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SUMMARY:CINE : "MORIR EN MADRID" (1963).
DESCRIPTION:El Museo Etnográfico y Archivo Histórico Enrique Squirru inicia con la proyección de «MORIR EN MADRID»\, film clásico entre los documentales de todos los tiempos\, un Ciclo de tres largometrajes que recordaran los 80 años del final de la Guerra Civil Española\, conmemorando así uno de los hechos mas trágicos del Siglo XX\, que también puede interpretarse como un prólogo de otro drama que comenzaría el mismo año 1939 en que acabó este. Los viernes siguientes se proyectaran dos largometrajes de ficción que también recuerdan aquel tiempo: «LAS BICICLETAS SON PARA EL VERANO» Y «LA LENGUA DE LAS MARIPOSAS». El 1º de Abril Francisco Franco\, líder de uno de los bandos enfrentados\, el Nacional\, firmó el último parte de guerra. El Dictador que gobernó con mano dura el destino del país hasta su muerte el 20 de noviembre de 1975\, dio inicio a un feroz conflicto bélico con su sublevación y Golpe de Estado del 18 de Julio de 1936 y dividió a España en dos (los que habían votado por la República y los que se levantaron contra ella). Esta película del realizador francés Frederic Rossif\, especialista en documentar realidades humanas tanto como comportamientos animales\, cosechó un enorme suceso desde su estreno en 1963 y se convirtió en un Clásico del Cine con el paso de los años. Porque registra de una manera concisa\, utilizando material de archivo narrado por voces francesas\, una realidad que los propios protagonistas estaban imposibilitados de recrear. El material documental de la época nos muestra tanto las vivencias del frente de batalla como la vida en las ciudades y poblados. La furia de Franco y su Gobierno fue inmediata y el film no pudo estrenarse en territorio español hasta después de su muerte\, en 1978. Como respuesta\, el régimen presentó su «versión» de los hechos en un film que fue una apología del fascismo que atravesaba su estructura: «Morir en España» (1965). \n\nEl film del cineasta francés comienza con imágenes sobre las que se relata el siguiente texto: «1931\, España: 503.061 kilómetros cuadrados. 24 millones de personas. La mitad de la población es analfabeta. Hay 8 millones de pobres. Hay 2 millones de campesinos sin tierra. 20.000 personas poseen la mitad de España\, provincias enteras son propiedad de un solo hombre. Salario medio de un trabajador\, de 1 a 3 pesetas por día; un kilo de pan cuesta 1 peseta. 20.000 monjes\, 31.000 sacerdotes\, 60.000 mil monjas y 5.000 conventos. 15 mil oficiales\, de ellos 800 generales: 1 oficial por cada 6 hombres\, 1 general por cada 100 soldados. Un rey\, Alfonso 13\, el decimocuarto soberano desde Isabel la Católica «.\n\n\n\nA partir de este momento\, el espectador moderno se encontrará con el relato minucioso de lo acontecido en tres años de conflicto bélico que silenció las vidas de miles de seres humanos y sirvió como ensayo macabro por parte del poderío alemán e italiano representados por el nazi Hitler y el fascista Mussolini para lo que sería la tragedia de la Segunda Guerra Mundial. \n«MORIR EN MADRID» /Mourir a Madrid / Francia\, 1963 / Realizador Frederic Rossif / Música Maurice Jarre / Narrada en francés con subtítulos en castellano / Blanco y Negro / Duración 1h 25 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LA NOVIA DE FRANKENSTEIN" (1935) 3ª Clase / Introducción al Cine.
DESCRIPTION:«LA FOTOGRAFÍA Y EL DISEÑO EN EL CINE / LOS GRANDES ARTISTAS DE HOLLYWOOD\, EUROPA Y ARGENTINA». Escenografía y Vestuario: decorados artificiales y rodajes en exteriores\, la ficción y la realidad a través del ojo de la cámara. \nCon la llegada del cine sonoro\, con fecha «fundacional» en 1926 con el estreno de la producción «Don Juan» (EE.UU.)\, se da inicio a un nuevo tiempo de la Cinematografía que cierra casi tres décadas de cine silente. Fue el resultado de extensos trabajos alrededor de Occidente para perfeccionar una oferta donde además de las imágenes tenía que tener cabida el sonido. La sincronización entre ambos aspectos fue la tarea mas dificultosa. Hacer que una pista se adhiriera al celuloide llevó un largo tiempo\, y entre esos primeros trabajos y los años siguientes\, se extendió un periodo de perfeccionamiento que mantuvo la imperfección mientras duró. El público\, sin embargo\, no parecía muy preocupado por este detalle. La cuestión\, parecía entonces\, dejar atrás para siempre las imágenes mudas. Que escondían el mayor desafió: narrar sin palabras. Muchos de sus protagonistas no soportaron el traslado de un sistema al otro y sucumbieron en el intento. Pero muchos realizadores lograron traspasar la frontera y desarrollaron ademas de continuar\, obras extraordinarias. \nLa primera década del cine hablado (the talkies\, como se llamó en inglés) transcurrió bajo la esfera de algunos de determinados directores de cine. Como la intención de este Seminario es la introducción de nombres para que sean investigados junto con los espectadores dentro de las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías\, se realizará un listado de los considerados mas influyentes por los historiadores. Uno de ellos\, el norteamericano Andrew Sarris (1928-2012) fue el impulsor de la «teoría del autor» en su país y tuvo enorme influencia en los lectores al publicar en 1968 un texto fundamental para el ordenamiento de lo mejor del cine y editado en castellano en 1970: «EL CINE NORTEAMERICANO» /Directores y Direcciones 1929-1968 /. Una «teoría» que tuvo sus orígenes (aunque no exclusivamente) en los escritores-críticos- cineastas de la Nouvelle Vague (Nueva Ola) francesa\, movimiento cinematográfico que surgió en 1959 a partir del estreno de los primeros films de un grupo de integrantes de una revista de cine (Cahiers du Cinema) que se convirtieron en directores (Chabrol\, Godard\, Truffaut y Rivette\, entre los mas destacados) y que «impusieron» la aun hoy discutible categoría entre quienes realizan cine. Se es «autor» o se es «artesano». Para los exquisitos\, solo valen los primeros\, mientras que los segundos merecen en general\, el mayor de los menosprecios cunado no el rechazo mas absoluto. Es una cuestión tan subjetiva como discutible ya que lo que realmente importa (opinión personal) es lo que cada uno de los espectadores experimentamos frente a la imagen cinematográfica. Según el interés\, conocimientos\, expectativas o de cada cual\, surgirá una respuesta. Y discutirla\, debatirla\, dará como fruto la mayor de las riquezas: generar opiniones que enriquezcan a todos. Los gustos e inclinaciones personales marcaran los diferentes y ricos senderos en la construcción de los discursos posibles. \nSarris (ejemplo vivo de lo expresado y por tanto sujeto a diferencias) divide a los directores en una serie de categorías muy atractivas y que sirven como primer paso para el conocimiento y posterior posicionamiento con respecto a su mirada. Son las dos primeras las que concentran el mayor numero de talentos (siempre en la órbita norteamericana) \nEL OLIMPO DE LOS DIRECTORES (la que nuclea a los mas valiosos) donde figuran los nombres de 14 hombres que pocos conocedores del tema discutirían su importancia: \n\nCharles Chaplin / 2. Robert Flaherty. / 3. John Ford /.4. D.W. Griffith / 5. Howard Hawks / 6. Alfred Hitchcock / 7. Buster Keaton / 8. Fritz Lang / 9. Ernst Lubitsch / 10.F.W. Murnau / 11. Max Ophuls / 12. Jean Renoir / 13. Josef von Sternberg / 14. Orson Welles. La Obra de estos cineastas\, ya cerrada definitivamente\, hace que merezcan estar aun hoy (cuando se editó el libro vivían en su mayoría) ya que entre sus piezas se encuentran algunas de las mejores películas de la historia\, siendo todos creadores identificables y por tanto merecedores del término artistas del cine. En todos ellos hay dos conceptos esenciales: la preocupación en el desarrollo de la imagen para convertirla en lenguaje propio y su atención permenete en la condición humana de sus criaturas. Las personas y sus circunstancias definen el mensaje. El entorno\, el paisaje\, siempre está como complemento de lo primero. Y no al revés. En todos ellos el respeto por los diferentes aspectos que hacen a la construcción de un film son indiscutibles y actúan complementándose los unos con los otros. Por eso\, destacan la Fotografía\, el Sonido\, la Escenografía\, todos resueltos en la sala de Montaje\, verdadero laboratorio donde nacen las películas\n\nCASI EL PARAÍSO. \n1- Frank Borzage / 2. Frank Capra / 3. George Cukor / 4. Cecil B.de Mille / 5. Gregory La Cava / 6. Leo McCarey / 7. George Stevens / 8. King Vidor / 9. Raoul Walsh. A estos\, los considera un escalón mas abajo que los anteriores\, pero el CASI define muy bien el escaso limite de talentos entre unos y otros. También esta selección\, como cualquiera\, está sujeta a debate. \nLO ESOTÉRICO EXPRESIVO. \n1. Allan Dwan / 2. Tay Garnett/ 3. Lowell Sherman / 4. John M. Stahl. Les concede algún rasgo de extravagancia cuya definición como cineastas no logra englobarla en las otras categorías. \nALGUNOS EXTRANJEROS \n1. Luis Buñuel / 2. Rene Clair / 3. Sergei Eisenstein / 4. G.W. Pabst . Aquí me limito a citar solamente a quienes desarrollaron parte importante de su obra en los años treinta. \nMAS DE LO QUE DEJAN VER. \n1- Rouben Mamoulian / 2. Lewis Milestone / 3. William Wellman /.4. William Wyler . En este listado\, el autor manifiesta su opinión sobre cineastas que podrían haber perfeccionado su arte. \nDISCRETOS Y AGRADABLES \n1. Busby Berkeley / 2. Harry D’ Arrast / 3. Edmund Goulding / 4. Alexander Korda / 5. Zoltan Korda / 6. Mitchell Leisen / 7. Mervyn LeRoy / 8. James Whale. \ny así va confeccionando otras categorías (descendentes en cuanto calidad que les otorga) donde aparecen directores muy destacables del primer sonoro: \n1. Clarence Brown/ 2. Tod Browning / 3. James Cruze / 4. Paul Fejos / 5. Victor Seastrom / 6. Harold Lloyd / 7. Jack Conway / 8. Victor Fleming / 9. Michael Curtiz / 10. W.S. van Dyke \nUn segundo estudioso que merece ser leído para comprender el alcance del primer tiempo del Sonoro es  el vasco Manuel Villegas Lopez (1906-1980)\, exiliado en Argentina tras la Guerra Civil Española y regresado a su tierra en 1953. Es autor de una importante obra sobre teoría y crítica de Cine y destaca entre ella «LOS GRANDES NOMBRES DEL CINE» publicada en 1973\, donde reúne artículos publicados en revistas durante años y forma entonces un formidable recorrido por la historia de la cinematografía. Dedica espacio a la mayoría de los cineastas citados en el libro de Sarris\, pero profundiza en su obra y amplía enormemente la visión de todos ellos. Entre los «incluidos» faltantes en aquel\, destacan tres nombres fundamentales que desarrollan sus primeros pasos en la pantalla en esta primer década del sonoro: son dos de los padres de las teorías del Documental. John Grierson (1898-1972)\, gran estudioso y creador como productor de toda una serie de films extraordinarios y Joris Ivens (1898-1972)\, realizador que\, entre otras joyas\, filmo «Tierra de España» sobre la Guerra Civil. El primero fue el pionero de los que sería una de las escuelas documentalistas mas iluminadoras del mundo: la británica. Ivens\, de alguna manera\, sigue los pasos del ruso Dziga Vertov y sus innovaciones con cámara en mano y registro de la realidad fuera de los estudios de cine. \nEl tercer nombre que incluye en su lista es el de Walt Disney (1901-1966)\, padre mayor del cine de dibujos animados en cuanto genero\, que desde el año 1922 experimenta en el mismo y va consiguiendo mayores logros durante los treinta cuando agrega el sonido a sus creaciones\, hasta llegar al primer largometraje animado en 1937: «Blancanieves y los Siete Enanitos». \nRecomiendo la recuperación y lectura de este libro fundamental de la lengua castellana\, obra de un estudioso y apasionado que transmite al lector toda su entrega por el fenómeno cinematográfico /Biblioteca Universal Planeta- Editorial Planeta. Barcelona\, España 1973 (Edición en dos tomos). \nEn relación al Cine Sonoro argentino existe una obra fundamental y es la de Domingo di Nubila (1924-2000) publicada en 1959\,«HISTORIA DEL CINE ARGENTINO». Son dos tomos y el primero recorre los primeros años y sus primeros films de manera exhaustiva y completa.. Desde el estreno de «Tango» en 1933 hasta 1938 va construyéndose una industria que abastecería de películas no solo al país\, sino también a todo el continente donde el habla castellana estuviera instalada. \nTambién es muy importante la obra de Jorge Miguel Couselo (1925-2000) que refleja en dos títulos el periodo: «Leopoldo Torres Rios\, el Cine del Sentimiento» y ·»El Negro Ferreyra: un cine por instinto«. Ambos cineastas son considerados pioneros de nuestra realidad fílmica. El primero destacó en la búsqueda de una narrativa que fuera estrictamente argentina\, cuyas tramas de ficción recuperaran la esencia de los personajes como distintivos de una tierra. \nTodos los nombres de Directores de Cine citados son los responsables de algunas de las grandes obras del cine. También es cierto que existen muchos otros mas\, incluso autores de uno o dos films notables\, que rara vez aparecen citados en textos importantes. La búsqueda de nuevas perlas está por tanto siempre abierta a ser ampliada. \nEl presente de las nuevas tecnologías nos permite también indagar en las figuras de todos los componentes del equipo técnico de estos films. La pagina web IMDb\, insisto\, ofrece la posibilidad de indagar en casi todos ellos. Así\, el nombre de Directores de Fotografía\, Productores\, guionistas\, sonidistas\, autores de las bandas sonoras\, son factibles de ser estudiados en mas detalle. \nAquí\, una breve reseña de algunos nombres destacados de aquel tiempo: cito a cuatro de los mas renombrados: Eduard Tissé (1897-1961)\, ruso / James Wong Howe (1899-1976)\, chino y de carrera en EE.UU./ Karl Freund (1890-1969)\, alemán y Gregg Toland (1904-1948). Rastreando en la obra de estos cuatro artistas encontraremos algunos de los grandes ejemplos de lo mas grande logrado sobre una pantalla. \n  \nFILM EXHIBIDO: «LA NOVIA DE FRANKENSTEIN» (1935). \nEl estudio de Cine Universal\, uno de los mas importantes de EE.UU. debuta en el cine sonoro con el éxito de una serie de films inspirados en personajes de la literatura de horror\, terror o fantástica. La obra de la autora  Mary Shelley (1797-1851)\, la novela gótica de 1818 «Frankenstein o el Moderno Prometeo» fue una de las mas rentables para los productores desde su primera incursión en el film «Frankenstein» (1931). El suceso de esta hizo que en 1935 se estrenara la segunda obra de la serie (8 films)\, y como la primera\, la dirección estuvo a cargo de James Whale (1889-1957)\, un cineasta tan interesante como oscuro en cuanto lugar al que se le dio en la historia\, pero reivindicado en el presente. La película repite en parte la trama de la primera\, obligada a recuperar personajes muertos. Al recurrir a argumentos disparatados para justificar las «resurrecciones»\, la producción opta por un tono mas desenfadado y alejado del otro film\, que sin embargo le otorga enorme originalidad a determinadas secuencias del film. Pero la poesía del primero solo ocasionalmente aparece en este y deriva rápidamente al humor soterrado\, malicioso\, dando a la trama un enfoque muy personal por parte de Whale. Por ejemplo en la secuencia de la visita del monstruo a la cabaña del ciego. La humanidad de la criatura vuelve a resaltar en este momento\, así como en el tramo final\, el dramático instante en que comprende que la tan ansiada pareja\, el nuevo experimento del doctor\, rechazará de plano su presencia. Esta aparición tan breve como sugerente hacia el final del metraje\, genera una especie de película (corta) dentro de la película. Toda la escena del despertar de la novia hasta su momento final\, forma parte de la Historia mayúscula del fantástico con la creación de la enorme Elsa Lanchester (1902-1986). Talentosisima interprete británica de carrera como secundara a lo largo de décadas hasta su muerte\, hace de esta creación una de las mas populares de toda esa década. Sus ojos y peinado\, eléctrico\, resultado demencial de la carga atmosférica que le da vida\, así como los gemidos animales que escapan como única forma de expresión de su boca\, forman un bloque deslumbrante del mas puro cine. Por su parte Boris Karloff (1887-1969) vuelve a llenar de calidez con la sola expresión de sus ojos\, libres de la pesada carga de maquillaje\, la personalidad de este ser infeliz\, desgraciado\, que ve como sin piedad\, todos se unen para rechazarlo. La monstruosidad\, parece decirnos el director\, no emana de él sino de todos los que los rodean\, los normales que habilitan ese pueblo que es testimonio de las miserias mas grandes a las que puede llegar el ser humano. Convertidos en masa ignorante\, castradora\, chismosa y finalmente asesina\, son los que como un coro de tragedia griega\, rodean a los protagonistas y los condenan\, nuevamente a un destino atroz\, donde solo el fuego y sus llamas parecen purificar tanta maldad. La película utiliza estas metáforas para hablar del presente en que estuvo rodada y estrenada: la década de los años treinta cuando\, tras el crack financiero de 1929\, una ola de horror mas terrenal se abatió sobre la población: el hambre y la miseria a la que condenó la maldad de unos pocos\, banqueros y financieros inescrupulosos que\, ayer como hoy\, continúan siendo los verdaderos monstruos a quien deberíamos temer. Ochenta años después\, seguimos prefiriendo erigir un «monstruo»  para condenarlo y limpiar nuestras miserias. Es mas fácil culpar siempre al otro de las penurias propias. «La Novia de Frankenstein»\, como todo el gran cine\, habla finalmente de estas cuestiones. Las humanas de siempre. \n«LA NOVIA DE FRANKENSTEIN» / The Bride of Frankenstein / 1935 / Universal Studios- EE-UU / Director James Whale / Intérpretes Boris Karloff\, Colin Clive\, Valerie Hobson\, Ernest Thesiger\, Elsa Lanchester / Blanco y Negro / Fotografía John J. Mescall / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 15 minutos. \n  \n  \n 
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SUMMARY:CINE: "EL NAVEGANTE" (1924) Clase 2ª Introducción al Cine para estudiantes.
DESCRIPTION:CLASE 2ª / CINE MUDO: EL NACIMIENTO DE HOLLYWOOD Y LAS PRIMERAS POTENCIAS EUROPEAS- EL CINE CÓMICO / EL CINE ARTÍSTICO / LOS DIRECTORES ESENCIALES / \nEl Cine Mudo\, que se extendió hasta la llegada del Sonoro en 1926 (fecha oficializada con el estreno del film «Don Juan»\, aunque se considere el primer film la obra de 1927 «The Jazz Singer»\, que en realidad contiene apenas unos minutos donde el sonido sincronizado aparece para mantener en el resto\, los rótulos característicos del periodo)\, fue el resultado de la investigación que llevaron a cabo desde años atrás técnicos y estudiosos en general\, con el objetivo de dotar de voz a las imágenes. Los sistemas utilizados fueron muchos y la instalación en cuanto a calidad definitiva tardaría varios años en llegar. Hasta 1933\, aproximadamente\, se siguen estrenando films mudos\, mientras la prioridad de los otros es mejorar sus características técnicas y así aplacar las ansías del público que llenan las salas en busca de sonidos. La música y el canto\, formarían en ese primer tiempo\, uno de los géneros preferidos. Pero paralelo al aspecto técnico\, la palabra va ganando espacio desde la diferente mirada de los cineastas de todos los países-potencias en cine\, a la vez que se profundizan los movimientos en el propio lenguaje del cine. Durante esa década son muchos los creadores que menosprecian los avances ya que consideran que no es necesaria la voz porque las propias imágenes han propuesto una y verdadera. \nFilm propuesto: “EL NAVEGANTE” (1924) / EE.UU./ director Buster Keaton y Donald Crisp / Intérpretes Buster Keaton y Kathryn McGuire / Mudo con intertítulos en castellano / Blanco y Negro / Duración 59 minutos. \nBuster Keaton está considerado uno de los mayores artistas del primer tiempo del Cine. Formado para la pantalla desde los inicios del cine norteamericano\, es actor y luego director de sus films. La duración de los mismos se va aumentando con el paso de los años\, desde los cortos que realiza a partir de 1917 (The Rough House) hasta el esplendor de sus largometrajes (aunque algunas veces no sobrepasaran la hora) a partir de 1923\, cuando estrena “Tres Edades”. En “The Navigator” reflexiona a través del humor sobre las miserias y realidades de las clases dominantes de su tiempo. Los millonarios que crían hijos e hijas inútiles que solo aspiran seguir disfrutando de la riqueza heredada sin tener el menor talento para ello. El protagonista observa desde la ventana de su mansión el paso de un carro nupcial cuyos viajantes son de raza negra (un toque ultra transgresor para la época). La felicidad que emanan le hace decidir en pleno acto caprichoso\, sobre su inminente matrimonio. Sale a buscar novia como si fuera a una tienda de comidas. Desde ese momento todo se resuelve a través de las situaciones mas absurdas. La elegida\, tan incompetente como él\, será su compañera de desventuras a bordo de un navío a la deriva que lleva el nombre del film y que también se refiere a nuestro protagonista como un navegante de la vida rica. En un relato que no sobrepasa la hora de duración el talento de Keaton se manifiesta en todo su esplendor. Nada queda librado al azar en sus torpezas continuas para resolver las cuestiones mas simples. Que ellos complican lo mas posible. Las normas sociales\, las relaciones de pareja\, las rutinas caseras\, la llegada del Otro que perturba y violenta\, la posibilidad del amor\, son algunos de los temas reflejados desde la perpetua impavidez del rostro de Keaton\, una seña de identidad en toda su obra. El cuestionamiento permanente sobre la inutilidad de un sector de la clase gobernante\, el parasitario\, parece reflejar todas las fantasías del creador-cineasta ante el contexto que habita. Ese Hollywood de los inicios donde la búsqueda aventurera de un puñado de cineastas que huyen del frío y la oscuridad de New York para encontrar en el calor y la luminosidad de California\, el paraíso que les daría la posibilidad de construir un imperio y en muchos casos\, transformarse en nuevos millonarios. Keaton persona no llegó a ello y su talento se vio eclipsado con la llegada del sonido a la pantalla. Fue una de las grandes victimas del traspaso de una era a otra. Cuando las palabras inundaron el cine\, el talento de los creadores del mudo\, paradójicamente enmudeció. Los gustos del público se alteraron inmediatamente y en su avidez de nuevas cosas\, dejaron de lado a los ídolos anteriores. La realidad que trajo el crack financiero de 1929\, generador de una terrible década de Depresión económica que llevo a la pobreza y a la desesperación a un sector enorme de la población\, hizo el resto. Su obra fílmica queda como una de las mayores del Cine. Y en ella seguimos encontrando el placer de reencontrar el genio de aquello artista \nCitaré a continuación una lista de Directores de Cine por cuya obra\, destacan en el período mudo posterior al iniciático de los hermanos Lumiere y las aportaciones de primeros artistas como Georges Méliès\, ya que desde ambos sectores se construyó lo que vendría luego (en la Clase anterior ofrecí títulos de libros de consulta para mayor información\, así como la consulta al Sitio Web IMDb). \nFRANCIA \nMax Linder (1883-1925). Realiza desde 1908 un centenar de cortos hasta 1921 cuando estrena el primero de sus cuatro largos hasta su temprana muerte en 1925. De estos cuatro destaca su versión burlona del clásico de Alexander Dumas “Los Tres Mosqueteros”. Linder fue el introductor del humor en el cine y que sirvió de referencia a los cineastas de Hollywood para iniciar allí la comicidad donde encontrarían sitio Mack Sennet y sus continuadores. \nLouis Feuillade (1873-1925) Paralelo a Linder aparece este otro gran creador\, autor de los primeros seriales\, donde la figura de Fantomas\, un archi delincuente parisino\, se convirtió en protagonista de una de las sagas mas famosas. En 1913 está fechada la primera entrega y en 1915 aparece su segunda gran criatura\, Musidora\, la protagonista de “Los Vampiros”. La imaginación mas fecunda y desatada atraviesa estos trabajos. También fueron antesala del modelo norteamericano. \nAlice Guy (1873-1968) El tercer nombre francés y olvidado o eclipsado por el único motivo de ser MUJER\, fue el de esta precursora de la mirada femenina en el cine. Aunque muy condicionada por el contexto (firmó sus primeros trabajos agregando el nombre de su esposo\, Blanche)\, la realizadora estrenó 445 trabajos entre 1896 y 1920. Recién en la última década su nombre ha sido considerado.” Vampire” (1920) fue su último film. La mayor parte de su obra se encuentra desaparecida y la misma se realizó entre su Francia natal y EE.UU. donde junto a su esposo\, transcurrió la mayor parte de su trayectoria artística\, delante y detrás de las cámaras. La gran figura a reivindicar. \nAbel Gance (1889-1981). Debutó en 1911 y fue perfeccionando su arte hasta concluir en 1927 con uno de los grandes clásicos\, su monumental acercamiento a la figura histórica en “Napoleón”. Un film que fue mutilado debido a su extensa duración y que se convirtió en una de las primeras restauraciones de obras incompletas en las últimas décadas del siglo. \nJean Epstein (1897-1953). Polaco de nacimiento\, activo en el cine galo desde 1922. Experimentador y teórico de la imagen\, uno de los primeros en este apartado del cine\, realiza en las postrimerías del mudo una película modelo: su interpretación del universo de Allan Poe\, “La caída de la casa Usher” (1928). \nRené Clair (1898-1981). Uno de los maestros del cine sonoro\, destaca sin embargo por el aporte artístico de dos films mudos breves de 1924\, “Ent’act” y “Paris qui dort”\, ambos considerados como emblemas del momento\, pocos años antes de la irrupción del surrealismo de la mano de Buñuel y Dalí con su “Perro Andaluz” y “La edad de Oro”. \nJean Renoir (1894-1979) El otro maestro francés\, uno de los grandes cineastas de todos los tiempos\, también debuta en mudo y aporta dos joyas donde la poesía invade cada fotograma: “La fille de l’eau” (1925) y “La petite marchande d’alumettes”\, su interpretación de “La vendedora de fósforos”\, clásico cuento de Andersen. \nALEMANIA \nF.W.Murnau (1888-1931) Sus primeros trabajos alemanes le abrirían las puertas de Hollywood y entre ambas tierras deja un puñado de obras maestras como “Nosferatu” (1922)\, “Phantom” (1922)\, “Fausto” (1926) o “Amanecer” (1927)\, testamento deslumbrante de la fusión de ambas nacionalidades. \nFritz Lang (1890-1976). Activo desde principio de los años veinte\, Lang deslumbra durante toda su carrera. Destacan tres obras monumentales de ese primer tiempo: “El Doctor Mabuse” (1922)\, obra de enorme complejidad estética e ideológica\, “Los Nibelungos”\, (1924)\, estrenada en dos partes y donde reflexiona sobre la cultura germana a través de sus mitos mas potentes y la obra fundamental para entender la madurez del arte cinematográfico que es “Metrópolis” (1927)\, donde el ser humano es radiografiado hasta sus entrañas desde la lupa feroz del autor. \nGeorg Wilhelm Pabst (1885-1967). Considerado el “padre” del cine germano\, destaca con cuatro obras: “La calle sin alegría” (1925)\, “Misterios de un alma” (1926)\, “La Caja de Pandora” (1929) y “Tagebuch einer verlorenen” (1929)\, En todas ellas se trasluce su enorme educación en la cultura nativa\, sobre todo destaca la influencia de la filosofía en la creación de sus tramas y criaturas. \nErnst Lubitsch (1892-1947). Austriaco de nacimiento y absoluto renovador de la trama fílmica\, debuta en 1914 en el cine alemán. Autor de grandes éxitos populares tanto como artísticos\, es otro de los migrantes al Hollywood de los veinte. En las dos tierras será autor de obras maestras. “Carmen” (1918)\, “Los ojos de la momia) (1918)\, “Madame Dubarry” (1919) y “Sumurun” (1920) destacan en su primera etapa europea y “Forbidden Paradise” (1924) y “El abanico de Lady Windermare” (1925) en la segunda. En el sonoro\, daría rienda suelta a toda su creatividad\, siendo de los primeros realizadores en utilizar la nueva modalidad. En ambos casos\, fue uno de los grandes. \nURSS \nSergei M. Eisenstein (1898-1948) Uno de los grandes innovadores del Cine Mundial. Con su lenguaje revolucionario donde el montaje se convierte en estrella absoluta del film\, el cineasta también se convierte en teórico y escribe sobre sus puntos de vista ante el nuevo arte. También como herramienta política. Autor de tres obras de arte mudas\, “La Huelga” (1925)\, “El Acorazado Potemkin” (1925) y “Octubre” (1927)\, que cambiarían el panorama cinematográfico desarrollado hasta ese momento\, también traspasa las fronteras en todos los sentidos. Viaja a Norteamérica\, fracasa en Hollywood y filma en México para regresar a su tierra y seguir produciendo futuros clásicos hasta su temprana muerte. \nDziga Vertov (1896-1954) polaco de nacimiento se incorpora muy joven a la industria soviética y allí se convierte en uno de sus grandes nombres al promover la filmación de trabajos en la calle\, en directo\, con una cámara siempre inquieta y movediza que daría lugar a ser nombrado el “padre” del movimiento documentalista “Cine-Ojo”. Absoluto innovador de la imagen\, decenas de trabajo llenan su tiempo en el mudo. Sus trabajos con el nombre Kino Pravda\, numerados desde el numero 1 al 23 entre 1921 y 1925 son un retrato único de su época. En 1929 firma su film emblemático “El hombre de la Cámara”\, donde durante una hora y pocos minutos un hombre (él mismo) recorre la ciudad con el equipo al hombro y va registrando la vida como “la vida misma”. Precursor absoluto y padre simbólico junto a Eisenstein del cine más moderno y transgresor. \nVsevolod Pudovkin (1853-1992) el tercer mas popular nombre ruso aporta al cine mudo dos obras cumbres donde la poesía ocupa enorme lugar traducida a las imágenes: “La Madre” (1925) y “El fin de San Petersburgo” (1927). El conflicto humano se cruza con la Historia y genera estos dos testimonios fundamentales. \nDINAMARCA \nCarl Th. Dryer (1889-1968). Dinamarca irrumpe en la escena fílmica con este nombre. Uno de los precursores en incorporar la reflexión religiosa al cine\, destaca en el cine mudo con dos obras entre nueve trabajos\, cuyas temáticas serían profundizadas a lo largo de su breve carrera en películas en el sonoro. Esas películas son “Paginas del libro de Satán” (1920) y la fundamental “La Pasión de Juana de Arco” (1928) \nSUECIA \nVíctor Sjostrom (1879-1960). Activo desde 1912 es uno de los padres del cine nórdico. Va profundizando su lenguaje hasta que en 1921 estrena “La carreta fantasma”\, obra cumbre del Cine. Creador de imágenes que llevan a atmósferas fascinantes\, el maestro se traslada a Hollywood en 1923\, donde filma joyas como “La letra escarlata” (1926)\,” La mujer divina” (1928) y la magistral “La rosa de los vientos” (1928)\, donde cada fotograma vale oro. \nMauritz Stiller (1883-1928). El otro maestro sueco\, muerto muy joven. Realiza 49 trabajos entre 1912 y su fallecimiento\, prolífica carrera para tan breve tiempo. Filma su título mas emblemático en 1924 “La leyenda de Gosta Berling”\, que le abriría las puertas a Hollywood\, donde sin embargo no fue reconocido en su talento. \nESPAÑA \nSegundo de Chomón (1871- 1929). Figura emblemática y pionera del cine en castellano\, realiza en España mas de 200 trabajos entre 1901 y 1923\, dejando testimonio a través de su trayectoria de todo un tiempo. Su figura está sujeta a una revalorización desde hace dos décadas y la mayoría de sus trabajos se consideran perdidos. \nFlorián Rey (1894-1962). El más clásico de los cineastas españoles del cine mudo\, donde obtuvo grandes triunfos populares con títulos como “La Revoltosa” (1924) o “La hermana San Sulpicio” (1927). En ellos traslada el folclore más hispano a la pantalla desde el ambiente de la zarzuela en el primer título hasta la comedia con religión de trasfondo en la segunda. \nITALIA \nGiovanni Pastroni (1883-1959). El cine mudo italiano destaca por la gran producción que lo atraviesa\, mas de 9000 films hasta el estallido de la Primer Guerra Mundial. Sin embargo\, pocos realizadores alcanzan el rango de importantes desde la consideración critica. Uno de ellos es el de este cineasta autor de “Cabiria” (1914) una película que convierte el pasado histórico en una ficción exitosa y crea la figura de uno de los primeros personajes míticos de la cinematografía: Maciste. Un héroe salido de la mitología mas pura y que recupera la figura de la Roma Imperial con una majestuosa construcción de decorados para recrear la leyenda. \nARGENTINA \nFederico Valle (1880-1960). Absoluto pionero del cine nacional\, su trabajo consiste en registrar documentales entre 1917 y 1926. Su mención en este apartado va mas allá del valor artístico de su obra. Su lugar solitario en un tiempo muy poco destacable en cuanto calidad y aporte al lenguaje de nuestra cinematografía\, le concede este espacio \nUSA \nDavid W. Griffith (1875-1948). Entre 1908 (“The adventures of Dolly”) y 1921 (“Huérfanas de la tormenta”) el cineasta se convierte en otro de los grandes revolucionarios del lenguaje fílmico. Incorpora el montaje paralelo en 1916 y estrena una obra majestuosa en todos los sentidos: “Intolerancia”\, donde varias historias confluyen hasta explotar en un final modélico para todas las generaciones venideras. En 1915\, un año antes\, había generado conmoción con su otro gran clásico: “El nacimiento de una nación”\, un título genial que se contradice con su contenido absolutamente racista. En 1914 había sorprendido con su recreación de los tiempos bíblicos “Judith de Bethulia”. En 1919 daría otro hito poético “Pimpollos Rotos”. Probablemente el primer gran autor de la Historia del Cine. Se le atribuyen la friolera de 520 títulos entre cortos y largometrajes. \nCharles Chaplin (1889-1977). De origen pobre e inglés se convierte en la primera estrella del cine global a través de la creación de su personaje Charlot (Carlitos). Un vagabundo que creo y dirigió a lo largo de toda la etapa silente que arranca dirigiendo en 1914 después de haber sido actor a cargo de otros. “Caugh in the rain” es el nombre de esa primera aportación en la dirección. Filma cortos hasta 1917\, cuando su genial “Charlot emigrante” se alarga hasta los 30 minutos\, Luego iría realizando films mas extensos y complejos donde el retrato social que involucra a los más desfavorecidos de la sociedad es protagonista casi absoluto. “Vida de perro” (1918) o “El Pibe” (1921) son el prologo a su obra mas rompedora: “Una mujer de Paris” (1923) cuando da rienda suelta a su capacidad creativa y entrega un film de enorme complejidad estructural que es incomprendido en su tiempo. Regresa al suceso con sus obras siguientes\, todas maestras y títulos imprescindibles: “La quimera del oro” (1925)\, “El Circo” (1928)\, “Luces de la ciudad” (1931) y “Tiempos Modernos” )1936)\, estas dos ultimas estrenadas en pleno cine sonoro\, como muestra del rechazo al éxito de esta nueva forma con sonido incluido y que él decía detestar. El artista con mayúsculas y unos de los mayores de todos los tiempos. \nBuster Keaton (1895-1966). El otro genio cómico mudo y rival del anterior. Inferior en cantidad de obras\, pero igualmente talentoso\, fue el creador de otro personaje distintivo: el hombre de rostro impávido que mantiene sus facciones fijas como si fuera de hielo. Un recordatorio de su antiguo paso por el payaso y el mimo que supo transformar en formidable mascara cinematográfica. Debuta como director\, tarea que casi siempre compartiría con otro\, en 1917 con “The raugh house” para acto seguido obras únicas como “La ley de la hospitalidad” (1923)\, “El moderno Sherlock Holmes” (1924)\, “El Navegante” (1924) y su deslumbrante “El maquinista de la General” (1926). \nCecil B. de Mille (1881-1959). Autor de decenas de films\, fue uno de los artistas que mejor combinó el arte con la industria. Con temáticas preferentes como fueron la recreación histórica\, lo religioso y el erotismo\, construyo una obra única. Donde cada uno de estas opciones encontraban lazos comunes. De lo puritano a lo profano\, su filmografía es un espejo del sentir humano de su tiempo. La transgresión y la represión alternando sin fin dan como resultado joyas de varios valores: “No cambies de esposo” (1919)\, “Macho y Hembra” (1919)\, “Por que cambiar de esposa” )1920)\, “Fruto Prohibido” (1921) o “Los Diez Mandamientos” (1923) son todo un muestrario de su inconfundible arte. \nErich von Stroheim (1885-1957). De origen austriaco\, se convierte en uno de los mas extravagantes personajes del primer Hollywood. De imaginación desbordada y megalomanía ídem\, es el autor de algunas de las grandes obras maestras del periodo silente. Su film “Avaricia” (1924) está considerado como una de las grandes películas de todos los tiempos. Otros trabajos destacables dentro de una breve obra como realizador (12 films) son “Esposos Ciegos” (1919)\, “Esposas Imprudentes” (1922)\, “La Viuda Alegra” (1925)\, “La marcha nupcial” (1928) y “Queen Kelly” (1928)\, film inacabado al ser despedido por su desmesura y falta de compromiso industrial. Que no artístico que fue su gran drama y lastre final. Uno de los verdaderos creadores de estilo de la historia del cine. \n  \n  \n 
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SUMMARY:CINE: "ABRACADABRA" (2017).
DESCRIPTION:Pablo Berger nació en 1963 en Bilbao\, Vizcaya\, País Vasco. Es un director de cine que ha realizado hasta el presente tres largometrajes. Con el segundo\, » Blancanieves» (2012) alcanzó enorme reconocimiento público y crítico al atreverse con una opción muy arriesgada: realizar un film mudo y en blanco y negro. Utilizó lo mejor de la tecnología actual y una banda sonora extraordinaria. Después de este suceso\, pasó cinco años hasta estrenar su siguiente trabajo. «Abracadabra» es también un experimento arriesgado y podríamos decir que no ha alcanzado las alturas de su film anterior\, pero el resultado es aun así muy estimulante y nos enfrenta a la figura de un cineasta curioso y atrevido\, un bilbaino atraído hacía el corazón de la península ibérica\, repitiendo la figura del vasco inmigrante\, que en lugar de cruzar de los mares\, se limita a una distancia mas corta que igualmente le permite experimentar la vida en territorio ajeno. La película nos propone temas tan complejos como la esquizofrenia\, el machismo\, el maltrato\, hasta otro tan extraño a estos como la hipnosis\, que abre la puerta a mundos desconocidos. El realizador afirma su intención de combinar géneros tan queridos por él como la comedia\, el drama\, el esperpento\, el sarcasmo y  el cine social\, mezclándolo para narrar la historia de Carmen y Carlos\, quienes junto a su joven hija Toñi conforman ese sector social de la clase media baja que lucha por mantener sus vidas en un entorno marcado por dificultades de todo tipo. En una fiesta aparece un mago y el esposo se presta a colaborar en una sesión delante de todos. Algo ocurre a partir de ese momento y la vida de la familia sufrirá cambios\, donde lo soñado\, lo imaginado y lo real son alternados en una trama que roza lo fantástico. Una obra de enorme originalidad que lleva a los espectadores a interrogarnos sobre lo que hemos experimentado durante su visión. Una prueba de los resultados que se obtienen cuando el Cine se preocupa en ser mas que un mero entretenimiento. La nueva generación de cineastas vascos parecen desafiarnos desde la pantalla con una de las ofertas culturales mas innovadoras del actual cine europeo\, en esta obra que tambien puede ser vista como una realidad deformada de la España actual. Palabra y cine de vascos. \n«ABRACADABRA» / 2017 / España- Bélgica- Francia / Director Pablo Berger ( Intérpretes Maribel Verdu\, Antonio de la Torre\, José Mota\, Jose Maria Pou\, Priscilla Delgado/ Color / Hablada en Castellano / Duración 1h 36 minutos.
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SUMMARY:CINE:" ÚLTIMO TANGO EN PARÍS" (1972)
DESCRIPTION:Un título asociado desde su estreno\, hace ya 46 años en Italia\, al escándalo. Cabe preguntarse cuales son esos motivos. Es una película hija de su tiempo\, que con su carga rupturista\, aun sigue resultando perturbadora para un público cada vez mas prisionero de una forma de consumir audiovisuales de todos los tipos y en todos los formatos\, que parece imposibilitado de descifrar un tipo de cine fundamental\, el artístico. En un tiempo de retroceso como el actual\, donde las fuerzas mas conservadoras parecen recorrer un camino inverso (al imaginado por muchos) al del (supuesto) Progreso\, la obra del cineasta italiano Bernardo Bertolucci (1941-2018) sigue siendo deslumbrantemente provocadora. Como debe ser el Arte con mayúsculas. Un Arte que interrogue el devenir permanente del ser humano y que refleje por las vías de expresión posibles\, toda la conflictividad interior que lo define como individuo. El presente actual parece empeñado en negarlo en pos de una oferta cada vez mas encaminada al puro y estricto entretenimiento. \nPaul es un hombre extranjero en la capital de Francia. Jeanne tiene mas de veinte años de diferencia con él\, y es una joven hija de la burguesía en pleno conflicto de clases. Ambos coinciden en un departamento que busca ser alquilado. En sus estancias vacias y enormes\, testigos de esplendores pasados y decadencias actuales\, se conocen el uno al otro. Sin testigos\, construyen una relación a partir de un primer contacto sexual. El adulto intenta convertirse en educador de la discípula . Pero el mundo que pretende crear es solo una fantasía condenada a ser exterminada por una realidad mucho menos fácil de aceptar. Fuera del lugar\, tienen sus vidas y el intentar vivir ajenos a ellas\, será el punto de conflicto en la historia. \n«Ultimo Tango en París» es vista en el presente como una Obra Maestra del Cine\, donde confluyen entre otras cuestiones\, un grupo de profesionales que el tiempo ha ubicado en un espacio cercano al mítico. Un director de cine\, un actor (Marlon Brando\, 1924-2004)\, un músico (Leandro «Gato» Barbieri\, 1932-2016)\, un fotógrafo (Vittorio Storaro (1940)\, un productor (1925) y una actriz (Maria Schneider\, 1952-2011) que siguen vigentes\, aunque la mayoría de ellos ya haya muerto. Bertolucci irrumpe en el cine con una fuerza devastadora en los años sesenta en plena vigencia de ideales revolucionarios\, transitando un camino donde cineastas mayores y menores (de edad) se dan la mano en la búsqueda de un nuevo lenguaje cinematográfico\, absolutamente moldeado por el contexto histórico. Una de las cuestiones urgentes es romper con tabúes generacionales dominantes desde la segunda guerra mundial\, cuando el terror global generado por la destrucción atómica de Japón\, mas las guerras imperialistas\, mas los nuevos movimientos de derechos civiles y sexuales en Occidente\, diseñaron todo un modo de vida que los años sesenta vinieron a cuestionar y los setenta a poner en máxima efervescencia. Que luego sería acallado con el advenimiento al poder de los lideres de EE.UU.. Reino Unido y el Vaticano\, entre los mas destacados\, quienes iniciaron en los años ochenta del siglo pasado una revolución conservadora que hizo estragos hasta el presente. Entre otras cosas\, en el espectro cultural global. Que ha servido a las mentes mas inquietas de la creatividad para generar resistencia. \nA cincuenta años de la creación del Ente de Calificación Cinematográfica en Argentina en enero de 1969 mediante decreto- ley Nº 18019 promulgado por Dictadura Militar y vigente hasta 18 de enero de 1984\, cuando fue abolido por la Democracia y que Censuró 727 películas\, proponemos la revisión de esta obra cumbre de la Cinematografía.. \n«ULTIMO TANGO EN PARÍS» /Ultimo tango a Parigi /1972/ Italia- Francia / Director Bernardo Bertolucci / Intérpretes Marlon Brando\, Maria Schneider\, Massimo Girotti\, Jean Pierre Leaud / Fotografía Vittorio Storaro / Guión Bernardo Bertolucci\, Franco Arcalli con adaptación de Agnes Varda / Producción Alberto Grimaldi / Color/ Hablada en francés e inglés con subtítulos en castellano / Duración 2hs 9 minutos.
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SUMMARY:CINE: "BLANCANIEVES" (2012) / Clase 1º- Introducción al Cine para Estudiantes.
DESCRIPTION:Estrenar un film mudo a siete décadas de haber finalizado el período donde el sonido estaba ajena a la imagen\, es un caso poco frecuente en el panorama cinematográfico actual. El vasco Pablo Berger (Bilbao\, 1963) lo logró con su segundo largometraje cuando utilizando las tecnologías modernas\, firma una de las propuestas mas insólitas y atractivas del cine europeo presente. La imagen del fotógrafo Kiko de la Rica (Bilbao\, 1965) se encarga de dar contenido a una historia que no es mas que una revisión libre del clásico cuento de los Hermanos Grimm\, escritores alemanes que a partir de 1812 publicaron una serie de relatos que se convirtieron en clásicos\, Blancanieves fue uno de ellos. El director español traslada los personajes al universo del sur español\, la Andalucía de los años 1920\, donde un torero famoso pierde a su esposa y se casa con una mujer tan bella como despiadada\, que será la que ocupe el rol de la tirana/bruja del cuento original\, y quién con sus maquinaciones hará de la vida de Carmencita\, la hija del hombre\, un verdadero tormento. Pero esta Carmen/ Blancanieves no es una mujer dócil ni entregada a los mandatos. Dará rienda suelta al deseo de emular la trayectoria de su padre e intentará convertirse en una famosa torera. En su viaje dará con un circo donde siete enanos que trabajan en el\, se convierten en coro protector. \nEn esta primera clase\, abordaremos el nacimiento del Cinematógrafo en 1895 en las calles de París y su inmediata y revolucionaria expansión al resto del Mundo en los siguientes años. Los primeros y fundamentales nombres que abrieron el camino para lo que en 1911 el termino «séptimo arte» estallara en los titulares y fuera dando contenido y sentido al término en los años venideros. Auguste y Louis Lumiere\, Georges Meliés\, Thomas Edison\, Max Linder\, Louis Feuillade\, Italia\, California y Argentina\, nombres y países precursores y difusores. Un camino tan amplio como imposible de abarcar en un solo encuentro. Que deberá servir como disparador de otros futuros que permitan la detención necesaria en cada período de este invento que revolucionó el Arte y que no ha parado de transformarse hasta la actualidad. \n«BLANCANIEVES» / 2012 / España- Bélgica- Francia / Director Pablo Berger / Fotografía Kiko de la Rica / Música Alfonso de Villalonga / Intérpretes Sofía Oria\, Macarena Garcia\, Maribel Verdú\, Angela Molina\, Inma Cuesta\, Daniel Gimenez Cacho / Blanco y Negro con subtítulos en castellano / Duración 1h. 44 minutos. \nPara datos mas amplios sobre el film\, consultar en la web el sitio IMDb. Uno de los mas precisos sobre información cinematográfica donde se podrá encontrar información sobre cada uno de los integrantes de cualquier película que se investigue y desde alli construir caminos hacia
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SUMMARY:CINE: "SOMOS CAMPEONES" (2018).
DESCRIPTION:Esta es una de las películas mas vistas en España en la última década\, cuando 3.300.000 espectadores fueron a los cines y la convirtieron en uno de los mayores sucesos. La originalidad consiste en combinar elementos dramáticos con tonos de comedia\, siguiendo la tradición de ese espacio cinematográfico que eligió hablar de las situaciones mas complejas y dramáticas por las que transitamos los seres humanos desde la óptica del humor. Marco es un hombre joven y de pésimo carácter. Con cuarenta años de edad ha vuelto a vivir con la madre tras abandonar a su esposa. Es entrenador profesional de baloncesto y su mal comportamiento sumado al consumo abundante de alcohol lo llevan a una encrucijada: por una infracción de tránsito deberá cumplir pena de dos años de cárcel. O en su defecto prestar tres meses de Servicio Comunitario. Al optar por esta segunda vía\, se hará cargo de entrenar a un grupo de personas con discapacidades intelectuales .Una realidad tan desconocida como desconcertante para él. A partir de aquí se desarrollará una trama donde cada uno de los personajes toma protagonismo y harán que el deportista humillado reflexione sobre su propia condición humana. Basada en la real trayectoria de un equipo español que ha cosechado triunfos durante 10 años\, la película se convierte en un formidable ejercicio para nosotros espectadores que nos vemos obligado a tomar postura ante la ficción narrada. Una obra conmovedora que conecta de una manera inmediata con el espectador actual de cualquier nacionalidad y nos devuelve a través de la ficción la parte mas placentera de disfrutar del cine: la que nos enriquece como personas. \n«SOMOS CAMPEONES» / Campeones / 2018 / España / Director Javier Fesser / Intérpretes: Javier Gutierrez\, Athenea Mata\, Luisa Gavasa\, Juan Margallo\, Jose de Luna\, Sergio Olmo / Color / Hablada en castellano con subtítulos / Duración 2 hs.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "UNA EVA Y DOS ADANES" (1959).
DESCRIPTION:La Comedia es una de los grandes y mas permanentes géneros de la Historia del Cine. Pero el humor sobre el que están construidas tiene en general conexión con el contexto en que se han producido. Por lo que\, el paso del tiempo no siempre es generosa con ellas. Solo una minoría  lo atraviesa para llegar al presente en perfecto estado: son las consideradas clásicas. Las que forman la lista de Hollywood se remontan a los tiempos del Cine Mudo donde obras de Charles Chaplin o Buster Keaton siguen siendo efectivas hoy. Desde entonces hasta el presente no han dejado de filmarse. Billy Wilder (1906-2002) llegó a California huyendo de la Europa en guerra y debutó como director en 1942 después de haber escrito guiones para otras producciones. Y a lo largo de su carrera realizó algunas de las mas recordadas: «Una Eva y dos Adanes» (1959) es probablemente la mas redonda de todas ellas y a sesenta años de su estreno sigue manteniendo intactas sus cualidades. Sobre un guión del realizador en colaboración con su amigo y co-escritor I.A.L. Diamond (1929-1988)\, se realizó esta pelicula considerada una obra maestra de todos los tiempos que ha visto trasladado su suceso al teatro con el nombre de «Sugar»\, un musical ampliamente representado también en Argentina. Ese es el nombre de la protagonista femenina\, una bella bailarina y cantante que integra una troupe de teatro itinerante por el interior de los Estados Unidos de los años 20 del Siglo pasado\, cuando una ley que generó la prohibición de venta de bebidas alcohólicas en todo el territorio\, generó un negocio clandestino que dio millones a bandas mafiosas de todas las nacionalidades. En ese contexto aparecen dos testigos de un asesinato en masa que deben huir para no ser alcanzados por los asesinos. Y disfrazados de mujer se incorporan al elenco femenino que viaja hasta la Florida para realizar actuaciones. La situación genera las confusiones imaginadas y mas\, convirtiendo a los maltrechos héroes en dos precursores del travestismo actual. Una comedia que permite reflexionar sobre identidades sexuales a través de una trama siempre ingeniosa y divertida\, con un desenfado que tan bien dominaba el talento de este maestro de la cinematografía\, uno de los mas grandes Directores de cine de la Historia. El trió protagónico lo conforman nombres legendarios: la hermosa Monroe (1926-1962)\, el icono sexual mas poderoso del Siglo XX\, Tony Curtis (1925-2010)\, el galán y aventurero de los años cincuenta y sesenta y el enorme Jack Lemmon 1925-2001)\, tan talentoso en la comedia como poderoso en el drama. Una película absolutamente necesaria para comprender el lenguaje cinematográfico. \n«UNA EVA Y DOS ADANES» (Some like it hot) /1959 / EE.UU. / Director Billy Wilder / Intérpretes Marilyn Monroe\, Jack Lemmon\, Tony Curtis\, Joe E. Brown\, George Raft\, Pat O ‘Brien / Blanco y negro / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LA FAVORITA" (2018).
DESCRIPTION:En fecha indeterminada de inicios del Siglo XVIII\, la Corte inglesa se encuentra colapsada por factores externos e internos. El país lleva años de desgastante y devastadora guerra con su enemiga del otro lado del Canal\, la Francia pre-revolucionaria. La Reina Anne es monarca frágil a causa de la enfermedad y de vaivenes de una vida personal muy dura. Lady Sarah es su confidente mas cercana y la mujer mas poderosa del momento\, la que mueve los hilos del Poder. Abigail\, mas joven que ambas\, es aristócrata empobrecida que busca refugio y trabajo en Palacio. Su llegada trastocará la vida de las otras dos\, mientras los hombres del gobierno miran absortos el juego de estas tres personas\, donde el interés personal se antepone a cualquier otra consideración. Con esta temática\, un consagrado y nuevo talento europeo\, el griego Yorgos Lanthimos (1979)\, obtiene en su séptimo largometraje un triunfo a nivel internacional que lo posiciona en el pelotón principal de nuevas voces cinematográficas\, las que luchan para que el cine mas revulsivo y artístico ocupe lugar en salas y pantallas de todo  tipo. Tras haber perturbado conciencias con su tercer obra\, «Colmillos» (2009) y continuado esa estela con «Alpis» (2011)\, «Langosta» (2015) y «El sacrificio de un ciervo sagrado» (2017)\, obtiene con su último trabajo las primeras planas del Festival de Cine de Venecia 2018 y las alfombras rojas del Oscar 2019 al  ser nominada a varios premios\, consiguiendo el de Mejor Actriz Principal para la británica Olivia Colman. Con una puesta en escena donde la cámara a menudo utiliza lentes deformantes para mostrar su opinión sobre el mundo que retrata o movimientos que transmiten toda fiebre que atraviesa el espacio de quienes nos gobiernan\, el director griego invita a reflexionar y debatir sobre los entresijos de todo ejercicio de poder en cualquier época. Porque los años pasan\, pero los aspectos mas oscuros de la condicion humana permanecen. Y es en ese territorio donde la mirada del Artista se enciende y engrandece. Un film magnifico\, esplendoroso\, único\, que deja atras miradas complacientes sobre monarquías y cortes varias que deberían ocupar lugar solo en territorios de ficción y que\, lamentablemente persisten en demasiados rincones del presente\, desde los mas remotos del planeta hasta los centrales de la Europa que se dice contemporánea y progresista. Otra falacia como tantas que nos atraviesan como espectadores y seres pensantes. El Cine entretiene o propone interpelar y ser interpelados. El enriquecimiento del debate y del lenguaje no puede venir desde otro lado que no sea este. O debería. \n«LA FAVORITA» (The Favourite) / 2018 / Reino Unido-Irlanda-EE.UU. / Director Yorgos Lanthimos / Intérpretes Olivia Colman\, Rachel Weisz\, Emma Stone / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / duración 2 hs.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-la-favorita-2018/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "¡FELÍZ AÑO\, ABUELA...! (2011).
DESCRIPTION:El Cine Vasco continua poco a poco ampliando su producción y también fronteras. Un recambio generacional ha abierto las puertas al tratamientos de nuevos enfoques para temáticas de siempre. A través del genero de la comedia de humor entre amargo y negro\, «Feliz año\, abuela» nos acerca al conflicto familiar que surge a partir del comportamiento extremo y extraño de Mari\, la abuela del título\, quien parece empeñada en complicar todas las relaciones que unen a sus descendientes y familiares de estos. Ella no habla. Pero escucha\, observa y cuando es necesario grita. De una manera estridente que parece perforar los oídos de todos los presentes. Que se ven envueltos en disparatadas situaciones para alejar a esta mujer de sus vidas. Pero la abuela esconde secretos y va a poner en práctica todas las artimañas para lograr sus objetivos. La comedia es un genero que no impide tratar temas extremadamente serios y complejos\, pero que a través de la risa provoca que las tensiones se rebajen y el público pueda digerir mejor la trama. Un a pelicula donde el realizador reflexiona sobre temas ancestrales como la soledad\, el envejecimiento y el deterioro de los lazos humanos cuando se ven enfrentados a realidades diferentes a las que el mandato ancestral parece condicionar. Los tiempos cambian pero muchas cosas permanecen. Desde ese lugar\, el cine observa a sus protagonistas\, prisioneros de viejas ataduras y tradiciones que están condenadas a desaparecer. Con un elenco de notables interpretes\, capitaneados por la inmensa Montserrat Carulla dando vida a una mujer que recuerda a otra abuela muy argentina\, «La Nonna» creada por Roberto Cossa años décadas atras para el teatro nacional\,la pelicula es una muestra mas de un cine en continua evolución que va brindando sorpresas año tras año. \n«¡FELIZ AÑO\, ABUELA!» / URTE BERRI ON\, AMONA/ 2011 / ESPAÑA / director Telmo Esnal / Intérpretes Montserrat Carulla\, Josean Bengoextea\, Kontxu Odriozola\, Pedro Otaegui\, Nagore Aramburu / Color / Hablada en castellano / Duración 1h 40 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LA ESPOSA" (2017).
DESCRIPTION:«LA ESPOSA»  es una película que cuenta una temática siempre vigente: el verdadero autor que se esconde detrás de los libros y premios mas famosos. También es una historia de amor entre una pareja con décadas de historia y los conflictos que ello acarrea. El señor Castleman despierta una madrugada por un llamado de teléfono: su esposa Joan corre a levantar otro auricular para escuchar una noticia: acaban de otorgarle el Premio Nobel de Literatura. El viaje a Suecia para recibirlo será motivo para recordar el pasado y continuar un presente que no tiene nada de calmo. En el lapso de unas pocas horas la vida de todos los integrantes de la familia dará un vuelco inesperado. La actriz Glenn Close (1947)\, uno de los grandes nombres de la interpretación contemporánea\, logra otro de sus grandes trabajos en la creación de una esposa atormentada por secretos sobrellevados durante toda una vida. Ha sido ganadora de varios premios en la presente temporada y otra vez se quedó a las puertas del Oscar\, una anécdota mas dentro de las grandes postergaciones. Una actriz que desde su debut a principio de los años ochenta ha creando una serie de personajes inolvidables en diferentes registros cinematográficos: las malvadas de «Atracción Fatal» (1987)\, «Relaciones Peligrosas»  o «101 Dálmatas»\, las sufridas heroínas de «La Casa de los Espiritius» (1993) o «Mi secreto me condena» (1990) o las grandes trágicas de «Hamlet» (1990) y «El león en Invierno»(2003). Todos estos trabajos\, mas los realizados para la Televisión norteamericana la convierten en uno de los mas atractivos nombres entre las actrices de su tiempo. Un cineasta llegado de Suecia\, es el encargado de realizar esta obra tras una serie de sucesos en su país natal\, donde el tema de la condición femenina vuelve a ser puesto en primer plano para enriquecer el debate actual sobre la imparable revolución que las mujeres llevan realizando en los últimos años. \n«LA ESPOSA» /  The Wife / Reino Unido-Suecia- EE.UU / Director Bjorn L.Runge / Intérpretes Glenn Close\, Jonathan Pryce\, Max Irons\, Christian Slater\, Elizabeth McGovern / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 35 minutos.
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SUMMARY:CINE: "TXARRIBODA" ( La Matanza / La Carneada) / 2015.
DESCRIPTION:El domingo 31 de marzo a las 18.00hs iniciamos el CICLO DE CINE VASCO 2019\, cumpliendo la tercera temporada consecutiva que nos ha permitido visionar cerca de una veintena de títulos pertenecientes a esta nueva cinematografía\, activa dentro del estado español y sus respectivas comunidades autónomas. Los diferentes géneros y épocas han sido protagonistas en estas pasadas funciones\, y seguirá en el presente con una nueva selección que abarca cine realizado en los últimos años. El film primero será » TXARRIBODA» estrenado en 2015 en versión original en euskera y también otra doblada al castellano para su distribución dentro de la Península. Desconocida en Argentina\, asistiremos al estreno en el Centro Basko Azuleño Gure Txokoa. Dirigida por dos cineastas\, uno con larga trayectoria y otro menos debido a su juventud\, esta película es la segunda que el tandem estrena tras la experiencia de «Alaba Zintzoa» (2013). Fran es un joven empresario en apuros: deberá conseguir una alta cantidad de euros en escaso tiempo. Al fallar todos los mecanismos de financiación\,  elegirá el camino del crimen para conseguir solucionar sus problemas. Klara es una joven policía de un departamento superior de investigación. Como en un juego de gato y ratón\, los personajes van viviendo sus vidas paralelas hasta un cruce fatal que mantiene el suspenso mientras describe actitudes y comportamientos humanos secretos. Los escenarios deslumbrantes de Bizkaia (Vizcaya) mas la ciudad de Bilbao y alrededores sirven de marco a la narración. El film ofrece  nuevo acercamiento a un genero clásico por excelencia: el policíaco\, uno de los mas fascinantes para los espectadores\, y esta vez\, con indiscutible aroma vasco. Interpretada por Mikel Losada y la bella Itziar Atienza en los protagonicos\, «Txarriboda» ahonda en cuestiones siempre vigentes donde el rol de la mujer vuelve a ser puesto en primer plano. Un cine que busca la reflexión a través de la narración mas clásica\, una cinematografía vigorosa y poco conocida en Argentina. \n» TXARRIBODA» / La Matanza / La Carneada / España / 2015 / Dirección: Javier Rebollo y Alvar Gordejuela / Intérpretes: Itziar Atienza\, Mikel Losada\, Alvar Gordejuela\, Patxu Telleria\, Ramón Agirre / Hablada en Euskera con subtítulos en castellano / Color / Duración 93 minutos.
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SUMMARY:CINE: "GREEN BOOK" (Una amistad sin fronteras) (2018)
DESCRIPTION:El film ganador del Oscar 2018 a la Mejor Película cuenta la historia de la relación entre dos hombres a causa de un trabajo temporal que los llevará por el Interior de EE.UU. Tony  trabaja como guardaespaldas en un Club Nocturno frecuentado por gente de todos los niveles\, mafiosos incluidos. Después de un incidente con uno de los clientes recibe una insólita oferta de trabajo: durante dos meses ser el conductor del coche de un afamado músico: el Dr. Shirley. El sueldo propuesto no deja margen de dudas al hombre y a partir de allí\, un viaje de larga duración será la excusa para que los dos viajeros vayan desarrollando una relación plagada de contradicciones. Los paisajes recorridos muestran una realidad siempre vigente en el país del Norte: la marginación de la población negra por parte de la blanca. Y en el caso de los protagonistas la realidad se invierte: será un hombre blanco el que deberá atender las demandas de un empleador negro. Con dos memorables interpretaciones a cargo de Viggo Mortensen y Mahershala Ali\, la película nos narra una divertida y conmovedora historia de aprendizaje sobre la condición humana\, siempre en conflicto. La comedia reinante no impide la aparición de los aspectos menos graciosos de la situación. Desde el humor\, la realidad parece ser mejor digerida por nosotros\, espectadores. Uno de los títulos mas exitosos del cine actual. \n«GREEN BOOK» ( Una amistad sin fronteras) / 2108 / EE.UU. / Dirección Peter Farrelly / Intérpretes Viggo Mortensen y Mahershala Ali / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2hs 10 minutos /
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SUMMARY:CINE: "AMY" (2015)
DESCRIPTION:Amy Winehouse nació en Inglaterra en 1983 y murió en 2011. En el breve tiempo que fue desde su irrupción en la escena musical hasta su temprana desaparición\, su presencia y voz la convirtieron en una de las mayores figuras del Pop internacional. Tanto su excepcional capacidad vocal y manera de interpretar como su frenética y auto destructiva vida\, llenaron espacios incontables de televisión y medios de comunicación en general. Su nombre pasó a engrosar la lista de figuras desaparecidas antes de cumplir los treinta años\, lo que ahonda en le aspecto mítico del los protagonistas del imaginario musical desde los años cincuenta a la actualidad. Nombres como Joplin\,Hendrix\, Morrison\, Cobain o Jones la acercan a esta tenebrosa enumeración de muertes tempranas. Con todo este potencial y rico material\, el cineasta también inglés Asif Kapadia (1972) construye un memorable retrato fílmico y una obra de enorme calidad cinematográfica que nos cuestiona a nosotros espectadores como consumidores voraces del espectáculo global a través de algunos de sus protagonistas mas emblemáticos. En este caso\, la figura retratada aporta datos de intensa humanidad que enriquecen la mirada del talentoso cineasta que en la actualidad prepara estreno sobre la figura del futbolista argentino Diego Armando Maradona. En 2010 logró su primer gran triunfo con el film «Senna»\, que recuperaba la figura del mítico deportista brasilero Ayrton Senna\, líder de la Formula Uno y muerto también joven. Un cineasta especialmente dotado para indagar en las profundidades humanas de personajes contemporáneos\, con una capacidad y sensibilidad especial para hacerlo desde la orilla documentalista del Cine\, logrando que experimentemos profundas emociones ante el visionado de cada una de sus realizaciones. «Amy» se convierte entonces en material imprescindible para amantes y estudiosos del cine en general. \n«AMY» ( idem\, Reino Unido\, 2015) / Dirección Asif Kapadia / Film documental con material de archivo y entrevistas sobre la figura de la artista Amy Winehouse / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2hs 5 minutos.
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SUMMARY:CINE: "GILDA" (2016)
DESCRIPTION:Una de las películas mas exitosas del último Cine Argentino que recupera la figura de la cantante Gilda (Miriam Alejandra Bianchi\,1961-1996)\, muerta a los 35 años de edad en lo mas alto de su breve carrera en el ambiente de la cumbia\, música tropical en vertiente nacional. Con una mirada muy documentalista\, la brillante realizadora Lorena Muñoz (1972) ha realizado hasta el presente cuatro largometrajes que indagan sobre artistas populares argentinos (Ada Falcón\, tanguera\, Gilda y Rodrigo\, música popular y un pintor David Alfaro Siqueiro\, mexicano en paso por Argentina) y forman una de las filmografías mas coherentes del presente cine nuestro. La historia de esta mujer con buenos conocimientos musicales que encuentra en un ambiente que no es el que esperaba el éxito fulminante\, es materia de esta película interpretada por la uruguaya Natalia Oreiro (1977)\, también intérprete musical y actriz con registros impensados capaz de lo mejor cuando un buen cineasta la dirige. Tres mujeres rioplatenses unidas por arte del Cine: cuando la realidad da pie a la ficción y esta\, como un espejo\, nos devuelve aristas insospechadas de personajes de quienes en general\, solo conocemos su aspecto mas visible. El otro\, los buenos cineastas suelen encontrarlo. Lo que no siempre satisface a los seguidores de las estrellas reseñadas. \n«GILDA» (ídem\, 2016) Argentina / Directora Lorena Muñoz / Intérpretes Natalia Oreiro\, Lautaro Delgado\, Javier Drolas\, Angela Torres\, Daniel Melingo / Color / Duración 1h 55 minutos / Hablada en castellano sin subtítulos.
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SUMMARY:CINE: "WHIPLASH: MÚSICA Y OBSESIÓN" (2014)
DESCRIPTION:El título original de este film significa en nuestro idioma «latigazo»\, Y no se trata ni de animales ni de esclavos\, sino que se usa metafóricamente para definir el estilo que un maestro de música tiene para con sus alumnos. Un sistema de enseñanza ultra disciplinado que por momentos se acerca al mal trato psicológico pero que parece ser la única manera que este protagonista encuentra para enseñar a sus pupilos. Andrew es un joven apasionado por la música y en particular por la percusión. La historia nos cuenta el lapso que va desde su llegada al instituto hasta su triunfo. Que será resultado del tiempo dedicado y de la paciencia en soportar los extremos métodos del profesor Fletcher. Una de las grandes películas del cine contemporáneo que reflexiona sobre la educación y los lazos humanos que se tienden entre aprendices y educadores en instituciones superiores. Dirige uno de los talentos mas recientes del cine norteamericano\, llegado del cine independiente\, Damien Chazelle (1985)\, con obra breve y exitosa hasta el presente de solo cuatro largometrajes\,con las vigorosas «La La Land»(2016) y «El primer hombre en la Luna» (2018) después del presente título. Los personajes centrales son un desafío para la pareja de actores y ambos logran composiciones memorables. La música y su aprendizaje son el escenario a través del cual se plantean una serie de conflictos humanos que van mas allá de este limitado espacio. El rigor\, la disciplina\, el compromiso\, la pasión\, la autoridad\, el esfuerzo\, todos conceptos que nos afectan en la búsqueda del mejor crecimiento como adultos en un tiempo en que las mayorías parecen querer seguir instaladas en una infancia sin fin..Una película excepcional. \n«WHIPLASH» / EE.UU / 2016 / Dirección Damien Chazelle / Intérpretes Miles Teller\, J.K.Simmons\, Melissa Benoist / Color / En inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 47 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LUZ\,CÁMARA...¡TELÓN...!"  2da. edición 2019 /Febrero 1\, 2 y 3 / 21.00hs.
DESCRIPTION:El Equipo Delta- Trabajo Actoral presenta dentro del Programa Otoño Azul Imagen la segunda edición de «Luz…cámara…¡telón!» (Cine Estudio en Homenaje a Héctor Nebbia). Se desarrollará el primer fin de semana de Febrero durante tres jornadas a las 21.00hs en La Salita / Vivero Cultural Otoño Azul\, en la calle Malere (ex Córdoba) Nº 567 en la ciudad de Azul. \n                                                                                        PROGRAMA \nViernes 1 de febrero:  «LA NOVIA» /ídem / España- Alemania\, 2015/ Dirección Paula Ortíz / guión de Javier Garcia Arredondo sobre «Bodas de Sangre» (1931) de Federico García Lorca (1898-1936) / Intérpretes: Inma Cuesta\, Alex Garcia\, Asier Exteandia\, Luisa Gavasa\, Leticia Dolera\, Ana Fernández / Duración 1h.36 minutos.\n\n\n\n\nSinopsis: la realizadora española se acerca al texto clásico para transformarlo en lenguaje cinematográfico desde la mas profunda libertad creativa\, donde la imagen\, las localizaciones y la música complementan el trabajo actoral logrando una deslumbrante obra audiovisual que respeta el espíritu del escritor andaluz y lo acerca a los espectadores actuales.\n\nSábado 2 de febrero: «VANIA EN LA CALLE 42» / Vanya on 42nd Street / EE.UU.\,1994/ Dirección Louis Malle / guión de Andre Gregory sobre adaptación de David Mamet de «Tio Vania» (1897) de Antón Chéjov (1860-1904) / Intérpretes: Wallace Shawn\, Julianne Moore\, Lynn Cohen\, George Gaynes / Duración 1h.55 minutos.\nSinopsis: en un teatro de Manhattan\, el New Amsterdam Theater\, un grupo de actores se reúnen para ensayar la obra del escritor ruso. Representación y realidad forman parte de esta ficción sobre el ambiente teatral\, donde intérpretes y personajes se alternan bajo la mirada del gran cineasta francés en una de las obras mas aclamadas\, desconocidas y vanguardistas de su extensa carrera.\n\nDomingo 3 de febrero: «OCHO MUJERES» / 8 femmes / Francia\, 2002 / Dirección: Francois Ozon / guión de Francois Ozon sobre obra de Robert Thomas ( Francia\, 1927-1989) / Intérpretes: Danielle Darrieux\, Catherine Deneuve\, Isabelle Huppert\, Fanny Ardant\, Emannuelle Beart\, Virginie Ledoyen\, Ludivine Sagnier\, Firmine Richard /Duración 1h.50 minutos.\n\nSinopsis: en una mansión aislada en medio de un bosque se produce una muerte. Las habitantes del lugar\, familiares y empleadas domésticas\, inician un juego de sospechas que irá desnudando las intimidades y secretos de cada una de ellas. El realizador francés elige una obra clásica del teatro comercial europeo de misterio para convertirla en una comedia de humor ácido y también negro\, intercalado con canciones legendarias del pop francés hasta convertirla en mosaico de los aspectos mas complejos del comportamiento humano. \n  \n 
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SUMMARY:CINE: "EL AMOR BRUJO" (1986).
DESCRIPTION:Una obra mayor del arte español\, resultado de la colaboración de talentos contemporáneos que adaptan al Cine un clásico de la música del Siglo XX. En 1915 el maestro Manuel de Falla estrena en Madrid «El Amor Brujo» y pronto se convierte en éxito masivo en escenarios de todo el mundo. Este original ballet con cante jondo (forma virgen del folclore andaluz) es llevado a la pantalla por segunda vez (la primera data de 1967 y es de Francisco Rovira Beleta) por el cineasta Carlos Saura\, uno de los mayores del panorama hispano (autor de «Peppermint Frappe» (1967)\, «Ana y los lobos» (1973)\,»La Prima Angélica» (1974) o «Cría Cuervos» (1976)\, sucesos en la Argentina de mediados a finales de los años setenta) . El director se une por tercera vez al enorme bailarín Antonio Gades (1936-2004)\, al fotógrafo Teo Escamilla ( (1940-1997)\, al diseñador y vestuarista Gerardo Vera (1947)\, tres grandes en sus disciplinas\, que recrean de manera sofisticada y revolucionaria (para el cine de los ochenta) los amores malditos de unos gitanos: Candela\, Jose\, Lucia y el apasionado Carmelo\, que forman un cuarteto de amantes que unen y desunen sus caminos en la vida\, pero también en la muerte. El ambiente folclórico tan típico del mundo andaluz es recreado con maestría por todos estas grandes figuras que nos brindan la parte tercera y final de la trilogía compuesta por «Bodas de Sangre» (1981)\, «Carmen» (1983) y la presente\, formando un mosaico sobre la mitología andaluza con tres de sus mitos principales: los amores trágicos según Federico Garcia Lorca en la primera\, la mujer fatal pon antonomasia de Prosper Mérimée en la segunda y las criaturas surgidas de la música de Manuel de Falla en esta. Pero hay mas elementos destacables: la voz de Rocío Jurado detrás de «La Canción del Fuego Fatuo»\, la magia del ballet de Gades con la extraordinaria Cristina Hoyos y la bella Laura del Sol o la primera aparición en cine de «Azúcar Moreno» que ponen su figura y voz en momentos ya míticos de este film único e irrepetible. Una Obra Maestra del cine español. \n«EL AMOR BRUJO» /España- 1987 / Director Carlos Saura / Intérpretes Antonio Gades\, Cristina Hoyos\, Laura del Sol\, Jose Antonio Giménez\, Emma Penella\, La Polaca / Fotografía Teo Escamilla / Color / Hablada en castellano con subtítulos / Duración 1h 48 minutos.
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SUMMARY:CINE: "SECRETOS DEL CORAZÓN" (1997).
DESCRIPTION: Pamplona\, Navarra\, finales de los años 50. Javi ronda los diez años. Tiene un hermano mayor y junto a él ha llegado a la ciudad para realizar estudios. Su madre viuda permanece en el pueblo de las montañas y dos tías\, María y Rosa les dan cobijo en su casa. La vida transcurre entre la escuela\, el hogar y los paseos con su amigo Juan\, donde indagan sobre casas abandonadas y misteriosas que\, según ellos\, esconden tremendos secretos. Su hermano mayor lo trae a la realidad una y otra vez\, pero la cabeza de Javi bulle de preguntas e interrogantes. ¿Quienes son esas mujeres que lo rodean y que tantas cosas esconden? ¿que pasó con su padre muerto? ¿por qué hay habitaciones a las que está prohibido entrar? ¿es su tío solo eso o algo mas? ¿los ruidos que llegan desde mas allá de las paredes son de fantasmas…o de seres reales?. «Secretos del Corazón» está considerada entre las grandes películas de la Historia del Cine español. Dirigida por uno de sus mayores (y escasos) creadores cinematográficos\, el navarro Montxo Armendñariz\, nacido en  Olleta en 1949 y director de films memorables como «Tasio»\, su primer largo o «No digas nada» (2011) el último\, tuvo con este título uno de los mayores sucesos de su carrera. Ganadora de premios dentro y fuera de la Península\, fue nominada en 1998 al Oscar al Mejor Film Extranjero y estrenada en Argentina en 1999\, donde cosecho un gran suceso crítico y menos de público. Es una obra que indaga magistralmente en el mundo de la Infancia y las repercusiones que tiene para los niños el descubrimiento de la vida de los adultos\, que va haciéndolos mayores a ellos mismos. Con la sutileza de un «telón de fondo» marcado por la represión de todo tipo del gobierno franquista\, que jamas cae en lo banal\, la película nos acerca todo un tiempo de la realidad del norte de España\, esa región vasca que debía entonces mantener su lengua\, el euskera\, como un secreto solo descubierto en la intimidad de las casas. Así como cualquier idea o compromiso político opuesto al del régimen dictatorial de Francisco Franco\, siniestro personaje de la Historia europea que provocó una Guerra Civil entre 1936 y 1939\, marcando para siempre el rumbo de un país y sus ciudadanos. De todo esto y mucho mas\, habla esta extraordinaria obra maestra del Cine. Un título que gana peso y esplendor con el paso de los años y se suma a la estricta lista de clásicos del cine que abordan la infancia: desde «El Pibe» de Charles Chaplin hasta el «Lustrabotas» de Vittorio de Sica\, pasando por el Antoine Doinel de Truffaut en «Los 400 Golpes» y los deslumbrantes niños de «Juegos Prohibidos» de Clement. Todo un universo propio del Cine que esta obra ayuda a completar. \n«SECRETOS DEL CORAZÓN» / España- Portugal- Francia / 1997/ Director Montxo Armendáriz / Intérpretes Andoni Erburu\, Alvaro Nagore\, Iñigo Garcés\, Charo Lopez\, Silvia Munt\, Vicky Peña\, Carmelo Gómez / Color / Hablada en castellano / Duración 1h 44 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-secretos-del-corazon-1997/
LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL PRIMER HOMBRE" (2011).
DESCRIPTION:Esta película realizada por el cineasta italiano Gianni Amelio (1945) adapta la obra póstuma e inconclusa de Albert Camus (1913-1960)\, uno de los mayores escritores\, ensayistas\, dramaturgos del Siglo XX. Narra una historia de tintes absolutamente autobiográficos donde el escritor concibe a otro escritor para hablar de su propia historia que transcurre en Argelia en dos tiempos: su infancia en los años veinte y su adultez en 1956 cuando el país norafricano está en plena guerra contra Francia. Jacques Cormery es un nombre consagrado que regresa a Argelia para disertar en las universidades sobre el absurdo de una guerra sangrienta como todas\, que enfrenta a colonizadores y colonizados. Él siente un profundo amor por su tierra\, habiendo nacido en una familia de colonos pobres que huyeron de la pobreza y miseria europea de finales del Siglo XIX. En el reencuentro con su madre analfabeta se produce un regreso a la infancia\, marcada por las precariedades económicas de su familia\, integrada por madre\, abuela y tío\, con el fantasma del padre muerto y desconocido que cae en la Primera Guerra Mundial. El disertante indaga sobre la memoria\, las relaciones humanas\, los amores familiares y el destino trágico de su país tanto como el amor que siente por la herencia cultural francesa. Dos mundos antagónicos que intenta conciliar con escaso éxito. La película resulta ser la mejor adaptación del universo literario de Camus al lenguaje cinematográfico\, que también intentaron con resultados menos satisfactorios dos buenos cineastas como Luchino Visconti en 1967\, cuando adaptó la primer novela del argelino\, «El Extranjero» y fue uno de los grandes fracasos de su carrera o Luis Puenzo con «La Peste» en 1992\, inspirándose en el texto homónimo de 1947. En esta ocasión\, la mano magistral de uno de los mayores y menos prolíficos cineastas europeos actuales\, activo desde los años setenta y autor de films memorables como  «Puertas Abiertas» (1990)\, «Ladrón de niños» (1992)\, «Lamérica» (1994) o la reciente «La Ternura» (2017)\,todos memorables retratos de la Europa contemporánea\, hace que los dos lenguajes mas (para mi) importantes del arte se fundan admirablemente\, dando como resultado una de las películas mas hermosas de la presente década. El amor\, la educación\, las diferencia culturales entre musulmanes y cristianos\, la guerra\, la memoria\, el reconocimiento\, el dolor y la alegría\, todos aspectos de una vida tan intensa como breve\, la de este hombre Camus que murió en un accidente de dudoso origen a los 47 años en plena capacidad creadora. Un autor que mereció el Nobel de Literatura en 1957\, que discrepó sobre el existencialismo o el comunismo\, se enfrentó verbalmente a defensores de todas las ideologías afirmando que se basaban en un absurdo\, fue activista en la Resistencia contra el dominio alemán y amó a mujeres mas allá de su propia esposa\, que fue padre de mellizos y dejó para la Historia palabras memorables que habitan libros como los anteriormente citados u obras de teatro siempre vigentes y harto representadas como «El Malentendido» o «Calígula». Un Escritor y un Cineasta que unen sus miradas en otro ejercicio del mejor cine de siempre. \n«EL PRIMER HOMBRE» / Il Primo Uomo- Le premier homme\, 2011 / Italia- Argelia- Francia / Director Gianni Amelio / Intérpretes Jacques Gamblin\, Nino Jouglet\, Maya Sansa\, Ulla Baugue\, Catherine Sola /Color / Hablada en francés y árabe con subtítulos en castellano / Duración 1h 40 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-el-primer-hombre-2011/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "ÁNGEL" (2007).
DESCRIPTION:El cine continúa descubriendo en la literatura material adaptable a la pantalla\, un hábito que se mantiene desde los primeros tiempos de su vida. El cineasta Francois Ozon (1967)\, uno de los grandes del panorama europeo actual\, transforma en imágenes la novela «Ángel»\, publicada en 1957. Su autora\, sufrió el no ser reconocida en vida en tanto mujer premiada y apreciada literata. Después de su muerte en 1975\, su nombre fue rescatado y revalorizado. El llamarse igual que una de las mayores divas del Siglo XX\, Elizabeth Taylor\, no contribuyó en nada a su suerte. Nacida en 1912 escribió 12 novelas a lo largo de su carrera\, también cuentos y relatos breves además de participaciones en la prensa. «Ángel» relata la historia de Ángel Deverell\, una joven empeñada en escribir y alcanzar la fama. Hija de una almacenera\, su infancia se instala sobre la negación de la realidad que la circunda y de la que huye a través del ensueño y la imaginación que pronto se sublimarán en escritura. Su obstinación y seguridad en si misma la empujan a trascender la ciudad en que vive y abrazar la metrópolis. El éxito le sonríe pronto y la riqueza llega a su vida. Pero no todo se consigue con dinero\, el amor por ejemplo. La trama sirve al realizador galo para ejecutar otros de sus brillantes ejercicios cinematográficos donde clasicismo y transgresión se intercalan alternativamente entre film y film. La condición femenina cae otra vez bajo su punzante lupa y el resultado vuelve a ser brillante. Maestro en la creación de climas\,el regreso al Siglo XIX como escenario de su historia le permite ejercitar su talento en la fotografía\, música y ambientación exquisita. Su capacidad de sacar lo mejor de actores y actrices vuelve a manifestarse. Romola Garai (1982) es una de la figuras mas talentosas de la Europa actual\, dueña de una enorme belleza y talento\, es la figura ideal para dar vida a la escritora que escribe mucho pero no todo es de calidad. Una gran vendedora de libros no es siempre una gran narradora. Una mujer con ambiciones de ser feliz a cualquier precio que parece creer que todo se consigue a golpes de chequeras. La realidad y la ficción son parte de su vida y los caprichos para que todo se iguale\, simple deseo. Una película que nos brinda nueva mirada sobre el mundo e interioridades de los creadores\, la otra cara que no siempre es visible\, así como la posibilidad de reflexionar sobre conceptos siempre actuales: éxito\, felicidad o realidad. \n«ÁNGEL» / 2007 / Reino Unido- Francia / Director Francois Ozon / Intérpretes Romola Garai\, Sam Neill\, Lucy Russell\, Charlotte Rampling\, Michael Fassbender / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 53.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-angel-2007/
LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"IGELAK" / (RANAS) / 2016.
DESCRIPTION:Una comedia que habla de un tema muy actual y nada divertido en la sociedad europea actual: el conflicto por los impagos de créditos bancarios sobre la vivienda y el consecuente desalojo de sus frustrados propietarios. El realizador vasco PATXO TELLERIA\, nacido en 1960 en Bilbao\, filma su tercera y mas exitosa película donde el protagonista es uno de los mas populares de Euskadi\, el actor GORKA OTXOA\, nacido en 1979 en Donostia y con cincuenta trabajos en pocos años entre Televisión y Cine. Ambos son exponentes de la variante de comedia en una cinematografía hasta hace pocos años muy centrada en el género dramático y testimonial. Porque los temas mas complejos y asfixiantes pueden ser vistos desde el prisma del humor sin por ello claudicar en el serio postulado que la realidad impone. Pello es empleado bancario que se ocupa de los asuntos menos simpáticos: denegar préstamos a los mas comprometidos clientes que imploran por su ayuda o negociar contratos con empresarios de dudosa seriedad. Pero su vida cambia por la trampa que le tejen superiores y de un día para el otro se convierte en prófugo de la justicia para acabar viviendo del lado de los que hasta hace poco tiempo imploraban su ayuda en las oficinas. Una película que se convierte en crítica feroz sobre el devenir de la realidad económica de millones de españoles victimas de la Crisis Financiera del 2008 que arrastró al desastre a ciudadanos que cometieron el error de creer lo que los grandes bancos le proponían. Un futuro auspicioso convertido en infierno para muchos. La película muestra un panorama diferente de una gran ciudad como San Sebastían\, adornada por la música y letra de jóvenes intérpretes vascos que a través del pop y el rock indagan en los aspectos mas complejos de la actualidad con canciones que se intercalan con la acción de los protagonistas y complementan la realidad analizada. La fábula «El Escorpión y la Rana»\, de origen desconocido aunque a veces atribuida a Esopo\, se convierte en la base de un film original\, divertido\, humano\, que devuelve a través de la comedia una mirada de la deformada realidad actual de muchos que perdieron el tren del éxito. \n«IGELAK» / «RANAS» / España 2016 / Director Patxo Telleria / intérpretes Gorka Otxoa\, Miren Gaztañaga\, Mikel Losada\, Iñaki Rikarte / Color / Hablada en castellano con canciones en euskera con subtítulos en castellano / Duración 1h 38 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/igelak-ranas-2016/
LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "PASIÓN DE AMOR" (1981).
DESCRIPTION:Una de las pocas películas que reflexiona seriamente sobre la cuestión de la fealdad en las personas. En un arte como el cinematográfico donde ha predominado desde siempre la búsqueda y exaltación  de la belleza\, su opuesto rara vez ha sido tema protagónico. En el Siglo XIX se edita una novela llamada «Fosca» de un autor de vida tan dura como breve: Iginio Ugo Tarchetti\, que muere a los 30 años en 1869 sin haber finalizado este trabajo. Sería concluido y editado por un amigo. Su nombre se pierde entre tantos autores de un tiempo prolífico en relatos de la naciente izquierda europea. Una literatura que bucea en los aspectos menos atractivos del alma humana\, que encuentra aquí formidable ocasión para reflexionar sobre cuestiones como la falta de atractivo físico y la histeria como patologías de su protagonista. En 1981 el gran cineasta italiano Ettore Scola (1931-2016)\, autor de «Celos estilo italiano» (1970)\, «Me permite\, Rocco Papaleo» (1971)\, «Nos habíamos amado tanto» (1974)\, «Feos\, sucios y malos» (1976) o «Un día muy particular»\, entre algunos de sus mejores títulos\, recupera este texto olvidado y lo convierte en magnífica pieza cinematográfica. Giorgio es un apuesto Capitán de la recién unificada Italia que vive un romance adultero con la bellisima Clara. Pero un nombramiento en la frontera lo aleja de ella. En una casa donde convive con otros militares\, el líder mayor del lugar\, el Coronel\, tiene una sobrina a su cargo: Fosca\, mujer histérica de enorme fealdad. De la que es consciente y por la cual enferma. Pero no le impide enamorarse inmediatamente del atractivo recién llegado. El encuentro entre los dos personajes propone al director una reflexión sobre las posibilidades y frustraciones que envuelven a una heroína de estas extrañas (para el cine) características. Y realiza una de sus mejores películas. El enfrentamiento a partir del condicionamiento que el aspecto físico genera en las personas\, las dificultades o simples imposibilidades de concretar un romance o un mero encuentro sexual\, la aparición de lo morboso como elemento de atracción\, el entorno masculino que rodea a una mujer por la que todos experimentan repulsión\, son algunas de la vías que Scola explora para articular su relato. Una obra siempre abierta a la discusión y al debate a partir de la mirada de un hombre enormemente respetuoso con la condición femenina. Fosca es fea y lo sabe. Pero lejos de doblegarla\, la incita a provocar al militar que no parece tan valiente a la hora de enfrentar estas batallas\, pero que se enfrentará a ella mientras convergen en él los recuerdos de su bella y distante amada\, y la fealdad y cercanía de la habitante de la mansión donde impera un espíritu masculino de extrema rigurosidad. Y decadencia. Porque poca grandeza destaca en estos hombres que rodean a la pareja. Con interpretación y caracterización impactante de una actriz que a pesar de triunfar en el reto de dar vida a la protagonista no lograría alcanzar mayor fama\, el film se convirtió en suceso en el Buenos Aires de 1982 cuando se estrenó. La temática expuesta resultó y resulta aun original y provocadora. «Pasión de Amor» emerge en este presente como pieza viva de uno de los mejores cines de la Historia\, el Italiano y nos recuerda que la historia de «La Bella y la Bestia» guarda aun muchas maneras de acercarse a ella\, para subvertirla y generar nuevas reflexiones. \n«PASIÓN DE AMOR» ( Passione d’amore\, 1981) / Italia / Director Ettore Scola / Intérpretes Valeria D’Obici\, Bernard Giraudeau\, Laura Antonelli\, Jean Louis Trintrignat\, Massimo Girotti\, Bernard Blier.
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LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL HOMBRE DE LA MANCHA" (1972)
DESCRIPTION:«El Hombre de La Mancha» es el título de una obra musical estrenada en teatro en Estados Unidos en 1965. Su inmediato suceso llevó a representarla poco después en España y en 1968 llegó por primera vez a Argentina\, donde se ha repuesto en 1981\, 1993\, 2005 y 2015\, gozando siempre de gran suceso hasta convertirla en uno de los musicales mas exitosos de todos los tiempos. El libreto corresponde a Dale Wasserman\, la música a Mitch Leigh y las letras a Joe Darión. En 1972 fue llevada al cine en una costosa producción entre Italia y Estados Unidos producida por Alberto Grimaldi y dirigida por el realizador de «Love Story» Arthur Hiller. Sin embargo fue un fracaso de público y el apoyo crítico fue tibio. Con los años ha ido ganando aceptación y hoy es vista como una brillante adaptación del original y\, sobre todo\, como respetuosa interpretación del texto original de Miguel de Cervantes\, centrándose en la relación amorosa entre el Hidalgo y la bella manchega. Interpretada por el actor británico Peter O’Toole (1932-2013) en el protagónico de tres personajes\, Cervantes\, Quijano y Don Quijote\, James Coco (1930-1987) como Sancho Panza y Sofia Loren (1934) como Aldonza y Dulcinea del Toboso\, la llegada al cine permite «escapar» del único escenario teatral de la prisión donde se haya recluido Cervantes en espera de ser interrogado por la Inquisición\, hacía la Venta donde transcurre la acción complementaria de las criaturas imaginadas por el autor español. Destacan entre los atractivos del film\, una extraordinaria fotografía de uno de los mayores artistas de todos los tiempos\, el italiano Giuseppe Rotunno (1923)\, que creó imágenes memorables para Visconti\, Fellini\, Wertmuller o Bob Fosse\, la inolvidable canción «El Sueño Imposible» y la belleza única (y en pleno esplendor de sus 37 años) de Sofia Loren. Es entonces la ocasión de redescubrir esta adaptación realizada para el Cine en el marco de la Semana Cervantina de 2018\, que como las anteriores\, se convierte en un Faro que desde Azul irradia luz para recordarnos que la obra inmortal del genial manchego continúa vigente y siempre abierta a nuevos descubrimientos. \nEl 17 de mayo de 1973 se estrenó en Argentina este film y el crítico/cronista/ escritor de cine Juan Carlos Frugone (1938- 2009)\, uno de los mejores de su tiempo\, publico en el diario «Clarín» la reseña sobre el mismo. Debido a su sencillez y claridad expositiva\, la reproduzco totalmente\, sirviendo a la vez como homenaje a este talentoso hombre que debió exiliarse de Argentina a mediado de los años setenta a España\, donde continuó su extensa carrera hasta la muerte. \n«UNA COMEDIA MUSICAL REFLEJADA FIELMENTE» \nLas conocidas virtudes de la obra original de Dale Wasserman (inspiradas canciones\, buena sinopsis del romance de Don Quijote y Dulcinea) reviven en esta versión cinematográfica que el director Arthur Hiller ha registrado con suma fidelidad al original\, limitando su tarea a una ubicación de cámara acertada y a permitir que interpretes y\, esencialmente\, fotógrafo (el excelente Giuseppe Rotunno) y escenógrafo se luzcan en sus respectivos trabajos. \nLlevar al cine o al teatro cualquier tipo de adaptación de «Don Quijote de La Mancha» es una tarea ingrata. Implicará\, sin excepciones\, severísimas criticas y siempre alguien acusará de infidelidad\, tergiversación\, etc\,. Quizá un poco por eso\, otro poco por lo que mas lo ha fascinado a nivel espectáculo o drama sea el romance entre Don Quijote y Dulcinea\, Wasserman se ha ceñido a indagar solamente esa linea -de las múltiples de estudio que permite el texto original – y dentro de ella ha trabajado una historia conmovedora\, que capta bien esa vertiente y que se limita a reflejar solo episodios y personajes que tienen que ver con ella. \nEn otra licencia poética\, el autor del musical imagina también a Miguel de Cervantes acusado por la Inquisición y siendo juzgado por sus compañeros de celda en virtud de su narración de este aspecto de la obra. Así\, una doble trama subraya su acento lírico en el talento del escritor y su capacidad de conmover a las audiencias con los personajes comprobadamente inmortales que supo crear. Y serán los mismos prisioneros\, los que\, también\, desdoblándose animen los caracteres de «Don Quijote». \nLa única libertad que se ha tomado Hiller (o el adaptador de la obra al cine) es sacar la acción del sótano de la prisión y pasar a la venta donde ocurren \,os sucesos narrados por Cervantes. Ahí es donde se luce la imaginación del decorador y\, especialmente\, la extraordinaria fotografía de Rotunno\, que logra gama de luces azulados de gran belleza y una exacta estilización. \nHiller por su parte\, sigue sojuzgado al texto y a las canciones. Quizá otro director les hubiera otorgado mayor grandeza\, sobre todo a páginas como «El Sueño Imposible» o «Dulcinea». Como están\, quedan resumidas y labradas a sus propios méritos\, a las dolientes caras de Peter O’Toole y a la buena voz que lo ha doblado. Es de lamentar que otro tanto no se hiciera con Sofia Loren\, una buena actriz que lucha con sus canciones y solo cobra alguna dimensión cuando junto con ella debe poner mucho de si a nivel de tonos e interpretación del texto (Aldonza). De todos modos ambos sectores cumplen a conciencia con las partes que les tocan y se desdoblan bien: O’Toole en su triple dimensión de Cervantes\, Don.Alonso Quijano y Don Quijote De La Mancha\, Loren en Aldonza Lorenzo y Dulcinea del Toboso. Pero indudablemente pero quien «roba» las escenas es James Coco en una muy loable caracterización como Sancho Panza. \nHonesta como versión\, vigente como pieza teatral\, «El Hombre De La Mancha» logra trascender limitaciones\, virtudes o logros gracias a una mano que sigue gobernando por sobre todas el texto\, la inspiración y la fuerza de situaciones y personajes: Miguel de Cervantes. Las diversas dimensiones de sus caracteres\, su eterna magia\, el dolor y la deslumbrante locura de Don Quijote son mas fuertes que todas las manos que pasen por encima de ellos. Y aunque mas no sea por la letra de «El Sueño Imposible» Wasserman reivindica su derecho a haber resucitado el texto\, porque bien transmitido o no\, hay una verdadera captación y respeto por el inefable amor de Don Quijote a su dama\, Dulcinea. \n                                                                                                                           Juan Carlos Frugone (Clarín\, mayo de 1973). \n 
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SUMMARY:CINE: "ROSA LUXEMBOURG" (1986).
DESCRIPTION:En enero de 2019 se cumplirá un siglo del asesinato de Rosa Luxemburgo (1871-Polonia/ 1919-Alemania).¿Quién fue esta mujer?. El presente nuestro se caracteriza en parte\, por el ejercicio de la des-memoria\, orquestada por los sectores mas conservadores que ostentan el Poder a nivel planetario. Un presente que predica futuros vagos y articulados en base a promesas de bienestar desde una perspectiva casi mágica en la solución de los conflictos que afectan a la condición humana. Rosa Luxemburgo representa\, y representó\,  lo opuesto a esta idea. Nacida en la Polonia pro-rusa-zarista del Siglo XIX\, descubre a los 15 años la injusticia en el asesinato de los lideres que defienden los ideales socialistas e inicia una carrera política que la llevará a ser protagonista de un formidable período de cambios sociales en Europa que incluyen la Revolución Rusa de 1905 y la Primera Guerra Mundial. Desde su tierra natal hasta la vecina Alemania\, traspasa una y otra vez las fronteras en pos de sus ideales. Que en el devenir de las décadas que ocupan su vida\, irán marcando las diferencias no solo con la Oposición\, sino con sus propios compañeros. La Social Democracia Alemana\, de la que es militante\, se divide en dos sectores mayoritarios entres quienes defienden o no la idea revolucionaria. Y ella\, enamorada de toda forma y justicia\, acaba del lado de los perdedores de la  escisión. Este brevísimo resumen\, sirve como introducción a este también breve escrito sobre una figura clave de la Historia\, y del traslado al Cine llevado a cabo en 1986 por una de las grandes directoras europeas\, la también actriz Margarette von Trotta (1942). De origen alemán\, debuta tras las cámaras en 1975 con uno de los grandes títulos de su época: «El honor perdido de Katharina Blum»\, prohibido por la censura argentina. En 1981 repite suceso\, ahora si en nuestro país\, con «Las Hermanas Alemanas»\, radiografía política de su nación\, ahora contemporánea que analiza el terrorismo de los años sesenta y setenta con las vivencia de dos hermanas enfrentadas por sus ideales\, una temática que golpeo en las conciencias de un sector de espectadores que vivimos las consecuencias de otro conflicto similar\, el nuestro. Desde entonces\, la realizadora ha seguido indagando en la relación entre mujer y política en films rodados en Italia y en Alemania. Destacan «Locura de Mujer» (Heller Wahn\, 1983)\, «Hannah Arendt y la banalidad del mal» (2012) \, entre otros títulos de su extensa filmografía\, que la unen junto a Agnes Varda\, Mai Zetterling\, Liliana Cavani\, Pilar Miro o Lina Wertmuller al grupo de realizadoras cinematográficas que aportaron un nuevo aire de reflexión desde la perspectiva femenina al masculinizado cine de siempre. Su último trabajo es de 2018 e indaga en la figura del artista supremo del Siglo XX\, Ingmar Bergman. La realizadora dirige en varias ocasiones a la actriz Bárbara Sukowa (1950)\, uno de los grandes nombres de la interpretación europea\, de extraña belleza y mayor talento\, que realiza en su creación de Luxemburgo\, uno de sus mejores trabajos. La acompaña otro nombre emblemático del mejor cine europeo de los setenta y los ochenta\, el polaco Daniel Olbrychski\, actor fetiche de su compatriota Andrzej Wajda\, junto a quién triunfo en la cartelera porteña con películas como «El Bosque de los Abedules» (1970)\,»La Boda» (1973) o «Las Señoritas de Wilko» (1979). Tres artistas de primer nivel que se unen para rendir homenaje a una figura clave en las luchas sociales\, no solo por la condición femenina\, sino humana en sentido mas justo y doloroso de la palabra: la imprescindible Rosa Luxemburgo. Entre otras palabras memorables\, dejó estas\, con un profundo optimismo sobre la vida: «Es mi tercera navidad tras las rejas\, pero no lo tome a tragedia. Yo estoy tan tranquila y serena como siempre. (…) Ahí estoy yo acostada\, quieta y sola\, envuelta en estos múltiples paños negros de las tinieblas\, del aburrimiento\, del cautiverio en invierno (…) y en ese momento late mi corazón con una felicidad interna indefinible y desconocida. (…) Yo creo que el secreto no es otra cosa más que la vida misma: la profunda penumbra de la noche es tan bella y suave como el terciopelo\, si una sabe mirarla.” \n«ROSA LUXEMBURGO (Rosa Luxemburg) 1986 / Alemania Occidental- Checoeslovaquia / Directora Margarette von Trotta / Intérpretes Bárbara Sukowa\, Daniel Olbrychski\, Otto Sander / Color / Hablada en alemán\, polaco y francés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "ALANIS" (2017).
DESCRIPTION:Alanis es una joven prostituta que deambula por los alrededores del Once porteño con un bebé a cuestas y una juventud de enorme peso y conflictivo pasado. Su constancia y valor para enfrentar la condición de mujer por la que lucha día a día en un entorno degradado\, áspero\, silenciado por los Medios hegemónicos\, dan luminosidad a su existencia. Como millones de mujeres en todo el planeta\, su trabajo consiste en vender su cuerpo al mejor postor. Intentando que sea en las condiciones menos riesgosas\, el film nos la muestra a lo largo de unos pocos días de su vida. Un retrato que bucea en el documental para transformarlo en ficción y desde allí lograr el rebote hacía el espectador. Como un juego de espejos en el que la realizadora indaga sobre la condición humana en tiempos de post-verdad. Un sector de la sociedad que parece siempre vivir en los márgenes de todo pero que sin embargo son millones\, silenciados por generar incomodidad al Poder de turno. El presente global demuestra que la prostitución lejos de acotarse\, se mantiene activa y genera nuevos fenómenos que alcanzan variantes desde lugares antes menos protagonistas: las migraciones\, por ejemplo. En «Alanis» no son las que se producen de un país a otro\, sino desde el Interior argentino a la Capital. Movimientos permanentes siempre relacionados a un patrón común: la falta de oportunidades\, conflictos familiares y socio-económicos que empujan a las personas a cambiar de destinos en busca de un mejor horizonte\, o peor\, simple fuga de un destino insoportable. La directora Anahi Berneri (1974) (autora de este y cuatro largometrajes de gran calidad: «Un año sin amor » (2005)\, «Encarnación» (20107)\, «Por tu culpa» (2010) y «Aire Libre» (2014) ) forma parte del activo núcleo de realizadoras argentinas que con enorme fuerza irrumpieron en los últimos veinte años: pasaron las décadas que anteceden a este periodo cuando hubo que esperar hasta 1960 para que una mujer firmara y filmara detrás de la cámara. La pionera Vlasta Lah\, de quién solo se sabe la fecha de muerte\, 1979\, silenciando hasta su nacimiento\, dirigió «Las Furias» y fue destrozada por la crítica del momento. María Herminia Avellaneda o María Luisa Bemberg fueron mas afortunadas\, y la segunda de ellas se convirtió en la «primera mujer» visible entre los directores de cine nacional. Nuestro presente\, y gracias a las políticas que el INCAA puso en práctica después de 2003\, se nutre de un verdadero batallón de cineastas\, que\, «capitaneadas» por Lucrecia Martel (1966) desde su aparición con «La Ciénaga»(2001)\, integran nombres como Lorena Muñoz\, Albertina Carri\, Inés Braun o Ana Piterbarg y han dado a nuestra cinematografía un nuevo aliento. Renovando equipos técnicos con profesionales formados en centros educativos de cine (privados o públicos)\, buscando intérpretes desconocidos\, o potenciando la figura de alguno mas famoso al que cambian de registro\, descubriendo nuevas posibilidades. Este film obtuvo un resonante suceso en el Festival de Cine de San Sebastián\, España\,  donde consiguió dos de los mayores trofeos: a la Mejor Dirección y a la Mejor Actriz. Lo repitió en México y en la propia Argentina\, donde la protagonista alcanzó el mayor reconocimiento en Cine argentino: el premio Cóndor a la mejor Actriz. Un cine que a pesar de todos los méritos no alcanza la visibilidad que merece al no cumplír con los «requisitos» de las grandes cadenas de distribución audiovisual que apuestan por un cine mas acomodaticio encaminado absolutamente al espectro mas comercial del mismo. Es entonces\, la hora de encontrar espacio nuevos\, reducidos\, para hacer llegar estas nuevas miradas al público mas exigente. \n«ALANIS» / Argentina\, 2017/ Directora Anahi Berneri / Intérpretes Sofia Gala Castiglione\, Dante Della Paolera\, Dana Basso\, Silvina Sabater\, Estela Garella / Color / Hablada en castellano sin subtítulos / Duración 82 minutos.
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SUMMARY:CINE: "CUANDO ELLAS QUIEREN" (2018)
DESCRIPTION:Una comedia reciente que centra su historia en cuatro mujeres mayores. Con edades que van desde los 80 muy bien llevados de Vivian hasta los 65 de Carol\, el núcleo femenino es una excusa para reflexionar sobre la vida de las personas que al cumplir años no hacen mas que valorar la experiencia tenida e imaginar proyectos para el futuro. Con un pasado que siempre sirve para impulsar mejoras a partir de la reflexión sobre lo que no ha salido bien para conseguir nuevos objetivos. El cine actual tiene la inteligencia y capacidad de entender que no todos los espectadores que llenan las salas son jóvenes en busca de films de terror o superhéroes\, quedando un espacio muy amplio para el resto de la población que sigue apostando por el entretenimiento de calidad. Un tipo de cine que ahora es mas fácil de localizar en las plataformas digitales que nutren televisiones o nuevos formatos relacionados con Internet que en las salas. Cuatro amigas que siguen siéndolo tras décadas\, se reúnen continuamente para leer un libro en común y a partir de eso aplicar lo aprendido a sus propias existencias\, contarse intimidades y compartiéndolas\, encontrar espacios de diversión. Divorciadas\, casadas\, solteras o viudas\, tienen en común sus ansias de vivir. Amantes\, maridos o hijas\, completan el entorno. Con las andanzas de cada de una de ellas se arma la función. Interpretada por cuatro nombres formidables que ya forman parte de la Historia de Hollywood\, el realizador debutante logra una comedia lujosa donde cada una muestra sus talentos y sus atractivos aun vigentes. Porque lo femenino nada tiene que ver con la edad sino con la psique y ellas lo ponen en práctica y demuestran. La legendaria Jane Fonda\, una de las mayores estrellas del último medio siglo\, desde su debut en 1960\, con una carrera entre EE.UU y Europa que tuvo un largo paréntesis y ha sido retomada con bríos diez años atrás\, la reina de la comedia setentera\, ochentera\, etc\, etc\, la gran Diane Keaton\, musa del mejor Woody Allen y protagonista femenina de la saga «El Padrino»\, con notables y esporádicos trabajos dramáticos de alto voltaje\, la bella Candice Bergen que emergió como uno de los grandes rostros de los años sesenta con films como «Vivir por Vivir» de Claude Lelouch o «Conocimiento Carnal»\, un clásico de 1972 y reinó finalmente en la televisión con una serie mítica «Murphy Brown»\, y la menos popular (pero enorme actriz) Mary Steenburgen\, que debutó muy joven junto a Jack Nicholson y ganó un Oscar por uno de sus primeros trabajos. Un equipo formidable de actrices que sustenta la película\, pasando a engrosar la fila de las comedias sobre mujeres que tanto éxito han cosechado siempre. Cuatro actores de glorias (y hasta Oscar) pasadas les acompañan y entre todos logran recordarnos que la comedia siga viva\, vigente\, necesaria para acercarnos por medio de la risa o sonrisa\, a temas en general nada cómicos. \n«CUANDO ELLAS QUIEREN» / Book Club\, 2018 / EE.UU. / Director Bill Holderman / Intérpretes Jane Fonda\, Diane Keaton\, Candice Bergen\, Mary Steenburgen\, Richard Dreyfuss\, Don Johnson\, Andy Garcia\, Craig T .Nelson\, Alicia Silverstone\, Ed Begley.Jr. / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 44 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "AMOR\, MUERTE\, TARANTELA Y VINO..." (1978).
DESCRIPTION:La actriz mas popular de la historia del cine italiano fue también una de las mujeres mas deslumbrantes desde los años cincuenta del Siglo XX hasta el presente\, A sus 84 años\, Sophia Loren sigue manteniendo su magnetismo sobre generaciones enteras de espectadores. Con una carrera tan extensa\, algunos de sus trabajos han permanecido en la sombra y el presente nos permite rastrear entres esos tesoros olvidados. En 1978\, a los 44 años de edad\, la napolitana mas internacional del mundo trabajó por primera vez a las ordenes de una mujer\, su compatriota Lina Wertmüller (1928)\, autora de memorables sucesos como «Mimi Metalúrgico»\, «Amor y Anarquía» o «Pasqualino Siete Bellezas»\, tres de los mayores sucesos de su carrera. Con su actor fetiche en todas ellas\, Giancarlo Giannini (1942)\, la realizadora dirige a una tercera figura fundamental del cine peninsular: Marcello Mastroianni (1924-1996)\, uno de los mayores actores de la Historia. Con semejante trío no se esperaba el fracaso que la obra resultó en su estreno. Una historia que se adentra en territorio siciliano a principio de los años 20 cuando el panorama italiano se vio convulsionado por la subida al poder de Benito Mussolini (1883-1945) mientras la isla seguía prisionera de sus prejuicios ancestrales. Titina pierde a su marido en la primera escena del film y desde entonces solo pensará en como vengar esa muerte. El honor\, el amor\, la política\, el machismo\, la posesión de la mujer como objeto\, son todos escenarios que Wertmüller encuentra para narrarnos esta magnifica historia que mas que triangulo es quinteto\, con otros dos hombres que giran alrededor de los tres protagonistas.Rosario Spallone es un rico terrateniente de ideas socialistas enemigo acérrimo del emergente fascismo italiano mientras que Nicola Sanmichele es un emigrante que regresa desde Estados Unidos lleno de dinero y de muerte a sus espaldas. Los dos hombres se enamoran salvaje mas que amorosamente de la mujer\, sucumbiendo ante semejante fuerza de la naturaleza\, esa Titina Paterno a la que Loren entrega uno de sus mas memorables y olvidados trabajos. Con su máscara de mujer mediterránea de acento mas griego que romano\, ropajes negros que no logran esconder su magnifica figura\, fuente del deseo de todos los hombres de la región\, cabellos desprolijamente sueltos\, la actriz se adueña de la función y firma con sus compañeros\, una de las grandes obras de la cinematografía italiana de finales de los setenta. Un tiempo que iniciaba la decadencia final de una de las mayores cinematografías de la Historia del Cine\, activa fuertemente desde los primeros años del Siglo XX. «Amor\, muerte\, tarantela y Vino» (titulo argentino que sintetiza y se aleja del original de extenso nombre: «Hecho de sangre entre dos hombres por causa de una viuda. Se sospechan móviles políticos») se descubre hoy como lo que siempre fue: una potente denuncia sobre los diferentes mecanismos del Poder que ahogan y someten a los ciudadanos\, sobre todos a los integrantes de ese interior lejano tan proclive a ser explotado y sometido hasta la saciedad. Cine italiano de enorme fuerza y vigencia. Una de las grandes cumbres (y malinterpretada) de una realizadora pionera en el arte de dirigir películas\, junto a la francesa Agnes Varda y a su compatriota Liliana Cavani\, gestoras de una mirada femenina del cine que hizo escuela\, para encontrar en nuestro presente a decenas de mujeres por todo el planeta que tomaron su relevo. las tres «vivitas y coleando» en este convulso 2018\, donde la realidad nos muestra lo que la película afirmaba hace ya cuarenta años: nada parece aprenderse del pasado. Los pueblos que olvidan su historia\, dicen\, están condenados a repetir sus peores momentos. Europa y América toda\, están dando abundantes e inquietantes pruebas de ello. \n«AMOR\, MUERTE\, TARANTELA Y VINO» (Fatto di sangue fra due uomini per causa di una vedova. Si sosspettano moventi politici ) /Italia / 1978 / Directora Lina Wertmuller / Intérpretes Sophia Loren\, Marcello Mastroianni\, Giancarlo Giannini\, Turi Ferro / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "VUELVE\, AMOR MIO" (1961).
DESCRIPTION:La Comedia clásica norteamericana vivió su período de esplendor hasta mediados de los años sesenta cuando la Censura fue teniendo menos injerencia en la temáticas a tratar. Hasta entonces\, se regía por una serie incontable de limitaciones surgidas en los años treinta como respuesta a los gritos moralistas escandalizados ante lo que el primer Cine Sonoro y gran parte del Mudo de los veinte se atrevía a mostrar. La sexualidad\, el erotismo\, fueron los blancos preferidos de las Ligas de Decencia que inundaban el país y clamaban ante el Estado para que tomara cartas en el asunto. A principios de los años sesenta se hacia insostenible ocultar tanta castración mientras las cinematografías extranjeras se atrevían a todo\, o casi. Suecia o Francia rodaban películas con temáticas adultas e incluso mostraban desnudos\, en Argentina Armando Bo ya había filmado muchos títulos con Isabel Sarli y en las entrañas de Nueva York o rincones de California se filmaba un nuevo Cine Independiente que se atrevía a desafiar códigos\, pero   Hollywood seguía esclavo de sus limitaciones. En este contexto se estrena » Vuelve amor mio»\, uno de los mayores sucesos de su tiempo. Una historia atravesada por el atractivo sexual que los dos protagonistas experimentan el uno por el otro pero obligando a los guionistas y director a narrarlo con las mayores sutilezas posibles. Vista hoy\, se muestra estéril el esfuerzo\, porque no basta mas que ver el film para comprender absolutamente todo lo que no podía decirse abiertamente. Eso si: con imposiciones finales como el matrimonio que legalizará cualquier encuentro intimo. Con un trío de intérpretes de enorme talento y muy populares en su época\, el director\, un maestro del cine dramático autor de Clásicos de los años cincuenta como «Marty» (1955)\, «Deseo bajo los Olmos » (1958)\, «Mesas Separadas» (1958) o «Medianoche Pasional» (1959)\, el olvidado Delbert Mann (1929-2007)\, se acerca al género de la comedia y triunfa con su dominio del lenguaje cinematográfico. Rock Hudson (1925-1985) fue uno de los mayores ídolos de los años cincuenta y sesenta con una apostura que enloquecía a mujeres (y hombres) de todo el planeta que llenaban de cartas el Estudio Universal Pictures del que era artista exclusivo\, pidiendo que lo mostraran ¡sin camisa! para disfrutar de su figura. Intérprete de films como «Gigante» (1956) o «Palabras al Viento» (1956)\, melodramas deslumbrantes\, encontró en la comedia su lugar ideal. Doris Day (1922)\, superviviente de la era clásica del Cine\, cantante de potente voz y actriz vapuleada por la crítica y espectadores exigentes pero adorada por las masas\, fue una de las mayores estrellas de los cincuenta y sesenta hasta su retiro en 1968: no volvió a filmar jamas. En 1967 le fue ofertado el personaje de la Sra. Robinson en «El Graduado» y resignó la ocasión de iniciar un nuevo tiempo en su carrera\, cuando por atractivo físico y talento interpretativo hubiera estado impecable en el rol que popularizó la gran Anne Bancroft.  «Vuelve amor mio» es el segundo de los tres films que rodó junto al galán muerto de Sida a los 59 años de edad\, siendo sin duda el mejor de todos: dos agentes publicitarios luchan por obtener el si de una importante empresa. Mientras ella representa la legalidad absoluta de ejercer el trabajo\, él hace todo lo que está mal para lograr sus objetivos. Las trampas y los enredos dan pie a una trama que no decae en ningún momento\, logrando el prodigio de que la película continué siendo disfrutable en le presente. Un referente del clasicismo en el el mejor sentido de la palabra. También una nueva ocasión para debatir sobre códigos hoy obsoletos pero que de alguna manera no han desaparecido de cierto sector del debate público. El mas conservador\, que lucha por regresar a sus fuentes. El talento cinematográfico demuestra la esterilidad de semejantes propósitos. Una obra enormemente disfrutable. \n«VUELVE AMOR MIO» (Lover como back) / 1961 / EE.UU / Director Delbert Mann / Intérpretes Rock Hudson\, Doris Day\, Tony Randall / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40 minutos.
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SUMMARY:CINE: "80 EGUNEAN"(80 días) (2010).
DESCRIPTION:La Cinematografía vasca gana año a año mayor visibilidad fuera de su territorio. En el presente Ciclo de Cine de Vasco hemos visto varias de sus mayores expresiones de calidad. «80 EGUNEAN» (días en euskera) es una obra anterior a «Loreak» (2014) y «Handia»(2017) dos de los mayores sucesos de este tiempo que han sido visionados entre 2017 y el presente ejercicio. Ahora regresamos a un título anterior de Jon Garaño (1974) y Jose Mari Goenaga (1976)\, los autores de aquellos dos films para retomar una de las filmografías mas ambiciosas e internacionales de este cine que lucha por mas visibilidad con logros que temporada a temporada enriquecen la oferta. La historia encuentra a dos mujeres mayores de 70 años que fortuitamente vuelven a encontrarse tras haber estado separadas toda una vida\, desde aquella adolescencia cuando eran íntimas amigas. Axun ha estado casada desde hace décadas con Juan Mari y su vida transcurrido sin sobresaltos\, concentrada en su rol de compañera y ama de casa. En cambio Maite ha recorrido otros senderos donde la libertad y lucha contra las convenciones asfixiantes han sido su faro y sentido de existencia. El presente las enfrenta a una nueva realidad donde la primera estará obligada a replantearse toda su vida. La primer distinción del film consiste en dar protagonismo absoluto a personajes femenino mayores\, algo que también\, poco a poco\, va ganado lugar entre los nuevos cineastas del mundo entero\, quienes alejados de las grandes y ultra comerciales súper-producciones orientadas a un público masivo poco interesado en cualquier menester que implique reflexionar\, intentan explorar las enormes posibilidades que la cinematografía sigue ofreciendo a las mentes abiertas y progresistas. Un público adulto que reclama ser tratado como tal y busca en expresiones alejadas de los mas taquilleros nombres su espacio perdido. Las nuevas tecnologías han generado nuevas formas de acercarse a la expresión audiovisual\, pero no siempre encuentra hueco para este tipo de oferta.. Aunque sería inexacto decir que muchas de ellas no lo consiguen. «80 Egunean»\, a ocho años de su estreno\, nos brinda la oportunidad de descubrirla y compartir juntos el camino de estas dos mujeres que desde su anonimato encuentran toda una grandeza generacional capaz de conmover mas allá de los limites de una geografía\, porque lo que abarca se acerca sencillamente al interior de nuestra condición\, la humana\, siempre sensible\, cálida y dolorosa a la vez que plena de momentos esplendorosos. El buen cine nunca deja de serlo cuando quienes lo hacen tienen claros sus objetivos. \n«80 EGUNEAN» / 80 días / 2010 / España / Directores Jon Garaño y Jose Mari Goenaga / Intérpretes Itziar Aizpuru\, Mariasun Pagoaga\, José Ramón Argoitía / Color / Hablada en euskera y castellano con subtítulos en castellano / Duración 1h 44 minutos.
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LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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