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SUMMARY:CINE: "OREIRA" (CIERVO) (2018).
DESCRIPTION:El cine vasco va encontrando nuevas formas de expresión con la incorporación incesante de nuevos y jóvenes cineastas que aportan una personal mirada sobre el mundo que los rodea. Kaldo Almandoz (1973) ganó prestigio por una serie de cortometrajes realizados a lo largo de dos décadas y ahora debuta en el largo con este título que fue galardonado en el último festival de Cine de San Sebastian 2018\, en su edición 66 con el premio Irizar. Forma parte del cine mas independiente y renovador que corre paralelo al de producciones comerciales y que encuentra su lugar en los festivales y salas de cine arte. El País Vasco que aparece aquí carece de nombres concretos para centrarse en un paisaje pocas veces mostrado en la pantalla: marismas y zonas industriales que conviven con los caseríos mas tradicionales. Los elementos y el paisaje son protagonistas a la par que los interpretes: unos se entrecruzan con los otros al compás de imágenes de gran potencia visual y músicas que aparecen y desparecen enriqueciendo cada fotograma. Cinco personajes estructuran una historia que debe ser atendida por el espectador para armar una especie de rompecabezas a la vez complejo y sencillo. Las relaciones entre los seres humanos son las mismas de siempre pero la mirada del realizador las re-ubica en un presente que ha mutado las antiguas tradiciones en actuales comportamientos. Ya no es una tierra solo de nativos sino que es compartida con la llegada de otros. La emigración presente ocupa el espacio de inmigración de otros tiempos: ya no son vascos que van al exterior a encontrar fortuna\, sino extranjeros ricos y pobres que llegan a Euskadi en busca de nuevas oportunidades. Del norte de África o de Japón\, jóvenes que se ganan la vida como pueden o empresarios que vienen a abrir nuevos mercados en un mundo globalizado que todo lo abarca. Las tradiciones y los comportamientos de un pueblo persisten pero tambien son atravesados por las culturas recién llegadas. Khalil es un joven que vive aquí desde los seis años cuando llego con su familia desde el norte de África\, Jose Ramon y Martin son hermanos lugareños que comparten casa pero no se hablan desde hace años\, una guardia forestal sigue en silencio sus pasos y una joven que atiende el negocio de su padre acompaña al extranjero. El dinero se consigue como se puede y Khalil no tiene pudores en las formas. Trabaja tanto la tierra como acompaña a pescar o vende droga. Las relaciones entre los habitantes de toda Europa han cambiado en los ultimas décadas y el panorama del presente poco tiene que ver con el anterior. Del progreso y del rechazo\, de la incomunicación y las relaciones dañados\, de madres que quieren y cuidan a su hijos\, de estas y muchas otras cosas trata la película. Una de las mejor consideradas por la critica española del año 2018 y el primer film de un realizador que promete. Como muchos otros de su entorno vasco que con cada colaboración vas dibujando la diversidad de una cinematografía pujante que poco a poco\, y casi en silencio\, va construyendo y completando la identidad de la cultura vasca. \n«OREINA /CIERVO» (2018) / España / Director Kaldo Almandoz / Intérpretes Laulad Ahmed Saleh\, Ramon Agirre\, Patxi Bisquert\, Iraia Elias\, Erika Olaizola / Color / Hablada en euskera\, castellano\, frances\, inglés y japones con subtítulos en castellano / Duración 1h 25 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-oreira-ciervo-2018/
LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE/CICLO "ALEMANIA Y SU MURO: 30 AÑOS DESPUÉS"
DESCRIPTION:La Caída del Muro de Berlin el 9 de Noviembre de 1989\, de la que se cumplirá 30 años en este 2019\, fue un acontecimiento que puso fin a un periodo iniciado en 1961 con su construcción. La división entre las dos potencias que diseñaron el panorama político durante el Siglo XX encontró en esta absurda construcción de varios kilómetros la manera mas visible de ejemplificar sus diferencias y destaca como uno de los hitos del periodo conocido como la «Guerra Fría» entre EE.UU y la URSS\, o lo que es lo mismo entre dos sistemas socio-económicos antagónicos: el Comunismo y el Capitalismo. La Cinematografía occidental se hizo eco del mismo desde sus orígenes y fue ampliamente reflejado durante los años sesenta en un género muy exitoso entonces: el de espías. Con una tendencia desmesurada a posicionar a los comunistas como los «malos» de la Historia\, la temática se encuadraba dentro del feroz anticomunismo inherente a los estudios de Hollywood y\, la categoría de los mismos fue variable. Algunos grandes cineastas utilizaron la situación para crear auténticas piezas valiosas como «Llamada para el muerto» (1967) o «Alto Espionaje: El espía que vino del frío» (1965). Sin embargo fue una comedia realizada el mismo año de la construcción la que abordó desde una óptica diferente la situación: «Uno\, dos\, tres…» (1961)\, que puede considerarse el punto de partida de la existencia del Muro de Berlin en la pantalla. \nPara el presente ciclo se han seleccionado tres obras del cine contemporáneo (2000-2012) para acercar una mirada mas reflexiva y sutil sobre el tema. La oscuridad que cubre el periodo cinematográfico de la Alemania del Este\, hace dificultoso en extremo comprobar la mirada que desde allí se observaba. Por lo tanto\, es la Occidental la que predomina y dentro de ella\, se ha intentado en esta breve selección de tres títulos (a todas luces insuficiente\, pero valioso en cuanto posible introducción a un tema aun con mucho que desarrollar) escoger obras de cineastas rigurosos que intentan mostrar cierta e imposible quizás\, objetividad. En todo caso se trata de tres largometrajes con los suficientes valores artísticos como para ser disfrutados\, apreciados y obviamente\, discutidos. No son películas «sentenciosas» aunque sea fácil creer que si\, sino que intentan mostrar al ser humano inmerso en situaciones de extrema singularidad por el tiempo y el lugar que les toca transitar y son\, en general\, victimas de una Historia que los trasciende. Cineastas que han sido también críticos con el funcionamiento de los valores occidentales alejados de cualquier ideal maravilloso como asiduamente se trata de representar al sistema: el Vencedor (Occidente) es por tanto superior al Vencido (el Comunismo soviético y los países bajo su influencia). Un tema siempre postergado de ser analizado en profundidad por la Cinematografía\, salvo contadas excepciones\, porque en definitiva lo que termina imperando es la mirada política e ideológica sobre la realidad. Siempre manipulada según los intereses del poderoso de turno. En este tiempo presente de feroz avance del capitalismo mas salvaje\, el cine serio brinda la oportunidad a los espectadores que se permitan entrar en el juego de los cineastas\, de buscar sus propias reflexiones a partir de la narración ficcional. El cine fue\, es y es de esperar que sea\, mas allá de un maravilloso entretenimiento\, una formidable expresión artística que brinda al ser humano la capacidad de ser un poco mejor. El Museo Etnográfico y Archivo Histórico Enrique Squirru de Azul aparece como un marco ideal desde donde realizar esta oferta a la ciudadanía mas inquieta por el conocimiento y comprensión del pasado histórico. \nPROGRAMA \nVIERNES 9 de AGOSTO / 18.00 hs. /:«BÁRBARA» (ídem\, 2012) /Alemania / Director Christian Petzold / Intérpretes Nina Hoss\, Ronald Zehrfeld\, Rainer Bock / Color / Alemán con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos. \nSíntesis: Alemania del Este\, 1980. Bárbara es una talentosa médica que pide autorización para dejar el país rumbo a Occidente. En castigo por ello\, es enviada a un pueblo del Mar Báltico donde en una clínica deberá realizar su trabajo mientras se siente observada y vigilada por todo el entorno. El director de la institución\, André\, resulta diferente a los demas y despierta la curiosidad de la joven mujer. Su dedicación profesional la enfrenta a la rigurosidad de la vida en el lugar. Una obra maestra del cine alemán contemporaneo\, ganadora de premios y gran éxito de publico dentro de los circuitos mas rigurosos del gran cine europeo. \nVIERNES 16 de AGOSTO / 18.00 hs. / «EL SILENCIO TRAS EL DISPARO»  (Die stille nach dem schuss\, 2000) / Alemania / Director Volker Schlondorff / Intérpretes Bibiana Beglau\, Nadja Uhl\, Martin Wuttke\, Harald Schrott / Color / Alemán con subtítulos en castellano / Duración 1h 40 minutos \nSíntesis: Años 80. Alemania Federal está atravesada por la crisis que representa la irrupción del terrorismo en el sistema democrático. De ideología anti-capitalista\, los grupos armados nacionales se emparentaron con los de Irlanda\, Italia\, Medio Oriente y España\, entre otros\, en su búsqueda por la vía de la lucha armada\, de un nuevo sistema alternativo al imperante. Rita Vogt y sus compañeros integran uno de los mas activos. Pero al sentirse derrotada y a la vez interrogándose sobre su propio posicionamiento\, busca iniciar una nueva vida en la Alemania del Este. Allí vivirá en carne propia esa otra realidad defendida desde la batalla. Mientras\, será testigo en la distancia\, de la suerte de varios de sus ex-compañeros.La caída del Muro de Berlin\, ahondará mas aun sus problemáticas. Una obra memorable sobre una cuestión siempre apasionante y soterrada en el discurso occidental\, del gran cineasta germano Schlondorff\, junto a Win Wenders\, Werner Herzog\, Rainer Fassbinder y otros\, integrante del movimiento cinematográfico que revolucionó los cimientos del cine alemán en los años setenta\, y uno de sus mas lucidos integrantes. Director de films tan prestigiosos como «El Joven Torless» (1966)\, «Golpe de Gracia» (1976)\, «El Tambor de Hojalata»(1979) o «Un amor de Swan» (1984)\, realiza aquí otro de sus grandes aportes al Cine. \nVIERNES 23 de AGOSTO a las 18.00 hs / «BERLIN ESTÁ EN ALEMANIA» / Berlin is in Germany\, 2001) / Director Hannes Stohr / Intérpretes Jorg Schuttauf\, Julia Jager / Color / Versión en castellano con subtítulos en castellano / Duración 1h 40 minutos. \nSíntesis: Tras la Caída del Muro de Berlin en 1989\, Martin sale de la cárcel tras haber pasado 11 años en ella. El mundo exterior que encuentra poco tiene que ver con el que conoció en su anterior vida en la Alemania del Este. Ni ha conocido a su hijo\, nacido al poco de caer en prisión\, ni su esposa le ha esperado. Es un buen hombre con una vida rota que intentará reorganizarla con la ayuda de los pocos amigos que le apoyan: antiguos compañeros de celda también en libertad. Una visión lucida y brillante sobre como los cambios sociales y la propia Historia\, condicionan al individuo. Una película dirigida con enorme sensibilidad por el mas joven de los cineastas de este ciclo\, Hannes Stohr\, que debutó con enorme suceso con este largometraje. Su carrera consta de otros tres films\, todos de gran valor y aceptación critica y popular\, que sin embargo no han permitido que vuelva a filmar desde hace ya seis años. Uno de los mas valiosos integrantes del cine alemán mas reciente\, que combina con singular maestría los géneros del drama y la comedia mas humana. \n \n 
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-ciclo-alemania-y-su-muro-30-anos-despues/
LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "SAMBA" (2014)
DESCRIPTION:Samba Cisse es un hombre que vive desde hace diez años en Francia. Inmigrante llegado de Senegal\, debe cambiar continuamente de nombre para encontrar trabajo porque su documentación no acaba de confirmarse. Walid llegó de Argelia pero se finge brasilero y es conocido como Wilson en su afán de ser aceptado por los franceses. Alice\, la única europea de los tres protagonistas se recupera de un trabajo que la condujo al stress con un voluntariado en temas de integración de extranjeros. La dupla de realizadores Nakache-Toledano es una de las mas prestigiosas del cine galo y entre sus siete películas hasta el presente\, destaca uno de los mayores sucesos de los últimos tiempos\, que inspiró versiones en Argentina y en USA: «Amigos Intocables» (Intouchables\,2011)\, que contaba la relación entre un amargado y lisiado millonario y su cuidador\, tambien inmigrante y negro. En Argentina\, la versión logró un suceso similar con Martinez y de la Serna repitiendo personajes adaptados a nuestra realidad. El protagonista de aquella\, Omar Sy (1978)\, uno de los astros del actual cine galo\, vuelve a serlo en esta ocasión. La imparable transformación del panorama social europeo con las nuevas generaciones hijas de corrientes migratorias que confluyen con las actuales\, es tema recurrente y propicio para analizar las relaciones humanas en este contexto. Y los cineastas demuestran tener enorme talento a la hora de narrar estas historias donde la comedia se entremezcla con la seriedad del conflicto y las nuevas posibilidades de relacionarse sin caer en tópicos. Un trío de protagonistas muy populares que se completa con Charlotte Gainsbourg(1971)\, actriz fetiche de grandes cineastas como Lars von Trier y una de las mas prestigiosas interpretes desde su juventud tanto en Francia como EE.UU. y Tahar Rahim (1981)\, protagonista de «Un Profeta» y «El Pasado»\, dos grandes títulos. El cine francés en su variante mas potente y sobre todo\, universal. \n«SAMBA» (2014) / Francia / Dirección Eric Toledano y Olivier Nakache / Intérpretes Omar Sy\, Charlotte Gainsbourg\, Tahar Rahim\, Izia Higelin / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 50 minutos
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SUMMARY:CINE: "LA PRIMERA COSA BELLA" (2010)
DESCRIPTION:El Cine Italiano vuelve a tener protagonismo de la mano de una camada de nuevos realizadores con carreras\, en muchos casos\, ya establecidas. Paolo Virzi (Livorno\, 1964) es uno de ellos y fue con esta película que saltó a un primer plano en la atención de público y critica. Luego\, los sucesos de «El Capital Humano» (2013) y «Loca Alegría» (2016 ) lo confirmarían como uno de los mas aceptados cineastas italianos. Bruno ronda los cuarenta años y debe regresar a su ciudad natal por asuntos familiares. Su madre Anna requiere atención. Junto a su hermana y el contacto con viejos recuerdos que fingía superados\, el hombre regresará al pasado para tratar de ordenar partes fundamentales de su vida. El ayer y el hoy se alternan para construir la historia de un núcleo familiar compuesto por una madre poco convencional y un marido intolerante. La rebeldía y la ruptura con el orden establecido conlleva riesgos. El director Virzi recupera parte de las herramientas del cine clásico italiano\, el de la maestría para enfrentar comedia y drama a la vez\, y generar ese estilo propio que lo identifica de otros países europeos. Con un grupo de nuevos y talentosos intérpretes\, unidos a la presencia de una de las grandes actrices peninsulares\, la bella Stefania Sandrelli\, la película se convierte en un conmovedor fresco sobre la realidad italiana de las últimas décadas al compás de las vicisitudes de una familia tan poco convencional como humanamente reconocible. El Cine Italiano ha vuelto con fuerza y espera ser re-descubierto por una nueva generación de espectadores y recuperado por las que supieron hacerlo uno de sus favoritos. \n«LA PRIMERA COSA BELLA» / La prima cosa bella\, 2010 / Italia / Director Paolo Virzi / Intérpretes  Valerio Mastandrea\, Micaela Ramazzotti\, Stefania Sandrelli\, Claudia Pandolfi / Color / Italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h 55 minutos.
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SUMMARY:CINE:"BLANCANIEVES" (2012)
DESCRIPTION:do Vivarelli\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nEstrenar un film mudo a siete décadas de haber finalizado el período donde el sonido estaba ajena a la imagen\, es un caso poco frecuente en el panorama cinematográfico actual. El vasco Pablo Berger (Bilbao\, 1963) lo logró con su segundo largometraje cuando utilizando las tecnologías modernas\, firma una de las propuestas mas insólitas y atractivas del cine europeo presente. La imagen del fotógrafo Kiko de la Rica (Bilbao\, 1965) se encarga de dar contenido a una historia que no es mas que una revisión libre del clásico cuento de los Hermanos Grimm\, escritores alemanes que a partir de 1812 publicaron una serie de relatos que se convirtieron en clásicos\, Blancanieves fue uno de ellos. El director vasco traslada los personajes al universo del sur español\, la Andalucía de los años 1920\, donde un torero famoso pierde a su esposa y se casa con una mujer tan bella como despiadada\, que será la que ocupe el rol de la tirana/bruja del cuento original\, y quién con sus maquinaciones hará de la vida de Carmencita\, la hija del hombre\, un verdadero tormento. Pero esta Carmen/ Blancanieves no es una mujer dócil ni entregada a los mandatos. Dará rienda suelta al deseo de emular la trayectoria de su padre e intentará convertirse en una famosa torera. En su viaje dará con un circo donde unos enanos que trabajan en el\, se convierten en coro protector. Una de las mejores películas de este decenio ganadora de muchos de los mas importantes premios en España y estrenada con gran aceptación crítica en Europa y Latinoamerica. Un cine diferente pero enormemente atractivo. \n«BLANCANIEVES» / 2012 / España- Bélgica- Francia / Director Pablo Berger / Fotografía Kiko de la Rica / Música Alfonso de Villalonga / Intérpretes Sofía Oria\, Macarena Garcia\, Maribel Verdú\, Angela Molina\, Inma Cuesta\, Daniel Gimenez Cacho / Blanco y Negro con subtítulos en castellano / Duración 1h. 44 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LAS COSAS DE LA VIDA" (1970).
DESCRIPTION:Una película para volver a ver a medio siglo de su realización. Cuando se estrenó en Argentina se convirtió en un suceso inmediato y puso en órbita a un director y su cine siguiente. El francés Claude Sautet (1924-2000) desarrolló en el lapso que va desde su debut a su último trabajo (1956-1995) una breve pero intensa en títulos carrera. Dentro de la cual destacan algunas de las mejores películas francesas de ese tiempo. Sus historias sobre las cuestiones humanas dentro del sector burgués se convirtieron en hitos importantes y le ubicaron en un espacio único del cine europeo\, donde se le reconoce como uno de sus mayores creadores. Títulos como este\, mas «El Inspector Max»\, «Cesar y Rosalie»\, «Una historia simple» o «Un corazón en invierno» nos remiten a lo mas profundo del cine humanístico. Con «Las Cosas de la Vida» inicia un ciclo de ocho años donde todas (menos una) sus realizaciones son interpretadas por una de las mas deslumbrantes criaturas de la pantalla: la austriaca Romy Schneider (1938-1982)\, una de las grandes actrices de la Historia que encajó perfectamente con el universo del cineasta y revitalizó su carrera tras un tiempo de oscuridad. Su muerte trágica a los 43 años nos privó de uno de los rostros mas bellos que jamás atravesaron la pantalla. Aquí interpreta a Helene\, la amante de un señor adulto muy atribulado que tiene un accidente de auto y mientras este se desarrolla va recordando momentos de su vida: su ex-esposa\, hijos\, su mundo afectivo que está a punto de terminar. Con una modernidad narrativa que hoy resulta mas moderna que nunca\, y precursora de un cine que no ha parado de indagar por esa vía\, la historia de Pierre Berard\, cincuentón que vive apurado\, sigue conmoviendo hoy. Una narración ágil que va aportando datos para construir un rompecabezas que nos muestra una vida mas\, tan cercana y posible a la de muchos de los habitantes de esta tierra. La tercera figura de la historia la interpreta Lea Massari (1933)\,una actriz italiana hoy olvidada que fue una de las grandes actrices del mejor tiempo del cine europeo\,el que va desde el final de la Segunda Guerra hasta comienzo de los años noventa. Michel Piccoli (1925) estuvo activo hasta el año 2014 y hoy se considera uno de los últimos supervivientes del cine galo donde dejo innumerables obras maestras. «Las Cosas de la Vida» es un clásico que merece ser visto una y otra vez. \n«LAS COSAS DELA VIDA» (Les Choses de la Vie\, 1970) / Francia- Italia / Dirección Claude Sautet / Intérpretes Michel Piccoli\, Romy Schneider\, Lea Massari / Color / Francés con subtítulos en Castellano / Duración 1h 25 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "NACE UNA ESTRELLA" (2018).
DESCRIPTION:La historia de dos personas a las que reúne una misma pasión: el canto. Ally es una mujer joven que trabaja en el mundo de la hostelería y los clubes nocturnos. A veces sube al escenario y seduce a los espectadores de esos pequeños ambientes de la noche. Jack es una super celebridad que llena estadios\, vende discos y es famoso en todo el planeta. Una noche\, hastiado de su mundo profesional\, entra a un lugar donde presenciará una actuación de la desconocida Ally. A partir de ese momento la vida de ambos cambiará para siempre. Esta historia ha sido llevada al cine en tres oportunidades: en la década de los 30 (donde no había música sino actuación)\, en los 50 (donde Judy Garland incorporó la opción cantante) y los 70 (cuando ambos protagonistas eran célebres intérpretes: Barbra Streisand y Kris Krisstoferson). En las tres ocasiones el éxito acompaño la propuesta y en nuestro presente\, tras una larga década de intentos\, se estrena la versión cuarta. Un actor joven muy popular en Estados Unidos debuta como director y dirige a una super estrella del pop: Lady Gaga (1986)\, una de las mas extravagantes figuras del actual panorama musical. Heredera del lugar que ocupo Madonna en el imaginario popular\, la cantante se convierte en actriz de cine tras haberlo hecho en años anteriores en la pantalla televisiva y ganado premios por ello. La película describe ademas de una historia compleja de amor\, los entresijos del mundo del espectáculo\, la creación y desaparición de nuevas y consagradas figuras. Bradley Cooper (1975) hereda un trabajo que iba a estar en manos de Clint Eastwood con Beyoncé Knowles\, otra gran figura actual del mundo mediático-musical\, como protagonista. Finalmente este el resultado del proyecto y desde su estreno\, el film ha conseguido apoyo popular y critico\, siendo una de las películas mas vistas en la presente temporada. El Cine se alimenta de sus propios éxitos pasados para construir nuevos vínculos con los espectadores del presente. \n«NACE UNA ESTRELLA» (A Star is Born) / 2018 / EE.UU. / Director Bradley Cooper / Intérpretes Bradley Cooper\, Lady Gaga\, Sam Elliot / Color / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs /. Género: drama romántico-musical. \n 
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL PRIMER HOMBRE EN LA LUNA" (2018).
DESCRIPTION:Neil Armstrong (1930-2012) fue un ingeniero espacial\, piloto de guerra\, piloto de pruebas\, astronauta y profesor universitario. En ese orden. También fue esposo\, padre. Y el primer ser humano que puso un pie sobre la Luna\, nuestro satélite espacial y motivo eterno de inspiración para creadores de todas las especies y seres humanos con sensibilidad en especial. El cineasta Damien  Chazelle nació en 1985 cuando el alunizaje ya era historia pasada y creció educándose en la música\, el cine y la historia de su tierra. Después de tres largometrajes donde indagó sobre el mundo de la música y la relación entre esta y las personas\, para su cuarta producción elige mirar hacia el interior de un ser humano común que tuvo una vida extraordinaria\, donde la pasión por el conocimiento y la experimentación de intensas emociones sobre el mundo de la aeronáutica le depararon un destino único en toda la historia de la civilización: ser el primero en llegar a pisar un suelo que no fuera el de nuestro propio planeta. El cineasta recrea con magnifica ayuda de la tecnología actual de cara a la cinematografía\, la intimidad de este hombre que sentía tanta tentación por el avance de la ciencia en términos generales como mayor dificultad para establecer vínculos con el interior de las personas. Su rol de padre y esposo fueron probablemente desafíos mayores a los de lanzarse al aire. Sobre este desdoblamiento hablo el cineasta y permite\, a nosotros espectadores\, evaluar desde una ficción cercana a lo real sobre misterios mas cercanos.Una película que no conectó con el gran publico y que desde esa perspectiva puede considerarse un fracaso económico. Pero sin embargo se transformó en logro artístico. Que debería ser una cuestión a tomar mas en cuenta hoy cuando nos enfrentamos a películas que abordan ciertas temáticas muy populares\, pero lo hacen desde un lugar riguroso y adulto. Aquí no hay superheroes infantilizados\, de tanta aceptación en el no menos infantilizado publico global del presente\, sino un hombre verdadero y terrenal que alcanzo logros históricos. La realidad presente se mezcla continuamente con la ficción y la mentira mas descarada. Pero hay un Cine que se niega a aceptar estas reglas (no escritas) y apuesta por continuar siendo adulto y provocar a los ídem. «El Primer Hombre en la Luna» llega cuando se cumplen cincuenta años de aquella deslumbrante historia y lo hace con enorme talento y rigurosidad. \n«EL PRIMER HOMBRE EN LA LUNA» / THE FIRST MAN / 2018 / Estados Unidos-Japón / Director Damien Chazelle / Intérpretes Ryan Gosling\, Claire Foy\, Jason Clarke\, Kyle Chandler / Inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 2hs. 9 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "BUSCO MI DESTINO" (EASY RIDER). 1969. 8ª Clase de Introducción al Cine.
DESCRIPTION:El Cine Independiente. Panorama hasta 1970. La Era Analógica. \nLa primera pregunta que surge es: ¿Independiente\, de quién?. Intentar encontrar una respuesta definitiva resulta muy complejo porque estamos hablando de la cinematografía a nivel global\, donde cada territorio responde a un contexto. Pero resulta efectivo comenzar respondiendo que se refiere a «independiente» de los grandes estudios\, circuitos e industria dominante. Es un cine hecho a partir de esta realidad: al no conseguir\, o renegar\, de la ayuda de estos grandes centros del poder en cuanto a producción se refiere\, quienes optan por esta vía se ven enfrentados a una primera dificultad: la financiación\, ese dinero imprescindible aun para película de bajo o escaso coste. Podríamos afirmar que el primer cine independiente es el que surge a partir de las imposiciones de Tomas Edison en la primera década del Siglo XX de cobrar altos cánones a cualquiera que quiera tener algo que ver con la realización de cine. Al ser muy poco democráticas y hasta extorsionadoras estas prácticas\, generan un grupo disidente que decide trasladarse desde la Zona Este (New York) donde se da la primera producción masiva de cine en USA\, hasta el lado opuesto: esa California en el extremo Oeste que dará lugar a Hollywood y a la vez\, a todo un Sistema de Estudios que en pocos años no harán mas que ocupar el espacio generado por Edison y del que estos nuevos fundadores huyeron. Desde allí\, otros generarían nuevas formas de independencia. \nEn los años treinta\, en plena Depresión económica\, se estrenan películas de muy bajo presupuesto que\, «camufladas» tras una supuesta mirada realista o documental\, tratan temas de salud o adicciones\, drogas o prostitución\, para realizar autenticas apologías sobre diferentes formas de practicar la sexualidad. El sexo\, entre otras prohibiciones\, aparece como uno de los grandes impulsores de cierto cine independiente que derivará en el pornográfico suave y duro (que por otro lado ya se filmaba desde los propios orígenes del cine en 1895). Entre 1934 y 1967 entra en vigor en Estados Unidos el «Código Hays»\, que controla la decencia y la moral de las producciones de cine. prohibiendo cualquier obra que no se ajustara a sus disparatados dictados (no podía hablarse abiertamente de temas como el aborto\, la prostitución\, el alcoholismo\, las perversiones\, ni las parejas aun casadas dormir en una misma cama). Esta situación da lugar a un cine alternativo que tras la excusa moralizante y educadora\, da rienda suelta al tratamiento de muchas de estas prohibiciones que serán protagonistas de estos films\, en general\, exhibidos en el interior del país en salas baratas\, fuera del sistema. Podría pensarse entonces\, en un primer cine independiente. \nLa finalización de la Segunda Guerra Mundial trajo nuevos aires y se comenzaron a realizar films mas experimentales donde continuaban ocupando lugar los temas prohibidos en el cine llamado comercial\, donde el código de censura seguía vigente. Aparece el llamado cine «Underground» (subterráneo) que es también una manera mucho mas artística de ejercer la independencia. Cito a uno de sus precursores\, un niño nacido en Hollywood\, conocedor de todos los entresijos de la Industria y que desde los 9 años de edad\, filma. Entre 1941 y 2013 dirige una casi treintena de cortos de diferentes duración\, con una total libertad de expresión y experimentación\, su nombre: Kenneth Anger (1929). Es mas conocido por su obra literaria de dos tomos:»Hollywood Babylon»\, donde describe chimentos sobre famosos del cine en sus aspectos mas sórdidos. La audacia de sus temáticas fueron muy rechazadas por el público de su país\, por lo que muchos de sus trabajos los realizó en Europa. Los otros items importantes son: a mediado de los años cincuenta surge una nueva camada de cineastas gestados desde la Televisión que van pasando al Cine\, la «Generación de la TV». En realidad muchos acaban trabajando para los grandes estudios que se muestran mas permisivos y les permiten ahondar en temáticas antes censuradas\, en lo que sería el «tramo final» del ejercicio estricto del Código Hays. Son sus abanderados el cineasta Stanley Kramer e intérpretes como Burt Lancaster o Kirk Douglas que generan producciones al margen de los grandes estudios y permiten que realizadores\, entre otros\, Stanley Kubrick\, firmen sus primeros trabajos (este realizador experimenta en un cine de bajo presupuesto que le visibiliza a los ojos de la gente citada). Cineastas de este tiempo son Sidney Lumet\, Martin Ritt\, John Frankenheimer\, Delbert Mann o Robert Mulligan\, autores de grandes obras desde sus debuts hasta el final de sus carreras. Mas al «margen» y con mucho menos presupuesto aparece la «Escuela de New York» (American Cinema Group) de la mano de uno de los grandes innovadores\, el actor John Cassavetes (1929-1989) que deslumbra con su film «Shadows» (1958) y siembra las semillas de las que nacerán futuros y grandes realizadores actuales. El otro nombre fundamental de entonces es el del artista multifacetico Andy Warhol (1928-1987) que organiza un espacio de producción cinematográfica donde se experimenta en las posibilidades mas arriesgadas. Dirige algunos trabajos\, en diferentes formatos y produce una serie de films al mando de Paul Morrisey (1938) que se convierten en trilogía básica para comprender las intenciones de este grupo: «Flesh» (1968)\, «Trash» (1970) y «Heat» (1972). También destacan en cine de bajo presupuesto los nombres de Russ Meyer (1922-2004)\, que desde 1959 realiza films eróticos muy bien diseñados y Roger Corman (1926) que con la creación de una productora propia\, fomentará el trabajo de jovenes que darán luz al siguiente y último gran movimiento independiente: el New Hollywood Group (Nuevo Cine Americano). De este saldrán grandes nombres como Dennis Hopper\, Peter Fonda\, Martin Scorsese\, Francis Ford Coppola\, Paul Schrader\, Brian de Palma\, William Friedkin\, quienes desde sus debuts en films alternativos a la gran Industria\, pasarán a formar parte de ella modificandola por una década. Estos cineastas ven finalmente la muerte e imposición del Código Hays que agoniza durante los primeros sesenta hasta desaparecer en 1967. Los aires de libertad que respira gran parte de este tiempo se ve reflejada en sus producciones. \nEn Europa la independencia no fue tan llamativa como en EE.UU. Excepto por la influencia en Alemania\, Italia y España de sus gobiernos fascistas (Hitler\, Mussolini o Franco)\, la cinematografía no estuvo tan limitada a las Censuras lo que permitió una alternancia mas significativa entre el cine estrictamente comercial y el que ahondaba en su aspecto mas artístico. El «Expresionismo» alemán de los años 20\, en un país arrasado por las consecuencias de la Primera Guerra Mundial\, el «Neorrealismo» italiano tras la segunda\, el «Free Cinema» inglés de los cincuenta\, nacido de la mirada documentalista de sus ideólogos\, la «Nouvelle Vague» francesa\, emergente desde la critica de unas revistas\, mas las expresiones de Alemania desde mediado de los sesenta o España en esos mismos años\, serían la parte mas evidente de un cine independiente creado al margen del estrictamente comercial. \nLatinoamérica tarda mucho mas en hacer evidente esta manifestación. Un continente dominado desde principios del cine sonoro hasta finales de los cincuenta por dos grandes cinematografías\, la argentina y la mexicana\, no dejó demasiado espacio a las alternancias y libertades. Los demás países del hemisferio (Brasil\, con su lengua portuguesa generó espacios propios no exportables) no desarrollaron verdaderas industrias cinematográficas\, ni comerciales ni independientes. Quizás los años sesenta y primeros setenta con la Revolución Cubana\, el Chile socialista\, alguna excepción desde Bolivia o Colombia\, serían terrenos abonados excepcionalmente con alguna muestra de independencia. \nMéxico y Argentina\, con el final de sus sistemas de estudios calcados de Hollywood\, si tuvieron la posibilidad de generar un cierto cine independiente\, en general muy politizado\, reflejo de los años emergentes en nuevas realidades de todo tipo. En nuestro país\, podría hablarse de un movimiento tan excepcional como breve que tuvo su tiempo entre finales de los años cincuenta y primeros sesenta con la aparición de cineastas curtidos en las salas de cine-clubes o redacciones de revistas o periódicos o en la que fue la primera escuela de cine nacional: la del Litoral\, que comandada por transgresores como Fernando Birri generó un cine totalmente diferente al visto hasta entonces. Un tiempo dorado merecedor de un permanente reconocimiento. Los nombres de David Jose Kohon\, Lautaro Murua\, Simón Feldman\, Jose Martinez Suarez\, Rodolfo Kuhn o Leonardo Favio antecedieron a los de Fernando Solanas\, Octavio Getino\, Raymundo Gleyzer y otros cineastas militantes que serían los verdaderos fundadores del cine independiente argentino. Tanto que fueron perseguidos\, censurados y hasta desaparecidos por un sistema que no podía aceptar semejantes aires libertarios. \n«BUSCO MI DESTINO» (Easy Rider) / EE.UU.\, 1969 / Director Dennis Hopper / Intérpretes Peter Fonda\, Dennis Hopper\, Jack Nicholson / Color / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 35 minutos. \nEste es un proyecto nacido de los deseos personales de un actor con capacidad de encontrar dinero para materializarlos. Peter Fonda (1940-2019) fue hijo y hermano de dos figuras míticas dentro del mundo del cine norteamericano: Henry Fonda (1905-1982) y Jane (1937). Los dos encarnaron a lo largo de sus carreras personajes emblemáticos de la pantalla y sus nombres quedaron asociados al cine de calidad\, incluso al apartado del mas comprometido políticamente. En el caso de ella fue mucho mas manifiesto: luchas por los derechos civiles\, la condición femenina atacada y la guerra de Vietnam fueron causas que la vieron y ven aun activa entre sus defensores. Peter nace en el seno de una familia muy acomodada y al llegar a la adolescencia se rebela contra toda su crianza. Debuta muy joven como actor en una comedia intrascendente e inmediatamente se vuelca a un cine mas comprometido con la realidad que atraviesa EE.UU. en su momento. Trabaja a las ordenes de realizadores serios hasta llegar al territorio de Roger Corman\, magnate del cine de bajo presupuesto. Protagoniza dos películas emblemáticas de su «factoría»: «The Wild Angels / Los Ángeles Salvajes\, 1966)\, sobre el mundo de los motoristas y las reacciones negativas que provocan en la población mas conservadora\, y «The Trip» (1967)\, un viaje al interior de los efectos del LSD en sus consumidores. Estas obras lo sitúan en un espacio muy especial del momento: el reconocimiento por parte de un público joven y alternativo que no es ni el de su padre y tampoco\, hasta ese entonces\, el de su hermana. Junto a su amigo actor Dennis Hopper (1936-2010) desarrollan un proyecto: contar la historia de dos amigos que apasionados por las motos\, inician un viaje por el interior de su tierra\, por una de las zonas mas oscuras y retrógradas en cuanto a cultura e ignorancia. En ese trayecto\, desarrollan una mirada diferente al ser testigos de todo un mundo solapado que van descubriendo desde una mirada casi documental. La violencia del entorno aparece casi instantáneamente y será parte fundamental de la narración\, en todas las variantes posibles\, hasta desembocar en un final trágico y seco que pocas esperanzas pintan para el futuro. Habiéndose convertido en productores de la obra\, logran lo que sería un hito histórico: que la película sea comprada por un gran estudio de Cine\, la Columbia Pictures. Esto les permite una difusión nacional e internacional alejada de las que sus trabajos precedentes habían obtenido. Y se convierte en suceso instantáneo en un tiempo de cambios radicales en la Industria de Hollywood. Agotados los antiguos esquemas del cine de estudio que imperaron desde los inicios de Hollywood y que a mediados de los años sesenta\, colapsaron\, esta nueva forma de hacer películas abriría las puertas de un tiempo histórico para la expresión mas comprometida y renovadora: la de un grupo de jóvenes cineastas que tuvieron la oportunidad de aportar nuevas miradas sobre el presente\, haciendo añicos mucho del esquema precedente. «Easy Rider» permanece a cincuenta años de su estreno como una obra clásica que sirve también para ilustrar unos años de cambios donde se luchó por remover los cimientos de un mundo anquilosado. No se consiguió\, viendo lo que ocurrió en la década siguiente\, pero las intenciones siguen tan vigentes como entrañables. Para los que apostamos por cambios progresistas y combatimos el conservadurismo troglodita que invade hoy todo el planeta
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SUMMARY:CINE: "EL SUBMARINO AMARILLO" (1969). 7ª Clase de Introducción al cine.
DESCRIPTION:El Cine de Dibujos Animados: desde Walt Disney a los años setenta. \nCuando en 1937 se estrenó el film «Blancanieves y los Siete Enanitos» (duración: 1 hora y 23 minutos)\, el nombre de Walt Disney (1901-1966) llevaba ya 15 años tras la experimentación del dibujo animado\, una técnica que cambiaba el rodaje de imágenes reales por las de animación. En 1922 había presentado su primer cortometraje basado en el cuento clásico «Caperucita Roja» y filmó decenas mas hasta llegar a su primera película de larga duración y ademas sonora. En 1928 había presentado a su primer gran criatura\, Mickey Mouse en «Steamboat Willie»\, de seis minutos de duración\, y allí ya utilizaba las técnicas del sonoro. Sus creaciones no pararon de hablar ni de desarrollar la calidad de imagen\, hasta su temprana muerte a los 65 años. Dejaba atrás mas de 650 trabajos inducidos por él. Pero Disney no fue el inventor de este tipo de cine sino quien con el tiempo\, gracias a innovaciones que él diseñaba y luego desarrollaban y elaboraban centenares de dibujantes a sueldo en su estudio\, como si de una fábrica se tratara (y lo era en el sentido mas estricto del término)\, sino el hombre que mas protagonismo alcanzó con el paso del tiempo. Hasta eclipsar a competidores y precursores. \nUnos años antes de la irrupción de los hermanos Lumiere con su invento\, el Cinematógrafo\, otros investigadores habían presentado artefactos que reproducían imágenes ya en animación. En la «era» del Cine\, 1908 es el año que se cita como pionero en esta técnica con la aparición de los trabajos de Emile Cohl (1857-1938)\, cuando se estrena el corto «Fantasmagorie»\, uno de los primeros de sus mas de 300 trabajos. También Georges Meliés (1861-1938) había experimentado y alternando personajes reales con dibujos u otros trucos de los que fue inventor. Estos dos grandes y fundamentales nombres mueren el mismo año\, casi olvidados ambos. \nHasta aquí he citado nombres de cinematografías pioneras. Pero también lo fue la nuestra\, la Argentina\, y un nuevo caso de desmemoria nos recuerda nuestra enorme capacidad de olvidar o ignorar datos fundamentales del pasado nacional. Un hombre nacido en Italia y emigrado a Buenos Aires a los cuatro años\, Quirino Cristiani (1896-1984) es probablemente uno de los artistas mas olvidados y /o desconocidos de la historia nacional. En 1917 estrena el primer largometraje mudo del mundo en dibujos animados: «El Apóstol» (1 hora y diez minutos). Compuesto por unos 58.000 dibujos\, y en 35 mm\, a 14 cuadros por segundo\, esta obra pionera se ha perdido para siempre. En 1918 presenta su siguiente trabajo\, «Sin dejar rastros» y en 1931 estrena el primer largo sonoro\, la sátira política «Peludópolis» (80 minutos) donde sus protagonistas son caricaturas de personajes contemporáneos como Yrigoyen\, Uriburu\, M. T.de Alvear\, en una narración que descubre las intrigas políticas y corruptas (¡!) de nuestras clases dirigentes (y gobernantes). Sigue filmando\, en sus propios estudios\, hasta 1943 cuando estrena «Carbonada»\, después de deslumbrar con «El mono relojero» (1938) y «Entre pitos y flautas» (1941). En 1957 y 1961\, dos enormes incendios destruyen toda su producción (solo sobrevive copia de «El mono relojero»). El hombre\, agobiado y envejecido\, se retira a su casa de Bernal\, Provincia de Buenos Aires\, donde moriría a los 98 años de edad. Algunos tuvieron el valor de rendirle un mas que tardío homenaje. Como retribución\, citamos que en 2018 se instauró en España el premio «Quirino» que selecciona lo mejor de la animación ibero-americana. Un precursor indispensable de nuestra cinematografía y un nombre que aun hoy espera todas las reivindicaciones merecedoras de semejante talento. En 1941\, el mismísimo Walt Disney viajó a Argentina para contratarlo y llevarlo a sus estudios de California. El inmigrante rechazó la oferta. Y eligió su destino argentino. \nLas ramas mas generales de esta manifestación audiovisual se dividen en tres en la cinematografía: 1) el dibujo animado (dibujos planos en dos dimensiones fotografiados imagen por imagen)\, 2) animación en volumen (modelos reducidos o marionetas) y 3) animación por computadora (hija de los avances científicos / tecnológicos). Podríamos hablar de dos grandes vías o caminos que tomó el género: el clásico y el experimental. Dentro de este último destacan los trabajos realizados en la Unión Soviética y sus países satélites\, con el nombre del checo Jiri Trnka (1912-1969) a la cabeza. Sus películas de corta y larga duración trabajan con marionetas filmadas imagen a imagen que alcanzan una maestría única y son el pilar del que parten creadores de todo el globo. El canadiense Norman McLaren (1914-1987) crea a partir de uno de los centros mas innovadores del mundo\, el National Film Board of Canadá\, todo un mundo donde lo experimental y lo abstracto se adueñan de la pantalla. Sus creaciones permanecen dentro de las mas modernas\, un estilo de cine alejado de fines comerciales; en este terreno destacan en Argentina dos nombres que suceden a Quirino Cristiani: Dante Quinterno (1909-2003)\, dibujante mítico nacional\, padre de Patoruzú y sus compañeros\, estrena en 1942 el primer film animado en colores: «Upa en apuros» que queda en una duración de 15 minutos debido a enormes problemas de producción. Otro inmigrante\, el español Manuel García Ferré (1929-2013) será el que desarrollará a lo largo de décadas un trabajo industrial que le convierte de alguna manera en el «Disney nacional». A finales de los sesenta estrena en televisión una serie con su creación «Hijitus». Enorme suceso que le acompañará por cuatro años en una televisión hastiada de producciones extranjeras. En 1972 estrena el primer largometraje de larga duración y en colores: «Mil Intentos y un invento»\, donde sus criaturas escapadas de las revistas\, Anteojito y Antifaz\, toman vida propia y convierten al film en un buen suceso comercial. Mucho mas lo tendría su segundo largo\, «Trapito» de 1975\, estrenado a finales del «boom» del cine argentino iniciado en 1973 y que la Dictadura se encargaría de liquidar definitivamente. Un periodo enormemente rico de nuestra cinematografía que merece todas las reivindicaciones posibles. \n En Estados Unidos hay mas nombres después de Walt Disney: los hermanos Fleischer\, con Max (1883-1972) a la cabeza. Es el padre de la deslumbrante y transgresora Betty Boop y el animador para cine del marinero lleno de espinacas y músculos\, Popeye. También lleva a Superman por primera vez a la animación fílmica.»Los Viajes de Gulliver» (1939)\, dirigida por su hermano Dave (1894-1979)\, es uno de los mas hermosos trabajos de su factoría\, quien había deslumbrado ya en 1924 con «Oh\, Mabel…!»\, el primer dibujo animado con sonido…que tuvo que proyectarse mudo porque se anticipo al uso masivo que llegaría a partir de 1927. Después de finalizada la Segunda Guerra Mundial\, comienza la verdadera Era del género\, que continúa hasta el presente. Se traduce en dos vías: la Televisión y los Cines. Mientras que de la segunda se adueña absolutamente Walt Disney con sus deslumbrantes largometrajes\, famosos en toda la Tierra\, tanto de animación como ficción\, el ámbito casero de la «pantalla chica» es territorio de unos pocos. Ademas de Disney\, quien también reina en este terreno\, los estudios Warner Bros. y Metro-Goldwyn-Mayer son los grandes productores a través de artistas como Chuck Jones (1912-2002)\, Friz Freleng (1906-1995) y Tex Avery (1908-1980) padres\, entre otras creaciones\, de Looney Tunes y Merrie Melodies\, cantera de adorables criaturas como El Coyote y el Corre-caminos\, Porky\, Piolin\, Bugs Bunny o Silvestre.  Mas adelante aparecerá la otra gran locomotora de la televisión animada: Hanna-Barbera\, estudio creado en 1957 y desde donde llegarían Los Picapiedras mas otras figuras hoy míticas. Los años 70 descubren la figura del maestro del cine de animación adulto\, perseguido por censores varios por sus dibujos animados para mayores\, repletos de sexo y complejidades varias: Ralph Bakshi\, nacido en Medio Oriente\, emigrante a USA y padre de «Fritz\, el Gato»\, «Trafico Pesado» (ambos estrenados y rápidamente censurados en Argentina a mediado de los setenta)\, la primera versión cinematográfica de «El Señor de los Anillos»\, «Wizards»\, «American Pop» (con música deslumbrante incluida) o el experimento con actores y animación «Cool World»\, donde en 1993 Kim Basinger y Brad Pitt se dan la mano con criaturas salidas de la calenturienta mente del artista. Europa\, menos dedicada al genero\, entrega en los setenta el solitario nombre de Rene Laloux y su premiada » El Planeta Salvaje». \nEl presente de Pixar y el anime Japonés será motivo de una clase futura. Nos detenemos en el experimento sesentero de llevar al cine y con dibujos animados\, el mundo de la música y cultura pop de The Beatles y su «Submarino Amarillo». \n  \n«EL SUBMARINO AMARILLO» / The Yellow Submarine / 1968 / Director  George Dunning / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 30 minutos / Dibujos animados. \nEn el año 1964 se estrena el primer film que tienen a The Beatles como protagonistas. Tras cuatro años de suceso en aumento que les convierte en auténtico fenómeno global\, el realizador norteamericano afincado en Reino Unido\, Richard Lester (1932) que venía de realizar dos largometrajes de escaso renombre\, es el encargado de firmar el debut en la cinematografía de los cuatro integrantes de la banda: «A hard day’s night» (1964)\, conocida en Argentina como «Yeah\, yeah\, yeah…»\, es una obra de su época. En el sentido menos afortunado de la expresión. Porque no ha superado el paso del tiempo y lo que en su momento podía resultar novedoso\, revulsivo\, experimental\, hoy resulta extrañamente envejecido. El tono de comedia irreverente\, carente de una narrativa solida que convierte al guión en un devenir\, se supone que surrealista\, sobre las andanzas de estos cuatro músicos que se interpretan (¿?) a si mismos\, en medio de atropellos visuales varios\, solo conserva algunos momentos verdaderamente graciosos. Sobreviven una deslumbrante fotografía en blanco y negro que transmite algo de una parte de la ciudad de Londres\, cuyo espíritu rebelde de entonces marcó modas y tendencias. La falta mayor\, quizás sea el escaso talento interpretativo de los cuatro y sus exagerados intentos de resultar graciosos e irresistibles. En realidad es una película muy irritante: el querer ser graciosos a toda costa resulta un intento frustrado. Cuando dejan de lado estos esfuerzos y cantan\, interpretan música\, la magia se apodera de la función y el registro documental se impone y aparece como lo unico realmente posible de lograr después de tantas idas y venidas. Igualmente el film fue un enorme suceso comercial y hasta crítico en varios sectores de «modernos» que arropaban cualquier cosa que se distanciara de lo «convencional». Confundieron los logros del «Free Cinema» con los del realizador que llegaba desde la publicidad\, que\, sin embargo\, una vez fuera del mundo beatle\, encontró su propia voz en una serie de magnificas manifestaciones artísticas de su época: «El Knack…y como lograrlo»\, «Petulia» o » Después de la bomba»\, mas algunas realizaciones de mediados a finales de los años setenta\, aportan al cine la mirada inquieta de un cineasta que busca en la mordacidad de la comedia sus mejores propósitos. A veces lo consigue\, otras no. En 1965 vuelven a trabajar juntos y repiten suceso en color: «¡Help!» (¡Socorro!) continúa por la senda anterior. Pero es peor. La gracia parece desaparecer de casi todos los planos. El tercer intento beatle será a través del genero del dibujo animado: «El Submarino Amarillo». Basada en un guión escrito a cinco o seis manos\, parece un terreno mas fértil de abonar todo ese imaginario pop que trasmiten las canciones de la banda. Con una utilización de nuevas técnicas surgidas en la época con la llegada de nuevos talentos al mundo de la animación\, la película sin embargo puede considerarse un fracaso en términos comerciales. El publico que aplaudió las dos anteriores entregas\, huyó despavorido de las salas al no poder acceder al mundo de ficción propuesto por los autores. Esta ficción\, donde un grupo de malvados de color azul y formas deformes y monstruosas aterrorizan a toda una población hasta dejarlos literalmente paralizados\, será atravesado por un submarino con fines revolucionarios\, mientras los cuatro músicos dibujados según imagen y semejanza\, cantaran algunas bellisimas canciones a la par de intentar ser héroes devenidos autómatas a las ordenes del Capitán Fred. Que lucha por acabar con la maldad reinante e imponer definitivamente la paz\, el orden «desordenado»\, la libertad y la dicha entre la población. Los ecos del movimiento hippie\, las influencias de las culturas orientales\, el trazo pop estilo de su tiempo\, se impone por sobre todas las demas consideraciones. El resultado es una obra de extraña belleza visual pero con un ritmo que decae continuamente y hace tedioso el devenir de la casi hora y media que dura la función. Sin embargo sus imágenes resaltan hoy como testigos poderosos de un tiempo en que se creyó que los himnos de amor y paz acabarían por alcanzar a la civilización. Un intento fallido alejado de las revoluciones violentas que se desarrollaban en varios lugares del planeta mientras The Beatles perseguían sus ideales a golpe de musica y colorido. \n 
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SUMMARY:CINE: "TODOS ESTAMOS INVITADOS" (2008).
DESCRIPTION:Los años noventa del siglo pasado. País Vasco: Xabier es profesor y diserta sobre la realidad socio-política en la región. Sus palabras generan rechazo y aceptación por partes iguales pero el temor instalado en la sociedad por décadas de violencia hace que se convierta ya no en opositor sino en claro enemigo por simpatizantes de la política mas extrema: los seguidores de ETA\, el grupo armado que lucha por la Independencia del territorio del Estado español\, al que consideran enemigo. Francesca es una joven extranjera que mantiene una relación con él\, pero también se encuentra en el equipo médico que atiende a un amnésico integrante de la banda extremista: Josu. Lo que no está tan claro es si en realidad ha perdido la memoria o si sencillamente no quiere recordar su pasado. Con esta premisa\, el cineasta Manuel Gutierrez Aragón (1942\, Cantabria)\, uno de los realizadores mas famosos del cine español posterior al franquismo\, realizó el que sería su último film hasta la fecha\, «Todos estamos invitados». Estrenado en 2008\, su escaso impacto y aceptación motivo que el realizador renunciara a seguir filmando tras una extensa carrera iniciada en 1977 con su largometraje «Habla\, mudita»\, que como sus siguientes obras: «Sonámbulos» (1979)\, «El corazón del bosque» (1979)\, «Demonios en el jardín» (1982) o «La mitad del cielo»\, gozaron de enorme suceso critico hasta convertirlo en uno de los referentes del período. Sin embargo\, la segunda etapa de su carrera no tuvo la misma suerte\, y solo con este film volvió a ostentar cierto vigor que parecía apagado. Un retrato que intenta reflexionar desde la ficción cinematográfica sobre una de las mas dolorosas realidades de España y el País Vasco en particular: las consecuencias del accionar violento de un sector de la población que encuentra en el brazo armado de ETA una razón para reivindicar los valores de una tierra sometida al poder del estado central y por tanto merecedora de cualquier lucha\, aun la violenta para conseguir sus propósitos. La realidad y el paso del tiempo demostró que fue una vía que no contó con el apoyo de la mayoría de la población civil vasca. Que hoy intenta mirar y construir hacía el futuro\, dentro de una integración a un proyecto claramente europeista. Esta obra cinematográfica luce como testimonio de la mirada de su creador sobre una cuestión fundamental de la historia hispana de los últimos cincuenta años y demuestra el interés permanente que suscitó entre los artistas de las diferentes disciplinas que atraviesan las décadas desde la aparición en escena de ETA\, desde los primeros tiempos en que gozó de simpatías de vastos sectores por su oposición al régimen franquista hasta su deriva final de sangre y salvajismo que provocó el rechazó y el hartazgo de una mayoría que no veía en esa vía la solución de sus conflictos. \n«TODOS ESTAMOS INVITADOS» / España-2008/ Director Manuel Gutierrez Aragón / Intérpretes Jose Coronado\, Oscar Jaenada\, Vanessa Incontrada / Hablada en español / Color / Duración 1h 20 minutos.
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LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LOCA ALEGRÍA" (2016).
DESCRIPTION:«Loca alegría» es un título que juega con el doble sentido de las expresiones y marca el tono que lleva la película. Una tragicomedia en tanto propone un relato donde sus protagonistas son pacientes de un instituto psiquiátrico y la enfermedad las reúne hasta desembocar en una escapada que les permitirá conocer sus realidades mas allá del estricto control médico. Beatrice es una mujer rica y fabuladora lindante con lo esquizofrénico\, que va a parar a un lugar que antaño fue casa de sus abuelos y ahora atiende enfermos con diferentes patologías mentales. La lucidez se mezcla con la arrogancia de clase social y la enfermedad que la afecta. Donatella es mas joven pero encierra secretos de una vida lindante con el desastre: prostitución\, droga y maltrato son los motivos que parecen haberla desquiciado. Ambas mujeres irán conectando con el paso de los días y la fantasía de escapar se hace presente en ellas. El director italiano Paolo Virzi (1964\, Livorno) es uno de los mas exitosos del presente a partir del éxito de «Caterina en Roma» (2003) que lo ubicó en primera linea y en los años siguientes se consagró con títulos como «N» (Io e Napoleone) (2006)\, «La prima cosa bella» (2010) y su mejor obra hasta el presente\, «El Capital Humano»(2013)\, un lúcido y feroz retrato de la decadencia europea presente. «Loca Alegría» fue su siguiente trabajo después del suceso de aquella y ha estrenado en los últimos meses «Notti magiche» (2018)\, donde recrea el rodaje de un film mientras Italia juega un mundial de fútbol. Virzi es hoy uno de los nombres consagrados del cine peninsular\, que en medio de una persistente crisis social y política desde hace mas de una década\, ha vuelto a recuperar vigores de otros tiempos\, cuando fue uno de los mas grandes y llenó salas y cinematécas de todo el planeta. Cuenta para esta realización con la ayuda imprescindible de dos grandes actrices para dar vida a sus criaturas. \n«LOCA ALEGRÍA» (La pazza gioia) / Italia-2016 / Director Paolo Virzi / interpretes Valeria Bruni Tedeschi y Micaela Ramazzotti / Color / Italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h 55 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LA NOCHE DEL CAZADOR"(1955). 6ª Clase Introducción al cine.
DESCRIPTION:EL CINE NORTEAMERICANO / PASADO: DESDE LOS AÑOS 30 A LOS 70 / PRESENTE: DE LOS AÑOS OCHENTA AL PRESENTE. \nEl cine sonoro norteamericano irrumpe con enorme vitalidad y profundiza su expansión por todo el planeta. Cada década del Siglo XX encuentra algún distintivo que la diferencia de la anterior. La propia renovación e incorporación de nuevos nombres mas los cambios que cada tiempo trae\, van definiendolo. Un detalle que marca el período que llega hasta finales de los años sesenta es el condicionamiento que la Censura impone a las películas tras la libertad creativa que imperó en el cine mudo y el primer sonoro\, hasta que el famoso Código Hays impuso estrictas normas. Sugiero para esta cuestión leer el texto citado para interiorizarse en la seriedad del asunto. Paralelamente\, estas limitaciones desarrollaron la imaginación de escritores\, guionistas y realizadores\, y en muchos casos\, practicar como espectador la lectura «entre lineas» nos indica las verdaderas intenciones del creador\, de la ideología que sea. \nA continuación citaré nombres de los mas destacados cineastas de cada década. \nLOS AÑOS TREINTA: proliferan los géneros cinematográficos: el policíaco\, el de terror y el musical entre los mas exitosos. El drama y la comedia siguen ocupando el lugar de siempre. También aparece de la mano de Walt Disney el cine de animación que irrumpe en su primer largometraje en 1937 con «Blancanieves y los Siete Enanitos». Otros cineastas con oficio\, quedan a la sombre de este nombre\, pero dan rienda suelta a su imaginación que mas tarde vería frutos en cortometrajes con diferentes estilos. \nFrank Capra\, John Ford\, Josef von Sternberg\, Leo MacCarey\, Ernst Lubitsch\, George Stevens\, Busby Berkeley\, Raoul Walsh\, Howard Hawks\, Lewis Milestone\, William Wellman\, Friedrich Murnau\, Robert Flaherty\, James Whale\, Tod Browning\, George Cukor\, Rouben Mamoulian\, King Vidor\, William Wyler. \nLOS AÑOS CUARENTA: la segunda guerra mundial condiciona el inicio de este tiempo y todo un cine propagandístico irrumpe en la pantalla. El western\, el tipo de films que recrean la conquista del «lejano oeste» aumenta su fuerza y el refinamiento en su tratamiento. El musical cambia de registro e incorpora nuevas figuras y mas técnica. Desde Europa arriban cineastas huyendo de la guerra y se establecen\, en muchos casos\, hasta la finalización del conflicto. El cine «negro»\, heredero del policíaco de los treinta\, encuentra su esplendor tras la pluma de escritores memorables que también escriben guiones. \nOrson Welles\, Alfred Hitchcock\, Billy Wilder\, Otto Preminger\, John Huston\, Joseph L. Manckiewicz\, Jacques Tourneur\, Julien Duvivier\, Michael Curtiz\, Fred Zinneman\, Max Ophuls\, Jean Renoir\, Vincente Minelli\, Robert Siodmak. \nLOS AÑOS CINCUENTA: otra guerra\, la de Corea\, da fuerzas al cine bélico del tiempo anterior. Los rodajes en exteriores aumentan y se complementan con los de los estudios. Un nuevo género irrumpe con fuerza: la ciencia-ficción\, una manera de expresar metafóricamente el anti-comunismo reinante en este tiempo. La animación de Disney va profundizándose. La sexualidad encubierta sigue colándose entre la censura y es a través de determinadas actrices que se convierten en símbolos sexuales\, por donde mejor muestran sus posibilidades. Los años finales de los cincuenta va abriendo tímidamente otras puertas a un cine con mayor compromiso\, muy influenciado por las libertades de ciertos países europeos en sus producciones. Desde la Televisión\, ya totalmente instalada como medio preferente del público norteamericano\, emergen una nueva camada de realizadores\, que encontraran en la pantalla\, la mejor manera de expresarse\, habiendo experimentado en la pequeña pantalla. Se convertirán\, algunos de ellos\, en los principales referentes del siguiente decenio. \nElia Kazan\, Blake Edwards\, Richard Quine\, Joshua Logan\, Richard Brooks\, Samuel Fuller\, Robert Aldrich\, Stanley Kramer\, Frank Tashlin\, Stanley Kubrick\, Edward Dmitrick\, Jules Dassin\, Joseph Losey\, Richard Fleischer\, Jack Arnold\, Delbert Mann\, Martin Ritt\, Sidney Lumet\, John Sturges\, Ida Lupino\, Roger Corman. \nLOS AÑOS SESENTA: poco a poco\, año a año\, temáticas comprometidas van tomando su lugar en la pantalla. Los viejos esquemas van haciéndose añicos y cuestiones como las raciales\, la política o la sexualidad aparecen mas abiertamente. En 1967 se estrenan dos películas que iban a marcar un puente entre dos tiempos: «EL GRADUADO» y «BONNIE AND CLYDE». En 1969 «BUSCO MI DESTINO» y «PERDIDOS EN LA NOCHE» entre otras\, rompen definitivamente los esquemas viejos. Y abren una década extraordinaria donde nuevos cineastas dejarán huella hasta el presente. \nArthur Penn\, John Frankenheimer\, Robert Mulligan\,Sam Peckinpah\, Donald Siegel\, Jerry Lewis\, Norman Jewison\, Mike Nichols\, Dennis Hooper\, John  Cassavetes\, Monte Hellman\, Adolphe y Jonas Mekas\, Sidney Pollack\, Andrew MacLaglen\, Burt Kennedy\, Ralph Nelson\, Russ Meyer. \nLOS AÑOS SETENTA: Norteamérica inicia una década marcada por cambios notables en la percepción de los ciudadanos sobre su propio país: el movimiento hippie de la década anterior\, las conquistas civiles de la población afro-americana y la guerra de Vietnam\, se presentan como cuestiones con influencias sobre los cineastas. Un cine mas abierto\, mas audaz\, que emerge a partir de finales de los sesenta\, toma fuerza imparable. Este tiempo es llamado el «Nuevo Cine Americano» y puede ser interpretado como una respuesta tardía a los movimientos que definieron el panorama europeo desde 15 años atrás. La revisión del Pasado y los comportamientos que la nación tuvo como fuerza imperialista\, también deja huella en las narraciones ficcionales así como en el registro documental. Una década que iba a tener un cierre estrepitoso a finales de la misma con la irrupción de las políticas neo liberales de Ronald Reagan y\, en en exterior\,Margaret Thatcher\, quiénes junto al poder del Vaticano a cargo de un Papa polaco ferozmente anticomunista\, marcarían el tiempo siguiente. \nWoody Allen\, Clint Eastwood\, Francis Ford Coppola\, Martin Scorsese\, Gordon Parks\, Melvin van Peebles\, Brian de Palma\, Paul Schrader\, John Carpenter\, George Romero\, Tobe Hopper\, Wes Craven\, Robert Altman\, Steven Spielberg\, George Lucas\, Alan J. Pakula\, Hal Ashby\, Ulu Grossbard\, Bob Fosse\, Peter Yates. Terrence Malick. \nLOS AÑOS OCHENTA: un tiempo de cambio donde muchos realizadores terminan sus carreras porque la edad es motivo para que los productores no depositen en ellos el cargo de dirección de películas: George Cukor\, Billy Wilder\, Stanley Donen\, por citar tres de los últimos clásicos\, firman sus últimos trabajos en esta década. De los nombres emergentes en la lista anterior\, algunos profundizan su trabajo y otros ven eclipsado el mismo. Es una década mas conservadora y las alternancia van ahondando en el terreno de un cierto cine independiente\, dando lugar a la creación de nuevas productoras que\, por lo general\, tendrían vidas no muy extensas. \nRobert Zemeckis\, David Lynch\, John Waters\, John Sayles\, Steven Soderberg\, los Hermanos Cohen\, Spike Lee\, Tim Burton\, David Cronenberg\, Jonathan Demme\, Sam Raimi\, Jim Jarmusch\, Barry Levinson\, Adrian Lyne\, Ridley Scott\, David Mamet. \nLOS AÑOS NOVENTA AL PRESENTE. \nConsidero a este un período aun a definir en términos históricos. La perspectiva del tiempo señalará a directores cuyas carreras merezcan tener consideración crítica. La post-modernidad unida a su continuadora la post-verdad\, en una era donde la tecnología revolucionó (y condiciona) la imagen en todos sus aspectos\, pulverizó codigos del pasado para seguir  construyendo una realidad cinematográfica contemporánea. \nMi propia valoración de este tiempo\, pura subjetividad\, me impide afirmar sobre la calidad de la carrera de muchos de los realizadores aun en activo. \nMel Gibson\,Jodie Foster\, Michael Mann\, Curtis Hanson\, Ron Howard\, Todd Solondz\, Todd Haynes\, Quentin Tarantino\, Sofia Coppola\, Christopher Nolan\, Richard Linklater\, Peter Jackson\, Paul Thomas Anderson\, John Singleton\, Carl Franklin\, Antoine Fuqua\,  James Gray\, Ang Lee\, David Fincher\, Sam Mendes\, Darren   Aronofsky\, Michael Moore\, Kathryn Bigelow\, Noah Baumbach. \nFILM ELEGIDO: «LA NOCHE DEL CAZADOR» / The night of the hunter / 1955 / EE.UU. / Director Charles Laughton / Intérpretes Robert Mitchum\, Lillian Gish\, Shelley Winters y los niños Billy Chapin y Sally Jane Bruce / Blanco y negro / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 32 minutos. \nUna obra «maldita» del Cine de todos los tiempos. Porque no fue reconocida en su momento de estreno al fracasar comercialmente. Fue recuperada desde la critica europea en los años ochenta y hoy figura en todas las listas de las mejores películas. Dirigida por un extraordinario actor\, Charles Laughton (UK\, 1899-1962)\, fue su única incursión en la dirección cinematográfica. Una fábula para adultos donde la infancia toma protagonismo. Un discurso sobre el mal y el bien atraviesa la historia bajo la siempre poética mirada del autor. Acompañado por una deslumbrante fotografía en blanco y negro que juega continuamente con un paisaje natural reconstruido en estudios en cine\, la imagen cinematográfica alcanza niveles de pureza poco habituales: animales que son testigos tan silenciosos como la vegetación del paso de unos huérfanos en huida permanente sobre una barca que atraviesa un río de leyendas. Malvados con tatuajes en las manos y hiel en cada una de sus palabras. Mujeres sometidas al mandato del macho y otras encumbradas en lo mas alto de su condición\, defendiendo a pura violencia la misma que se ejerce sobre los niños protagonistas\, un pueblo que es masa malvada e ignorante mientras pacen tranquilamente por prados de ensueños e intimidades infernales\, una justicia por mano propia que impera por sobre la justicia institucionalizada o casi\, una fantasía de sociedad hecha añicos por la mirada de un actor que fue autor y nadie pareció reconocerlo\, una actriz mítica del cine mudo\, Lillian Gish\, que regresa a la pantalla para demostrar su sabiduría a la hora de interpretar\, un actor emblemático que utiliza todo su físico para expresar una fuerza casi sobrehumana\, malvada\, demoníaca. Las imágenes de una mujer muerta sentada en un auto hundido en el lecho del  mismo río que sus hijos navegaran poco después mientras sus cabellos se mecen disparatada y bellamente junto a las algas del lecho barroso\, un pescador que parece pescarla y quedar atónito ante semejante horror. Nunca la maldad estuvo tan bellamente representada. La magia del cine\, su capacidad de convertirse en Arte\, encuentra en esta obra uno de sus mejores ejemplos. La noche de este cazador sigue perturbando seis décadas después. El cine de verdad\, es esto. Y mucho mas… \n 
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-la-noche-del-cazador-1955-6a-clase-introduccion-al-cine/
LOCATION:Escuela de Bellas Artes\, Av.25 de Mayo 573\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LA MULA" (2018).
DESCRIPTION:Esta película es la numero 38 de las dirigidas por el también actor\, productor y compositor norteamericano Clint Eastwood (1930)\, uno de los mayores y completos cineastas del último medio siglo. Iniciado en la actuación en los años cincuenta\, alcanzó popularidad como astro televisivo en los primeros sesenta. Pero la consagración como actor fue en Italia donde filmó cuatro películas entre 1964 y 1967\, que lo hicieron tan popular que le permitió regresar a su tierra como superstar en 1968. Desde entonces no ha dejado de trabajar de un lado y otro de la cámara. En esta última película estrenada a sus 88 años de edad se da el lujo de interpretar a un hombre diez años mas joven: Earl Stone. Padre y marido desastroso\, siente debilidad por las flores y a su cultivo ha dedicado mas tiempo que a la familia. Ahora siente debilidad por una nieta\, mas el resto de la familia lo rechaza. Un día recibe una oferta para realizar un trabajo y decide arriesgarse a pesar de los peligros que este implica. Porque la idea de colaborar económicamente con sus descendientes le empuja a la aventura\, su manera de vivir la vida desde siempre. \nCon esta temática lejanamente inspirada en sucesos reales\, Eastwood regresa tras las cámaras y firma otra de sus grandes obras. Las que abarcan títulos memorables sobre el Lejano Oeste o la realidad mas contemporánea. «Los Imperdonables»\, «Río Místico»\, «Million Dollar Baby» o la emblemática historia de amor imposible «Los Puentes de Madison» brillan en este apartado de su creatividad. El resto de su obra es valiosa en distintos grados y conforma una de las mayores de la historia del Cine de Hollywood. Una trama que registra actualidades tan urgentes como el tema de las Fronteras: la de México con Estados Unidos\, el trafico de droga\, negocio imparable y monstruoso que amasa fortunas y muertes por partes iguales y la del limite entre los afectos. Una triada de conflictos manejadas con su talento habitual para registros tan complejos como lo son los del cine intimista\, el de denuncia y el de violencia. Manos expertas de las pocas que en este presente pueden combinar semejantes cuestiones sin caer en el absurdo. Un maestro contemporáneo para quien la palabra jubilación carece de absoluto sentido. \n«LA MULA» / The Mule / EE.UU. 2018 / Dirección Clint Eastwood / Intérpretes Clint Eastwood\, Bradley Cooper\, Dianne West\, Alison Eastwood\, Laurence Fishburne / Color / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 56 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LA LENGUA DE LAS MARIPOSAS" (1999).
DESCRIPTION:Los protagonistas de esta película ya Clásica del cine español son un profesor mayor y un alumno de nueve años. Y es la tercera y última exhibida dentro de un ciclo que ha buscado traer al presente un drama del pasado: la Guerra Civil Española (1936-1939) para también permitirnos reflexionar sobre cuestiones que siguen estando vivas en 2019. Estrenada en 1999 a pocos meses del final de un Milenio\, la obra tuvo una espectacular repercusión tanto en España como en nuestro país. Probablemente porque la universalidad de la trama hacía que acontecimientos lejanos en el tiempo y en la geografía seguían y siguen estando vigentes en nuestra realidad.El profesor Don Gregorio da clases en una aldea pérdida del norte español. Son los años treinta y un conflicto atroz está a punto de irrumpir en la tranquila calma de esa región. Una a una\, las lecciones se vuelven el néctar del pequeño Moncho: sus oidos siempre atentos a las palabras del mayor\, escuchan una afirmación: las mariposas tienen una lengua enrollada que despliegan para llegar al corazón de la flor y extraer de allí el néctar; a cambio de ese servicio que le brindan las flores\, las mariposas esparcen el polen. El señor mayor destila «su néctar» de conocimientos esperando que los niños lo absorban con la misma libertad de los insectos. Y Moncho aparece frente a los ojos del educador como el mas brillante de sus alumnos. \nJosé Luis Cuerda (1947) es uno de los mas reputados directores de cine español y cuenta entre una obra iniciada en los años ochenta con algunos títulos muy populares como «El Bosque Animado» (1987)\, «La Marrana» (1992)\, «Así en el Cielo como en la Tierra» (1995) o «Los Girasoles Ciegos»(2008)\, todos relatos donde el humor y la fantasía suelen ocupar un espacio muy destacado. En todo caso es considerado uno de los grandes retratistas de su generación y\, con este film\, obtuvo un reconocimiento mas allá de las fronteras de su tierra. Los valores de la educación enfrentados a las ideologías personales que pueden hacer caer cualquier logro y conducir a la violencia y sobre todo\, la autodestrucción\, son el tema «de fondo» de esta obra donde la mano del gran Rafael Azcona (1926-2008)\, uno de los mayores guionistas europeos de todos los tiempos (Marco Ferreri\, Carlos Saura\, Luis Garcia Berlanga contaron con él para títulos clásicos del cine español e italiano) brilla con notable acierto. Los pormenores de la casa del niño y cada uno de los integrantes de la familia\, el mundo interior rico y siempre en conflicto del viejo maestro\, la violencia de un tiempo que conducirá a una matanza terrible entre hermanos\, son temas que nunca caducan. Porque como los grandes patrones de nuestra conducta humana\, siguen siendo inalterables al paso de los siglos. El Cine\, en su extraordinaria grandeza\, sigue alimentándose de ellos para convertirlos en piezas de arte que nos acompañan mientras transitamos caminos una y otra vez recorridos por nuestros ancestros.La metáfora de las mariposas no tendría que ser olvidada. El niño Manuel Lozano (1990) es otro de los grandes aciertos del film\, y su labor\, enfrentada a la del inmenso Fernando Fernán Gómez (ya reseñado en el segundo film del Ciclo) lo convierte en uno de los grandes trabajos infantiles de su tiempo. \n«LA LENGUA DE LAS MARIPOSAS» / ídem / España 1999/ Director José Luis Cuerda / Guión Rafael Azcona / Intérpretes Manuel Lozano y Fernando Fernán Gómez / Color / Hablada en castellano sin subtítulos / Duración 1h 36 minutos.
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LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "CABARET" (1972).
DESCRIPTION:Cuando esta película se estrenó en 1972 se convirtió de inmediato en un suceso\, ganó los premios mas importantes y puso en órbita cinematográfica a dos de sus creadores: Bob Fosse (1927-1987) y Liza Minelli (1946). El primero\, uno de los mayores coreógrafos de la historia del teatro musical norteamericano\, debutó bailando en comedias musicales de Hollywood en los cincuenta para pasar a los escenarios de New York y revolucionar en pocos años todo un género: el musical. Desde allí saltó al cine y realizó una breve e intensa obra entre 1968 y 1983: «Sweet Charity- Dulce Caridad» (1968)\, «Lenny» (1974)\, «Comienza el Espectáculo- All That Jazz» (1979) y su obra final «Star 80» (1983). «Cabaret» fue su segundo trabajo y como en el resto\, indaga en el mundo del espectáculo y el cine para crear sus films. Desde la primera\, que es una versión del clásico de Federico Fellini «Las Noches de Cabiria»\, pasando por el teatro berlinés de los años veinte y treinta del siglo pasado\, la recuperación de un cómico genial y subversivo\, su propia autobiografía como artista\, hasta la vida y muerte de una modelo de los años setenta. Las cinco forman un breve y magistral mosaico sobre parte de la Cultura del Siglo XX. y hacen de este creador uno de los mas originales (y sub-valorados) de todo el cine norteamericano. Minelli es una actríz y cantante que tuvo su tiempo de esplendor entre su aparición en este film y principios de la década siguiente\, cuando estrenó unos pocos títulos entre los que destacan «New York\, New York» de Martin Scorsese (1977) y la comedia «Arthur» (1981)\, junto al cómico Dudley Moore. Su carácter autodestructivo se encargó de frustrar una carrera que comenzó tan brillante (en 1968 y con tres valiosos films anteriores a su consagración con «Cabaret») como resultó ser breve. \n«Cabaret» narra una historia que comienza en 1931 en Berlín con la llegada de la joven Sally Bowles desde el exterior para trabajar en la noche de la ciudad\, un tiempo hoy mítico de la cultura europea\, la Alemania de entre guerras que no solo gestó un movimiento artístico llamado «Expresionismo» sino que también deslumbró a todo el continente con la creatividad musical que emanaba de espectáculos nocturnos desde los escenarios de la capital\, cuando todo parecía estar permitido desde el escenario en forma de crítica feroz a todo un tiempo decadente que hacía de ello su merito principal. A través de la música y la danza\, los artistas definían su visión del entorno. Sally llega llena de ilusiones para debutar en un espacio donde un maestro de ceremonias subyuga a los espectadores conduciendo un show de danza y canciones provocadoras\, que cuestionan a esos propios espectadores que festejan lo mas horrible de su forma de vida sin que se les mueva un pelo. Dos hombres se cruzan en la vida de la muchacha y entre los tres forman el trío mas famoso (probablemente) del cine de inicio de los setenta. El telón de fondo\, es el amanecer de unos jóvenes rubios y fuertes que bajo el mandato de otro sin esas características pero con otras mas siniestras\, llevaría en pocos años al país\, al continente y al plantea a uno de los tiempos mas negros de la Historia. La sombra de Hitler y el Nazismo campea otra vez\, y a sus anchas\, ante la impasibilidad de la población. Donde toda sombra del pasado parece haber sido cubierta de desmemoria y olvido. \n«Cabaret»\, a casi medio siglo de su estreno\, nos invita a reflexionar sobre actitudes y presente. Que «la vida sea un cabaret» como rezaba la promoción del film\, o no\, es un desafío contemporáneo. El placer experimentado en el interior de una sala de espectáculos no debiera confundirse con la realidad del exterior. Al menos\, esto parece decirnos esta inmensa obra\, ya un clásico absoluto de la cultura de los años setenta. Aquel tiempo en que muchas cosas parecieron posibles pero fueron abortadas por un poder que jamas aceptó de buena ganas provocaciones a su establecimiento. La música\, la danza\, la voz de los artistas siguen alzándose como bandera ante la negritud que acecha. \n«CABARET» / ídem / EE.UU. / 1972 / Director Bob Fosse / Intérpretes Liza Minelli\, Michael York\, Helmut Griem\, Joel Grey\, Marisa Berenson / Color / Inglés y alemán con subtítulos en castellano / Duración 2hs.
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SUMMARY:CINE: "VIVIR SU VIDA" (1962). 5ª Clase Introducción al Cine.
DESCRIPTION:SEMINARIO 2º. \nClase 1ª / El Cine europeo: el Pasado : Alemania\, Inglaterra\, Suecia\, Francia\, Italia y el Presente: España\, países del Este\, Rusia. \nLa intención del siguiente escrito sigue siendo la misma que  en los anteriores: una guía sumamente sintética y\, posible de corrección y aumentos\, de un tema tan amplio en tiempo y diferencias como es el de reseñar el Cine hecho en Europa desde el advenimiento del Sonoro. Que los nombres citados\, todos valiosos\, sirvan como disparadores de la investigación propia\, a partir de la cual se llegará a la obra de todos ellos\, hoy plenamente accesible en detalles en la web. Desde alli\, construiremos puentes futuros para poder acceder a las obras de cada uno de ellos y a los centenares de obras que componen sus respectivas filmografías. \nEl cine sonoro trajo nuevas voces a todos los terrenos donde el mudo había tenido un amplio desarrollo. Y en cada lugar surgieron nuevos valores\, continuaron los ya consagrados y se apagaron las voces de muchos de ellos. En muchos casos\, circunstancias personales hicieron que algunas carreras no continuaran. En Alemania fue notable la influencia que el espectro político tuvo en el Cine. Con la irrupción del nazismo todo se vio alterado. Poco a poco lo ideológico fue tomando lugar en los estudios de cine cuando Hitler y los suyos comprendieron el potencial que las imágenes guardaban en cuanto propaganda. Realizadores que habían desarrollado amplias carreras se vieron obligados al exilio para salvaguardar su integridad física o poder seguir haciendo el cine que querían y no el que el Poder imponía. Entre los mas destacados aparecen los nombres de Fritz Lang\, Ernst Lubitsch\, con obras consagradas en las décadas anteriores\, marcharon a Hollywood y continuaron alli sus carreras. Muchos otras personas ligadas a la industria siguieron sus pasos: guionistas\, fotógrafos\, intérpretes\, técnicos de todas las disciplinas. \nEste fenómeno también se dio en Francia y otros países afectados por la guerra que a finales de los treinta estalló en Europa: Jean Renoir\, Julien Duvivier\, Max Ophuls o Rene Clair marcharon desde allí\, mientras otros permanecieron y continuaron su obra dentro de los limites que la ocupación alemana impuso. \nItalia estaba ya totalmente bajo la estela del fascismo cuando llegó el cine sonoro y ello genero un tipo de películas afines al régimen\, en general apuntadas hacía el genero mas escapista y donde la mirada política valía si era simpatizante con el fascismo. Entre los géneros mas destacables de este tiempo destacan el llamado «de los teléfonos blancos» y el épico en cualquiera de sus direcciones siempre que retratara la grandeza del «imperio italiano»\, heredero de la gran Roma antigua\, como pregonaba Mussolini. El primero de los citados retrataba una parte de la sociedad: la mas favorecida económicamente o al menos\, personajes para quienes las cuestiones cotidianas económicas no tenían ningún peso en sus vidas. Una irrealidad escapista que funcionó muy bien en las taquillas y convirtieron al cine de ese tiempo en mero entretenimiento. De todas maneras\, recuperar su visionado puede depararnos algunas sorpresas\, entre ellos el testimonio de toda una «era» en la historia de Italia: la fascista. El cine europeo de los años treinta y cuarenta estuvo totalmente influenciado y condicionado por estas cuestiones. Lo que generó dos maneras posible de hacerlo: o bien bajo las estrictas medidas del poder político o bien intentando construir relatos desde una perspectiva mas metafórica que luego\,con el paso del tiempo se  demostró efectiva. Realizadores como Rossellini o Blasetti en Italia o Clouzot en Francia\, realizaron películas que no son complacientes con las ideas dominantes y que no fueron afectadas siempre por la Censura o autoridades\, permitiendo crear verdaderas obras maestras entre la filmografía de estos autores. Otros fueron sumisos a los mandatos para mantener sus carreras y otros las vieron opacadas por levantar la voz. \nEn Inglaterra la independencia creativa continua dando frutos y todo un cine anti fascista nació desde los estudios de Londres donde realizadores comos los hermanos Korda\, David Lean\, Carol Reed\, Michael Powell realizaron grandes películas\, mientras Alfred Hitchcock\, autor fundamental debutante en el periodo mudo\, y otros\, se mudaron a Hollywood para proseguir sus carreras allí. \nLa URSS continuo en la linea de cine político y también profundizó en el terreno de lo popular con un cine que rara vez trascendió las fronteras mas allá de los países satélites como Hungría o Polonia. En estos países\, después de la guerra\, va apareciendo una nueva generación de cineastas\, algunos de los cuales alcanzarían amplio reconocimiento internacional a partir de finales de los años cincuenta. Los polacos Wajda\, Skolimowski\, Polanski\, Munk\, Vera Chytilova\, mujer emblemática del cine del Este\, Kachyna\, los checos Forman\, Menzel\, Passer\, Klos o Zeman\, autores deslumbrantes y trabajadores en nuevos lenguajes que aportaron una mirada diferente y fresca o los húngaros Fabri\, Jancsó\, Szabo o Marta Meszaros\, otra pionera en la dirección de cine femenina. Es interesante resaltar el aporte de todas estas cinematografías y cineastas porque sus nombres suelen quedar eclipsados por los de los mas nombrados de los países centrales de Europa. La diferencia entre hacer cines en democracias o gobiernos autoritarios resulta ser nula a la hora de buscar calidad fílmica. Los totalitarismos parecen haber agudizado la mirada de los creadores frente a cierto conformismo en los habitantes de naciones llamadas progresistas. El Arte no afecta a estas modalidades. Los grandes cineastas soviéticos profundizaron sus lenguajes\, como Eisenstein con sus obras finales antes de una muerte prematura. Luego de la muerte de Stalin\, líder histórico\, la cinematografía soviética entró en un período conocido como el del «realismo soviético». Nuevas generaciones de cineastas que poco (parecían) tener que ver con los precursores revolucionarios\, aparecen en escena y el pasado anterior a la Revolución de 1917 toma protagonismo. Obras monumentales como la versión cinematográfica del texto de Tolstoi «La Guerra y la Paz» son llevados a la pantalla\, así como textos de otros escritores clásicos del Siglo XlX o versiones de extranjeros\, como William Shakespeare\, de cuyos textos se hacen versiones extraordinarias. También los temas bélicos\, en referencia a las dos grandes guerras del siglo XX son atractivos para los realizadores. Cito algunos cineastas fundamentales de este tiempo\, el posterior a la Segunda Guerra Mundial: Sergei Bondarchuck\, Grigori Kozintsev\, Mikhail Kalatozov. Grigori Chukhrai\, Maijail Romm. Las obras de estos hombres llegaron con mucha frecuencia a Argentina gracias a los acuerdos entre los gobiernos de ambos estados y fueron exhibidas preferentemente en una clásica sala de la calle Corrientes de la Capital: el emblemático Cosmos 70\, donde durante todo el año se podía disfrutar de cine de calidad llegado de la URSS desde principios de los años sesenta hasta entrados los ochenta. En los setenta estalla la obra de artistas fundamentales como Andrei Tarkovsky\, Sergei Paradjanov\, Nikita Mijalkov\, Andrei Konchalovski\, Elen Klimov o Aleksandr Sokurov\, muchos de ellos aun en activo y realizadores de un cine extraordinario que lamentablemente no es tan fácil de ver como en los tiempos señalados. \nEn España. la Guerra Civil y el posterior franquismo no impidieron el surgimiento en los años cincuenta de cineastas tan audaces como  Luis Garcia Berlanga o Juan Antonio Bardem. Y entrados los sesenta\, las corrientes de la cercana Francia llegaron al territorio y surgieron voces renovadoras de lenguajes\, que tuvieron que agudizar las miradas para no caer en manos de la Censura. En Barcelona surge un movimiento de cine muy elitista donde nombres como los de Vicente Aranda o Jordi Grau alcanzan renombre con obras muy crípticas que crean desconcierto en espectadores y apoyo en los círculos críticos. Pero también en Madrid aparecen las películas de Fernando Fernan Gomez\, Basilio Martín Patino\, Francisco Regueiro\, Mario Camus\, Miguel Picazo o el mas internacional de todos ellos: Carlos Saura. La muerte del dictador Franco abriría otro tiempo del que surgen nombres como Manuel Gutierrez Aragon\, Alfonso Ungria\, Montxo Armendariz\, Juan Luis Borau\, Jaime Chavarri o el fenómeno Pedro Almodovar. Los noventa son los tiempos de Alejandro Amenabar\, Daniel Capalsoro o mujeres como Isabel Coixet\, Iciar Bollain\, que abren nuevas puertas al cine del presente. \nEn el vecino Portugal\, cinematografía tan silenciosa como valiosa\, destaca el nombre de un cineasta que atravesó las décadas desde el primer cine sonoro hasta ser reconocido internacionalmente en su vejez\, convirtiéndose en el director de cine de mas edad en activo: filmó hasta el final de su vida ya centenario: Manuel de Oliveira. \nLa década de los cincuenta dio paso a una nueva generación de realizadores y corrientes innovadoras aparecen en Inglaterra con el FREE CINEMA\, en Francia con la NOUVELLE VAGUE\, pero antes había irrumpido en Italia el  NEORREALISMO\, el movimiento mas notorio y rupturista que es visto como la llegada de modernidad al Cine.. El cine firmado por Vittorio de Sica\, Roberto Rossellini\, Luchino Visconti\, Pietro Germi\, Alberto Lattuada\, Cesare Zavattini como guionista y teórico\, permitió que una década mas tarde tuviera continuidad con la irrupción de una reformulación de aquellas temáticas que derivaron tanto al drama como a la comedia\, pero sobre todo a la aparición de voces tan diferentes y cautivadoras\, algunas absolutamente renovadoras como las de Federico Fellini\, Pier Paolo Pasolini\, Michelangelo Antonioni o Valerio Zurlini. Entre los generadores de una nuevo genero que resaltaba el humor sobre las situaciones mas dramáticas destacan los nombres como Mario Monicelli\, Dino Risi\, Luigi Comencini\, Mauro Bolognini\, que alumbraran obras maestras. En los sesenta y setenta se incorporan Bernardo Bertolucci\, Marco Ferreri\, Francesco Rosi\, Antonio Pietrangeli\, Marco Bellochio\, Ettore Scola\, Mario Bava\, Sergio Leone\, Dario Argento\, que cultivan diferentes miradas: desde el cine político al de terror pasando por un genero «inventado» por los italianos: el spaguetti western o\, lo que es lo mismo\, la realización de películas ambientadas en el lejano oeste norteamericano pero filmadas en territorio europeo: las llanuras italianas o los desiertos del sur de España. El otro invento internacionalizado por Italia es el «giallo»: su versión sangrienta y sádica del policíaco y criminal\, cuyas huellas perviven en nuestro presente\, \nEn Suecia se consagran nombres como Ingmar Bergman\, Gustav Molander\, Vilgot Sjoman\, Alf Sjoberg\, Bo Widerberg\, Jan Troell o la realizadora Mai Zetterling. En Dinamarca el de Carl T.Dryer se convierte en el «padre» de los actuales\, entre los que destacan dos cineastas de enorme potencia: Lars von Trier y Thomas Vinterberg. \nLos movimientos mas destacados de los años sesenta\, los mencionados de Inglaterra y Francia\, se convierten junto a uno en la Alemania de los setenta\, en los mas difundidos de toda Europa\, después del italiano. Cito cineastas fundamentales de cada uno de ellos: \nFREE CINEMA (Inglaterra\, desde 1956): John Schlessinger\, Tony Richardson\, Karel Reisz y Lindsay Anderson\, sus nombres primitivos\, a los que se sumarían Bryan Forbes\, Desmond Davis\, Jack Clayton\, Dos directores norteamericanos\, afincados por distintas razones en Reino Unido\, enlazan de alguna manera con este tiempo: son Joseph Losey que llega exiliado tras una amplia obra en USA y Richard Lester\, que debuta aquí y se convierte en un cineasta iconico de los sesenta con postulados propios que solo en lo temporal parece coincidir con los anteriores. A finales de la década aparece un nombre fundamental y cada vez mas potente hasta llegar hasta el presente: Ken Loach. También destacan los nombres de Peter Collinson\, Neil Jordan y Stephen Frears\, apurando y condesando las décadas siguientes. Paralelo a estos autores\, existe otro cine mas convencional pero enormemente popular: en 1962 irrumpe en la pantalla un personaje cuya huella sigue hasta el presente: el agente secreto James Bond 007. También los cines policíaco y de intrigas tiene un lugar importante así como el de terror de la mano de dos casas productoras: la Hammer Films y su hermana menos\, la Amicus\, de donde salen obras ya de culto en el genero terrorífico y fantástico\, con el emblemático Terence Fisher a la cabeza. \nNOUVELLE VAGUE ( Francia\, desde 1958) : Claude Chabrol\, Francois Truffaut\, Jean Luc Godard\, Jacques Rivette\, Agnes Varda\, Jacques Demy\, Pierre Kast\, Alain Robbe Grillet\, Philippe de Broca. Se les asocia pero no es exacto afirmarlo\, dos nombres fundamentales del cine galo: Louis Malle y Alain Resnais. Y otro enormemente popular en su tiempo\, Roger Vadim\, que les precede en tiempo (1956)\, pero en el que pueden encontrarse ciertas cuestiones que lo emparentan. \nNUEVO CINE ALEMÁN: (Alemania\, desde mediados de los 60): Volker Schlondorff\, Rainer Werner Fassbinder\, Win Wenders\, Werner Herzog\, Alexander Kluge\, Margarette von Trotta. \n\n\nFilm exhibido: \n«VIVIR SU VIDA» /  título original : «VIVRE SA VIE: FILM A DOUZE TABLEAUX» / Francia-1962 / Director Jean Luc Godard / Intérprete Anna Karina / Fotografía Raoul Coutard / Música Michel Legrand / Hablada en Español con subtítulos en castellano / Blanco y Negro / Duración 1h 20 minutos. \nEl realizador nació en Paris en 1930. Hijo de familia adinerada que se trasladó a Suiza durante la Segunda Guerra Mundial\, regresa a Francia con pasaporte y nacionalidad de este país neutral. Desde la redacción de una revista salta a la dirección de cine con cortometrajes y pronto debuta con un largo: «Sin Aliento» (1960). Este film es uno de los primeros del movimiento conocido como Nouvelle Vague y es considerado hoy un clásico del Cine. Godard aporta una mirada muy personal al hecho de realizar cine y define desde el principio una manera que sería sello de autoria\, un concepto que él y sus compañeros de redacción «potenciaron» y convirtieron en lenguaje común. Durante su larga trayectoria que continúa en la actualidad\, cercano a cumplir los 90 años de edad\, su obra está dividida en «etapas» que él mismo define. La experimentación y acontecimientos temporales han influido en esta división. Desde la irrupción de momentos políticos hasta las nuevas tecnologías o novedades que fueron apareciendo en lo relativo al audiovisual\, han influido en la creación de sus películas. En lo personal\, su periodo mas atractivo es el inicial. Que llega hasta 1967 donde da un cambio radical a lo hecho hasta el momento y se embarga en un tiempo donde la experimentación se radicaliza. Filma una serie de trabajos\, de diferentes duraciones y tanto documentales como ficciones. Forma parte de un grupo y su nombre no siempre aparece como director. \nDe aquel primer tiempo destaca la relación con la actriz dinamarquesa  Anna Karina (1940) a quien descubre siendo modelo publicitaria. La hace protagonista de siete largometrajes y el episodio de un film colectivo entre 1961 y 1967. Forman un ciclo de películas muy atractivas y entre ellas está la segunda colaboración de 1962\, esta «Vivir su Vida». Considerada como una de las obras mas accesibles de ese periodo\, la narración que utiliza Godard se ciñe a la cronológico pero rompe con la narrativa clásica. Son\, como señala su largo título original\, 12 bloques donde va contando las vivencias de Nana\, una joven dependienta de una tienda de discos a la que no alcanza el dinero. Madre de quien nunca se muestra sus hijos pero se sugiere apartada de la familia\, la mujer deriva hacia el camino de la prostitución al fracasar sus intentos de ser actriz de cine. Como en un juego de espejos\, actriz y realizador juegan a la vez que interpretan la historia. La cámara siempre inquieta filma espaldas de las cuales a veces un espejo desvela los rostros mientras unos suaves travellings parecen acariciar a su criatura. Los hombres siempre son comparsas y ella se descubre como una mujer independiente y anhelante\, con dominio de sus elecciones pero que no puede romper el rígido mundo machista que la rodea. El rostro hermoso de la actriz es filmado sin tregua por la cámara de uno de los grandes fotógrafos de la historia del cine\, Raoul Coutard. Las miradas de Nana rompen los ejes tradicionales y nos miran e interpelan. Como si nos preguntaran que opinión tenemos de lo que acontece. Un mecanismo\, que así como las citas literarias que a modo de cine mudo ilustran el inicio de cada uno de los 12 bloques\, son forma distintiva del cine de aquellos primeros años del realizador. Mucho mas accesible que el que vino después\, para permanecer hasta la actualidad con un estilo muy hermético donde los espectadores quedan permanentemente en un lugar de interrogación o complicidad con la oferta del artista. En aquella primera parte inicial\, se guarda el cine mas fresco y autentico de Godard\, ricas pinceladas sobre un tiempo y sobre dos amores: los experimentados por la cinematografía y por una mujer que fue ademas\, o pareció serlo\, su musa. Actriz que fuera de la órbita del cineasta permaneció una década en activo hasta llegar en 1973 a una radicalizacion de su propia carrera: debutó como realizadora y sus apariciones como actriz fueron cada vez mas selectivas y lo hizo en films de escasa difusión. Pero pudo trabajar bajo la dirección de maestros como Rivette\, Visconti\, Cukor\, Fassbinder o Schlondorff. El nombre de ambos permanece unidos cincuenta años después. Sugiero ver todas y cada una de las colaboraciones de la pareja: «UNA MUJER ES UNA MUJER»\, «EL SOLDADITO»\, » ASALTO FRUSTRADO»\, «ALPHAVILLE»\, «PIERROT LE FOU»\, MADE IN USA» y el episodio «ANTICIPACIÓN» del film colectivo «EL AMOR A TRAVÉS DE LOS SIGLOS». Peliculas todas de una enorme creatividad e influencia en directores modernos como los hermanos Cohen o Quentin Tarantino. \n 
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SUMMARY:CINE: "LAS BICICLETAS SON PARA EL VERANO" (1984).
DESCRIPTION:«LAS BICICLETAS SON PARA EL VERANO» es un título clásico entre los que refieren y retratan la Guerra Civil Española (1936-1939). Por este motivo resulto ser la elegida para la segunda entrega del presente ciclo\, tras el visionado de «Morir en Madrid» (1963)\, pieza fundamental dentro de la temática abordada desde la cinematografía. Relata la vida de una familia que vive en un barrio tradicional y céntrico de la capital española\, entre los años que dura la contienda bélica. Una familia de clase media-baja compuesta por Luis y Dolores\, padres de Manolita y Luisito\, jóvenes llenos de ilusiones y vitalidades varias\, que verán enfrentados sus proyectos a la realidad de la tragedia que día a día se abate sobre la ciudad sitiada\, resistente\, viva\, dolorosa y también agrietada ideologicamente ante la división que desgarra la nación. Una sublevación militar frente a una República conflictiva pero elegida democráticamente. El entorno del vecindario que acompaña a los protagonistas no puede ser mas amplio y representativo: desde la chismosa y envidiosa Antonia\, madre de Julio y aspirante a enamorado de Manolita\, hasta la refinada Maria Luisa y sus simpatías por los golpistas nacionales\, pasando por la sirvienta Maria\, personaje representativo del interior rural español que llega a la ciudad para encontrar un futuro mas prometedor. Todos forman un mosaico que define la realidad de un momento visto por los ojos de los civiles\, que ajenos a la Guerra\, la padecen y sufren sus consecuencias. Las bicicletas que refiere el título son las que representan la libertad\, la juventud y un tiempo de vacaciones que transmutará en otro menos feliz al final de la historia\, cuando el padre advierte al hijo: «Solo Dios sabe cuando habrá otro verano». Una pelicula memorable que adapta una obra de teatro ganadora de premios mayores en 1977 cuando fue registrada. Desde su primera representación en Madrid en 1982 fue suceso\, un tiempo en que los españoles ensayaban la vida democrática tras cuatro décadas de represión y dificultades para la mayoría\, y bienestar para pocos\, afines al poder franquista. Su éxito avaló la adaptación al Cine\, y su autor\, Fernando Fernan Gomez (1921-2007)\, uno de los mayores y multifaceticos artistas de España del Siglo XX\, actor\, director\, escritor\, volvió a convalidar éxitos anteriores. Una obra de cine fundamental en el panorama ibérico cuya dirección estuvo a cargo de uno de los mas prestigiosos directores de la Transición Española\, periodo casi mítico para los ojos de hoy\, posterior a la muerte del Dictador en 1975 y que se extendió hasta la llegada del PSOE al Poder en las elecciones de 1982. Cuando de alguna manera\, el ciclo iniciado en 1931 y truncado en 1936\, volvió a cerrarse con la llegada al poder de un gobierno de izquierdas. Muy diferente al aguerrido de los años treinta pero mas astuto y adaptado a las necesidades de entonces. Ya no habría República sino Monarquia Constitucional. Detalles sutiles (o nada) que hoy llenan espacios en la reflexión de las nuevas generaciones de españoles\, quienes decidirán un futuro que no debería omitir la Memoria. Films como este la mantienen viva. Jaime Chavarri (1943)\, el director señalado en el párrafo anterior\, fue autor de cinco obras fundamentales del periodo 1976-1989\, uno de los mas creativos del cine hispano: «El Desencanto» (1976)\, obra maestra que documenta a través de la decadencia de una familia rica e intelectual\, la de un propio tiempo\, el franquismo\, «A un Dios Desconocido» (1977)\, con Hector Alterio en un trabajo magistral sobre sexualidad y religión\, «Dedicatoria» (1980)\, manifiesto de amor a toda una generación de creadores\, «Las Cosas del Querer» (1989)\, popular recreación de la represión y censura del generalísimo a golpe de música y baile deslumbrantes\, y esta obra que nos ocupa\, unas bicicletas para la posteridad. \n«LAS BICICLETAS SON PARA EL VERANO» / ídem/ España- 1984 / Director Jaime Chavarri / Intérpretes: Agustín González\, Amparo Soler Leal\, Gabino Diego\, Victoria Abril\, Alicia Hermida\, Marisa Paredes\, Carlos Tristancho\, Patricia Adriani / Hablada en castellano sin subtítulos / Color / Duración 1h 43 minutos.
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LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL VEREDICTO o LA LEY DEL MENOR" (2017).
DESCRIPTION:La Literatura no deja de ser fuente de inspiración de cineastas de todos los orígenes. Y los que firman sus obras\, algunas veces lo hacen también en la traslación de sus palabras al lenguaje del cine. Es el caso de Ian MacEwan (1948)\, uno de los mas prestigiosos escritores en lengua inglesa de las últimas décadas\, que ha escrito el guión de una de sus creaciones en el film «LA LEY DEL MENOR»\, traducción de su obra homónima. Una Jueza de enorme reputación y entrega absoluta a su profesión\, tanto que el mundo afectivo ocupa un segundo plano del que parece no ser consciente\, se ve enfrentada a una cuestión muy sensible: dictaminar sobre un menor practicante extremo de religión que rechaza ser atendido medicamente poniendo en peligro su propia vida. El fundamentalismo en cualquier práctica o ideología es el tema subyacente en esta propuesta artística. Un tema de enorme actualidad donde el término pareciera ceñirse en el presente solamente al terrorismo internacional. La propuesta del autor parece indicarnos que también afecta a la intimidad de las personas en sus ámbitos mas privados. Richard Eyre (Inglaterra\, 1943) es un cineasta de mucha actividad en la televisión y de menor en la pantalla grande. En su obra destacan dos acercamientos al mundo femenino como fueron «Iris» (2001)\, sobre una poeta enfrentada al deterioro de su mente y «Escándalo» (2006)\, una de las grandes obras sobre el poder del chimento como destructor de la persona atacada. Las dos estuvieron interpretadas por grandes actrices como Judi Dench\, Kate Winslet y Cate Blanchett. Ahora\, tras una década de silencio a causa del fracaso de su anterior trabajo (The Other Man\, 2008)\, regresa a ese mundo de mujeres protagonistas con conflictos siempre actuales y universales. Lo hace de la mano de otra gran intérprete: Emma Thompson (1959)\, actriz que apareció en escena en 1988 de la mano de su esposo de entonces\, Kenneth Branagh\, uno de los mayores conocedores del teatro británico e irregular cineasta. A su lado destacó en «Enrique V» (1989) y desde allí se consagró con dos memorables trabajos del gran James Ivory: «Regreso a Howard’s End» (1992) y «Lo que queda del día» (1993). Luego vendrían «En el nombre del Padre» (1993) de Sheridan\,  «Sentido y Sensibilidad» (1995) de Ang Lee\, su incursión en el mundo Harry Potter (que le dio popularidad entre el público masivo) y ahora regresa a un tipo de cine que la vio surgir. En el trabajo de ella\, en su creación del personaje de Kate\, radica uno de los mayores valores del film. El resto acompaña con la seguridad que el talento del director Eyre imprime a sus mejores creaciones. Una película que vuelve a enfrentarnos con otro debate siempre rico: la traslación de la Literatura al Cine. Un manjar para todos los curiosos. \n«EL VEREDICTO» (LA LEY DEL MENOR) / The Children Act -2017 / Reino Unido-USA / Director Richard Eyre / Intérpretes Emma Thompson\, Stanley Tucci y Fion Whitehead / En inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 45 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LA NOCHE AMERICANA" (1973) / 4ª Clase Introducción al Cine.
DESCRIPTION:Clase 4ª: «Las Artes reflejadas por la Cámara: Pintura\, Arquitectura\, Escultura\, Poesía\, Danza\, Música y la Imagen Cinematográfica /Adaptaciones\, miradas\, representaciones\, transformaciones de un lenguaje a otro. \nDesde el inicio del Cine\, se buscó trasladar los diferentes lenguajes artísticos a este nuevo y recién llegado. Lo primero que aparece es la adaptación como motivo generador de una película. Paralelo al surgimiento de la idea propia como motivadora de una trama\, la inspiración de una obra ya existente fue uno de los lugares recurrentes por cineastas de todo lugar. La literatura aparece entonces como el primer espacio desde el que buscar. La dificultad de trasformar palabras en imágenes es notable inmediatamente. Ya sean provenientes de un libro o de una obra teatral\, hasta de una ópera. Cuando Meliés se acerca al mundo de Jules Verne no hace mas que inspirarse en los relatos de aquel para convertirlos en pura creatividad fílmica: esa Luna con ojos donde irá a insertarse la no tan disparatada nave terrícola de la que emergen los aun mas absurdos ropajes de sus protagonistas\, muestran el primer triunfo de la transposición de un lenguaje a otro. Según avanzan los años surgen otros cineastas que solo se convertirán en ilustradores de libros de todo tipo. El público acepta el desafió y comienzan las comparaciones. La imposibilidad de respetar el total de un contenido literario se traduce en recortes o modificaciones varias\, que pueden llegar hasta el propio corazón e identidad de lo adaptado. Quizás desde esa realidad nazca el mejor cine. El que «olvida » el origen literario para «inventar» otro nuevo. Este punto de partida genera dos grandes estilos dentro del cine de adaptaciones: el de la fidelidad y el libre que se nutre de ella para representar algo nuevo. Como ejemplo\, dos textos clásicos: «La Biblia» o «La Odisea» han sido disparadores de películas de todo tipo: desde las recreaciones erotizadas del primer Cecil B.de Mille hasta las respetuosamente cristianas de Franco Zeffirelli en relación al texto religioso. De las adaptaciones academicistas de autores como James Ivory sobre textos del mundo anglosajón hasta la irreverencia de Godard con uno de Alberto Moravia. En ambos lados se cosechan triunfos y fracasos. Donde Manuel Antin se equivoca al ser extremadamente respetuoso a la palabra de Julio Cortazar\, Michelagelo Antonioni acierta al tomar solo como punto de partida un texto del autor argentino. Con el fenómeno teatral el desafío se mantiene a la misma altura. Sacar al personaje del espacio escénico para trasladarlo al siempre cambiante de la pantalla. Donde el ojo del espectador en una platea frente al interprete puede no llegar\, si lo hace el lente gigantesco de la cámara. La expresión humana entonces\, alcanza otro sentido. Teatro y Literatura siguen siendo puntos de partida hoy. Y los dos caminos\, transitados. Los resultados\, siempre oscilantes. \nLa Música y la Danza\, en sus diferentes vertientes han sido y son otro de los temas recurrentes. La Arquitectura se transforma en escenografías o retratos documentales de ciudades o parajes lejanos donde el hombre ha dejado su huella. E l cuerpo del actor puede ser esculpido tanto por la cámara como por los dedos del artista. La Pintura se transforma en Fotografía y sus grandes artistas no tienen nada que envidiarle a los maestros del pincel. El Cine finalmente se ha convertido en aglutinador de todas ellas y solo ocasionalmente las ha transcendido para crearse a si mismo como nuevo lenguaje. En 1911 Canudo presenta su Manifiesto de las Siete Artes dándole al Cine su último numero de la serie. Desde artesanos nobles y respetuosos\, hasta meros ilustradores o mediocres transcriptores\, a revolucionarios de la imagen\, siempre en movimiento y búsqueda\, todos continúan transitando el viejo sendero de la inspiración o el mas atrevido de la creatividad. \nAlgunas referencias. \nLiteratura: William Shakespeare es uno de literatos mas inspiradores con cineastas como Orson Welles\, Laurence Olivier\, Franco Zeffirelli o los maestros soviéticos entre sus mayores cultivadores y mejores exponentes. Cada cual desde una mirada muy personal. \nMúsica: desde las propias «biografías» o acercamientos a las grandes figuras del apartado hasta el género musical cultivado desde Hollywood pasando por miradas personales sobre el propio arte de las notas . Pero donde mas aporte ha hecho la música es desde la elaboración de las bandas sonoras que acompañan a cada film desde el final del cine mudo. Músicos que dejaron las salas de conciertos o escenarios o escuelas para llegar al estudio de cine u otros que sencillamente desarrollaron sus aptitudes en el propio medio. El paso de los años no ha dejado de aumentar el reconocimiento de la mayoría de ellos. Cito algunos de los mas influyentes: \nCole Porter (1891-1964) / Max Steiner (1888-1971) / Frank Wahman (1906-1967) / Miklos Rózsa (1907-1995) / Alex North (1910-1991) / Bernard Herrmann (1911-1975) / Nino Rota (1911-1979) / Leonard Bernstein (1918-1990) / Elmer Bernstein (1922-2004) / Henry Mancini (1924- 1994) / Maurice Jarre (1924-2009) / Georges Delerue (1925-1992) / Ennio Morricone (1928) / Jerry Goldsmith (1929-2004) / Lalo Schifrin (1932) / John Williams (1932) / Michel Legrand (1932-2019) / Quincy Jones (1933) / Angelo Badalamenti (1937). \nListado de Directores de Fotografía: les acerco estos nombres para que busquen sus trabajos en IMDb\, la pagina web que les sugiero como la mas rigurosa. Desde alli\, se puede iniciar busqueda y se encontraran con grandes directores y películas en las que la firma de estos maestros aparece. Son desde el mudo hasta el presente NO inmediato. Porque todos los nuevos que están trabajando hoy\, construyen su carrera y el tiempo los pondrá en el lugar que corresponde. Prefiero hablar de obras cerradas en este momento y en esta 4ª clase. Los hay de varios países y varias épocas. \nJohn Alcott / Gregg Toland /Stanley Cortez / Conrad L.Hal l/ Charles Rosher / Robert Burks / Vadim Yusov / James Wong Howe / Kazuo Miyagawa / Jack Cardiff / Freddie Young / Raoul Coutard / Tonino Delli Colli / Sven Nyvist / Giuseppe Rotunno / Vittorio Storaro / Nestor Almendros / Ricardo Aronovich/ Carlo di Palma / Gordon Willis / \n  \n  \nFilm exhibido: \n«LA NOCHE AMERICANA» \nCuando Francois Truffaut (1932-1984) estrenó esta película su nombre volvió a ocupar con fuerzas los titulares referidos al Cine. En los meses siguientes ganó premios y fue vista en el mundo entero con un suceso que pocas de sus películas anteriores habían conseguido (de público no de crítica). El realizador da rienda suelta a su pasión por el Cine y rueda un film sobre como se rueda un film. Un pequeño género dentro de la Cinematografía donde en el pasado se habían generado obras como «Sunset Boulevard» de Billy Wilder\, «Cautivos del Mal» de Vincente Minelli\, «Cantando bajo la lluvia» de Stanley Donen\, en Hollywood\, o ·»El Desprecio»\, de su colega Jean Luc Godard una década antes. Todos relatos valiosos sobre las interioridades detrás de la escena. En esta ocasión se muestra como el rodaje de una película romántica con ribetes de tragedia griega convoca a todo un equipo donde sus integrantes se convierten en co-protagonistas de la historia. Los actores principales\, una actriz que llega de Hollywood con sus crisis (y nuevo marido) a cuestas\, otra que a causa de su alcoholismo no logra aprender sus textos\, ayudantes del realizador que son fieles hasta para meterse en la habitación de los otros a rescatarlos de histerias o neurosis varias\, productores siempre atentos al costo de cada momento de filmación…y el propio Truffaut interpretando al director. La obra\, a 45 años de su estreno\, se mantiene como un retrato solido con sus logros y defectos\, ya notables en su momento. Desde mi punto de vista\, este director es uno de los mas sobrevalorados de su generación: la «nueva ola» francesa\, un tiempo (1955-1965\, aproximadamente) en que un grupo de críticos de cine se convirtieron en directores y realizaron películas que aportaron un soplo de aire fresco a modelos anquilosados (según el discutible gusto de la mayoría de ellos). Porque antes de su aparición\, el Cine francés había dado nombres\, indiscutibles aun hoy\, a la Cinematografía como los de Jean Renoir\, Rene Clair\, Julien Duvivier\, Abel Gance\, Henri Georges Clouzot\, Rene Clement\, Claude Autant Lara\, Marcel Carne o Jacques Tati\, con un talento superior al que mucho de los nueva oleros tendrían en sus respectivas obras\, siendo muchos de los citados denostados por los recién llegados. Los acusaban de realizar un cine estéril en cuanto obra de arte y sus condenas afectaron la trayectoria de muchos. Truffaut mismo acabaría rodando films absolutamente convencionales disfrazados de experimentales. Sus versiones sobre clásicos de la literatura «negra» norteamericana\, no han resistido nada bien el paso del tiempo. Ni «Disparen sobre el pianista» sobre texto de Goodis resulta graciosa\, ni mucho menos sus horribles transcripciones de los universos de Woolrich en «La novia vestía de negro» y «La sirena del Mississippi» consiguen aportar nada en especial. Hay algo demasiado egocéntrico en la postura del realizador que acaba frustrando sus intentos de ser innovador y aportar una mirada valiosa al material original. La transgresión no significa por si misma calidad. Rescato sin embargo cuatro films deslumbrantes donde la sensibilidad del cineasta (importante\, que lo fue sin lugar a dudas) se manifiesta en su plenitud: «La Piel Suave» (1964)\, un retrato tan cálido como doloroso de una historia de amor imposible entre una mujer joven y un hombre casado y sus tres películas donde la infancia es protagonista absoluta: «Los 400 Golpes» (1959)\, extraordinario debut (y quizás por eso mismo levantó tantas expectativas a futuro)\, «El niño salvaje» (1970) y «La Piel Dura» (1976). Del resto de su obra destaco dos obras extrañas y complejas\, hermosas aunque no llegan a la maestría de las anteriores\, como son » Las Dos Inglesas» (1971) y «La Habitación Verde» (1978). Su saga sobre Antoine Doinel\, protagonista y socias de Truffaut\, que interpretado por el mismo actor\, Jean Pierre Leaud\, aparece en cuatro obras posteriores a su presentación en «Los 400 Golpes»\, solo reviste el testimonio de ver crecer al intérprete entre 1959 y 1978 y resultan hoy películas enormemente envejecidas. Otra curiosidad destacable es su versión del universo de Ray Bradbury con «Fahrenheit 451» (1966)\, un film que utiliza demasiado las palabras y aporta menos en imágenes de lo esperable para un texto semejante\, donde el desafió de convertir un lenguaje en otro es especialmente alto. Al final del film\, el recitado de los libros por parte de unos personajes que deambulan por el bosque\, muestra las limitaciones de Truffaut para crear imágenes puramente cinematográficas. Criticar al realizador\, como a otros compañeros de su tiempo\, sigue resultando hoy una blasfemia para ciertos puristas de la crítica cinematográfica. Pero en la libertad de expresión sobre la devolución que cada película nos provoca\, esta la riqueza de la mirada de nosotros espectadores. Sumando y debatiendo se puede construir una diferente y alejarse del anquilosamiento al que puede conducir la extrema fidelidad a las palabras de los popes que construyen\, o intentan\, una élite sobre que Cine es valioso y cual no. La «nueva ola» francesa sigue siendo un movimiento importante en la Historia del Cine pero no el mas. Paralelo a él se desarrolla otro en Inglaterra y varios en otros puntos del mundo\, que parecen ser eclipsados aun hoy por los franceses\, siempre pioneros en saber vender bien sus productos. Desde una marca de autos\, una revolución o lo que tengan delante. Jamas fueron ni son el centro del mundo que pretenden. La obra entera de Truffaut es una clara expresión de semejante intención. Hasta de un término no propio como chovinismo supieron apropiarse. Sigamos rescatando las joyas que si\, supieron diseñar. \n«LA NOCHE AMERICANA» / La nuit americaine/ 1973 / Francia- Italia / Director Francois Truffaut / Intérpretes Jacqueline Bisset\, Francois Truffaut\, Valentina Cortese\, Jean Pierre Leaud\, Nathalie Baye\, Dani\, Jean Pierre Aumont / Francés e inglés con subtñitulos en castellano / Color / Duración 1 h 50 minutos.
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SUMMARY:CINE : "MORIR EN MADRID" (1963).
DESCRIPTION:El Museo Etnográfico y Archivo Histórico Enrique Squirru inicia con la proyección de «MORIR EN MADRID»\, film clásico entre los documentales de todos los tiempos\, un Ciclo de tres largometrajes que recordaran los 80 años del final de la Guerra Civil Española\, conmemorando así uno de los hechos mas trágicos del Siglo XX\, que también puede interpretarse como un prólogo de otro drama que comenzaría el mismo año 1939 en que acabó este. Los viernes siguientes se proyectaran dos largometrajes de ficción que también recuerdan aquel tiempo: «LAS BICICLETAS SON PARA EL VERANO» Y «LA LENGUA DE LAS MARIPOSAS». El 1º de Abril Francisco Franco\, líder de uno de los bandos enfrentados\, el Nacional\, firmó el último parte de guerra. El Dictador que gobernó con mano dura el destino del país hasta su muerte el 20 de noviembre de 1975\, dio inicio a un feroz conflicto bélico con su sublevación y Golpe de Estado del 18 de Julio de 1936 y dividió a España en dos (los que habían votado por la República y los que se levantaron contra ella). Esta película del realizador francés Frederic Rossif\, especialista en documentar realidades humanas tanto como comportamientos animales\, cosechó un enorme suceso desde su estreno en 1963 y se convirtió en un Clásico del Cine con el paso de los años. Porque registra de una manera concisa\, utilizando material de archivo narrado por voces francesas\, una realidad que los propios protagonistas estaban imposibilitados de recrear. El material documental de la época nos muestra tanto las vivencias del frente de batalla como la vida en las ciudades y poblados. La furia de Franco y su Gobierno fue inmediata y el film no pudo estrenarse en territorio español hasta después de su muerte\, en 1978. Como respuesta\, el régimen presentó su «versión» de los hechos en un film que fue una apología del fascismo que atravesaba su estructura: «Morir en España» (1965). \n\nEl film del cineasta francés comienza con imágenes sobre las que se relata el siguiente texto: «1931\, España: 503.061 kilómetros cuadrados. 24 millones de personas. La mitad de la población es analfabeta. Hay 8 millones de pobres. Hay 2 millones de campesinos sin tierra. 20.000 personas poseen la mitad de España\, provincias enteras son propiedad de un solo hombre. Salario medio de un trabajador\, de 1 a 3 pesetas por día; un kilo de pan cuesta 1 peseta. 20.000 monjes\, 31.000 sacerdotes\, 60.000 mil monjas y 5.000 conventos. 15 mil oficiales\, de ellos 800 generales: 1 oficial por cada 6 hombres\, 1 general por cada 100 soldados. Un rey\, Alfonso 13\, el decimocuarto soberano desde Isabel la Católica «.\n\n\n\nA partir de este momento\, el espectador moderno se encontrará con el relato minucioso de lo acontecido en tres años de conflicto bélico que silenció las vidas de miles de seres humanos y sirvió como ensayo macabro por parte del poderío alemán e italiano representados por el nazi Hitler y el fascista Mussolini para lo que sería la tragedia de la Segunda Guerra Mundial. \n«MORIR EN MADRID» /Mourir a Madrid / Francia\, 1963 / Realizador Frederic Rossif / Música Maurice Jarre / Narrada en francés con subtítulos en castellano / Blanco y Negro / Duración 1h 25 minutos.
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LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LA NOVIA DE FRANKENSTEIN" (1935) 3ª Clase / Introducción al Cine.
DESCRIPTION:«LA FOTOGRAFÍA Y EL DISEÑO EN EL CINE / LOS GRANDES ARTISTAS DE HOLLYWOOD\, EUROPA Y ARGENTINA». Escenografía y Vestuario: decorados artificiales y rodajes en exteriores\, la ficción y la realidad a través del ojo de la cámara. \nCon la llegada del cine sonoro\, con fecha «fundacional» en 1926 con el estreno de la producción «Don Juan» (EE.UU.)\, se da inicio a un nuevo tiempo de la Cinematografía que cierra casi tres décadas de cine silente. Fue el resultado de extensos trabajos alrededor de Occidente para perfeccionar una oferta donde además de las imágenes tenía que tener cabida el sonido. La sincronización entre ambos aspectos fue la tarea mas dificultosa. Hacer que una pista se adhiriera al celuloide llevó un largo tiempo\, y entre esos primeros trabajos y los años siguientes\, se extendió un periodo de perfeccionamiento que mantuvo la imperfección mientras duró. El público\, sin embargo\, no parecía muy preocupado por este detalle. La cuestión\, parecía entonces\, dejar atrás para siempre las imágenes mudas. Que escondían el mayor desafió: narrar sin palabras. Muchos de sus protagonistas no soportaron el traslado de un sistema al otro y sucumbieron en el intento. Pero muchos realizadores lograron traspasar la frontera y desarrollaron ademas de continuar\, obras extraordinarias. \nLa primera década del cine hablado (the talkies\, como se llamó en inglés) transcurrió bajo la esfera de algunos de determinados directores de cine. Como la intención de este Seminario es la introducción de nombres para que sean investigados junto con los espectadores dentro de las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías\, se realizará un listado de los considerados mas influyentes por los historiadores. Uno de ellos\, el norteamericano Andrew Sarris (1928-2012) fue el impulsor de la «teoría del autor» en su país y tuvo enorme influencia en los lectores al publicar en 1968 un texto fundamental para el ordenamiento de lo mejor del cine y editado en castellano en 1970: «EL CINE NORTEAMERICANO» /Directores y Direcciones 1929-1968 /. Una «teoría» que tuvo sus orígenes (aunque no exclusivamente) en los escritores-críticos- cineastas de la Nouvelle Vague (Nueva Ola) francesa\, movimiento cinematográfico que surgió en 1959 a partir del estreno de los primeros films de un grupo de integrantes de una revista de cine (Cahiers du Cinema) que se convirtieron en directores (Chabrol\, Godard\, Truffaut y Rivette\, entre los mas destacados) y que «impusieron» la aun hoy discutible categoría entre quienes realizan cine. Se es «autor» o se es «artesano». Para los exquisitos\, solo valen los primeros\, mientras que los segundos merecen en general\, el mayor de los menosprecios cunado no el rechazo mas absoluto. Es una cuestión tan subjetiva como discutible ya que lo que realmente importa (opinión personal) es lo que cada uno de los espectadores experimentamos frente a la imagen cinematográfica. Según el interés\, conocimientos\, expectativas o de cada cual\, surgirá una respuesta. Y discutirla\, debatirla\, dará como fruto la mayor de las riquezas: generar opiniones que enriquezcan a todos. Los gustos e inclinaciones personales marcaran los diferentes y ricos senderos en la construcción de los discursos posibles. \nSarris (ejemplo vivo de lo expresado y por tanto sujeto a diferencias) divide a los directores en una serie de categorías muy atractivas y que sirven como primer paso para el conocimiento y posterior posicionamiento con respecto a su mirada. Son las dos primeras las que concentran el mayor numero de talentos (siempre en la órbita norteamericana) \nEL OLIMPO DE LOS DIRECTORES (la que nuclea a los mas valiosos) donde figuran los nombres de 14 hombres que pocos conocedores del tema discutirían su importancia: \n\nCharles Chaplin / 2. Robert Flaherty. / 3. John Ford /.4. D.W. Griffith / 5. Howard Hawks / 6. Alfred Hitchcock / 7. Buster Keaton / 8. Fritz Lang / 9. Ernst Lubitsch / 10.F.W. Murnau / 11. Max Ophuls / 12. Jean Renoir / 13. Josef von Sternberg / 14. Orson Welles. La Obra de estos cineastas\, ya cerrada definitivamente\, hace que merezcan estar aun hoy (cuando se editó el libro vivían en su mayoría) ya que entre sus piezas se encuentran algunas de las mejores películas de la historia\, siendo todos creadores identificables y por tanto merecedores del término artistas del cine. En todos ellos hay dos conceptos esenciales: la preocupación en el desarrollo de la imagen para convertirla en lenguaje propio y su atención permenete en la condición humana de sus criaturas. Las personas y sus circunstancias definen el mensaje. El entorno\, el paisaje\, siempre está como complemento de lo primero. Y no al revés. En todos ellos el respeto por los diferentes aspectos que hacen a la construcción de un film son indiscutibles y actúan complementándose los unos con los otros. Por eso\, destacan la Fotografía\, el Sonido\, la Escenografía\, todos resueltos en la sala de Montaje\, verdadero laboratorio donde nacen las películas\n\nCASI EL PARAÍSO. \n1- Frank Borzage / 2. Frank Capra / 3. George Cukor / 4. Cecil B.de Mille / 5. Gregory La Cava / 6. Leo McCarey / 7. George Stevens / 8. King Vidor / 9. Raoul Walsh. A estos\, los considera un escalón mas abajo que los anteriores\, pero el CASI define muy bien el escaso limite de talentos entre unos y otros. También esta selección\, como cualquiera\, está sujeta a debate. \nLO ESOTÉRICO EXPRESIVO. \n1. Allan Dwan / 2. Tay Garnett/ 3. Lowell Sherman / 4. John M. Stahl. Les concede algún rasgo de extravagancia cuya definición como cineastas no logra englobarla en las otras categorías. \nALGUNOS EXTRANJEROS \n1. Luis Buñuel / 2. Rene Clair / 3. Sergei Eisenstein / 4. G.W. Pabst . Aquí me limito a citar solamente a quienes desarrollaron parte importante de su obra en los años treinta. \nMAS DE LO QUE DEJAN VER. \n1- Rouben Mamoulian / 2. Lewis Milestone / 3. William Wellman /.4. William Wyler . En este listado\, el autor manifiesta su opinión sobre cineastas que podrían haber perfeccionado su arte. \nDISCRETOS Y AGRADABLES \n1. Busby Berkeley / 2. Harry D’ Arrast / 3. Edmund Goulding / 4. Alexander Korda / 5. Zoltan Korda / 6. Mitchell Leisen / 7. Mervyn LeRoy / 8. James Whale. \ny así va confeccionando otras categorías (descendentes en cuanto calidad que les otorga) donde aparecen directores muy destacables del primer sonoro: \n1. Clarence Brown/ 2. Tod Browning / 3. James Cruze / 4. Paul Fejos / 5. Victor Seastrom / 6. Harold Lloyd / 7. Jack Conway / 8. Victor Fleming / 9. Michael Curtiz / 10. W.S. van Dyke \nUn segundo estudioso que merece ser leído para comprender el alcance del primer tiempo del Sonoro es  el vasco Manuel Villegas Lopez (1906-1980)\, exiliado en Argentina tras la Guerra Civil Española y regresado a su tierra en 1953. Es autor de una importante obra sobre teoría y crítica de Cine y destaca entre ella «LOS GRANDES NOMBRES DEL CINE» publicada en 1973\, donde reúne artículos publicados en revistas durante años y forma entonces un formidable recorrido por la historia de la cinematografía. Dedica espacio a la mayoría de los cineastas citados en el libro de Sarris\, pero profundiza en su obra y amplía enormemente la visión de todos ellos. Entre los «incluidos» faltantes en aquel\, destacan tres nombres fundamentales que desarrollan sus primeros pasos en la pantalla en esta primer década del sonoro: son dos de los padres de las teorías del Documental. John Grierson (1898-1972)\, gran estudioso y creador como productor de toda una serie de films extraordinarios y Joris Ivens (1898-1972)\, realizador que\, entre otras joyas\, filmo «Tierra de España» sobre la Guerra Civil. El primero fue el pionero de los que sería una de las escuelas documentalistas mas iluminadoras del mundo: la británica. Ivens\, de alguna manera\, sigue los pasos del ruso Dziga Vertov y sus innovaciones con cámara en mano y registro de la realidad fuera de los estudios de cine. \nEl tercer nombre que incluye en su lista es el de Walt Disney (1901-1966)\, padre mayor del cine de dibujos animados en cuanto genero\, que desde el año 1922 experimenta en el mismo y va consiguiendo mayores logros durante los treinta cuando agrega el sonido a sus creaciones\, hasta llegar al primer largometraje animado en 1937: «Blancanieves y los Siete Enanitos». \nRecomiendo la recuperación y lectura de este libro fundamental de la lengua castellana\, obra de un estudioso y apasionado que transmite al lector toda su entrega por el fenómeno cinematográfico /Biblioteca Universal Planeta- Editorial Planeta. Barcelona\, España 1973 (Edición en dos tomos). \nEn relación al Cine Sonoro argentino existe una obra fundamental y es la de Domingo di Nubila (1924-2000) publicada en 1959\,«HISTORIA DEL CINE ARGENTINO». Son dos tomos y el primero recorre los primeros años y sus primeros films de manera exhaustiva y completa.. Desde el estreno de «Tango» en 1933 hasta 1938 va construyéndose una industria que abastecería de películas no solo al país\, sino también a todo el continente donde el habla castellana estuviera instalada. \nTambién es muy importante la obra de Jorge Miguel Couselo (1925-2000) que refleja en dos títulos el periodo: «Leopoldo Torres Rios\, el Cine del Sentimiento» y ·»El Negro Ferreyra: un cine por instinto«. Ambos cineastas son considerados pioneros de nuestra realidad fílmica. El primero destacó en la búsqueda de una narrativa que fuera estrictamente argentina\, cuyas tramas de ficción recuperaran la esencia de los personajes como distintivos de una tierra. \nTodos los nombres de Directores de Cine citados son los responsables de algunas de las grandes obras del cine. También es cierto que existen muchos otros mas\, incluso autores de uno o dos films notables\, que rara vez aparecen citados en textos importantes. La búsqueda de nuevas perlas está por tanto siempre abierta a ser ampliada. \nEl presente de las nuevas tecnologías nos permite también indagar en las figuras de todos los componentes del equipo técnico de estos films. La pagina web IMDb\, insisto\, ofrece la posibilidad de indagar en casi todos ellos. Así\, el nombre de Directores de Fotografía\, Productores\, guionistas\, sonidistas\, autores de las bandas sonoras\, son factibles de ser estudiados en mas detalle. \nAquí\, una breve reseña de algunos nombres destacados de aquel tiempo: cito a cuatro de los mas renombrados: Eduard Tissé (1897-1961)\, ruso / James Wong Howe (1899-1976)\, chino y de carrera en EE.UU./ Karl Freund (1890-1969)\, alemán y Gregg Toland (1904-1948). Rastreando en la obra de estos cuatro artistas encontraremos algunos de los grandes ejemplos de lo mas grande logrado sobre una pantalla. \n  \nFILM EXHIBIDO: «LA NOVIA DE FRANKENSTEIN» (1935). \nEl estudio de Cine Universal\, uno de los mas importantes de EE.UU. debuta en el cine sonoro con el éxito de una serie de films inspirados en personajes de la literatura de horror\, terror o fantástica. La obra de la autora  Mary Shelley (1797-1851)\, la novela gótica de 1818 «Frankenstein o el Moderno Prometeo» fue una de las mas rentables para los productores desde su primera incursión en el film «Frankenstein» (1931). El suceso de esta hizo que en 1935 se estrenara la segunda obra de la serie (8 films)\, y como la primera\, la dirección estuvo a cargo de James Whale (1889-1957)\, un cineasta tan interesante como oscuro en cuanto lugar al que se le dio en la historia\, pero reivindicado en el presente. La película repite en parte la trama de la primera\, obligada a recuperar personajes muertos. Al recurrir a argumentos disparatados para justificar las «resurrecciones»\, la producción opta por un tono mas desenfadado y alejado del otro film\, que sin embargo le otorga enorme originalidad a determinadas secuencias del film. Pero la poesía del primero solo ocasionalmente aparece en este y deriva rápidamente al humor soterrado\, malicioso\, dando a la trama un enfoque muy personal por parte de Whale. Por ejemplo en la secuencia de la visita del monstruo a la cabaña del ciego. La humanidad de la criatura vuelve a resaltar en este momento\, así como en el tramo final\, el dramático instante en que comprende que la tan ansiada pareja\, el nuevo experimento del doctor\, rechazará de plano su presencia. Esta aparición tan breve como sugerente hacia el final del metraje\, genera una especie de película (corta) dentro de la película. Toda la escena del despertar de la novia hasta su momento final\, forma parte de la Historia mayúscula del fantástico con la creación de la enorme Elsa Lanchester (1902-1986). Talentosisima interprete británica de carrera como secundara a lo largo de décadas hasta su muerte\, hace de esta creación una de las mas populares de toda esa década. Sus ojos y peinado\, eléctrico\, resultado demencial de la carga atmosférica que le da vida\, así como los gemidos animales que escapan como única forma de expresión de su boca\, forman un bloque deslumbrante del mas puro cine. Por su parte Boris Karloff (1887-1969) vuelve a llenar de calidez con la sola expresión de sus ojos\, libres de la pesada carga de maquillaje\, la personalidad de este ser infeliz\, desgraciado\, que ve como sin piedad\, todos se unen para rechazarlo. La monstruosidad\, parece decirnos el director\, no emana de él sino de todos los que los rodean\, los normales que habilitan ese pueblo que es testimonio de las miserias mas grandes a las que puede llegar el ser humano. Convertidos en masa ignorante\, castradora\, chismosa y finalmente asesina\, son los que como un coro de tragedia griega\, rodean a los protagonistas y los condenan\, nuevamente a un destino atroz\, donde solo el fuego y sus llamas parecen purificar tanta maldad. La película utiliza estas metáforas para hablar del presente en que estuvo rodada y estrenada: la década de los años treinta cuando\, tras el crack financiero de 1929\, una ola de horror mas terrenal se abatió sobre la población: el hambre y la miseria a la que condenó la maldad de unos pocos\, banqueros y financieros inescrupulosos que\, ayer como hoy\, continúan siendo los verdaderos monstruos a quien deberíamos temer. Ochenta años después\, seguimos prefiriendo erigir un «monstruo»  para condenarlo y limpiar nuestras miserias. Es mas fácil culpar siempre al otro de las penurias propias. «La Novia de Frankenstein»\, como todo el gran cine\, habla finalmente de estas cuestiones. Las humanas de siempre. \n«LA NOVIA DE FRANKENSTEIN» / The Bride of Frankenstein / 1935 / Universal Studios- EE-UU / Director James Whale / Intérpretes Boris Karloff\, Colin Clive\, Valerie Hobson\, Ernest Thesiger\, Elsa Lanchester / Blanco y Negro / Fotografía John J. Mescall / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 15 minutos. \n  \n  \n 
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SUMMARY:CINE: "EL NAVEGANTE" (1924) Clase 2ª Introducción al Cine para estudiantes.
DESCRIPTION:CLASE 2ª / CINE MUDO: EL NACIMIENTO DE HOLLYWOOD Y LAS PRIMERAS POTENCIAS EUROPEAS- EL CINE CÓMICO / EL CINE ARTÍSTICO / LOS DIRECTORES ESENCIALES / \nEl Cine Mudo\, que se extendió hasta la llegada del Sonoro en 1926 (fecha oficializada con el estreno del film «Don Juan»\, aunque se considere el primer film la obra de 1927 «The Jazz Singer»\, que en realidad contiene apenas unos minutos donde el sonido sincronizado aparece para mantener en el resto\, los rótulos característicos del periodo)\, fue el resultado de la investigación que llevaron a cabo desde años atrás técnicos y estudiosos en general\, con el objetivo de dotar de voz a las imágenes. Los sistemas utilizados fueron muchos y la instalación en cuanto a calidad definitiva tardaría varios años en llegar. Hasta 1933\, aproximadamente\, se siguen estrenando films mudos\, mientras la prioridad de los otros es mejorar sus características técnicas y así aplacar las ansías del público que llenan las salas en busca de sonidos. La música y el canto\, formarían en ese primer tiempo\, uno de los géneros preferidos. Pero paralelo al aspecto técnico\, la palabra va ganando espacio desde la diferente mirada de los cineastas de todos los países-potencias en cine\, a la vez que se profundizan los movimientos en el propio lenguaje del cine. Durante esa década son muchos los creadores que menosprecian los avances ya que consideran que no es necesaria la voz porque las propias imágenes han propuesto una y verdadera. \nFilm propuesto: “EL NAVEGANTE” (1924) / EE.UU./ director Buster Keaton y Donald Crisp / Intérpretes Buster Keaton y Kathryn McGuire / Mudo con intertítulos en castellano / Blanco y Negro / Duración 59 minutos. \nBuster Keaton está considerado uno de los mayores artistas del primer tiempo del Cine. Formado para la pantalla desde los inicios del cine norteamericano\, es actor y luego director de sus films. La duración de los mismos se va aumentando con el paso de los años\, desde los cortos que realiza a partir de 1917 (The Rough House) hasta el esplendor de sus largometrajes (aunque algunas veces no sobrepasaran la hora) a partir de 1923\, cuando estrena “Tres Edades”. En “The Navigator” reflexiona a través del humor sobre las miserias y realidades de las clases dominantes de su tiempo. Los millonarios que crían hijos e hijas inútiles que solo aspiran seguir disfrutando de la riqueza heredada sin tener el menor talento para ello. El protagonista observa desde la ventana de su mansión el paso de un carro nupcial cuyos viajantes son de raza negra (un toque ultra transgresor para la época). La felicidad que emanan le hace decidir en pleno acto caprichoso\, sobre su inminente matrimonio. Sale a buscar novia como si fuera a una tienda de comidas. Desde ese momento todo se resuelve a través de las situaciones mas absurdas. La elegida\, tan incompetente como él\, será su compañera de desventuras a bordo de un navío a la deriva que lleva el nombre del film y que también se refiere a nuestro protagonista como un navegante de la vida rica. En un relato que no sobrepasa la hora de duración el talento de Keaton se manifiesta en todo su esplendor. Nada queda librado al azar en sus torpezas continuas para resolver las cuestiones mas simples. Que ellos complican lo mas posible. Las normas sociales\, las relaciones de pareja\, las rutinas caseras\, la llegada del Otro que perturba y violenta\, la posibilidad del amor\, son algunos de los temas reflejados desde la perpetua impavidez del rostro de Keaton\, una seña de identidad en toda su obra. El cuestionamiento permanente sobre la inutilidad de un sector de la clase gobernante\, el parasitario\, parece reflejar todas las fantasías del creador-cineasta ante el contexto que habita. Ese Hollywood de los inicios donde la búsqueda aventurera de un puñado de cineastas que huyen del frío y la oscuridad de New York para encontrar en el calor y la luminosidad de California\, el paraíso que les daría la posibilidad de construir un imperio y en muchos casos\, transformarse en nuevos millonarios. Keaton persona no llegó a ello y su talento se vio eclipsado con la llegada del sonido a la pantalla. Fue una de las grandes victimas del traspaso de una era a otra. Cuando las palabras inundaron el cine\, el talento de los creadores del mudo\, paradójicamente enmudeció. Los gustos del público se alteraron inmediatamente y en su avidez de nuevas cosas\, dejaron de lado a los ídolos anteriores. La realidad que trajo el crack financiero de 1929\, generador de una terrible década de Depresión económica que llevo a la pobreza y a la desesperación a un sector enorme de la población\, hizo el resto. Su obra fílmica queda como una de las mayores del Cine. Y en ella seguimos encontrando el placer de reencontrar el genio de aquello artista \nCitaré a continuación una lista de Directores de Cine por cuya obra\, destacan en el período mudo posterior al iniciático de los hermanos Lumiere y las aportaciones de primeros artistas como Georges Méliès\, ya que desde ambos sectores se construyó lo que vendría luego (en la Clase anterior ofrecí títulos de libros de consulta para mayor información\, así como la consulta al Sitio Web IMDb). \nFRANCIA \nMax Linder (1883-1925). Realiza desde 1908 un centenar de cortos hasta 1921 cuando estrena el primero de sus cuatro largos hasta su temprana muerte en 1925. De estos cuatro destaca su versión burlona del clásico de Alexander Dumas “Los Tres Mosqueteros”. Linder fue el introductor del humor en el cine y que sirvió de referencia a los cineastas de Hollywood para iniciar allí la comicidad donde encontrarían sitio Mack Sennet y sus continuadores. \nLouis Feuillade (1873-1925) Paralelo a Linder aparece este otro gran creador\, autor de los primeros seriales\, donde la figura de Fantomas\, un archi delincuente parisino\, se convirtió en protagonista de una de las sagas mas famosas. En 1913 está fechada la primera entrega y en 1915 aparece su segunda gran criatura\, Musidora\, la protagonista de “Los Vampiros”. La imaginación mas fecunda y desatada atraviesa estos trabajos. También fueron antesala del modelo norteamericano. \nAlice Guy (1873-1968) El tercer nombre francés y olvidado o eclipsado por el único motivo de ser MUJER\, fue el de esta precursora de la mirada femenina en el cine. Aunque muy condicionada por el contexto (firmó sus primeros trabajos agregando el nombre de su esposo\, Blanche)\, la realizadora estrenó 445 trabajos entre 1896 y 1920. Recién en la última década su nombre ha sido considerado.” Vampire” (1920) fue su último film. La mayor parte de su obra se encuentra desaparecida y la misma se realizó entre su Francia natal y EE.UU. donde junto a su esposo\, transcurrió la mayor parte de su trayectoria artística\, delante y detrás de las cámaras. La gran figura a reivindicar. \nAbel Gance (1889-1981). Debutó en 1911 y fue perfeccionando su arte hasta concluir en 1927 con uno de los grandes clásicos\, su monumental acercamiento a la figura histórica en “Napoleón”. Un film que fue mutilado debido a su extensa duración y que se convirtió en una de las primeras restauraciones de obras incompletas en las últimas décadas del siglo. \nJean Epstein (1897-1953). Polaco de nacimiento\, activo en el cine galo desde 1922. Experimentador y teórico de la imagen\, uno de los primeros en este apartado del cine\, realiza en las postrimerías del mudo una película modelo: su interpretación del universo de Allan Poe\, “La caída de la casa Usher” (1928). \nRené Clair (1898-1981). Uno de los maestros del cine sonoro\, destaca sin embargo por el aporte artístico de dos films mudos breves de 1924\, “Ent’act” y “Paris qui dort”\, ambos considerados como emblemas del momento\, pocos años antes de la irrupción del surrealismo de la mano de Buñuel y Dalí con su “Perro Andaluz” y “La edad de Oro”. \nJean Renoir (1894-1979) El otro maestro francés\, uno de los grandes cineastas de todos los tiempos\, también debuta en mudo y aporta dos joyas donde la poesía invade cada fotograma: “La fille de l’eau” (1925) y “La petite marchande d’alumettes”\, su interpretación de “La vendedora de fósforos”\, clásico cuento de Andersen. \nALEMANIA \nF.W.Murnau (1888-1931) Sus primeros trabajos alemanes le abrirían las puertas de Hollywood y entre ambas tierras deja un puñado de obras maestras como “Nosferatu” (1922)\, “Phantom” (1922)\, “Fausto” (1926) o “Amanecer” (1927)\, testamento deslumbrante de la fusión de ambas nacionalidades. \nFritz Lang (1890-1976). Activo desde principio de los años veinte\, Lang deslumbra durante toda su carrera. Destacan tres obras monumentales de ese primer tiempo: “El Doctor Mabuse” (1922)\, obra de enorme complejidad estética e ideológica\, “Los Nibelungos”\, (1924)\, estrenada en dos partes y donde reflexiona sobre la cultura germana a través de sus mitos mas potentes y la obra fundamental para entender la madurez del arte cinematográfico que es “Metrópolis” (1927)\, donde el ser humano es radiografiado hasta sus entrañas desde la lupa feroz del autor. \nGeorg Wilhelm Pabst (1885-1967). Considerado el “padre” del cine germano\, destaca con cuatro obras: “La calle sin alegría” (1925)\, “Misterios de un alma” (1926)\, “La Caja de Pandora” (1929) y “Tagebuch einer verlorenen” (1929)\, En todas ellas se trasluce su enorme educación en la cultura nativa\, sobre todo destaca la influencia de la filosofía en la creación de sus tramas y criaturas. \nErnst Lubitsch (1892-1947). Austriaco de nacimiento y absoluto renovador de la trama fílmica\, debuta en 1914 en el cine alemán. Autor de grandes éxitos populares tanto como artísticos\, es otro de los migrantes al Hollywood de los veinte. En las dos tierras será autor de obras maestras. “Carmen” (1918)\, “Los ojos de la momia) (1918)\, “Madame Dubarry” (1919) y “Sumurun” (1920) destacan en su primera etapa europea y “Forbidden Paradise” (1924) y “El abanico de Lady Windermare” (1925) en la segunda. En el sonoro\, daría rienda suelta a toda su creatividad\, siendo de los primeros realizadores en utilizar la nueva modalidad. En ambos casos\, fue uno de los grandes. \nURSS \nSergei M. Eisenstein (1898-1948) Uno de los grandes innovadores del Cine Mundial. Con su lenguaje revolucionario donde el montaje se convierte en estrella absoluta del film\, el cineasta también se convierte en teórico y escribe sobre sus puntos de vista ante el nuevo arte. También como herramienta política. Autor de tres obras de arte mudas\, “La Huelga” (1925)\, “El Acorazado Potemkin” (1925) y “Octubre” (1927)\, que cambiarían el panorama cinematográfico desarrollado hasta ese momento\, también traspasa las fronteras en todos los sentidos. Viaja a Norteamérica\, fracasa en Hollywood y filma en México para regresar a su tierra y seguir produciendo futuros clásicos hasta su temprana muerte. \nDziga Vertov (1896-1954) polaco de nacimiento se incorpora muy joven a la industria soviética y allí se convierte en uno de sus grandes nombres al promover la filmación de trabajos en la calle\, en directo\, con una cámara siempre inquieta y movediza que daría lugar a ser nombrado el “padre” del movimiento documentalista “Cine-Ojo”. Absoluto innovador de la imagen\, decenas de trabajo llenan su tiempo en el mudo. Sus trabajos con el nombre Kino Pravda\, numerados desde el numero 1 al 23 entre 1921 y 1925 son un retrato único de su época. En 1929 firma su film emblemático “El hombre de la Cámara”\, donde durante una hora y pocos minutos un hombre (él mismo) recorre la ciudad con el equipo al hombro y va registrando la vida como “la vida misma”. Precursor absoluto y padre simbólico junto a Eisenstein del cine más moderno y transgresor. \nVsevolod Pudovkin (1853-1992) el tercer mas popular nombre ruso aporta al cine mudo dos obras cumbres donde la poesía ocupa enorme lugar traducida a las imágenes: “La Madre” (1925) y “El fin de San Petersburgo” (1927). El conflicto humano se cruza con la Historia y genera estos dos testimonios fundamentales. \nDINAMARCA \nCarl Th. Dryer (1889-1968). Dinamarca irrumpe en la escena fílmica con este nombre. Uno de los precursores en incorporar la reflexión religiosa al cine\, destaca en el cine mudo con dos obras entre nueve trabajos\, cuyas temáticas serían profundizadas a lo largo de su breve carrera en películas en el sonoro. Esas películas son “Paginas del libro de Satán” (1920) y la fundamental “La Pasión de Juana de Arco” (1928) \nSUECIA \nVíctor Sjostrom (1879-1960). Activo desde 1912 es uno de los padres del cine nórdico. Va profundizando su lenguaje hasta que en 1921 estrena “La carreta fantasma”\, obra cumbre del Cine. Creador de imágenes que llevan a atmósferas fascinantes\, el maestro se traslada a Hollywood en 1923\, donde filma joyas como “La letra escarlata” (1926)\,” La mujer divina” (1928) y la magistral “La rosa de los vientos” (1928)\, donde cada fotograma vale oro. \nMauritz Stiller (1883-1928). El otro maestro sueco\, muerto muy joven. Realiza 49 trabajos entre 1912 y su fallecimiento\, prolífica carrera para tan breve tiempo. Filma su título mas emblemático en 1924 “La leyenda de Gosta Berling”\, que le abriría las puertas a Hollywood\, donde sin embargo no fue reconocido en su talento. \nESPAÑA \nSegundo de Chomón (1871- 1929). Figura emblemática y pionera del cine en castellano\, realiza en España mas de 200 trabajos entre 1901 y 1923\, dejando testimonio a través de su trayectoria de todo un tiempo. Su figura está sujeta a una revalorización desde hace dos décadas y la mayoría de sus trabajos se consideran perdidos. \nFlorián Rey (1894-1962). El más clásico de los cineastas españoles del cine mudo\, donde obtuvo grandes triunfos populares con títulos como “La Revoltosa” (1924) o “La hermana San Sulpicio” (1927). En ellos traslada el folclore más hispano a la pantalla desde el ambiente de la zarzuela en el primer título hasta la comedia con religión de trasfondo en la segunda. \nITALIA \nGiovanni Pastroni (1883-1959). El cine mudo italiano destaca por la gran producción que lo atraviesa\, mas de 9000 films hasta el estallido de la Primer Guerra Mundial. Sin embargo\, pocos realizadores alcanzan el rango de importantes desde la consideración critica. Uno de ellos es el de este cineasta autor de “Cabiria” (1914) una película que convierte el pasado histórico en una ficción exitosa y crea la figura de uno de los primeros personajes míticos de la cinematografía: Maciste. Un héroe salido de la mitología mas pura y que recupera la figura de la Roma Imperial con una majestuosa construcción de decorados para recrear la leyenda. \nARGENTINA \nFederico Valle (1880-1960). Absoluto pionero del cine nacional\, su trabajo consiste en registrar documentales entre 1917 y 1926. Su mención en este apartado va mas allá del valor artístico de su obra. Su lugar solitario en un tiempo muy poco destacable en cuanto calidad y aporte al lenguaje de nuestra cinematografía\, le concede este espacio \nUSA \nDavid W. Griffith (1875-1948). Entre 1908 (“The adventures of Dolly”) y 1921 (“Huérfanas de la tormenta”) el cineasta se convierte en otro de los grandes revolucionarios del lenguaje fílmico. Incorpora el montaje paralelo en 1916 y estrena una obra majestuosa en todos los sentidos: “Intolerancia”\, donde varias historias confluyen hasta explotar en un final modélico para todas las generaciones venideras. En 1915\, un año antes\, había generado conmoción con su otro gran clásico: “El nacimiento de una nación”\, un título genial que se contradice con su contenido absolutamente racista. En 1914 había sorprendido con su recreación de los tiempos bíblicos “Judith de Bethulia”. En 1919 daría otro hito poético “Pimpollos Rotos”. Probablemente el primer gran autor de la Historia del Cine. Se le atribuyen la friolera de 520 títulos entre cortos y largometrajes. \nCharles Chaplin (1889-1977). De origen pobre e inglés se convierte en la primera estrella del cine global a través de la creación de su personaje Charlot (Carlitos). Un vagabundo que creo y dirigió a lo largo de toda la etapa silente que arranca dirigiendo en 1914 después de haber sido actor a cargo de otros. “Caugh in the rain” es el nombre de esa primera aportación en la dirección. Filma cortos hasta 1917\, cuando su genial “Charlot emigrante” se alarga hasta los 30 minutos\, Luego iría realizando films mas extensos y complejos donde el retrato social que involucra a los más desfavorecidos de la sociedad es protagonista casi absoluto. “Vida de perro” (1918) o “El Pibe” (1921) son el prologo a su obra mas rompedora: “Una mujer de Paris” (1923) cuando da rienda suelta a su capacidad creativa y entrega un film de enorme complejidad estructural que es incomprendido en su tiempo. Regresa al suceso con sus obras siguientes\, todas maestras y títulos imprescindibles: “La quimera del oro” (1925)\, “El Circo” (1928)\, “Luces de la ciudad” (1931) y “Tiempos Modernos” )1936)\, estas dos ultimas estrenadas en pleno cine sonoro\, como muestra del rechazo al éxito de esta nueva forma con sonido incluido y que él decía detestar. El artista con mayúsculas y unos de los mayores de todos los tiempos. \nBuster Keaton (1895-1966). El otro genio cómico mudo y rival del anterior. Inferior en cantidad de obras\, pero igualmente talentoso\, fue el creador de otro personaje distintivo: el hombre de rostro impávido que mantiene sus facciones fijas como si fuera de hielo. Un recordatorio de su antiguo paso por el payaso y el mimo que supo transformar en formidable mascara cinematográfica. Debuta como director\, tarea que casi siempre compartiría con otro\, en 1917 con “The raugh house” para acto seguido obras únicas como “La ley de la hospitalidad” (1923)\, “El moderno Sherlock Holmes” (1924)\, “El Navegante” (1924) y su deslumbrante “El maquinista de la General” (1926). \nCecil B. de Mille (1881-1959). Autor de decenas de films\, fue uno de los artistas que mejor combinó el arte con la industria. Con temáticas preferentes como fueron la recreación histórica\, lo religioso y el erotismo\, construyo una obra única. Donde cada uno de estas opciones encontraban lazos comunes. De lo puritano a lo profano\, su filmografía es un espejo del sentir humano de su tiempo. La transgresión y la represión alternando sin fin dan como resultado joyas de varios valores: “No cambies de esposo” (1919)\, “Macho y Hembra” (1919)\, “Por que cambiar de esposa” )1920)\, “Fruto Prohibido” (1921) o “Los Diez Mandamientos” (1923) son todo un muestrario de su inconfundible arte. \nErich von Stroheim (1885-1957). De origen austriaco\, se convierte en uno de los mas extravagantes personajes del primer Hollywood. De imaginación desbordada y megalomanía ídem\, es el autor de algunas de las grandes obras maestras del periodo silente. Su film “Avaricia” (1924) está considerado como una de las grandes películas de todos los tiempos. Otros trabajos destacables dentro de una breve obra como realizador (12 films) son “Esposos Ciegos” (1919)\, “Esposas Imprudentes” (1922)\, “La Viuda Alegra” (1925)\, “La marcha nupcial” (1928) y “Queen Kelly” (1928)\, film inacabado al ser despedido por su desmesura y falta de compromiso industrial. Que no artístico que fue su gran drama y lastre final. Uno de los verdaderos creadores de estilo de la historia del cine. \n  \n  \n 
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SUMMARY:CINE: "ABRACADABRA" (2017).
DESCRIPTION:Pablo Berger nació en 1963 en Bilbao\, Vizcaya\, País Vasco. Es un director de cine que ha realizado hasta el presente tres largometrajes. Con el segundo\, » Blancanieves» (2012) alcanzó enorme reconocimiento público y crítico al atreverse con una opción muy arriesgada: realizar un film mudo y en blanco y negro. Utilizó lo mejor de la tecnología actual y una banda sonora extraordinaria. Después de este suceso\, pasó cinco años hasta estrenar su siguiente trabajo. «Abracadabra» es también un experimento arriesgado y podríamos decir que no ha alcanzado las alturas de su film anterior\, pero el resultado es aun así muy estimulante y nos enfrenta a la figura de un cineasta curioso y atrevido\, un bilbaino atraído hacía el corazón de la península ibérica\, repitiendo la figura del vasco inmigrante\, que en lugar de cruzar de los mares\, se limita a una distancia mas corta que igualmente le permite experimentar la vida en territorio ajeno. La película nos propone temas tan complejos como la esquizofrenia\, el machismo\, el maltrato\, hasta otro tan extraño a estos como la hipnosis\, que abre la puerta a mundos desconocidos. El realizador afirma su intención de combinar géneros tan queridos por él como la comedia\, el drama\, el esperpento\, el sarcasmo y  el cine social\, mezclándolo para narrar la historia de Carmen y Carlos\, quienes junto a su joven hija Toñi conforman ese sector social de la clase media baja que lucha por mantener sus vidas en un entorno marcado por dificultades de todo tipo. En una fiesta aparece un mago y el esposo se presta a colaborar en una sesión delante de todos. Algo ocurre a partir de ese momento y la vida de la familia sufrirá cambios\, donde lo soñado\, lo imaginado y lo real son alternados en una trama que roza lo fantástico. Una obra de enorme originalidad que lleva a los espectadores a interrogarnos sobre lo que hemos experimentado durante su visión. Una prueba de los resultados que se obtienen cuando el Cine se preocupa en ser mas que un mero entretenimiento. La nueva generación de cineastas vascos parecen desafiarnos desde la pantalla con una de las ofertas culturales mas innovadoras del actual cine europeo\, en esta obra que tambien puede ser vista como una realidad deformada de la España actual. Palabra y cine de vascos. \n«ABRACADABRA» / 2017 / España- Bélgica- Francia / Director Pablo Berger ( Intérpretes Maribel Verdu\, Antonio de la Torre\, José Mota\, Jose Maria Pou\, Priscilla Delgado/ Color / Hablada en Castellano / Duración 1h 36 minutos.
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SUMMARY:CINE:" ÚLTIMO TANGO EN PARÍS" (1972)
DESCRIPTION:Un título asociado desde su estreno\, hace ya 46 años en Italia\, al escándalo. Cabe preguntarse cuales son esos motivos. Es una película hija de su tiempo\, que con su carga rupturista\, aun sigue resultando perturbadora para un público cada vez mas prisionero de una forma de consumir audiovisuales de todos los tipos y en todos los formatos\, que parece imposibilitado de descifrar un tipo de cine fundamental\, el artístico. En un tiempo de retroceso como el actual\, donde las fuerzas mas conservadoras parecen recorrer un camino inverso (al imaginado por muchos) al del (supuesto) Progreso\, la obra del cineasta italiano Bernardo Bertolucci (1941-2018) sigue siendo deslumbrantemente provocadora. Como debe ser el Arte con mayúsculas. Un Arte que interrogue el devenir permanente del ser humano y que refleje por las vías de expresión posibles\, toda la conflictividad interior que lo define como individuo. El presente actual parece empeñado en negarlo en pos de una oferta cada vez mas encaminada al puro y estricto entretenimiento. \nPaul es un hombre extranjero en la capital de Francia. Jeanne tiene mas de veinte años de diferencia con él\, y es una joven hija de la burguesía en pleno conflicto de clases. Ambos coinciden en un departamento que busca ser alquilado. En sus estancias vacias y enormes\, testigos de esplendores pasados y decadencias actuales\, se conocen el uno al otro. Sin testigos\, construyen una relación a partir de un primer contacto sexual. El adulto intenta convertirse en educador de la discípula . Pero el mundo que pretende crear es solo una fantasía condenada a ser exterminada por una realidad mucho menos fácil de aceptar. Fuera del lugar\, tienen sus vidas y el intentar vivir ajenos a ellas\, será el punto de conflicto en la historia. \n«Ultimo Tango en París» es vista en el presente como una Obra Maestra del Cine\, donde confluyen entre otras cuestiones\, un grupo de profesionales que el tiempo ha ubicado en un espacio cercano al mítico. Un director de cine\, un actor (Marlon Brando\, 1924-2004)\, un músico (Leandro «Gato» Barbieri\, 1932-2016)\, un fotógrafo (Vittorio Storaro (1940)\, un productor (1925) y una actriz (Maria Schneider\, 1952-2011) que siguen vigentes\, aunque la mayoría de ellos ya haya muerto. Bertolucci irrumpe en el cine con una fuerza devastadora en los años sesenta en plena vigencia de ideales revolucionarios\, transitando un camino donde cineastas mayores y menores (de edad) se dan la mano en la búsqueda de un nuevo lenguaje cinematográfico\, absolutamente moldeado por el contexto histórico. Una de las cuestiones urgentes es romper con tabúes generacionales dominantes desde la segunda guerra mundial\, cuando el terror global generado por la destrucción atómica de Japón\, mas las guerras imperialistas\, mas los nuevos movimientos de derechos civiles y sexuales en Occidente\, diseñaron todo un modo de vida que los años sesenta vinieron a cuestionar y los setenta a poner en máxima efervescencia. Que luego sería acallado con el advenimiento al poder de los lideres de EE.UU.. Reino Unido y el Vaticano\, entre los mas destacados\, quienes iniciaron en los años ochenta del siglo pasado una revolución conservadora que hizo estragos hasta el presente. Entre otras cosas\, en el espectro cultural global. Que ha servido a las mentes mas inquietas de la creatividad para generar resistencia. \nA cincuenta años de la creación del Ente de Calificación Cinematográfica en Argentina en enero de 1969 mediante decreto- ley Nº 18019 promulgado por Dictadura Militar y vigente hasta 18 de enero de 1984\, cuando fue abolido por la Democracia y que Censuró 727 películas\, proponemos la revisión de esta obra cumbre de la Cinematografía.. \n«ULTIMO TANGO EN PARÍS» /Ultimo tango a Parigi /1972/ Italia- Francia / Director Bernardo Bertolucci / Intérpretes Marlon Brando\, Maria Schneider\, Massimo Girotti\, Jean Pierre Leaud / Fotografía Vittorio Storaro / Guión Bernardo Bertolucci\, Franco Arcalli con adaptación de Agnes Varda / Producción Alberto Grimaldi / Color/ Hablada en francés e inglés con subtítulos en castellano / Duración 2hs 9 minutos.
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SUMMARY:CINE: "BLANCANIEVES" (2012) / Clase 1º- Introducción al Cine para Estudiantes.
DESCRIPTION:Estrenar un film mudo a siete décadas de haber finalizado el período donde el sonido estaba ajena a la imagen\, es un caso poco frecuente en el panorama cinematográfico actual. El vasco Pablo Berger (Bilbao\, 1963) lo logró con su segundo largometraje cuando utilizando las tecnologías modernas\, firma una de las propuestas mas insólitas y atractivas del cine europeo presente. La imagen del fotógrafo Kiko de la Rica (Bilbao\, 1965) se encarga de dar contenido a una historia que no es mas que una revisión libre del clásico cuento de los Hermanos Grimm\, escritores alemanes que a partir de 1812 publicaron una serie de relatos que se convirtieron en clásicos\, Blancanieves fue uno de ellos. El director español traslada los personajes al universo del sur español\, la Andalucía de los años 1920\, donde un torero famoso pierde a su esposa y se casa con una mujer tan bella como despiadada\, que será la que ocupe el rol de la tirana/bruja del cuento original\, y quién con sus maquinaciones hará de la vida de Carmencita\, la hija del hombre\, un verdadero tormento. Pero esta Carmen/ Blancanieves no es una mujer dócil ni entregada a los mandatos. Dará rienda suelta al deseo de emular la trayectoria de su padre e intentará convertirse en una famosa torera. En su viaje dará con un circo donde siete enanos que trabajan en el\, se convierten en coro protector. \nEn esta primera clase\, abordaremos el nacimiento del Cinematógrafo en 1895 en las calles de París y su inmediata y revolucionaria expansión al resto del Mundo en los siguientes años. Los primeros y fundamentales nombres que abrieron el camino para lo que en 1911 el termino «séptimo arte» estallara en los titulares y fuera dando contenido y sentido al término en los años venideros. Auguste y Louis Lumiere\, Georges Meliés\, Thomas Edison\, Max Linder\, Louis Feuillade\, Italia\, California y Argentina\, nombres y países precursores y difusores. Un camino tan amplio como imposible de abarcar en un solo encuentro. Que deberá servir como disparador de otros futuros que permitan la detención necesaria en cada período de este invento que revolucionó el Arte y que no ha parado de transformarse hasta la actualidad. \n«BLANCANIEVES» / 2012 / España- Bélgica- Francia / Director Pablo Berger / Fotografía Kiko de la Rica / Música Alfonso de Villalonga / Intérpretes Sofía Oria\, Macarena Garcia\, Maribel Verdú\, Angela Molina\, Inma Cuesta\, Daniel Gimenez Cacho / Blanco y Negro con subtítulos en castellano / Duración 1h. 44 minutos. \nPara datos mas amplios sobre el film\, consultar en la web el sitio IMDb. Uno de los mas precisos sobre información cinematográfica donde se podrá encontrar información sobre cada uno de los integrantes de cualquier película que se investigue y desde alli construir caminos hacia
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LOCATION:Escuela de Bellas Artes\, Av.25 de Mayo 573\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "SOMOS CAMPEONES" (2018).
DESCRIPTION:Esta es una de las películas mas vistas en España en la última década\, cuando 3.300.000 espectadores fueron a los cines y la convirtieron en uno de los mayores sucesos. La originalidad consiste en combinar elementos dramáticos con tonos de comedia\, siguiendo la tradición de ese espacio cinematográfico que eligió hablar de las situaciones mas complejas y dramáticas por las que transitamos los seres humanos desde la óptica del humor. Marco es un hombre joven y de pésimo carácter. Con cuarenta años de edad ha vuelto a vivir con la madre tras abandonar a su esposa. Es entrenador profesional de baloncesto y su mal comportamiento sumado al consumo abundante de alcohol lo llevan a una encrucijada: por una infracción de tránsito deberá cumplir pena de dos años de cárcel. O en su defecto prestar tres meses de Servicio Comunitario. Al optar por esta segunda vía\, se hará cargo de entrenar a un grupo de personas con discapacidades intelectuales .Una realidad tan desconocida como desconcertante para él. A partir de aquí se desarrollará una trama donde cada uno de los personajes toma protagonismo y harán que el deportista humillado reflexione sobre su propia condición humana. Basada en la real trayectoria de un equipo español que ha cosechado triunfos durante 10 años\, la película se convierte en un formidable ejercicio para nosotros espectadores que nos vemos obligado a tomar postura ante la ficción narrada. Una obra conmovedora que conecta de una manera inmediata con el espectador actual de cualquier nacionalidad y nos devuelve a través de la ficción la parte mas placentera de disfrutar del cine: la que nos enriquece como personas. \n«SOMOS CAMPEONES» / Campeones / 2018 / España / Director Javier Fesser / Intérpretes: Javier Gutierrez\, Athenea Mata\, Luisa Gavasa\, Juan Margallo\, Jose de Luna\, Sergio Olmo / Color / Hablada en castellano con subtítulos / Duración 2 hs.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-somos-campeones-2018/
LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
CATEGORIES:Cine fórum
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SUMMARY:CINE: "UNA EVA Y DOS ADANES" (1959).
DESCRIPTION:La Comedia es una de los grandes y mas permanentes géneros de la Historia del Cine. Pero el humor sobre el que están construidas tiene en general conexión con el contexto en que se han producido. Por lo que\, el paso del tiempo no siempre es generosa con ellas. Solo una minoría  lo atraviesa para llegar al presente en perfecto estado: son las consideradas clásicas. Las que forman la lista de Hollywood se remontan a los tiempos del Cine Mudo donde obras de Charles Chaplin o Buster Keaton siguen siendo efectivas hoy. Desde entonces hasta el presente no han dejado de filmarse. Billy Wilder (1906-2002) llegó a California huyendo de la Europa en guerra y debutó como director en 1942 después de haber escrito guiones para otras producciones. Y a lo largo de su carrera realizó algunas de las mas recordadas: «Una Eva y dos Adanes» (1959) es probablemente la mas redonda de todas ellas y a sesenta años de su estreno sigue manteniendo intactas sus cualidades. Sobre un guión del realizador en colaboración con su amigo y co-escritor I.A.L. Diamond (1929-1988)\, se realizó esta pelicula considerada una obra maestra de todos los tiempos que ha visto trasladado su suceso al teatro con el nombre de «Sugar»\, un musical ampliamente representado también en Argentina. Ese es el nombre de la protagonista femenina\, una bella bailarina y cantante que integra una troupe de teatro itinerante por el interior de los Estados Unidos de los años 20 del Siglo pasado\, cuando una ley que generó la prohibición de venta de bebidas alcohólicas en todo el territorio\, generó un negocio clandestino que dio millones a bandas mafiosas de todas las nacionalidades. En ese contexto aparecen dos testigos de un asesinato en masa que deben huir para no ser alcanzados por los asesinos. Y disfrazados de mujer se incorporan al elenco femenino que viaja hasta la Florida para realizar actuaciones. La situación genera las confusiones imaginadas y mas\, convirtiendo a los maltrechos héroes en dos precursores del travestismo actual. Una comedia que permite reflexionar sobre identidades sexuales a través de una trama siempre ingeniosa y divertida\, con un desenfado que tan bien dominaba el talento de este maestro de la cinematografía\, uno de los mas grandes Directores de cine de la Historia. El trió protagónico lo conforman nombres legendarios: la hermosa Monroe (1926-1962)\, el icono sexual mas poderoso del Siglo XX\, Tony Curtis (1925-2010)\, el galán y aventurero de los años cincuenta y sesenta y el enorme Jack Lemmon 1925-2001)\, tan talentoso en la comedia como poderoso en el drama. Una película absolutamente necesaria para comprender el lenguaje cinematográfico. \n«UNA EVA Y DOS ADANES» (Some like it hot) /1959 / EE.UU. / Director Billy Wilder / Intérpretes Marilyn Monroe\, Jack Lemmon\, Tony Curtis\, Joe E. Brown\, George Raft\, Pat O ‘Brien / Blanco y negro / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-una-eva-y-dos-adanes-1959/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
CATEGORIES:Cine fórum
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SUMMARY:CINE: "LA FAVORITA" (2018).
DESCRIPTION:En fecha indeterminada de inicios del Siglo XVIII\, la Corte inglesa se encuentra colapsada por factores externos e internos. El país lleva años de desgastante y devastadora guerra con su enemiga del otro lado del Canal\, la Francia pre-revolucionaria. La Reina Anne es monarca frágil a causa de la enfermedad y de vaivenes de una vida personal muy dura. Lady Sarah es su confidente mas cercana y la mujer mas poderosa del momento\, la que mueve los hilos del Poder. Abigail\, mas joven que ambas\, es aristócrata empobrecida que busca refugio y trabajo en Palacio. Su llegada trastocará la vida de las otras dos\, mientras los hombres del gobierno miran absortos el juego de estas tres personas\, donde el interés personal se antepone a cualquier otra consideración. Con esta temática\, un consagrado y nuevo talento europeo\, el griego Yorgos Lanthimos (1979)\, obtiene en su séptimo largometraje un triunfo a nivel internacional que lo posiciona en el pelotón principal de nuevas voces cinematográficas\, las que luchan para que el cine mas revulsivo y artístico ocupe lugar en salas y pantallas de todo  tipo. Tras haber perturbado conciencias con su tercer obra\, «Colmillos» (2009) y continuado esa estela con «Alpis» (2011)\, «Langosta» (2015) y «El sacrificio de un ciervo sagrado» (2017)\, obtiene con su último trabajo las primeras planas del Festival de Cine de Venecia 2018 y las alfombras rojas del Oscar 2019 al  ser nominada a varios premios\, consiguiendo el de Mejor Actriz Principal para la británica Olivia Colman. Con una puesta en escena donde la cámara a menudo utiliza lentes deformantes para mostrar su opinión sobre el mundo que retrata o movimientos que transmiten toda fiebre que atraviesa el espacio de quienes nos gobiernan\, el director griego invita a reflexionar y debatir sobre los entresijos de todo ejercicio de poder en cualquier época. Porque los años pasan\, pero los aspectos mas oscuros de la condicion humana permanecen. Y es en ese territorio donde la mirada del Artista se enciende y engrandece. Un film magnifico\, esplendoroso\, único\, que deja atras miradas complacientes sobre monarquías y cortes varias que deberían ocupar lugar solo en territorios de ficción y que\, lamentablemente persisten en demasiados rincones del presente\, desde los mas remotos del planeta hasta los centrales de la Europa que se dice contemporánea y progresista. Otra falacia como tantas que nos atraviesan como espectadores y seres pensantes. El Cine entretiene o propone interpelar y ser interpelados. El enriquecimiento del debate y del lenguaje no puede venir desde otro lado que no sea este. O debería. \n«LA FAVORITA» (The Favourite) / 2018 / Reino Unido-Irlanda-EE.UU. / Director Yorgos Lanthimos / Intérpretes Olivia Colman\, Rachel Weisz\, Emma Stone / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / duración 2 hs.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "¡FELÍZ AÑO\, ABUELA...! (2011).
DESCRIPTION:El Cine Vasco continua poco a poco ampliando su producción y también fronteras. Un recambio generacional ha abierto las puertas al tratamientos de nuevos enfoques para temáticas de siempre. A través del genero de la comedia de humor entre amargo y negro\, «Feliz año\, abuela» nos acerca al conflicto familiar que surge a partir del comportamiento extremo y extraño de Mari\, la abuela del título\, quien parece empeñada en complicar todas las relaciones que unen a sus descendientes y familiares de estos. Ella no habla. Pero escucha\, observa y cuando es necesario grita. De una manera estridente que parece perforar los oídos de todos los presentes. Que se ven envueltos en disparatadas situaciones para alejar a esta mujer de sus vidas. Pero la abuela esconde secretos y va a poner en práctica todas las artimañas para lograr sus objetivos. La comedia es un genero que no impide tratar temas extremadamente serios y complejos\, pero que a través de la risa provoca que las tensiones se rebajen y el público pueda digerir mejor la trama. Un a pelicula donde el realizador reflexiona sobre temas ancestrales como la soledad\, el envejecimiento y el deterioro de los lazos humanos cuando se ven enfrentados a realidades diferentes a las que el mandato ancestral parece condicionar. Los tiempos cambian pero muchas cosas permanecen. Desde ese lugar\, el cine observa a sus protagonistas\, prisioneros de viejas ataduras y tradiciones que están condenadas a desaparecer. Con un elenco de notables interpretes\, capitaneados por la inmensa Montserrat Carulla dando vida a una mujer que recuerda a otra abuela muy argentina\, «La Nonna» creada por Roberto Cossa años décadas atras para el teatro nacional\,la pelicula es una muestra mas de un cine en continua evolución que va brindando sorpresas año tras año. \n«¡FELIZ AÑO\, ABUELA!» / URTE BERRI ON\, AMONA/ 2011 / ESPAÑA / director Telmo Esnal / Intérpretes Montserrat Carulla\, Josean Bengoextea\, Kontxu Odriozola\, Pedro Otaegui\, Nagore Aramburu / Color / Hablada en castellano / Duración 1h 40 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-feliz-ano-abuela-2011/
LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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