasca. \n«OREINA /CIERVO» (2018) / España / Director Kaldo Almandoz / Intérpretes Laulad Ahmed Saleh\, Ramon Agirre\, Patxi Bisquert\, Iraia Elias\, Erika Olaizola / Color / Hablada en euskera\, castellano\, frances\, inglés y japones con subtítulos en castellano / Duración 1h 25 minutos.
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LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE/CICLO "ALEMANIA Y SU MURO: 30 AÑOS DESPUÉS"
DESCRIPTION:La Caída del Muro de Berlin el 9 de Noviembre de 1989\, de la que se cumplirá 30 años en este 2019\, fue un acontecimiento que puso fin a un periodo iniciado en 1961 con su construcción. La división entre las dos potencias que diseñaron el panorama político durante el Siglo XX encontró en esta absurda construcción de varios kilómetros la manera mas visible de ejemplificar sus diferencias y destaca como uno de los hitos del periodo conocido como la «Guerra Fría» entre EE.UU y la URSS\, o lo que es lo mismo entre dos sistemas socio-económicos antagónicos: el Comunismo y el Capitalismo. La Cinematografía occidental se hizo eco del mismo desde sus orígenes y fue ampliamente reflejado durante los años sesenta en un género muy exitoso entonces: el de espías. Con una tendencia desmesurada a posicionar a los comunistas como los «malos» de la Historia\, la temática se encuadraba dentro del feroz anticomunismo inherente a los estudios de Hollywood y\, la categoría de los mismos fue variable. Algunos grandes cineastas utilizaron la situación para crear auténticas piezas valiosas como «Llamada para el muerto» (1967) o «Alto Espionaje: El espía que vino del frío» (1965). Sin embargo fue una comedia realizada el mismo año de la construcción la que abordó desde una óptica diferente la situación: «Uno\, dos\, tres…» (1961)\, que puede considerarse el punto de partida de la existencia del Muro de Berlin en la pantalla. \nPara el presente ciclo se han seleccionado tres obras del cine contemporáneo (2000-2012) para acercar una mirada mas reflexiva y sutil sobre el tema. La oscuridad que cubre el periodo cinematográfico de la Alemania del Este\, hace dificultoso en extremo comprobar la mirada que desde allí se observaba. Por lo tanto\, es la Occidental la que predomina y dentro de ella\, se ha intentado en esta breve selección de tres títulos (a todas luces insuficiente\, pero valioso en cuanto posible introducción a un tema aun con mucho que desarrollar) escoger obras de cineastas rigurosos que intentan mostrar cierta e imposible quizás\, objetividad. En todo caso se trata de tres largometrajes con los suficientes valores artísticos como para ser disfrutados\, apreciados y obviamente\, discutidos. No son películas «sentenciosas» aunque sea fácil creer que si\, sino que intentan mostrar al ser humano inmerso en situaciones de extrema singularidad por el tiempo y el lugar que les toca transitar y son\, en general\, victimas de una Historia que los trasciende. Cineastas que han sido también críticos con el funcionamiento de los valores occidentales alejados de cualquier ideal maravilloso como asiduamente se trata de representar al sistema: el Vencedor (Occidente) es por tanto superior al Vencido (el Comunismo soviético y los países bajo su influencia). Un tema siempre postergado de ser analizado en profundidad por la Cinematografía\, salvo contadas excepciones\, porque en definitiva lo que termina imperando es la mirada política e ideológica sobre la realidad. Siempre manipulada según los intereses del poderoso de turno. En este tiempo presente de feroz avance del capitalismo mas salvaje\, el cine serio brinda la oportunidad a los espectadores que se permitan entrar en el juego de los cineastas\, de buscar sus propias reflexiones a partir de la narración ficcional. El cine fue\, es y es de esperar que sea\, mas allá de un maravilloso entretenimiento\, una formidable expresión artística que brinda al ser humano la capacidad de ser un poco mejor. El Museo Etnográfico y Archivo Histórico Enrique Squirru de Azul aparece como un marco ideal desde donde realizar esta oferta a la ciudadanía mas inquieta por el conocimiento y comprensión del pasado histórico. \nPROGRAMA \nVIERNES 9 de AGOSTO / 18.00 hs. /:«BÁRBARA» (ídem\, 2012) /Alemania / Director Christian Petzold / Intérpretes Nina Hoss\, Ronald Zehrfeld\, Rainer Bock / Color / Alemán con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos. \nSíntesis: Alemania del Este\, 1980. Bárbara es una talentosa médica que pide autorización para dejar el país rumbo a Occidente. En castigo por ello\, es enviada a un pueblo del Mar Báltico donde en una clínica deberá realizar su trabajo mientras se siente observada y vigilada por todo el entorno. El director de la institución\, André\, resulta diferente a los demas y despierta la curiosidad de la joven mujer. Su dedicación profesional la enfrenta a la rigurosidad de la vida en el lugar. Una obra maestra del cine alemán contemporaneo\, ganadora de premios y gran éxito de publico dentro de los circuitos mas rigurosos del gran cine europeo. \nVIERNES 16 de AGOSTO / 18.00 hs. / «EL SILENCIO TRAS EL DISPARO»  (Die stille nach dem schuss\, 2000) / Alemania / Director Volker Schlondorff / Intérpretes Bibiana Beglau\, Nadja Uhl\, Martin Wuttke\, Harald Schrott / Color / Alemán con subtítulos en castellano / Duración 1h 40 minutos \nSíntesis: Años 80. Alemania Federal está atravesada por la crisis que representa la irrupción del terrorismo en el sistema democrático. De ideología anti-capitalista\, los grupos armados nacionales se emparentaron con los de Irlanda\, Italia\, Medio Oriente y España\, entre otros\, en su búsqueda por la vía de la lucha armada\, de un nuevo sistema alternativo al imperante. Rita Vogt y sus compañeros integran uno de los mas activos. Pero al sentirse derrotada y a la vez interrogándose sobre su propio posicionamiento\, busca iniciar una nueva vida en la Alemania del Este. Allí vivirá en carne propia esa otra realidad defendida desde la batalla. Mientras\, será testigo en la distancia\, de la suerte de varios de sus ex-compañeros.La caída del Muro de Berlin\, ahondará mas aun sus problemáticas. Una obra memorable sobre una cuestión siempre apasionante y soterrada en el discurso occidental\, del gran cineasta germano Schlondorff\, junto a Win Wenders\, Werner Herzog\, Rainer Fassbinder y otros\, integrante del movimiento cinematográfico que revolucionó los cimientos del cine alemán en los años setenta\, y uno de sus mas lucidos integrantes. Director de films tan prestigiosos como «El Joven Torless» (1966)\, «Golpe de Gracia» (1976)\, «El Tambor de Hojalata»(1979) o «Un amor de Swan» (1984)\, realiza aquí otro de sus grandes aportes al Cine. \nVIERNES 23 de AGOSTO a las 18.00 hs / «BERLIN ESTÁ EN ALEMANIA» / Berlin is in Germany\, 2001) / Director Hannes Stohr / Intérpretes Jorg Schuttauf\, Julia Jager / Color / Versión en castellano con subtítulos en castellano / Duración 1h 40 minutos. \nSíntesis: Tras la Caída del Muro de Berlin en 1989\, Martin sale de la cárcel tras haber pasado 11 años en ella. El mundo exterior que encuentra poco tiene que ver con el que conoció en su anterior vida en la Alemania del Este. Ni ha conocido a su hijo\, nacido al poco de caer en prisión\, ni su esposa le ha esperado. Es un buen hombre con una vida rota que intentará reorganizarla con la ayuda de los pocos amigos que le apoyan: antiguos compañeros de celda también en libertad. Una visión lucida y brillante sobre como los cambios sociales y la propia Historia\, condicionan al individuo. Una película dirigida con enorme sensibilidad por el mas joven de los cineastas de este ciclo\, Hannes Stohr\, que debutó con enorme suceso con este largometraje. Su carrera consta de otros tres films\, todos de gran valor y aceptación critica y popular\, que sin embargo no han permitido que vuelva a filmar desde hace ya seis años. Uno de los mas valiosos integrantes del cine alemán mas reciente\, que combina con singular maestría los géneros del drama y la comedia mas humana. \n \n 
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-ciclo-alemania-y-su-muro-30-anos-despues/
LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "SAMBA" (2014)
DESCRIPTION:Samba Cisse es un hombre que vive desde hace diez años en Francia. Inmigrante llegado de Senegal\, debe cambiar continuamente de nombre para encontrar trabajo porque su documentación no acaba de confirmarse. Walid llegó de Argelia pero se finge brasilero y es conocido como Wilson en su afán de ser aceptado por los franceses. Alice\, la única europea de los tres protagonistas se recupera de un trabajo que la condujo al stress con un voluntariado en temas de integración de extranjeros. La dupla de realizadores Nakache-Toledano es una de las mas prestigiosas del cine galo y entre sus siete películas hasta el presente\, destaca uno de los mayores sucesos de los últimos tiempos\, que inspiró versiones en Argentina y en USA: «Amigos Intocables» (Intouchables\,2011)\, que contaba la relación entre un amargado y lisiado millonario y su cuidador\, tambien inmigrante y negro. En Argentina\, la versión logró un suceso similar con Martinez y de la Serna repitiendo personajes adaptados a nuestra realidad. El protagonista de aquella\, Omar Sy (1978)\, uno de los astros del actual cine galo\, vuelve a serlo en esta ocasión. La imparable transformación del panorama social europeo con las nuevas generaciones hijas de corrientes migratorias que confluyen con las actuales\, es tema recurrente y propicio para analizar las relaciones humanas en este contexto. Y los cineastas demuestran tener enorme talento a la hora de narrar estas historias donde la comedia se entremezcla con la seriedad del conflicto y las nuevas posibilidades de relacionarse sin caer en tópicos. Un trío de protagonistas muy populares que se completa con Charlotte Gainsbourg(1971)\, actriz fetiche de grandes cineastas como Lars von Trier y una de las mas prestigiosas interpretes desde su juventud tanto en Francia como EE.UU. y Tahar Rahim (1981)\, protagonista de «Un Profeta» y «El Pasado»\, dos grandes títulos. El cine francés en su variante mas potente y sobre todo\, universal. \n«SAMBA» (2014) / Francia / Dirección Eric Toledano y Olivier Nakache / Intérpretes Omar Sy\, Charlotte Gainsbourg\, Tahar Rahim\, Izia Higelin / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 50 minutos
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SUMMARY:CINE: "LA PRIMERA COSA BELLA" (2010)
DESCRIPTION:El Cine Italiano vuelve a tener protagonismo de la mano de una camada de nuevos realizadores con carreras\, en muchos casos\, ya establecidas. Paolo Virzi (Livorno\, 1964) es uno de ellos y fue con esta película que saltó a un primer plano en la atención de público y critica. Luego\, los sucesos de «El Capital Humano» (2013) y «Loca Alegría» (2016 ) lo confirmarían como uno de los mas aceptados cineastas italianos. Bruno ronda los cuarenta años y debe regresar a su ciudad natal por asuntos familiares. Su madre Anna requiere atención. Junto a su hermana y el contacto con viejos recuerdos que fingía superados\, el hombre regresará al pasado para tratar de ordenar partes fundamentales de su vida. El ayer y el hoy se alternan para construir la historia de un núcleo familiar compuesto por una madre poco convencional y un marido intolerante. La rebeldía y la ruptura con el orden establecido conlleva riesgos. El director Virzi recupera parte de las herramientas del cine clásico italiano\, el de la maestría para enfrentar comedia y drama a la vez\, y generar ese estilo propio que lo identifica de otros países europeos. Con un grupo de nuevos y talentosos intérpretes\, unidos a la presencia de una de las grandes actrices peninsulares\, la bella Stefania Sandrelli\, la película se convierte en un conmovedor fresco sobre la realidad italiana de las últimas décadas al compás de las vicisitudes de una familia tan poco convencional como humanamente reconocible. El Cine Italiano ha vuelto con fuerza y espera ser re-descubierto por una nueva generación de espectadores y recuperado por las que supieron hacerlo uno de sus favoritos. \n«LA PRIMERA COSA BELLA» / La prima cosa bella\, 2010 / Italia / Director Paolo Virzi / Intérpretes  Valerio Mastandrea\, Micaela Ramazzotti\, Stefania Sandrelli\, Claudia Pandolfi / Color / Italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h 55 minutos.
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SUMMARY:CINE:"BLANCANIEVES" (2012)
DESCRIPTION:do Vivarelli\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nEstrenar un film mudo a siete décadas de haber finalizado el período donde el sonido estaba ajena a la imagen\, es un caso poco frecuente en el panorama cinematográfico actual. El vasco Pablo Berger (Bilbao\, 1963) lo logró con su segundo largometraje cuando utilizando las tecnologías modernas\, firma una de las propuestas mas insólitas y atractivas del cine europeo presente. La imagen del fotógrafo Kiko de la Rica (Bilbao\, 1965) se encarga de dar contenido a una historia que no es mas que una revisión libre del clásico cuento de los Hermanos Grimm\, escritores alemanes que a partir de 1812 publicaron una serie de relatos que se convirtieron en clásicos\, Blancanieves fue uno de ellos. El director vasco traslada los personajes al universo del sur español\, la Andalucía de los años 1920\, donde un torero famoso pierde a su esposa y se casa con una mujer tan bella como despiadada\, que será la que ocupe el rol de la tirana/bruja del cuento original\, y quién con sus maquinaciones hará de la vida de Carmencita\, la hija del hombre\, un verdadero tormento. Pero esta Carmen/ Blancanieves no es una mujer dócil ni entregada a los mandatos. Dará rienda suelta al deseo de emular la trayectoria de su padre e intentará convertirse en una famosa torera. En su viaje dará con un circo donde unos enanos que trabajan en el\, se convierten en coro protector. Una de las mejores películas de este decenio ganadora de muchos de los mas importantes premios en España y estrenada con gran aceptación crítica en Europa y Latinoamerica. Un cine diferente pero enormemente atractivo. \n«BLANCANIEVES» / 2012 / España- Bélgica- Francia / Director Pablo Berger / Fotografía Kiko de la Rica / Música Alfonso de Villalonga / Intérpretes Sofía Oria\, Macarena Garcia\, Maribel Verdú\, Angela Molina\, Inma Cuesta\, Daniel Gimenez Cacho / Blanco y Negro con subtítulos en castellano / Duración 1h. 44 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cineblancanieves-2012/
LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LAS COSAS DE LA VIDA" (1970).
DESCRIPTION:Una película para volver a ver a medio siglo de su realización. Cuando se estrenó en Argentina se convirtió en un suceso inmediato y puso en órbita a un director y su cine siguiente. El francés Claude Sautet (1924-2000) desarrolló en el lapso que va desde su debut a su último trabajo (1956-1995) una breve pero intensa en títulos carrera. Dentro de la cual destacan algunas de las mejores películas francesas de ese tiempo. Sus historias sobre las cuestiones humanas dentro del sector burgués se convirtieron en hitos importantes y le ubicaron en un espacio único del cine europeo\, donde se le reconoce como uno de sus mayores creadores. Títulos como este\, mas «El Inspector Max»\, «Cesar y Rosalie»\, «Una historia simple» o «Un corazón en invierno» nos remiten a lo mas profundo del cine humanístico. Con «Las Cosas de la Vida» inicia un ciclo de ocho años donde todas (menos una) sus realizaciones son interpretadas por una de las mas deslumbrantes criaturas de la pantalla: la austriaca Romy Schneider (1938-1982)\, una de las grandes actrices de la Historia que encajó perfectamente con el universo del cineasta y revitalizó su carrera tras un tiempo de oscuridad. Su muerte trágica a los 43 años nos privó de uno de los rostros mas bellos que jamás atravesaron la pantalla. Aquí interpreta a Helene\, la amante de un señor adulto muy atribulado que tiene un accidente de auto y mientras este se desarrolla va recordando momentos de su vida: su ex-esposa\, hijos\, su mundo afectivo que está a punto de terminar. Con una modernidad narrativa que hoy resulta mas moderna que nunca\, y precursora de un cine que no ha parado de indagar por esa vía\, la historia de Pierre Berard\, cincuentón que vive apurado\, sigue conmoviendo hoy. Una narración ágil que va aportando datos para construir un rompecabezas que nos muestra una vida mas\, tan cercana y posible a la de muchos de los habitantes de esta tierra. La tercera figura de la historia la interpreta Lea Massari (1933)\,una actriz italiana hoy olvidada que fue una de las grandes actrices del mejor tiempo del cine europeo\,el que va desde el final de la Segunda Guerra hasta comienzo de los años noventa. Michel Piccoli (1925) estuvo activo hasta el año 2014 y hoy se considera uno de los últimos supervivientes del cine galo donde dejo innumerables obras maestras. «Las Cosas de la Vida» es un clásico que merece ser visto una y otra vez. \n«LAS COSAS DELA VIDA» (Les Choses de la Vie\, 1970) / Francia- Italia / Dirección Claude Sautet / Intérpretes Michel Piccoli\, Romy Schneider\, Lea Massari / Color / Francés con subtítulos en Castellano / Duración 1h 25 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-las-cosas-de-la-vida-1970/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "NACE UNA ESTRELLA" (2018).
DESCRIPTION:La historia de dos personas a las que reúne una misma pasión: el canto. Ally es una mujer joven que trabaja en el mundo de la hostelería y los clubes nocturnos. A veces sube al escenario y seduce a los espectadores de esos pequeños ambientes de la noche. Jack es una super celebridad que llena estadios\, vende discos y es famoso en todo el planeta. Una noche\, hastiado de su mundo profesional\, entra a un lugar donde presenciará una actuación de la desconocida Ally. A partir de ese momento la vida de ambos cambiará para siempre. Esta historia ha sido llevada al cine en tres oportunidades: en la década de los 30 (donde no había música sino actuación)\, en los 50 (donde Judy Garland incorporó la opción cantante) y los 70 (cuando ambos protagonistas eran célebres intérpretes: Barbra Streisand y Kris Krisstoferson). En las tres ocasiones el éxito acompaño la propuesta y en nuestro presente\, tras una larga década de intentos\, se estrena la versión cuarta. Un actor joven muy popular en Estados Unidos debuta como director y dirige a una super estrella del pop: Lady Gaga (1986)\, una de las mas extravagantes figuras del actual panorama musical. Heredera del lugar que ocupo Madonna en el imaginario popular\, la cantante se convierte en actriz de cine tras haberlo hecho en años anteriores en la pantalla televisiva y ganado premios por ello. La película describe ademas de una historia compleja de amor\, los entresijos del mundo del espectáculo\, la creación y desaparición de nuevas y consagradas figuras. Bradley Cooper (1975) hereda un trabajo que iba a estar en manos de Clint Eastwood con Beyoncé Knowles\, otra gran figura actual del mundo mediático-musical\, como protagonista. Finalmente este el resultado del proyecto y desde su estreno\, el film ha conseguido apoyo popular y critico\, siendo una de las películas mas vistas en la presente temporada. El Cine se alimenta de sus propios éxitos pasados para construir nuevos vínculos con los espectadores del presente. \n«NACE UNA ESTRELLA» (A Star is Born) / 2018 / EE.UU. / Director Bradley Cooper / Intérpretes Bradley Cooper\, Lady Gaga\, Sam Elliot / Color / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs /. Género: drama romántico-musical. \n 
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL PRIMER HOMBRE EN LA LUNA" (2018).
DESCRIPTION:Neil Armstrong (1930-2012) fue un ingeniero espacial\, piloto de guerra\, piloto de pruebas\, astronauta y profesor universitario. En ese orden. También fue esposo\, padre. Y el primer ser humano que puso un pie sobre la Luna\, nuestro satélite espacial y motivo eterno de inspiración para creadores de todas las especies y seres humanos con sensibilidad en especial. El cineasta Damien  Chazelle nació en 1985 cuando el alunizaje ya era historia pasada y creció educándose en la música\, el cine y la historia de su tierra. Después de tres largometrajes donde indagó sobre el mundo de la música y la relación entre esta y las personas\, para su cuarta producción elige mirar hacia el interior de un ser humano común que tuvo una vida extraordinaria\, donde la pasión por el conocimiento y la experimentación de intensas emociones sobre el mundo de la aeronáutica le depararon un destino único en toda la historia de la civilización: ser el primero en llegar a pisar un suelo que no fuera el de nuestro propio planeta. El cineasta recrea con magnifica ayuda de la tecnología actual de cara a la cinematografía\, la intimidad de este hombre que sentía tanta tentación por el avance de la ciencia en términos generales como mayor dificultad para establecer vínculos con el interior de las personas. Su rol de padre y esposo fueron probablemente desafíos mayores a los de lanzarse al aire. Sobre este desdoblamiento hablo el cineasta y permite\, a nosotros espectadores\, evaluar desde una ficción cercana a lo real sobre misterios mas cercanos.Una película que no conectó con el gran publico y que desde esa perspectiva puede considerarse un fracaso económico. Pero sin embargo se transformó en logro artístico. Que debería ser una cuestión a tomar mas en cuenta hoy cuando nos enfrentamos a películas que abordan ciertas temáticas muy populares\, pero lo hacen desde un lugar riguroso y adulto. Aquí no hay superheroes infantilizados\, de tanta aceptación en el no menos infantilizado publico global del presente\, sino un hombre verdadero y terrenal que alcanzo logros históricos. La realidad presente se mezcla continuamente con la ficción y la mentira mas descarada. Pero hay un Cine que se niega a aceptar estas reglas (no escritas) y apuesta por continuar siendo adulto y provocar a los ídem. «El Primer Hombre en la Luna» llega cuando se cumplen cincuenta años de aquella deslumbrante historia y lo hace con enorme talento y rigurosidad. \n«EL PRIMER HOMBRE EN LA LUNA» / THE FIRST MAN / 2018 / Estados Unidos-Japón / Director Damien Chazelle / Intérpretes Ryan Gosling\, Claire Foy\, Jason Clarke\, Kyle Chandler / Inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 2hs. 9 minutos.
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SUMMARY:CINE: "BUSCO MI DESTINO" (EASY RIDER). 1969. 8ª Clase de Introducción al Cine.
DESCRIPTION:El Cine Independiente. Panorama hasta 1970. La Era Analógica. \nLa primera pregunta que surge es: ¿Independiente\, de quién?. Intentar encontrar una respuesta definitiva resulta muy complejo porque estamos hablando de la cinematografía a nivel global\, donde cada territorio responde a un contexto. Pero resulta efectivo comenzar respondiendo que se refiere a «independiente» de los grandes estudios\, circuitos e industria dominante. Es un cine hecho a partir de esta realidad: al no conseguir\, o renegar\, de la ayuda de estos grandes centros del poder en cuanto a producción se refiere\, quienes optan por esta vía se ven enfrentados a una primera dificultad: la financiación\, ese dinero imprescindible aun para película de bajo o escaso coste. Podríamos afirmar que el primer cine independiente es el que surge a partir de las imposiciones de Tomas Edison en la primera década del Siglo XX de cobrar altos cánones a cualquiera que quiera tener algo que ver con la realización de cine. Al ser muy poco democráticas y hasta extorsionadoras estas prácticas\, generan un grupo disidente que decide trasladarse desde la Zona Este (New York) donde se da la primera producción masiva de cine en USA\, hasta el lado opuesto: esa California en el extremo Oeste que dará lugar a Hollywood y a la vez\, a todo un Sistema de Estudios que en pocos años no harán mas que ocupar el espacio generado por Edison y del que estos nuevos fundadores huyeron. Desde allí\, otros generarían nuevas formas de independencia. \nEn los años treinta\, en plena Depresión económica\, se estrenan películas de muy bajo presupuesto que\, «camufladas» tras una supuesta mirada realista o documental\, tratan temas de salud o adicciones\, drogas o prostitución\, para realizar autenticas apologías sobre diferentes formas de practicar la sexualidad. El sexo\, entre otras prohibiciones\, aparece como uno de los grandes impulsores de cierto cine independiente que derivará en el pornográfico suave y duro (que por otro lado ya se filmaba desde los propios orígenes del cine en 1895). Entre 1934 y 1967 entra en vigor en Estados Unidos el «Código Hays»\, que controla la decencia y la moral de las producciones de cine. prohibiendo cualquier obra que no se ajustara a sus disparatados dictados (no podía hablarse abiertamente de temas como el aborto\, la prostitución\, el alcoholismo\, las perversiones\, ni las parejas aun casadas dormir en una misma cama). Esta situación da lugar a un cine alternativo que tras la excusa moralizante y educadora\, da rienda suelta al tratamiento de muchas de estas prohibiciones que serán protagonistas de estos films\, en general\, exhibidos en el interior del país en salas baratas\, fuera del sistema. Podría pensarse entonces\, en un primer cine independiente. \nLa finalización de la Segunda Guerra Mundial trajo nuevos aires y se comenzaron a realizar films mas experimentales donde continuaban ocupando lugar los temas prohibidos en el cine llamado comercial\, donde el código de censura seguía vigente. Aparece el llamado cine «Underground» (subterráneo) que es también una manera mucho mas artística de ejercer la independencia. Cito a uno de sus precursores\, un niño nacido en Hollywood\, conocedor de todos los entresijos de la Industria y que desde los 9 años de edad\, filma. Entre 1941 y 2013 dirige una casi treintena de cortos de diferentes duración\, con una total libertad de expresión y experimentación\, su nombre: Kenneth Anger (1929). Es mas conocido por su obra literaria de dos tomos:»Hollywood Babylon»\, donde describe chimentos sobre famosos del cine en sus aspectos mas sórdidos. La audacia de sus temáticas fueron muy rechazadas por el público de su país\, por lo que muchos de sus trabajos los realizó en Europa. Los otros items importantes son: a mediado de los años cincuenta surge una nueva camada de cineastas gestados desde la Televisión que van pasando al Cine\, la «Generación de la TV». En realidad muchos acaban trabajando para los grandes estudios que se muestran mas permisivos y les permiten ahondar en temáticas antes censuradas\, en lo que sería el «tramo final» del ejercicio estricto del Código Hays. Son sus abanderados el cineasta Stanley Kramer e intérpretes como Burt Lancaster o Kirk Douglas que generan producciones al margen de los grandes estudios y permiten que realizadores\, entre otros\, Stanley Kubrick\, firmen sus primeros trabajos (este realizador experimenta en un cine de bajo presupuesto que le visibiliza a los ojos de la gente citada). Cineastas de este tiempo son Sidney Lumet\, Martin Ritt\, John Frankenheimer\, Delbert Mann o Robert Mulligan\, autores de grandes obras desde sus debuts hasta el final de sus carreras. Mas al «margen» y con mucho menos presupuesto aparece la «Escuela de New York» (American Cinema Group) de la mano de uno de los grandes innovadores\, el actor John Cassavetes (1929-1989) que deslumbra con su film «Shadows» (1958) y siembra las semillas de las que nacerán futuros y grandes realizadores actuales. El otro nombre fundamental de entonces es el del artista multifacetico Andy Warhol (1928-1987) que organiza un espacio de producción cinematográfica donde se experimenta en las posibilidades mas arriesgadas. Dirige algunos trabajos\, en diferentes formatos y produce una serie de films al mando de Paul Morrisey (1938) que se convierten en trilogía básica para comprender las intenciones de este grupo: «Flesh» (1968)\, «Trash» (1970) y «Heat» (1972). También destacan en cine de bajo presupuesto los nombres de Russ Meyer (1922-2004)\, que desde 1959 realiza films eróticos muy bien diseñados y Roger Corman (1926) que con la creación de una productora propia\, fomentará el trabajo de jovenes que darán luz al siguiente y último gran movimiento independiente: el New Hollywood Group (Nuevo Cine Americano). De este saldrán grandes nombres como Dennis Hopper\, Peter Fonda\, Martin Scorsese\, Francis Ford Coppola\, Paul Schrader\, Brian de Palma\, William Friedkin\, quienes desde sus debuts en films alternativos a la gran Industria\, pasarán a formar parte de ella modificandola por una década. Estos cineastas ven finalmente la muerte e imposición del Código Hays que agoniza durante los primeros sesenta hasta desaparecer en 1967. Los aires de libertad que respira gran parte de este tiempo se ve reflejada en sus producciones. \nEn Europa la independencia no fue tan llamativa como en EE.UU. Excepto por la influencia en Alemania\, Italia y España de sus gobiernos fascistas (Hitler\, Mussolini o Franco)\, la cinematografía no estuvo tan limitada a las Censuras lo que permitió una alternancia mas significativa entre el cine estrictamente comercial y el que ahondaba en su aspecto mas artístico. El «Expresionismo» alemán de los años 20\, en un país arrasado por las consecuencias de la Primera Guerra Mundial\, el «Neorrealismo» italiano tras la segunda\, el «Free Cinema» inglés de los cincuenta\, nacido de la mirada documentalista de sus ideólogos\, la «Nouvelle Vague» francesa\, emergente desde la critica de unas revistas\, mas las expresiones de Alemania desde mediado de los sesenta o España en esos mismos años\, serían la parte mas evidente de un cine independiente creado al margen del estrictamente comercial. \nLatinoamérica tarda mucho mas en hacer evidente esta manifestación. Un continente dominado desde principios del cine sonoro hasta finales de los cincuenta por dos grandes cinematografías\, la argentina y la mexicana\, no dejó demasiado espacio a las alternancias y libertades. Los demás países del hemisferio (Brasil\, con su lengua portuguesa generó espacios propios no exportables) no desarrollaron verdaderas industrias cinematográficas\, ni comerciales ni independientes. Quizás los años sesenta y primeros setenta con la Revolución Cubana\, el Chile socialista\, alguna excepción desde Bolivia o Colombia\, serían terrenos abonados excepcionalmente con alguna muestra de independencia. \nMéxico y Argentina\, con el final de sus sistemas de estudios calcados de Hollywood\, si tuvieron la posibilidad de generar un cierto cine independiente\, en general muy politizado\, reflejo de los años emergentes en nuevas realidades de todo tipo. En nuestro país\, podría hablarse de un movimiento tan excepcional como breve que tuvo su tiempo entre finales de los años cincuenta y primeros sesenta con la aparición de cineastas curtidos en las salas de cine-clubes o redacciones de revistas o periódicos o en la que fue la primera escuela de cine nacional: la del Litoral\, que comandada por transgresores como Fernando Birri generó un cine totalmente diferente al visto hasta entonces. Un tiempo dorado merecedor de un permanente reconocimiento. Los nombres de David Jose Kohon\, Lautaro Murua\, Simón Feldman\, Jose Martinez Suarez\, Rodolfo Kuhn o Leonardo Favio antecedieron a los de Fernando Solanas\, Octavio Getino\, Raymundo Gleyzer y otros cineastas militantes que serían los verdaderos fundadores del cine independiente argentino. Tanto que fueron perseguidos\, censurados y hasta desaparecidos por un sistema que no podía aceptar semejantes aires libertarios. \n«BUSCO MI DESTINO» (Easy Rider) / EE.UU.\, 1969 / Director Dennis Hopper / Intérpretes Peter Fonda\, Dennis Hopper\, Jack Nicholson / Color / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 35 minutos. \nEste es un proyecto nacido de los deseos personales de un actor con capacidad de encontrar dinero para materializarlos. Peter Fonda (1940-2019) fue hijo y hermano de dos figuras míticas dentro del mundo del cine norteamericano: Henry Fonda (1905-1982) y Jane (1937). Los dos encarnaron a lo largo de sus carreras personajes emblemáticos de la pantalla y sus nombres quedaron asociados al cine de calidad\, incluso al apartado del mas comprometido políticamente. En el caso de ella fue mucho mas manifiesto: luchas por los derechos civiles\, la condición femenina atacada y la guerra de Vietnam fueron causas que la vieron y ven aun activa entre sus defensores. Peter nace en el seno de una familia muy acomodada y al llegar a la adolescencia se rebela contra toda su crianza. Debuta muy joven como actor en una comedia intrascendente e inmediatamente se vuelca a un cine mas comprometido con la realidad que atraviesa EE.UU. en su momento. Trabaja a las ordenes de realizadores serios hasta llegar al territorio de Roger Corman\, magnate del cine de bajo presupuesto. Protagoniza dos películas emblemáticas de su «factoría»: «The Wild Angels / Los Ángeles Salvajes\, 1966)\, sobre el mundo de los motoristas y las reacciones negativas que provocan en la población mas conservadora\, y «The Trip» (1967)\, un viaje al interior de los efectos del LSD en sus consumidores. Estas obras lo sitúan en un espacio muy especial del momento: el reconocimiento por parte de un público joven y alternativo que no es ni el de su padre y tampoco\, hasta ese entonces\, el de su hermana. Junto a su amigo actor Dennis Hopper (1936-2010) desarrollan un proyecto: contar la historia de dos amigos que apasionados por las motos\, inician un viaje por el interior de su tierra\, por una de las zonas mas oscuras y retrógradas en cuanto a cultura e ignorancia. En ese trayecto\, desarrollan una mirada diferente al ser testigos de todo un mundo solapado que van descubriendo desde una mirada casi documental. La violencia del entorno aparece casi instantáneamente y será parte fundamental de la narración\, en todas las variantes posibles\, hasta desembocar en un final trágico y seco que pocas esperanzas pintan para el futuro. Habiéndose convertido en productores de la obra\, logran lo que sería un hito histórico: que la película sea comprada por un gran estudio de Cine\, la Columbia Pictures. Esto les permite una difusión nacional e internacional alejada de las que sus trabajos precedentes habían obtenido. Y se convierte en suceso instantáneo en un tiempo de cambios radicales en la Industria de Hollywood. Agotados los antiguos esquemas del cine de estudio que imperaron desde los inicios de Hollywood y que a mediados de los años sesenta\, colapsaron\, esta nueva forma de hacer películas abriría las puertas de un tiempo histórico para la expresión mas comprometida y renovadora: la de un grupo de jóvenes cineastas que tuvieron la oportunidad de aportar nuevas miradas sobre el presente\, haciendo añicos mucho del esquema precedente. «Easy Rider» permanece a cincuenta años de su estreno como una obra clásica que sirve también para ilustrar unos años de cambios donde se luchó por remover los cimientos de un mundo anquilosado. No se consiguió\, viendo lo que ocurrió en la década siguiente\, pero las intenciones siguen tan vigentes como entrañables. Para los que apostamos por cambios progresistas y combatimos el conservadurismo troglodita que invade hoy todo el planeta
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SUMMARY:CINE: "EL SUBMARINO AMARILLO" (1969). 7ª Clase de Introducción al cine.
DESCRIPTION:El Cine de Dibujos Animados: desde Walt Disney a los años setenta. \nCuando en 1937 se estrenó el film «Blancanieves y los Siete Enanitos» (duración: 1 hora y 23 minutos)\, el nombre de Walt Disney (1901-1966) llevaba ya 15 años tras la experimentación del dibujo animado\, una técnica que cambiaba el rodaje de imágenes reales por las de animación. En 1922 había presentado su primer cortometraje basado en el cuento clásico «Caperucita Roja» y filmó decenas mas hasta llegar a su primera película de larga duración y ademas sonora. En 1928 había presentado a su primer gran criatura\, Mickey Mouse en «Steamboat Willie»\, de seis minutos de duración\, y allí ya utilizaba las técnicas del sonoro. Sus creaciones no pararon de hablar ni de desarrollar la calidad de imagen\, hasta su temprana muerte a los 65 años. Dejaba atrás mas de 650 trabajos inducidos por él. Pero Disney no fue el inventor de este tipo de cine sino quien con el tiempo\, gracias a innovaciones que él diseñaba y luego desarrollaban y elaboraban centenares de dibujantes a sueldo en su estudio\, como si de una fábrica se tratara (y lo era en el sentido mas estricto del término)\, sino el hombre que mas protagonismo alcanzó con el paso del tiempo. Hasta eclipsar a competidores y precursores. \nUnos años antes de la irrupción de los hermanos Lumiere con su invento\, el Cinematógrafo\, otros investigadores habían presentado artefactos que reproducían imágenes ya en animación. En la «era» del Cine\, 1908 es el año que se cita como pionero en esta técnica con la aparición de los trabajos de Emile Cohl (1857-1938)\, cuando se estrena el corto «Fantasmagorie»\, uno de los primeros de sus mas de 300 trabajos. También Georges Meliés (1861-1938) había experimentado y alternando personajes reales con dibujos u otros trucos de los que fue inventor. Estos dos grandes y fundamentales nombres mueren el mismo año\, casi olvidados ambos. \nHasta aquí he citado nombres de cinematografías pioneras. Pero también lo fue la nuestra\, la Argentina\, y un nuevo caso de desmemoria nos recuerda nuestra enorme capacidad de olvidar o ignorar datos fundamentales del pasado nacional. Un hombre nacido en Italia y emigrado a Buenos Aires a los cuatro años\, Quirino Cristiani (1896-1984) es probablemente uno de los artistas mas olvidados y /o desconocidos de la historia nacional. En 1917 estrena el primer largometraje mudo del mundo en dibujos animados: «El Apóstol» (1 hora y diez minutos). Compuesto por unos 58.000 dibujos\, y en 35 mm\, a 14 cuadros por segundo\, esta obra pionera se ha perdido para siempre. En 1918 presenta su siguiente trabajo\, «Sin dejar rastros» y en 1931 estrena el primer largo sonoro\, la sátira política «Peludópolis» (80 minutos) donde sus protagonistas son caricaturas de personajes contemporáneos como Yrigoyen\, Uriburu\, M. T.de Alvear\, en una narración que descubre las intrigas políticas y corruptas (¡!) de nuestras clases dirigentes (y gobernantes). Sigue filmando\, en sus propios estudios\, hasta 1943 cuando estrena «Carbonada»\, después de deslumbrar con «El mono relojero» (1938) y «Entre pitos y flautas» (1941). En 1957 y 1961\, dos enormes incendios destruyen toda su producción (solo sobrevive copia de «El mono relojero»). El hombre\, agobiado y envejecido\, se retira a su casa de Bernal\, Provincia de Buenos Aires\, donde moriría a los 98 años de edad. Algunos tuvieron el valor de rendirle un mas que tardío homenaje. Como retribución\, citamos que en 2018 se instauró en España el premio «Quirino» que selecciona lo mejor de la animación ibero-americana. Un precursor indispensable de nuestra cinematografía y un nombre que aun hoy espera todas las reivindicaciones merecedoras de semejante talento. En 1941\, el mismísimo Walt Disney viajó a Argentina para contratarlo y llevarlo a sus estudios de California. El inmigrante rechazó la oferta. Y eligió su destino argentino. \nLas ramas mas generales de esta manifestación audiovisual se dividen en tres en la cinematografía: 1) el dibujo animado (dibujos planos en dos dimensiones fotografiados imagen por imagen)\, 2) animación en volumen (modelos reducidos o marionetas) y 3) animación por computadora (hija de los avances científicos / tecnológicos). Podríamos hablar de dos grandes vías o caminos que tomó el género: el clásico y el experimental. Dentro de este último destacan los trabajos realizados en la Unión Soviética y sus países satélites\, con el nombre del checo Jiri Trnka (1912-1969) a la cabeza. Sus películas de corta y larga duración trabajan con marionetas filmadas imagen a imagen que alcanzan una maestría única y son el pilar del que parten creadores de todo el globo. El canadiense Norman McLaren (1914-1987) crea a partir de uno de los centros mas innovadores del mundo\, el National Film Board of Canadá\, todo un mundo donde lo experimental y lo abstracto se adueñan de la pantalla. Sus creaciones permanecen dentro de las mas modernas\, un estilo de cine alejado de fines comerciales; en este terreno destacan en Argentina dos nombres que suceden a Quirino Cristiani: Dante Quinterno (1909-2003)\, dibujante mítico nacional\, padre de Patoruzú y sus compañeros\, estrena en 1942 el primer film animado en colores: «Upa en apuros» que queda en una duración de 15 minutos debido a enormes problemas de producción. Otro inmigrante\, el español Manuel García Ferré (1929-2013) será el que desarrollará a lo largo de décadas un trabajo industrial que le convierte de alguna manera en el «Disney nacional». A finales de los sesenta estrena en televisión una serie con su creación «Hijitus». Enorme suceso que le acompañará por cuatro años en una televisión hastiada de producciones extranjeras. En 1972 estrena el primer largometraje de larga duración y en colores: «Mil Intentos y un invento»\, donde sus criaturas escapadas de las revistas\, Anteojito y Antifaz\, toman vida propia y convierten al film en un buen suceso comercial. Mucho mas lo tendría su segundo largo\, «Trapito» de 1975\, estrenado a finales del «boom» del cine argentino iniciado en 1973 y que la Dictadura se encargaría de liquidar definitivamente. Un periodo enormemente rico de nuestra cinematografía que merece todas las reivindicaciones posibles. \n En Estados Unidos hay mas nombres después de Walt Disney: los hermanos Fleischer\, con Max (1883-1972) a la cabeza. Es el padre de la deslumbrante y transgresora Betty Boop y el animador para cine del marinero lleno de espinacas y músculos\, Popeye. También lleva a Superman por primera vez a la animación fílmica.»Los Viajes de Gulliver» (1939)\, dirigida por su hermano Dave (1894-1979)\, es uno de los mas hermosos trabajos de su factoría\, quien había deslumbrado ya en 1924 con «Oh\, Mabel…!»\, el primer dibujo animado con sonido…que tuvo que proyectarse mudo porque se anticipo al uso masivo que llegaría a partir de 1927. Después de finalizada la Segunda Guerra Mundial\, comienza la verdadera Era del género\, que continúa hasta el presente. Se traduce en dos vías: la Televisión y los Cines. Mientras que de la segunda se adueña absolutamente Walt Disney con sus deslumbrantes largometrajes\, famosos en toda la Tierra\, tanto de animación como ficción\, el ámbito casero de la «pantalla chica» es territorio de unos pocos. Ademas de Disney\, quien también reina en este terreno\, los estudios Warner Bros. y Metro-Goldwyn-Mayer son los grandes productores a través de artistas como Chuck Jones (1912-2002)\, Friz Freleng (1906-1995) y Tex Avery (1908-1980) padres\, entre otras creaciones\, de Looney Tunes y Merrie Melodies\, cantera de adorables criaturas como El Coyote y el Corre-caminos\, Porky\, Piolin\, Bugs Bunny o Silvestre.  Mas adelante aparecerá la otra gran locomotora de la televisión animada: Hanna-Barbera\, estudio creado en 1957 y desde donde llegarían Los Picapiedras mas otras figuras hoy míticas. Los años 70 descubren la figura del maestro del cine de animación adulto\, perseguido por censores varios por sus dibujos animados para mayores\, repletos de sexo y complejidades varias: Ralph Bakshi\, nacido en Medio Oriente\, emigrante a USA y padre de «Fritz\, el Gato»\, «Trafico Pesado» (ambos estrenados y rápidamente censurados en Argentina a mediado de los setenta)\, la primera versión cinematográfica de «El Señor de los Anillos»\, «Wizards»\, «American Pop» (con música deslumbrante incluida) o el experimento con actores y animación «Cool World»\, donde en 1993 Kim Basinger y Brad Pitt se dan la mano con criaturas salidas de la calenturienta mente del artista. Europa\, menos dedicada al genero\, entrega en los setenta el solitario nombre de Rene Laloux y su premiada » El Planeta Salvaje». \nEl presente de Pixar y el anime Japonés será motivo de una clase futura. Nos detenemos en el experimento sesentero de llevar al cine y con dibujos animados\, el mundo de la música y cultura pop de The Beatles y su «Submarino Amarillo». \n  \n«EL SUBMARINO AMARILLO» / The Yellow Submarine / 1968 / Director  George Dunning / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 30 minutos / Dibujos animados. \nEn el año 1964 se estrena el primer film que tienen a The Beatles como protagonistas. Tras cuatro años de suceso en aumento que les convierte en auténtico fenómeno global\, el realizador norteamericano afincado en Reino Unido\, Richard Lester (1932) que venía de realizar dos largometrajes de escaso renombre\, es el encargado de firmar el debut en la cinematografía de los cuatro integrantes de la banda: «A hard day’s night» (1964)\, conocida en Argentina como «Yeah\, yeah\, yeah…»\, es una obra de su época. En el sentido menos afortunado de la expresión. Porque no ha superado el paso del tiempo y lo que en su momento podía resultar novedoso\, revulsivo\, experimental\, hoy resulta extrañamente envejecido. El tono de comedia irreverente\, carente de una narrativa solida que convierte al guión en un devenir\, se supone que surrealista\, sobre las andanzas de estos cuatro músicos que se interpretan (¿?) a si mismos\, en medio de atropellos visuales varios\, solo conserva algunos momentos verdaderamente graciosos. Sobreviven una deslumbrante fotografía en blanco y negro que transmite algo de una parte de la ciudad de Londres\, cuyo espíritu rebelde de entonces marcó modas y tendencias. La falta mayor\, quizás sea el escaso talento interpretativo de los cuatro y sus exagerados intentos de resultar graciosos e irresistibles. En realidad es una película muy irritante: el querer ser graciosos a toda costa resulta un intento frustrado. Cuando dejan de lado estos esfuerzos y cantan\, interpretan música\, la magia se apodera de la función y el registro documental se impone y aparece como lo unico realmente posible de lograr después de tantas idas y venidas. Igualmente el film fue un enorme suceso comercial y hasta crítico en varios sectores de «modernos» que arropaban cualquier cosa que se distanciara de lo «convencional». Confundieron los logros del «Free Cinema» con los del realizador que llegaba desde la publicidad\, que\, sin embargo\, una vez fuera del mundo beatle\, encontró su propia voz en una serie de magnificas manifestaciones artísticas de su época: «El Knack…y como lograrlo»\, «Petulia» o » Después de la bomba»\, mas algunas realizaciones de mediados a finales de los años setenta\, aportan al cine la mirada inquieta de un cineasta que busca en la mordacidad de la comedia sus mejores propósitos. A veces lo consigue\, otras no. En 1965 vuelven a trabajar juntos y repiten suceso en color: «¡Help!» (¡Socorro!) continúa por la senda anterior. Pero es peor. La gracia parece desaparecer de casi todos los planos. El tercer intento beatle será a través del genero del dibujo animado: «El Submarino Amarillo». Basada en un guión escrito a cinco o seis manos\, parece un terreno mas fértil de abonar todo ese imaginario pop que trasmiten las canciones de la banda. Con una utilización de nuevas técnicas surgidas en la época con la llegada de nuevos talentos al mundo de la animación\, la película sin embargo puede considerarse un fracaso en términos comerciales. El publico que aplaudió las dos anteriores entregas\, huyó despavorido de las salas al no poder acceder al mundo de ficción propuesto por los autores. Esta ficción\, donde un grupo de malvados de color azul y formas deformes y monstruosas aterrorizan a toda una población hasta dejarlos literalmente paralizados\, será atravesado por un submarino con fines revolucionarios\, mientras los cuatro músicos dibujados según imagen y semejanza\, cantaran algunas bellisimas canciones a la par de intentar ser héroes devenidos autómatas a las ordenes del Capitán Fred. Que lucha por acabar con la maldad reinante e imponer definitivamente la paz\, el orden «desordenado»\, la libertad y la dicha entre la población. Los ecos del movimiento hippie\, las influencias de las culturas orientales\, el trazo pop estilo de su tiempo\, se impone por sobre todas las demas consideraciones. El resultado es una obra de extraña belleza visual pero con un ritmo que decae continuamente y hace tedioso el devenir de la casi hora y media que dura la función. Sin embargo sus imágenes resaltan hoy como testigos poderosos de un tiempo en que se creyó que los himnos de amor y paz acabarían por alcanzar a la civilización. Un intento fallido alejado de las revoluciones violentas que se desarrollaban en varios lugares del planeta mientras The Beatles perseguían sus ideales a golpe de musica y colorido. \n 
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SUMMARY:CINE: "TODOS ESTAMOS INVITADOS" (2008).
DESCRIPTION:Los años noventa del siglo pasado. País Vasco: Xabier es profesor y diserta sobre la realidad socio-política en la región. Sus palabras generan rechazo y aceptación por partes iguales pero el temor instalado en la sociedad por décadas de violencia hace que se convierta ya no en opositor sino en claro enemigo por simpatizantes de la política mas extrema: los seguidores de ETA\, el grupo armado que lucha por la Independencia del territorio del Estado español\, al que consideran enemigo. Francesca es una joven extranjera que mantiene una relación con él\, pero también se encuentra en el equipo médico que atiende a un amnésico integrante de la banda extremista: Josu. Lo que no está tan claro es si en realidad ha perdido la memoria o si sencillamente no quiere recordar su pasado. Con esta premisa\, el cineasta Manuel Gutierrez Aragón (1942\, Cantabria)\, uno de los realizadores mas famosos del cine español posterior al franquismo\, realizó el que sería su último film hasta la fecha\, «Todos estamos invitados». Estrenado en 2008\, su escaso impacto y aceptación motivo que el realizador renunciara a seguir filmando tras una extensa carrera iniciada en 1977 con su largometraje «Habla\, mudita»\, que como sus siguientes obras: «Sonámbulos» (1979)\, «El corazón del bosque» (1979)\, «Demonios en el jardín» (1982) o «La mitad del cielo»\, gozaron de enorme suceso critico hasta convertirlo en uno de los referentes del período. Sin embargo\, la segunda etapa de su carrera no tuvo la misma suerte\, y solo con este film volvió a ostentar cierto vigor que parecía apagado. Un retrato que intenta reflexionar desde la ficción cinematográfica sobre una de las mas dolorosas realidades de España y el País Vasco en particular: las consecuencias del accionar violento de un sector de la población que encuentra en el brazo armado de ETA una razón para reivindicar los valores de una tierra sometida al poder del estado central y por tanto merecedora de cualquier lucha\, aun la violenta para conseguir sus propósitos. La realidad y el paso del tiempo demostró que fue una vía que no contó con el apoyo de la mayoría de la población civil vasca. Que hoy intenta mirar y construir hacía el futuro\, dentro de una integración a un proyecto claramente europeista. Esta obra cinematográfica luce como testimonio de la mirada de su creador sobre una cuestión fundamental de la historia hispana de los últimos cincuenta años y demuestra el interés permanente que suscitó entre los artistas de las diferentes disciplinas que atraviesan las décadas desde la aparición en escena de ETA\, desde los primeros tiempos en que gozó de simpatías de vastos sectores por su oposición al régimen franquista hasta su deriva final de sangre y salvajismo que provocó el rechazó y el hartazgo de una mayoría que no veía en esa vía la solución de sus conflictos. \n«TODOS ESTAMOS INVITADOS» / España-2008/ Director Manuel Gutierrez Aragón / Intérpretes Jose Coronado\, Oscar Jaenada\, Vanessa Incontrada / Hablada en español / Color / Duración 1h 20 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LOCA ALEGRÍA" (2016).
DESCRIPTION:«Loca alegría» es un título que juega con el doble sentido de las expresiones y marca el tono que lleva la película. Una tragicomedia en tanto propone un relato donde sus protagonistas son pacientes de un instituto psiquiátrico y la enfermedad las reúne hasta desembocar en una escapada que les permitirá conocer sus realidades mas allá del estricto control médico. Beatrice es una mujer rica y fabuladora lindante con lo esquizofrénico\, que va a parar a un lugar que antaño fue casa de sus abuelos y ahora atiende enfermos con diferentes patologías mentales. La lucidez se mezcla con la arrogancia de clase social y la enfermedad que la afecta. Donatella es mas joven pero encierra secretos de una vida lindante con el desastre: prostitución\, droga y maltrato son los motivos que parecen haberla desquiciado. Ambas mujeres irán conectando con el paso de los días y la fantasía de escapar se hace presente en ellas. El director italiano Paolo Virzi (1964\, Livorno) es uno de los mas exitosos del presente a partir del éxito de «Caterina en Roma» (2003) que lo ubicó en primera linea y en los años siguientes se consagró con títulos como «N» (Io e Napoleone) (2006)\, «La prima cosa bella» (2010) y su mejor obra hasta el presente\, «El Capital Humano»(2013)\, un lúcido y feroz retrato de la decadencia europea presente. «Loca Alegría» fue su siguiente trabajo después del suceso de aquella y ha estrenado en los últimos meses «Notti magiche» (2018)\, donde recrea el rodaje de un film mientras Italia juega un mundial de fútbol. Virzi es hoy uno de los nombres consagrados del cine peninsular\, que en medio de una persistente crisis social y política desde hace mas de una década\, ha vuelto a recuperar vigores de otros tiempos\, cuando fue uno de los mas grandes y llenó salas y cinematécas de todo el planeta. Cuenta para esta realización con la ayuda imprescindible de dos grandes actrices para dar vida a sus criaturas. \n«LOCA ALEGRÍA» (La pazza gioia) / Italia-2016 / Director Paolo Virzi / interpretes Valeria Bruni Tedeschi y Micaela Ramazzotti / Color / Italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h 55 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LA NOCHE DEL CAZADOR"(1955). 6ª Clase Introducción al cine.
DESCRIPTION:EL CINE NORTEAMERICANO / PASADO: DESDE LOS AÑOS 30 A LOS 70 / PRESENTE: DE LOS AÑOS OCHENTA AL PRESENTE. \nEl cine sonoro norteamericano irrumpe con enorme vitalidad y profundiza su expansión por todo el planeta. Cada década del Siglo XX encuentra algún distintivo que la diferencia de la anterior. La propia renovación e incorporación de nuevos nombres mas los cambios que cada tiempo trae\, van definiendolo. Un detalle que marca el período que llega hasta finales de los años sesenta es el condicionamiento que la Censura impone a las películas tras la libertad creativa que imperó en el cine mudo y el primer sonoro\, hasta que el famoso Código Hays impuso estrictas normas. Sugiero para esta cuestión leer el texto citado para interiorizarse en la seriedad del asunto. Paralelamente\, estas limitaciones desarrollaron la imaginación de escritores\, guionistas y realizadores\, y en muchos casos\, practicar como espectador la lectura «entre lineas» nos indica las verdaderas intenciones del creador\, de la ideología que sea. \nA continuación citaré nombres de los mas destacados cineastas de cada década. \nLOS AÑOS TREINTA: proliferan los géneros cinematográficos: el policíaco\, el de terror y el musical entre los mas exitosos. El drama y la comedia siguen ocupando el lugar de siempre. También aparece de la mano de Walt Disney el cine de animación que irrumpe en su primer largometraje en 1937 con «Blancanieves y los Siete Enanitos». Otros cineastas con oficio\, quedan a la sombre de este nombre\, pero dan rienda suelta a su imaginación que mas tarde vería frutos en cortometrajes con diferentes estilos. \nFrank Capra\, John Ford\, Josef von Sternberg\, Leo MacCarey\, Ernst Lubitsch\, George Stevens\, Busby Berkeley\, Raoul Walsh\, Howard Hawks\, Lewis Milestone\, William Wellman\, Friedrich Murnau\, Robert Flaherty\, James Whale\, Tod Browning\, George Cukor\, Rouben Mamoulian\, King Vidor\, William Wyler. \nLOS AÑOS CUARENTA: la segunda guerra mundial condiciona el inicio de este tiempo y todo un cine propagandístico irrumpe en la pantalla. El western\, el tipo de films que recrean la conquista del «lejano oeste» aumenta su fuerza y el refinamiento en su tratamiento. El musical cambia de registro e incorpora nuevas figuras y mas técnica. Desde Europa arriban cineastas huyendo de la guerra y se establecen\, en muchos casos\, hasta la finalización del conflicto. El cine «negro»\, heredero del policíaco de los treinta\, encuentra su esplendor tras la pluma de escritores memorables que también escriben guiones. \nOrson Welles\, Alfred Hitchcock\, Billy Wilder\, Otto Preminger\, John Huston\, Joseph L. Manckiewicz\, Jacques Tourneur\, Julien Duvivier\, Michael Curtiz\, Fred Zinneman\, Max Ophuls\, Jean Renoir\, Vincente Minelli\, Robert Siodmak. \nLOS AÑOS CINCUENTA: otra guerra\, la de Corea\, da fuerzas al cine bélico del tiempo anterior. Los rodajes en exteriores aumentan y se complementan con los de los estudios. Un nuevo género irrumpe con fuerza: la ciencia-ficción\, una manera de expresar metafóricamente el anti-comunismo reinante en este tiempo. La animación de Disney va profundizándose. La sexualidad encubierta sigue colándose entre la censura y es a través de determinadas actrices que se convierten en símbolos sexuales\, por donde mejor muestran sus posibilidades. Los años finales de los cincuenta va abriendo tímidamente otras puertas a un cine con mayor compromiso\, muy influenciado por las libertades de ciertos países europeos en sus producciones. Desde la Televisión\, ya totalmente instalada como medio preferente del público norteamericano\, emergen una nueva camada de realizadores\, que encontraran en la pantalla\, la mejor manera de expresarse\, habiendo experimentado en la pequeña pantalla. Se convertirán\, algunos de ellos\, en los principales referentes del siguiente decenio. \nElia Kazan\, Blake Edwards\, Richard Quine\, Joshua Logan\, Richard Brooks\, Samuel Fuller\, Robert Aldrich\, Stanley Kramer\, Frank Tashlin\, Stanley Kubrick\, Edward Dmitrick\, Jules Dassin\, Joseph Losey\, Richard Fleischer\, Jack Arnold\, Delbert Mann\, Martin Ritt\, Sidney Lumet\, John Sturges\, Ida Lupino\, Roger Corman. \nLOS AÑOS SESENTA: poco a poco\, año a año\, temáticas comprometidas van tomando su lugar en la pantalla. Los viejos esquemas van haciéndose añicos y cuestiones como las raciales\, la política o la sexualidad aparecen mas abiertamente. En 1967 se estrenan dos películas que iban a marcar un puente entre dos tiempos: «EL GRADUADO» y «BONNIE AND CLYDE». En 1969 «BUSCO MI DESTINO» y «PERDIDOS EN LA NOCHE» entre otras\, rompen definitivamente los esquemas viejos. Y abren una década extraordinaria donde nuevos cineastas dejarán huella hasta el presente. \nArthur Penn\, John Frankenheimer\, Robert Mulligan\,Sam Peckinpah\, Donald Siegel\, Jerry Lewis\, Norman Jewison\, Mike Nichols\, Dennis Hooper\, John  Cassavetes\, Monte Hellman\, Adolphe y Jonas Mekas\, Sidney Pollack\, Andrew MacLaglen\, Burt Kennedy\, Ralph Nelson\, Russ Meyer. \nLOS AÑOS SETENTA: Norteamérica inicia una década marcada por cambios notables en la percepción de los ciudadanos sobre su propio país: el movimiento hippie de la década anterior\, las conquistas civiles de la población afro-americana y la guerra de Vietnam\, se presentan como cuestiones con influencias sobre los cineastas. Un cine mas abierto\, mas audaz\, que emerge a partir de finales de los sesenta\, toma fuerza imparable. Este tiempo es llamado el «Nuevo Cine Americano» y puede ser interpretado como una respuesta tardía a los movimientos que definieron el panorama europeo desde 15 años atrás. La revisión del Pasado y los comportamientos que la nación tuvo como fuerza imperialista\, también deja huella en las narraciones ficcionales así como en el registro documental. Una década que iba a tener un cierre estrepitoso a finales de la misma con la irrupción de las políticas neo liberales de Ronald Reagan y\, en en exterior\,Margaret Thatcher\, quiénes junto al poder del Vaticano a cargo de un Papa polaco ferozmente anticomunista\, marcarían el tiempo siguiente. \nWoody Allen\, Clint Eastwood\, Francis Ford Coppola\, Martin Scorsese\, Gordon Parks\, Melvin van Peebles\, Brian de Palma\, Paul Schrader\, John Carpenter\, George Romero\, Tobe Hopper\, Wes Craven\, Robert Altman\, Steven Spielberg\, George Lucas\, Alan J. Pakula\, Hal Ashby\, Ulu Grossbard\, Bob Fosse\, Peter Yates. Terrence Malick. \nLOS AÑOS OCHENTA: un tiempo de cambio donde muchos realizadores terminan sus carreras porque la edad es motivo para que los productores no depositen en ellos el cargo de dirección de películas: George Cukor\, Billy Wilder\, Stanley Donen\, por citar tres de los últimos clásicos\, firman sus últimos trabajos en esta década. De los nombres emergentes en la lista anterior\, algunos profundizan su trabajo y otros ven eclipsado el mismo. Es una década mas conservadora y las alternancia van ahondando en el terreno de un cierto cine independiente\, dando lugar a la creación de nuevas productoras que\, por lo general\, tendrían vidas no muy extensas. \nRobert Zemeckis\, David Lynch\, John Waters\, John Sayles\, Steven Soderberg\, los Hermanos Cohen\, Spike Lee\, Tim Burton\, David Cronenberg\, Jonathan Demme\, Sam Raimi\, Jim Jarmusch\, Barry Levinson\, Adrian Lyne\, Ridley Scott\, David Mamet. \nLOS AÑOS NOVENTA AL PRESENTE. \nConsidero a este un período aun a definir en términos históricos. La perspectiva del tiempo señalará a directores cuyas carreras merezcan tener consideración crítica. La post-modernidad unida a su continuadora la post-verdad\, en una era donde la tecnología revolucionó (y condiciona) la imagen en todos sus aspectos\, pulverizó codigos del pasado para seguir  construyendo una realidad cinematográfica contemporánea. \nMi propia valoración de este tiempo\, pura subjetividad\, me impide afirmar sobre la calidad de la carrera de muchos de los realizadores aun en activo. \nMel Gibson\,Jodie Foster\, Michael Mann\, Curtis Hanson\, Ron Howard\, Todd Solondz\, Todd Haynes\, Quentin Tarantino\, Sofia Coppola\, Christopher Nolan\, Richard Linklater\, Peter Jackson\, Paul Thomas Anderson\, John Singleton\, Carl Franklin\, Antoine Fuqua\,  James Gray\, Ang Lee\, David Fincher\, Sam Mendes\, Darren   Aronofsky\, Michael Moore\, Kathryn Bigelow\, Noah Baumbach. \nFILM ELEGIDO: «LA NOCHE DEL CAZADOR» / The night of the hunter / 1955 / EE.UU. / Director Charles Laughton / Intérpretes Robert Mitchum\, Lillian Gish\, Shelley Winters y los niños Billy Chapin y Sally Jane Bruce / Blanco y negro / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 32 minutos. \nUna obra «maldita» del Cine de todos los tiempos. Porque no fue reconocida en su momento de estreno al fracasar comercialmente. Fue recuperada desde la critica europea en los años ochenta y hoy figura en todas las listas de las mejores películas. Dirigida por un extraordinario actor\, Charles Laughton (UK\, 1899-1962)\, fue su única incursión en la dirección cinematográfica. Una fábula para adultos donde la infancia toma protagonismo. Un discurso sobre el mal y el bien atraviesa la historia bajo la siempre poética mirada del autor. Acompañado por una deslumbrante fotografía en blanco y negro que juega continuamente con un paisaje natural reconstruido en estudios en cine\, la imagen cinematográfica alcanza niveles de pureza poco habituales: animales que son testigos tan silenciosos como la vegetación del paso de unos huérfanos en huida permanente sobre una barca que atraviesa un río de leyendas. Malvados con tatuajes en las manos y hiel en cada una de sus palabras. Mujeres sometidas al mandato del macho y otras encumbradas en lo mas alto de su condición\, defendiendo a pura violencia la misma que se ejerce sobre los niños protagonistas\, un pueblo que es masa malvada e ignorante mientras pacen tranquilamente por prados de ensueños e intimidades infernales\, una justicia por mano propia que impera por sobre la justicia institucionalizada o casi\, una fantasía de sociedad hecha añicos por la mirada de un actor que fue autor y nadie pareció reconocerlo\, una actriz mítica del cine mudo\, Lillian Gish\, que regresa a la pantalla para demostrar su sabiduría a la hora de interpretar\, un actor emblemático que utiliza todo su físico para expresar una fuerza casi sobrehumana\, malvada\, demoníaca. Las imágenes de una mujer muerta sentada en un auto hundido en el lecho del  mismo río que sus hijos navegaran poco después mientras sus cabellos se mecen disparatada y bellamente junto a las algas del lecho barroso\, un pescador que parece pescarla y quedar atónito ante semejante horror. Nunca la maldad estuvo tan bellamente representada. La magia del cine\, su capacidad de convertirse en Arte\, encuentra en esta obra uno de sus mejores ejemplos. La noche de este cazador sigue perturbando seis décadas después. El cine de verdad\, es esto. Y mucho mas… \n 
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SUMMARY:CINE: "LA MULA" (2018).
DESCRIPTION:Esta película es la numero 38 de las dirigidas por el también actor\, productor y compositor norteamericano Clint Eastwood (1930)\, uno de los mayores y completos cineastas del último medio siglo. Iniciado en la actuación en los años cincuenta\, alcanzó popularidad como astro televisivo en los primeros sesenta. Pero la consagración como actor fue en Italia donde filmó cuatro películas entre 1964 y 1967\, que lo hicieron tan popular que le permitió regresar a su tierra como superstar en 1968. Desde entonces no ha dejado de trabajar de un lado y otro de la cámara. En esta última película estrenada a sus 88 años de edad se da el lujo de interpretar a un hombre diez años mas joven: Earl Stone. Padre y marido desastroso\, siente debilidad por las flores y a su cultivo ha dedicado mas tiempo que a la familia. Ahora siente debilidad por una nieta\, mas el resto de la familia lo rechaza. Un día recibe una oferta para realizar un trabajo y decide arriesgarse a pesar de los peligros que este implica. Porque la idea de colaborar económicamente con sus descendientes le empuja a la aventura\, su manera de vivir la vida desde siempre. \nCon esta temática lejanamente inspirada en sucesos reales\, Eastwood regresa tras las cámaras y firma otra de sus grandes obras. Las que abarcan títulos memorables sobre el Lejano Oeste o la realidad mas contemporánea. «Los Imperdonables»\, «Río Místico»\, «Million Dollar Baby» o la emblemática historia de amor imposible «Los Puentes de Madison» brillan en este apartado de su creatividad. El resto de su obra es valiosa en distintos grados y conforma una de las mayores de la historia del Cine de Hollywood. Una trama que registra actualidades tan urgentes como el tema de las Fronteras: la de México con Estados Unidos\, el trafico de droga\, negocio imparable y monstruoso que amasa fortunas y muertes por partes iguales y la del limite entre los afectos. Una triada de conflictos manejadas con su talento habitual para registros tan complejos como lo son los del cine intimista\, el de denuncia y el de violencia. Manos expertas de las pocas que en este presente pueden combinar semejantes cuestiones sin caer en el absurdo. Un maestro contemporáneo para quien la palabra jubilación carece de absoluto sentido. \n«LA MULA» / The Mule / EE.UU. 2018 / Dirección Clint Eastwood / Intérpretes Clint Eastwood\, Bradley Cooper\, Dianne West\, Alison Eastwood\, Laurence Fishburne / Color / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 56 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LA LENGUA DE LAS MARIPOSAS" (1999).
DESCRIPTION:Los protagonistas de esta película ya Clásica del cine español son un profesor mayor y un alumno de nueve años. Y es la tercera y última exhibida dentro de un ciclo que ha buscado traer al presente un drama del pasado: la Guerra Civil Española (1936-1939) para también permitirnos reflexionar sobre cuestiones que siguen estando vivas en 2019. Estrenada en 1999 a pocos meses del final de un Milenio\, la obra tuvo una espectacular repercusión tanto en España como en nuestro país. Probablemente porque la universalidad de la trama hacía que acontecimientos lejanos en el tiempo y en la geografía seguían y siguen estando vigentes en nuestra realidad.El profesor Don Gregorio da clases en una aldea pérdida del norte español. Son los años treinta y un conflicto atroz está a punto de irrumpir en la tranquila calma de esa región. Una a una\, las lecciones se vuelven el néctar del pequeño Moncho: sus oidos siempre atentos a las palabras del mayor\, escuchan una afirmación: las mariposas tienen una lengua enrollada que despliegan para llegar al corazón de la flor y extraer de allí el néctar; a cambio de ese servicio que le brindan las flores\, las mariposas esparcen el polen. El señor mayor destila «su néctar» de conocimientos esperando que los niños lo absorban con la misma libertad de los insectos. Y Moncho aparece frente a los ojos del educador como el mas brillante de sus alumnos. \nJosé Luis Cuerda (1947) es uno de los mas reputados directores de cine español y cuenta entre una obra iniciada en los años ochenta con algunos títulos muy populares como «El Bosque Animado» (1987)\, «La Marrana» (1992)\, «Así en el Cielo como en la Tierra» (1995) o «Los Girasoles Ciegos»(2008)\, todos relatos donde el humor y la fantasía suelen ocupar un espacio muy destacado. En todo caso es considerado uno de los grandes retratistas de su generación y\, con este film\, obtuvo un reconocimiento mas allá de las fronteras de su tierra. Los valores de la educación enfrentados a las ideologías personales que pueden hacer caer cualquier logro y conducir a la violencia y sobre todo\, la autodestrucción\, son el tema «de fondo» de esta obra donde la mano del gran Rafael Azcona (1926-2008)\, uno de los mayores guionistas europeos de todos los tiempos (Marco Ferreri\, Carlos Saura\, Luis Garcia Berlanga contaron con él para títulos clásicos del cine español e italiano) brilla con notable acierto. Los pormenores de la casa del niño y cada uno de los integrantes de la familia\, el mundo interior rico y siempre en conflicto del viejo maestro\, la violencia de un tiempo que conducirá a una matanza terrible entre hermanos\, son temas que nunca caducan. Porque como los grandes patrones de nuestra conducta humana\, siguen siendo inalterables al paso de los siglos. El Cine\, en su extraordinaria grandeza\, sigue alimentándose de ellos para convertirlos en piezas de arte que nos acompañan mientras transitamos caminos una y otra vez recorridos por nuestros ancestros.La metáfora de las mariposas no tendría que ser olvidada. El niño Manuel Lozano (1990) es otro de los grandes aciertos del film\, y su labor\, enfrentada a la del inmenso Fernando Fernán Gómez (ya reseñado en el segundo film del Ciclo) lo convierte en uno de los grandes trabajos infantiles de su tiempo. \n«LA LENGUA DE LAS MARIPOSAS» / ídem / España 1999/ Director José Luis Cuerda / Guión Rafael Azcona / Intérpretes Manuel Lozano y Fernando Fernán Gómez / Color / Hablada en castellano sin subtítulos / Duración 1h 36 minutos.
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LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "CABARET" (1972).
DESCRIPTION:Cuando esta película se estrenó en 1972 se convirtió de inmediato en un suceso\, ganó los premios mas importantes y puso en órbita cinematográfica a dos de sus creadores: Bob Fosse (1927-1987) y Liza Minelli (1946). El primero\, uno de los mayores coreógrafos de la historia del teatro musical norteamericano\, debutó bailando en comedias musicales de Hollywood en los cincuenta para pasar a los escenarios de New York y revolucionar en pocos años todo un género: el musical. Desde allí saltó al cine y realizó una breve e intensa obra entre 1968 y 1983: «Sweet Charity- Dulce Caridad» (1968)\, «Lenny» (1974)\, «Comienza el Espectáculo- All That Jazz» (1979) y su obra final «Star 80» (1983). «Cabaret» fue su segundo trabajo y como en el resto\, indaga en el mundo del espectáculo y el cine para crear sus films. Desde la primera\, que es una versión del clásico de Federico Fellini «Las Noches de Cabiria»\, pasando por el teatro berlinés de los años veinte y treinta del siglo pasado\, la recuperación de un cómico genial y subversivo\, su propia autobiografía como artista\, hasta la vida y muerte de una modelo de los años setenta. Las cinco forman un breve y magistral mosaico sobre parte de la Cultura del Siglo XX. y hacen de este creador uno de los mas originales (y sub-valorados) de todo el cine norteamericano. Minelli es una actríz y cantante que tuvo su tiempo de esplendor entre su aparición en este film y principios de la década siguiente\, cuando estrenó unos pocos títulos entre los que destacan «New York\, New York» de Martin Scorsese (1977) y la comedia «Arthur» (1981)\, junto al cómico Dudley Moore. Su carácter autodestructivo se encargó de frustrar una carrera que comenzó tan brillante (en 1968 y con tres valiosos films anteriores a su consagración con «Cabaret») como resultó ser breve. \n«Cabaret» narra una historia que comienza en 1931 en Berlín con la llegada de la joven Sally Bowles desde el exterior para trabajar en la noche de la ciudad\, un tiempo hoy mítico de la cultura europea\, la Alemania de entre guerras que no solo gestó un movimiento artístico llamado «Expresionismo» sino que también deslumbró a todo el continente con la creatividad musical que emanaba de espectáculos nocturnos desde los escenarios de la capital\, cuando todo parecía estar permitido desde el escenario en forma de crítica feroz a todo un tiempo decadente que hacía de ello su merito principal. A través de la música y la danza\, los artistas definían su visión del entorno. Sally llega llena de ilusiones para debutar en un espacio donde un maestro de ceremonias subyuga a los espectadores conduciendo un show de danza y canciones provocadoras\, que cuestionan a esos propios espectadores que festejan lo mas horrible de su forma de vida sin que se les mueva un pelo. Dos hombres se cruzan en la vida de la muchacha y entre los tres forman el trío mas famoso (probablemente) del cine de inicio de los setenta. El telón de fondo\, es el amanecer de unos jóvenes rubios y fuertes que bajo el mandato de otro sin esas características pero con otras mas siniestras\, llevaría en pocos años al país\, al continente y al plantea a uno de los tiempos mas negros de la Historia. La sombra de Hitler y el Nazismo campea otra vez\, y a sus anchas\, ante la impasibilidad de la población. Donde toda sombra del pasado parece haber sido cubierta de desmemoria y olvido. \n«Cabaret»\, a casi medio siglo de su estreno\, nos invita a reflexionar sobre actitudes y presente. Que «la vida sea un cabaret» como rezaba la promoción del film\, o no\, es un desafío contemporáneo. El placer experimentado en el interior de una sala de espectáculos no debiera confundirse con la realidad del exterior. Al menos\, esto parece decirnos esta inmensa obra\, ya un clásico absoluto de la cultura de los años setenta. Aquel tiempo en que muchas cosas parecieron posibles pero fueron abortadas por un poder que jamas aceptó de buena ganas provocaciones a su establecimiento. La música\, la danza\, la voz de los artistas siguen alzándose como bandera ante la negritud que acecha. \n«CABARET» / ídem / EE.UU. / 1972 / Director Bob Fosse / Intérpretes Liza Minelli\, Michael York\, Helmut Griem\, Joel Grey\, Marisa Berenson / Color / Inglés y alemán con subtítulos en castellano / Duración 2hs.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "VIVIR SU VIDA" (1962). 5ª Clase Introducción al Cine.
DESCRIPTION:SEMINARIO 2º. \nClase 1ª / El Cine europeo: el Pasado : Alemania\, Inglaterra\, Suecia\, Francia\, Italia y el Presente: España\, países del Este\, Rusia. \nLa intención del siguiente escrito sigue siendo la misma que  en los anteriores: una guía sumamente sintética y\, posible de corrección y aumentos\, de un tema tan amplio en tiempo y diferencias como es el de reseñar el Cine hecho en Europa desde el advenimiento del Sonoro. Que los nombres citados\, todos valiosos\, sirvan como disparadores de la investigación propia\, a partir de la cual se llegará a la obra de todos ellos\, hoy plenamente accesible en detalles en la web. Desde alli\, construiremos puentes futuros para poder acceder a las obras de cada uno de ellos y a los centenares de obras que componen sus respectivas filmografías. \nEl cine sonoro trajo nuevas voces a todos los terrenos donde el mudo había tenido un amplio desarrollo. Y en cada lugar surgieron nuevos valores\, continuaron los ya consagrados y se apagaron las voces de muchos de ellos. En muchos casos\, circunstancias personales hicieron que algunas carreras no continuaran. En Alemania fue notable la influencia que el espectro político tuvo en el Cine. Con la irrupción del nazismo todo se vio alterado. Poco a poco lo ideológico fue tomando lugar en los estudios de cine cuando Hitler y los suyos comprendieron el potencial que las imágenes guardaban en cuanto propaganda. Realizadores que habían desarrollado amplias carreras se vieron obligados al exilio para salvaguardar su integridad física o poder seguir haciendo el cine que querían y no el que el Poder imponía. Entre los mas destacados aparecen los nombres de Fritz Lang\, Ernst Lubitsch\, con obras consagradas en las décadas anteriores\, marcharon a Hollywood y continuaron alli sus carreras. Muchos otras personas ligadas a la industria siguieron sus pasos: guionistas\, fotógrafos\, intérpretes\, técnicos de todas las disciplinas. \nEste fenómeno también se dio en Francia y otros países afectados por la guerra que a finales de los treinta estalló en Europa: Jean Renoir\, Julien Duvivier\, Max Ophuls o Rene Clair marcharon desde allí\, mientras otros permanecieron y continuaron su obra dentro de los limites que la ocupación alemana impuso. \nItalia estaba ya totalmente bajo la estela del fascismo cuando llegó el cine sonoro y ello genero un tipo de películas afines al régimen\, en general apuntadas hacía el genero mas escapista y donde la mirada política valía si era simpatizante con el fascismo. Entre los géneros mas destacables de este tiempo destacan el llamado «de los teléfonos blancos» y el épico en cualquiera de sus direcciones siempre que retratara la grandeza del «imperio italiano»\, heredero de la gran Roma antigua\, como pregonaba Mussolini. El primero de los citados retrataba una parte de la sociedad: la mas favorecida económicamente o al menos\, personajes para quienes las cuestiones cotidianas económicas no tenían ningún peso en sus vidas. Una irrealidad escapista que funcionó muy bien en las taquillas y convirtieron al cine de ese tiempo en mero entretenimiento. De todas maneras\, recuperar su visionado puede depararnos algunas sorpresas\, entre ellos el testimonio de toda una «era» en la historia de Italia: la fascista. El cine europeo de los años treinta y cuarenta estuvo totalmente influenciado y condicionado por estas cuestiones. Lo que generó dos maneras posible de hacerlo: o bien bajo las estrictas medidas del poder político o bien intentando construir relatos desde una perspectiva mas metafórica que luego\,con el paso del tiempo se  demostró efectiva. Realizadores como Rossellini o Blasetti en Italia o Clouzot en Francia\, realizaron películas que no son complacientes con las ideas dominantes y que no fueron afectadas siempre por la Censura o autoridades\, permitiendo crear verdaderas obras maestras entre la filmografía de estos autores. Otros fueron sumisos a los mandatos para mantener sus carreras y otros las vieron opacadas por levantar la voz. \nEn Inglaterra la independencia creativa continua dando frutos y todo un cine anti fascista nació desde los estudios de Londres donde realizadores comos los hermanos Korda\, David Lean\, Carol Reed\, Michael Powell realizaron grandes películas\, mientras Alfred Hitchcock\, autor fundamental debutante en el periodo mudo\, y otros\, se mudaron a Hollywood para proseguir sus carreras allí. \nLa URSS continuo en la linea de cine político y también profundizó en el terreno de lo popular con un cine que rara vez trascendió las fronteras mas allá de los países satélites como Hungría o Polonia. En estos países\, después de la guerra\, va apareciendo una nueva generación de cineastas\, algunos de los cuales alcanzarían amplio reconocimiento internacional a partir de finales de los años cincuenta. Los polacos Wajda\, Skolimowski\, Polanski\, Munk\, Vera Chytilova\, mujer emblemática del cine del Este\, Kachyna\, los checos Forman\, Menzel\, Passer\, Klos o Zeman\, autores deslumbrantes y trabajadores en nuevos lenguajes que aportaron una mirada diferente y fresca o los húngaros Fabri\, Jancsó\, Szabo o Marta Meszaros\, otra pionera en la dirección de cine femenina. Es interesante resaltar el aporte de todas estas cinematografías y cineastas porque sus nombres suelen quedar eclipsados por los de los mas nombrados de los países centrales de Europa. La diferencia entre hacer cines en democracias o gobiernos autoritarios resulta ser nula a la hora de buscar calidad fílmica. Los totalitarismos parecen haber agudizado la mirada de los creadores frente a cierto conformismo en los habitantes de naciones llamadas progresistas. El Arte no afecta a estas modalidades. Los grandes cineastas soviéticos profundizaron sus lenguajes\, como Eisenstein con sus obras finales antes de una muerte prematura. Luego de la muerte de Stalin\, líder histórico\, la cinematografía soviética entró en un período conocido como el del «realismo soviético». Nuevas generaciones de cineastas que poco (parecían) tener que ver con los precursores revolucionarios\, aparecen en escena y el pasado anterior a la Revolución de 1917 toma protagonismo. Obras monumentales como la versión cinematográfica del texto de Tolstoi «La Guerra y la Paz» son llevados a la pantalla\, así como textos de otros escritores clásicos del Siglo XlX o versiones de extranjeros\, como William Shakespeare\, de cuyos textos se hacen versiones extraordinarias. También los temas bélicos\, en referencia a las dos grandes guerras del siglo XX son atractivos para los realizadores. Cito algunos cineastas fundamentales de este tiempo\, el posterior a la Segunda Guerra Mundial: Sergei Bondarchuck\, Grigori Kozintsev\, Mikhail Kalatozov. Grigori Chukhrai\, Maijail Romm. Las obras de estos hombres llegaron con mucha frecuencia a Argentina gracias a los acuerdos entre los gobiernos de ambos estados y fueron exhibidas preferentemente en una clásica sala de la calle Corrientes de la Capital: el emblemático Cosmos 70\, donde durante todo el año se podía disfrutar de cine de calidad llegado de la URSS desde principios de los años sesenta hasta entrados los ochenta. En los setenta estalla la obra de artistas fundamentales como Andrei Tarkovsky\, Sergei Paradjanov\, Nikita Mijalkov\, Andrei Konchalovski\, Elen Klimov o Aleksandr Sokurov\, muchos de ellos aun en activo y realizadores de un cine extraordinario que lamentablemente no es tan fácil de ver como en los tiempos señalados. \nEn España. la Guerra Civil y el posterior franquismo no impidieron el surgimiento en los años cincuenta de cineastas tan audaces como  Luis Garcia Berlanga o Juan Antonio Bardem. Y entrados los sesenta\, las corrientes de la cercana Francia llegaron al territorio y surgieron voces renovadoras de lenguajes\, que tuvieron que agudizar las miradas para no caer en manos de la Censura. En Barcelona surge un movimiento de cine muy elitista donde nombres como los de Vicente Aranda o Jordi Grau alcanzan renombre con obras muy crípticas que crean desconcierto en espectadores y apoyo en los círculos críticos. Pero también en Madrid aparecen las películas de Fernando Fernan Gomez\, Basilio Martín Patino\, Francisco Regueiro\, Mario Camus\, Miguel Picazo o el mas internacional de todos ellos: Carlos Saura. La muerte del dictador Franco abriría otro tiempo del que surgen nombres como Manuel Gutierrez Aragon\, Alfonso Ungria\, Montxo Armendariz\, Juan Luis Borau\, Jaime Chavarri o el fenómeno Pedro Almodovar. Los noventa son los tiempos de Alejandro Amenabar\, Daniel Capalsoro o mujeres como Isabel Coixet\, Iciar Bollain\, que abren nuevas puertas al cine del presente. \nEn el vecino Portugal\, cinematografía tan silenciosa como valiosa\, destaca el nombre de un cineasta que atravesó las décadas desde el primer cine sonoro hasta ser reconocido internacionalmente en su vejez\, convirtiéndose en el director de cine de mas edad en activo: filmó hasta el final de su vida ya centenario: Manuel de Oliveira. \nLa década de los cincuenta dio paso a una nueva generación de realizadores y corrientes innovadoras aparecen en Inglaterra con el FREE CINEMA\, en Francia con la NOUVELLE VAGUE\, pero antes había irrumpido en Italia el  NEORREALISMO\, el movimiento mas notorio y rupturista que es visto como la llegada de modernidad al Cine.. El cine firmado por Vittorio de Sica\, Roberto Rossellini\, Luchino Visconti\, Pietro Germi\, Alberto Lattuada\, Cesare Zavattini como guionista y teórico\, permitió que una década mas tarde tuviera continuidad con la irrupción de una reformulación de aquellas temáticas que derivaron tanto al drama como a la comedia\, pero sobre todo a la aparición de voces tan diferentes y cautivadoras\, algunas absolutamente renovadoras como las de Federico Fellini\, Pier Paolo Pasolini\, Michelangelo Antonioni o Valerio Zurlini. Entre los generadores de una nuevo genero que resaltaba el humor sobre las situaciones mas dramáticas destacan los nombres como Mario Monicelli\, Dino Risi\, Luigi Comencini\, Mauro Bolognini\, que alumbraran obras maestras. En los sesenta y setenta se incorporan Bernardo Bertolucci\, Marco Ferreri\, Francesco Rosi\, Antonio Pietrangeli\, Marco Bellochio\, Ettore Scola\, Mario Bava\, Sergio Leone\, Dario Argento\, que cultivan diferentes miradas: desde el cine político al de terror pasando por un genero «inventado» por los italianos: el spaguetti western o\, lo que es lo mismo\, la realización de películas ambientadas en el lejano oeste norteamericano pero filmadas en territorio europeo: las llanuras italianas o los desiertos del sur de España. El otro invento internacionalizado por Italia es el «giallo»: su versión sangrienta y sádica del policíaco y criminal\, cuyas huellas perviven en nuestro presente\, \nEn Suecia se consagran nombres como Ingmar Bergman\, Gustav Molander\, Vilgot Sjoman\, Alf Sjoberg\, Bo Widerberg\, Jan Troell o la realizadora Mai Zetterling. En Dinamarca el de Carl T.Dryer se convierte en el «padre» de los actuales\, entre los que destacan dos cineastas de enorme potencia: Lars von Trier y Thomas Vinterberg. \nLos movimientos mas destacados de los años sesenta\, los mencionados de Inglaterra y Francia\, se convierten junto a uno en la Alemania de los setenta\, en los mas difundidos de toda Europa\, después del italiano. Cito cineastas fundamentales de cada uno de ellos: \nFREE CINEMA (Inglaterra\, desde 1956): John Schlessinger\, Tony Richardson\, Karel Reisz y Lindsay Anderson\, sus nombres primitivos\, a los que se sumarían Bryan Forbes\, Desmond Davis\, Jack Clayton\, Dos directores norteamericanos\, afincados por distintas razones en Reino Unido\, enlazan de alguna manera con este tiempo: son Joseph Losey que llega exiliado tras una amplia obra en USA y Richard Lester\, que debuta aquí y se convierte en un cineasta iconico de los sesenta con postulados propios que solo en lo temporal parece coincidir con los anteriores. A finales de la década aparece un nombre fundamental y cada vez mas potente hasta llegar hasta el presente: Ken Loach. También destacan los nombres de Peter Collinson\, Neil Jordan y Stephen Frears\, apurando y condesando las décadas siguientes. Paralelo a estos autores\, existe otro cine mas convencional pero enormemente popular: en 1962 irrumpe en la pantalla un personaje cuya huella sigue hasta el presente: el agente secreto James Bond 007. También los cines policíaco y de intrigas tiene un lugar importante así como el de terror de la mano de dos casas productoras: la Hammer Films y su hermana menos\, la Amicus\, de donde salen obras ya de culto en el genero terrorífico y fantástico\, con el emblemático Terence Fisher a la cabeza. \nNOUVELLE VAGUE ( Francia\, desde 1958) : Claude Chabrol\, Francois Truffaut\, Jean Luc Godard\, Jacques Rivette\, Agnes Varda\, Jacques Demy\, Pierre Kast\, Alain Robbe Grillet\, Philippe de Broca. Se les asocia pero no es exacto afirmarlo\, dos nombres fundamentales del cine galo: Louis Malle y Alain Resnais. Y otro enormemente popular en su tiempo\, Roger Vadim\, que les precede en tiempo (1956)\, pero en el que pueden encontrarse ciertas cuestiones que lo emparentan. \nNUEVO CINE ALEMÁN: (Alemania\, desde mediados de los 60): Volker Schlondorff\, Rainer Werner Fassbinder\, Win Wenders\, Werner Herzog\, Alexander Kluge\, Margarette von Trotta. \n\n\nFilm exhibido: \n«VIVIR SU VIDA» /  título original : «VIVRE SA VIE: FILM A DOUZE TABLEAUX» / Francia-1962 / Director Jean Luc Godard / Intérprete Anna Karina / Fotografía Raoul Coutard / Música Michel Legrand / Hablada en Español con subtítulos en castellano / Blanco y Negro / Duración 1h 20 minutos. \nEl realizador nació en Paris en 1930. Hijo de familia adinerada que se trasladó a Suiza durante la Segunda Guerra Mundial\, regresa a Francia con pasaporte y nacionalidad de este país neutral. Desde la redacción de una revista salta a la dirección de cine con cortometrajes y pronto debuta con un largo: «Sin Aliento» (1960). Este film es uno de los primeros del movimiento conocido como Nouvelle Vague y es considerado hoy un clásico del Cine. Godard aporta una mirada muy personal al hecho de realizar cine y define desde el principio una manera que sería sello de autoria\, un concepto que él y sus compañeros de redacción «potenciaron» y convirtieron en lenguaje común. Durante su larga trayectoria que continúa en la actualidad\, cercano a cumplir los 90 años de edad\, su obra está dividida en «etapas» que él mismo define. La experimentación y acontecimientos temporales han influido en esta división. Desde la irrupción de momentos políticos hasta las nuevas tecnologías o novedades que fueron apareciendo en lo relativo al audiovisual\, han influido en la creación de sus películas. En lo personal\, su periodo mas atractivo es el inicial. Que llega hasta 1967 donde da un cambio radical a lo hecho hasta el momento y se embarga en un tiempo donde la experimentación se radicaliza. Filma una serie de trabajos\, de diferentes duraciones y tanto documentales como ficciones. Forma parte de un grupo y su nombre no siempre aparece como director. \nDe aquel primer tiempo destaca la relación con la actriz dinamarquesa  Anna Karina (1940) a quien descubre siendo modelo publicitaria. La hace protagonista de siete largometrajes y el episodio de un film colectivo entre 1961 y 1967. Forman un ciclo de películas muy atractivas y entre ellas está la segunda colaboración de 1962\, esta «Vivir su Vida». Considerada como una de las obras mas accesibles de ese periodo\, la narración que utiliza Godard se ciñe a la cronológico pero rompe con la narrativa clásica. Son\, como señala su largo título original\, 12 bloques donde va contando las vivencias de Nana\, una joven dependienta de una tienda de discos a la que no alcanza el dinero. Madre de quien nunca se muestra sus hijos pero se sugiere apartada de la familia\, la mujer deriva hacia el camino de la prostitución al fracasar sus intentos de ser actriz de cine. Como en un juego de espejos\, actriz y realizador juegan a la vez que interpretan la historia. La cámara siempre inquieta filma espaldas de las cuales a veces un espejo desvela los rostros mientras unos suaves travellings parecen acariciar a su criatura. Los hombres siempre son comparsas y ella se descubre como una mujer independiente y anhelante\, con dominio de sus elecciones pero que no puede romper el rígido mundo machista que la rodea. El rostro hermoso de la actriz es filmado sin tregua por la cámara de uno de los grandes fotógrafos de la historia del cine\, Raoul Coutard. Las miradas de Nana rompen los ejes tradicionales y nos miran e interpelan. Como si nos preguntaran que opinión tenemos de lo que acontece. Un mecanismo\, que así como las citas literarias que a modo de cine mudo ilustran el inicio de cada uno de los 12 bloques\, son forma distintiva del cine de aquellos primeros años del realizador. Mucho mas accesible que el que vino después\, para permanecer hasta la actualidad con un estilo muy hermético donde los espectadores quedan permanentemente en un lugar de interrogación o complicidad con la oferta del artista. En aquella primera parte inicial\, se guarda el cine mas fresco y autentico de Godard\, ricas pinceladas sobre un tiempo y sobre dos amores: los experimentados por la cinematografía y por una mujer que fue ademas\, o pareció serlo\, su musa. Actriz que fuera de la órbita del cineasta permaneció una década en activo hasta llegar en 1973 a una radicalizacion de su propia carrera: debutó como realizadora y sus apariciones como actriz fueron cada vez mas selectivas y lo hizo en films de escasa difusión. Pero pudo trabajar bajo la dirección de maestros como Rivette\, Visconti\, Cukor\, Fassbinder o Schlondorff. El nombre de ambos permanece unidos cincuenta años después. Sugiero ver todas y cada una de las colaboraciones de la pareja: «UNA MUJER ES UNA MUJER»\, «EL SOLDADITO»\, » ASALTO FRUSTRADO»\, «ALPHAVILLE»\, «PIERROT LE FOU»\, MADE IN USA» y el episodio «ANTICIPACIÓN» del film colectivo «EL AMOR A TRAVÉS DE LOS SIGLOS». Peliculas todas de una enorme creatividad e influencia en directores modernos como los hermanos Cohen o Quentin Tarantino. \n 
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SUMMARY:CINE: "LAS BICICLETAS SON PARA EL VERANO" (1984).
DESCRIPTION:«LAS BICICLETAS SON PARA EL VERANO» es un título clásico entre los que refieren y retratan la Guerra Civil Española (1936-1939). Por este motivo resulto ser la elegida para la segunda entrega del presente ciclo\, tras el visionado de «Morir en Madrid» (1963)\, pieza fundamental dentro de la temática abordada desde la cinematografía. Relata la vida de una familia que vive en un barrio tradicional y céntrico de la capital española\, entre los años que dura la contienda bélica. Una familia de clase media-baja compuesta por Luis y Dolores\, padres de Manolita y Luisito\, jóvenes llenos de ilusiones y vitalidades varias\, que verán enfrentados sus proyectos a la realidad de la tragedia que día a día se abate sobre la ciudad sitiada\, resistente\, viva\, dolorosa y también agrietada ideologicamente ante la división que desgarra la nación. Una sublevación militar frente a una República conflictiva pero elegida democráticamente. El entorno del vecindario que acompaña a los protagonistas no puede ser mas amplio y representativo: desde la chismosa y envidiosa Antonia\, madre de Julio y aspirante a enamorado de Manolita\, hasta la refinada Maria Luisa y sus simpatías por los golpistas nacionales\, pasando por la sirvienta Maria\, personaje representativo del interior rural español que llega a la ciudad para encontrar un futuro mas prometedor. Todos forman un mosaico que define la realidad de un momento visto por los ojos de los civiles\, que ajenos a la Guerra\, la padecen y sufren sus consecuencias. Las bicicletas que refiere el título son las que representan la libertad\, la juventud y un tiempo de vacaciones que transmutará en otro menos feliz al final de la historia\, cuando el padre advierte al hijo: «Solo Dios sabe cuando habrá otro verano». Una pelicula memorable que adapta una obra de teatro ganadora de premios mayores en 1977 cuando fue registrada. Desde su primera representación en Madrid en 1982 fue suceso\, un tiempo en que los españoles ensayaban la vida democrática tras cuatro décadas de represión y dificultades para la mayoría\, y bienestar para pocos\, afines al poder franquista. Su éxito avaló la adaptación al Cine\, y su autor\, Fernando Fernan Gomez (1921-2007)\, uno de los mayores y multifaceticos artistas de España del Siglo XX\, actor\, director\, escritor\, volvió a convalidar éxitos anteriores. Una obra de cine fundamental en el panorama ibérico cuya dirección estuvo a cargo de uno de los mas prestigiosos directores de la Transición Española\, periodo casi mítico para los ojos de hoy\, posterior a la muerte del Dictador en 1975 y que se extendió hasta la llegada del PSOE al Poder en las elecciones de 1982. Cuando de alguna manera\, el ciclo iniciado en 1931 y truncado en 1936\, volvió a cerrarse con la llegada al poder de un gobierno de izquierdas. Muy diferente al aguerrido de los años treinta pero mas astuto y adaptado a las necesidades de entonces. Ya no habría República sino Monarquia Constitucional. Detalles sutiles (o nada) que hoy llenan espacios en la reflexión de las nuevas generaciones de españoles\, quienes decidirán un futuro que no debería omitir la Memoria. Films como este la mantienen viva. Jaime Chavarri (1943)\, el director señalado en el párrafo anterior\, fue autor de cinco obras fundamentales del periodo 1976-1989\, uno de los mas creativos del cine hispano: «El Desencanto» (1976)\, obra maestra que documenta a través de la decadencia de una familia rica e intelectual\, la de un propio tiempo\, el franquismo\, «A un Dios Desconocido» (1977)\, con Hector Alterio en un trabajo magistral sobre sexualidad y religión\, «Dedicatoria» (1980)\, manifiesto de amor a toda una generación de creadores\, «Las Cosas del Querer» (1989)\, popular recreación de la represión y censura del generalísimo a golpe de música y baile deslumbrantes\, y esta obra que nos ocupa\, unas bicicletas para la posteridad. \n«LAS BICICLETAS SON PARA EL VERANO» / ídem/ España- 1984 / Director Jaime Chavarri / Intérpretes: Agustín González\, Amparo Soler Leal\, Gabino Diego\, Victoria Abril\, Alicia Hermida\, Marisa Paredes\, Carlos Tristancho\, Patricia Adriani / Hablada en castellano sin subtítulos / Color / Duración 1h 43 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL VEREDICTO o LA LEY DEL MENOR" (2017).
DESCRIPTION:La Literatura no deja de ser fuente de inspiración de cineastas de todos los orígenes. Y los que firman sus obras\, algunas veces lo hacen también en la traslación de sus palabras al lenguaje del cine. Es el caso de Ian MacEwan (1948)\, uno de los mas prestigiosos escritores en lengua inglesa de las últimas décadas\, que ha escrito el guión de una de sus creaciones en el film «LA LEY DEL MENOR»\, traducción de su obra homónima. Una Jueza de enorme reputación y entrega absoluta a su profesión\, tanto que el mundo afectivo ocupa un segundo plano del que parece no ser consciente\, se ve enfrentada a una cuestión muy sensible: dictaminar sobre un menor practicante extremo de religión que rechaza ser atendido medicamente poniendo en peligro su propia vida. El fundamentalismo en cualquier práctica o ideología es el tema subyacente en esta propuesta artística. Un tema de enorme actualidad donde el término pareciera ceñirse en el presente solamente al terrorismo internacional. La propuesta del autor parece indicarnos que también afecta a la intimidad de las personas en sus ámbitos mas privados. Richard Eyre (Inglaterra\, 1943) es un cineasta de mucha actividad en la televisión y de menor en la pantalla grande. En su obra destacan dos acercamientos al mundo femenino como fueron «Iris» (2001)\, sobre una poeta enfrentada al deterioro de su mente y «Escándalo» (2006)\, una de las grandes obras sobre el poder del chimento como destructor de la persona atacada. Las dos estuvieron interpretadas por grandes actrices como Judi Dench\, Kate Winslet y Cate Blanchett. Ahora\, tras una década de silencio a causa del fracaso de su anterior trabajo (The Other Man\, 2008)\, regresa a ese mundo de mujeres protagonistas con conflictos siempre actuales y universales. Lo hace de la mano de otra gran intérprete: Emma Thompson (1959)\, actriz que apareció en escena en 1988 de la mano de su esposo de entonces\, Kenneth Branagh\, uno de los mayores conocedores del teatro británico e irregular cineasta. A su lado destacó en «Enrique V» (1989) y desde allí se consagró con dos memorables trabajos del gran James Ivory: «Regreso a Howard’s End» (1992) y «Lo que queda del día» (1993). Luego vendrían «En el nombre del Padre» (1993) de Sheridan\,  «Sentido y Sensibilidad» (1995) de Ang Lee\, su incursión en el mundo Harry Potter (que le dio popularidad entre el público masivo) y ahora regresa a un tipo de cine que la vio surgir. En el trabajo de ella\, en su creación del personaje de Kate\, radica uno de los mayores valores del film. El resto acompaña con la seguridad que el talento del director Eyre imprime a sus mejores creaciones. Una película que vuelve a enfrentarnos con otro debate siempre rico: la traslación de la Literatura al Cine. Un manjar para todos los curiosos. \n«EL VEREDICTO» (LA LEY DEL MENOR) / The Children Act -2017 / Reino Unido-USA / Director Richard Eyre / Intérpretes Emma Thompson\, Stanley Tucci y Fion Whitehead / En inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 45 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-el-veredicto-o-la-ley-del-menor-2017/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
CATEGORIES:Cine fórum
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SUMMARY:CINE: "LA NOCHE AMERICANA" (1973) / 4ª Clase Introducción al Cine.
DESCRIPTION:Clase 4ª: «Las Artes reflejadas por la Cámara: Pintura\, Arquitectura\, Escultura\, Poesía\, Danza\, Música y la Imagen Cinematográfica /Adaptaciones\, miradas\, representaciones\, transformaciones de un lenguaje a otro. \nDesde el inicio del Cine\, se buscó trasladar los diferentes lenguajes artísticos a este nuevo y recién llegado. Lo primero que aparece es la adaptación como motivo generador de una película. Paralelo al surgimiento de la idea propia como motivadora de una trama\, la inspiración de una obra ya existente fue uno de los lugares recurrentes por cineastas de todo lugar. La literatura aparece entonces como el primer espacio desde el que buscar. La dificultad de trasformar palabras en imágenes es notable inmediatamente. Ya sean provenientes de un libro o de una obra teatral\, hasta de una ópera. Cuando Meliés se acerca al mundo de Jules Verne no hace mas que inspirarse en los relatos de aquel para convertirlos en pura creatividad fílmica: esa Luna con ojos donde irá a insertarse la no tan disparatada nave terrícola de la que emergen los aun mas absurdos ropajes de sus protagonistas\, muestran el primer triunfo de la transposición de un lenguaje a otro. Según avanzan los años surgen otros cineastas que solo se convertirán en ilustradores de libros de todo tipo. El público acepta el desafió y comienzan las comparaciones. La imposibilidad de respetar el total de un contenido literario se traduce en recortes o modificaciones varias\, que pueden llegar hasta el propio corazón e identidad de lo adaptado. Quizás desde esa realidad nazca el mejor cine. El que «olvida » el origen literario para «inventar» otro nuevo. Este punto de partida genera dos grandes estilos dentro del cine de adaptaciones: el de la fidelidad y el libre que se nutre de ella para representar algo nuevo. Como ejemplo\, dos textos clásicos: «La Biblia» o «La Odisea» han sido disparadores de películas de todo tipo: desde las recreaciones erotizadas del primer Cecil B.de Mille hasta las respetuosamente cristianas de Franco Zeffirelli en relación al texto religioso. De las adaptaciones academicistas de autores como James Ivory sobre textos del mundo anglosajón hasta la irreverencia de Godard con uno de Alberto Moravia. En ambos lados se cosechan triunfos y fracasos. Donde Manuel Antin se equivoca al ser extremadamente respetuoso a la palabra de Julio Cortazar\, Michelagelo Antonioni acierta al tomar solo como punto de partida un texto del autor argentino. Con el fenómeno teatral el desafío se mantiene a la misma altura. Sacar al personaje del espacio escénico para trasladarlo al siempre cambiante de la pantalla. Donde el ojo del espectador en una platea frente al interprete puede no llegar\, si lo hace el lente gigantesco de la cámara. La expresión humana entonces\, alcanza otro sentido. Teatro y Literatura siguen siendo puntos de partida hoy. Y los dos caminos\, transitados. Los resultados\, siempre oscilantes. \nLa Música y la Danza\, en sus diferentes vertientes han sido y son otro de los temas recurrentes. La Arquitectura se transforma en escenografías o retratos documentales de ciudades o parajes lejanos donde el hombre ha dejado su huella. E l cuerpo del actor puede ser esculpido tanto por la cámara como por los dedos del artista. La Pintura se transforma en Fotografía y sus grandes artistas no tienen nada que envidiarle a los maestros del pincel. El Cine finalmente se ha convertido en aglutinador de todas ellas y solo ocasionalmente las ha transcendido para crearse a si mismo como nuevo lenguaje. En 1911 Canudo presenta su Manifiesto de las Siete Artes dándole al Cine su último numero de la serie. Desde artesanos nobles y respetuosos\, hasta meros ilustradores o mediocres transcriptores\, a revolucionarios de la imagen\, siempre en movimiento y búsqueda\, todos continúan transitando el viejo sendero de la inspiración o el mas atrevido de la creatividad. \nAlgunas referencias. \nLiteratura: William Shakespeare es uno de literatos mas inspiradores con cineastas como Orson Welles\, Laurence Olivier\, Franco Zeffirelli o los maestros soviéticos entre sus mayores cultivadores y mejores exponentes. Cada cual desde una mirada muy personal. \nMúsica: desde las propias «biografías» o acercamientos a las grandes figuras del apartado hasta el género musical cultivado desde Hollywood pasando por miradas personales sobre el propio arte de las notas . Pero donde mas aporte ha hecho la música es desde la elaboración de las bandas sonoras que acompañan a cada film desde el final del cine mudo. Músicos que dejaron las salas de conciertos o escenarios o escuelas para llegar al estudio de cine u otros que sencillamente desarrollaron sus aptitudes en el propio medio. El paso de los años no ha dejado de aumentar el reconocimiento de la mayoría de ellos. Cito algunos de los mas influyentes: \nCole Porter (1891-1964) / Max Steiner (1888-1971) / Frank Wahman (1906-1967) / Miklos Rózsa (1907-1995) / Alex North (1910-1991) / Bernard Herrmann (1911-1975) / Nino Rota (1911-1979) / Leonard Bernstein (1918-1990) / Elmer Bernstein (1922-2004) / Henry Mancini (1924- 1994) / Maurice Jarre (1924-2009) / Georges Delerue (1925-1992) / Ennio Morricone (1928) / Jerry Goldsmith (1929-2004) / Lalo Schifrin (1932) / John Williams (1932) / Michel Legrand (1932-2019) / Quincy Jones (1933) / Angelo Badalamenti (1937). \nListado de Directores de Fotografía: les acerco estos nombres para que busquen sus trabajos en IMDb\, la pagina web que les sugiero como la mas rigurosa. Desde alli\, se puede iniciar busqueda y se encontraran con grandes directores y películas en las que la firma de estos maestros aparece. Son desde el mudo hasta el presente NO inmediato. Porque todos los nuevos que están trabajando hoy\, construyen su carrera y el tiempo los pondrá en el lugar que corresponde. Prefiero hablar de obras cerradas en este momento y en esta 4ª clase. Los hay de varios países y varias épocas. \nJohn Alcott / Gregg Toland /Stanley Cortez / Conrad L.Hal l/ Charles Rosher / Robert Burks / Vadim Yusov / James Wong Howe / Kazuo Miyagawa / Jack Cardiff / Freddie Young / Raoul Coutard / Tonino Delli Colli / Sven Nyvist / Giuseppe Rotunno / Vittorio Storaro / Nestor Almendros / Ricardo Aronovich/ Carlo di Palma / Gordon Willis / \n  \n  \nFilm exhibido: \n«LA NOCHE AMERICANA» \nCuando Francois Truffaut (1932-1984) estrenó esta película su nombre volvió a ocupar con fuerzas los titulares referidos al Cine. En los meses siguientes ganó premios y fue vista en el mundo entero con un suceso que pocas de sus películas anteriores habían conseguido (de público no de crítica). El realizador da rienda suelta a su pasión por el Cine y rueda un film sobre como se rueda un film. Un pequeño género dentro de la Cinematografía donde en el pasado se habían generado obras como «Sunset Boulevard» de Billy Wilder\, «Cautivos del Mal» de Vincente Minelli\, «Cantando bajo la lluvia» de Stanley Donen\, en Hollywood\, o ·»El Desprecio»\, de su colega Jean Luc Godard una década antes. Todos relatos valiosos sobre las interioridades detrás de la escena. En esta ocasión se muestra como el rodaje de una película romántica con ribetes de tragedia griega convoca a todo un equipo donde sus integrantes se convierten en co-protagonistas de la historia. Los actores principales\, una actriz que llega de Hollywood con sus crisis (y nuevo marido) a cuestas\, otra que a causa de su alcoholismo no logra aprender sus textos\, ayudantes del realizador que son fieles hasta para meterse en la habitación de los otros a rescatarlos de histerias o neurosis varias\, productores siempre atentos al costo de cada momento de filmación…y el propio Truffaut interpretando al director. La obra\, a 45 años de su estreno\, se mantiene como un retrato solido con sus logros y defectos\, ya notables en su momento. Desde mi punto de vista\, este director es uno de los mas sobrevalorados de su generación: la «nueva ola» francesa\, un tiempo (1955-1965\, aproximadamente) en que un grupo de críticos de cine se convirtieron en directores y realizaron películas que aportaron un soplo de aire fresco a modelos anquilosados (según el discutible gusto de la mayoría de ellos). Porque antes de su aparición\, el Cine francés había dado nombres\, indiscutibles aun hoy\, a la Cinematografía como los de Jean Renoir\, Rene Clair\, Julien Duvivier\, Abel Gance\, Henri Georges Clouzot\, Rene Clement\, Claude Autant Lara\, Marcel Carne o Jacques Tati\, con un talento superior al que mucho de los nueva oleros tendrían en sus respectivas obras\, siendo muchos de los citados denostados por los recién llegados. Los acusaban de realizar un cine estéril en cuanto obra de arte y sus condenas afectaron la trayectoria de muchos. Truffaut mismo acabaría rodando films absolutamente convencionales disfrazados de experimentales. Sus versiones sobre clásicos de la literatura «negra» norteamericana\, no han resistido nada bien el paso del tiempo. Ni «Disparen sobre el pianista» sobre texto de Goodis resulta graciosa\, ni mucho menos sus horribles transcripciones de los universos de Woolrich en «La novia vestía de negro» y «La sirena del Mississippi» consiguen aportar nada en especial. Hay algo demasiado egocéntrico en la postura del realizador que acaba frustrando sus intentos de ser innovador y aportar una mirada valiosa al material original. La transgresión no significa por si misma calidad. Rescato sin embargo cuatro films deslumbrantes donde la sensibilidad del cineasta (importante\, que lo fue sin lugar a dudas) se manifiesta en su plenitud: «La Piel Suave» (1964)\, un retrato tan cálido como doloroso de una historia de amor imposible entre una mujer joven y un hombre casado y sus tres películas donde la infancia es protagonista absoluta: «Los 400 Golpes» (1959)\, extraordinario debut (y quizás por eso mismo levantó tantas expectativas a futuro)\, «El niño salvaje» (1970) y «La Piel Dura» (1976). Del resto de su obra destaco dos obras extrañas y complejas\, hermosas aunque no llegan a la maestría de las anteriores\, como son » Las Dos Inglesas» (1971) y «La Habitación Verde» (1978). Su saga sobre Antoine Doinel\, protagonista y socias de Truffaut\, que interpretado por el mismo actor\, Jean Pierre Leaud\, aparece en cuatro obras posteriores a su presentación en «Los 400 Golpes»\, solo reviste el testimonio de ver crecer al intérprete entre 1959 y 1978 y resultan hoy películas enormemente envejecidas. Otra curiosidad destacable es su versión del universo de Ray Bradbury con «Fahrenheit 451» (1966)\, un film que utiliza demasiado las palabras y aporta menos en imágenes de lo esperable para un texto semejante\, donde el desafió de convertir un lenguaje en otro es especialmente alto. Al final del film\, el recitado de los libros por parte de unos personajes que deambulan por el bosque\, muestra las limitaciones de Truffaut para crear imágenes puramente cinematográficas. Criticar al realizador\, como a otros compañeros de su tiempo\, sigue resultando hoy una blasfemia para ciertos puristas de la crítica cinematográfica. Pero en la libertad de expresión sobre la devolución que cada película nos provoca\, esta la riqueza de la mirada de nosotros espectadores. Sumando y debatiendo se puede construir una diferente y alejarse del anquilosamiento al que puede conducir la extrema fidelidad a las palabras de los popes que construyen\, o intentan\, una élite sobre que Cine es valioso y cual no. La «nueva ola» francesa sigue siendo un movimiento importante en la Historia del Cine pero no el mas. Paralelo a él se desarrolla otro en Inglaterra y varios en otros puntos del mundo\, que parecen ser eclipsados aun hoy por los franceses\, siempre pioneros en saber vender bien sus productos. Desde una marca de autos\, una revolución o lo que tengan delante. Jamas fueron ni son el centro del mundo que pretenden. La obra entera de Truffaut es una clara expresión de semejante intención. Hasta de un término no propio como chovinismo supieron apropiarse. Sigamos rescatando las joyas que si\, supieron diseñar. \n«LA NOCHE AMERICANA» / La nuit americaine/ 1973 / Francia- Italia / Director Francois Truffaut / Intérpretes Jacqueline Bisset\, Francois Truffaut\, Valentina Cortese\, Jean Pierre Leaud\, Nathalie Baye\, Dani\, Jean Pierre Aumont / Francés e inglés con subtñitulos en castellano / Color / Duración 1 h 50 minutos.
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LOCATION:Escuela de Bellas Artes\, Av.25 de Mayo 573\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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