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SUMMARY:CINE: "LA ESPOSA" (2017).
DESCRIPTION:«LA ESPOSA»  es una película que cuenta una temática siempre vigente: el verdadero autor que se esconde detrás de los libros y premios mas famosos. También es una historia de amor entre una pareja con décadas de historia y los conflictos que ello acarrea. El señor Castleman despierta una madrugada por un llamado de teléfono: su esposa Joan corre a levantar otro auricular para escuchar una noticia: acaban de otorgarle el Premio Nobel de Literatura. El viaje a Suecia para recibirlo será motivo para recordar el pasado y continuar un presente que no tiene nada de calmo. En el lapso de unas pocas horas la vida de todos los integrantes de la familia dará un vuelco inesperado. La actriz Glenn Close (1947)\, uno de los grandes nombres de la interpretación contemporánea\, logra otro de sus grandes trabajos en la creación de una esposa atormentada por secretos sobrellevados durante toda una vida. Ha sido ganadora de varios premios en la presente temporada y otra vez se quedó a las puertas del Oscar\, una anécdota mas dentro de las grandes postergaciones. Una actriz que desde su debut a principio de los años ochenta ha creando una serie de personajes inolvidables en diferentes registros cinematográficos: las malvadas de «Atracción Fatal» (1987)\, «Relaciones Peligrosas»  o «101 Dálmatas»\, las sufridas heroínas de «La Casa de los Espiritius» (1993) o «Mi secreto me condena» (1990) o las grandes trágicas de «Hamlet» (1990) y «El león en Invierno»(2003). Todos estos trabajos\, mas los realizados para la Televisión norteamericana la convierten en uno de los mas atractivos nombres entre las actrices de su tiempo. Un cineasta llegado de Suecia\, es el encargado de realizar esta obra tras una serie de sucesos en su país natal\, donde el tema de la condición femenina vuelve a ser puesto en primer plano para enriquecer el debate actual sobre la imparable revolución que las mujeres llevan realizando en los últimos años. \n«LA ESPOSA» /  The Wife / Reino Unido-Suecia- EE.UU / Director Bjorn L.Runge / Intérpretes Glenn Close\, Jonathan Pryce\, Max Irons\, Christian Slater\, Elizabeth McGovern / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 35 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "TXARRIBODA" ( La Matanza / La Carneada) / 2015.
DESCRIPTION:El domingo 31 de marzo a las 18.00hs iniciamos el CICLO DE CINE VASCO 2019\, cumpliendo la tercera temporada consecutiva que nos ha permitido visionar cerca de una veintena de títulos pertenecientes a esta nueva cinematografía\, activa dentro del estado español y sus respectivas comunidades autónomas. Los diferentes géneros y épocas han sido protagonistas en estas pasadas funciones\, y seguirá en el presente con una nueva selección que abarca cine realizado en los últimos años. El film primero será » TXARRIBODA» estrenado en 2015 en versión original en euskera y también otra doblada al castellano para su distribución dentro de la Península. Desconocida en Argentina\, asistiremos al estreno en el Centro Basko Azuleño Gure Txokoa. Dirigida por dos cineastas\, uno con larga trayectoria y otro menos debido a su juventud\, esta película es la segunda que el tandem estrena tras la experiencia de «Alaba Zintzoa» (2013). Fran es un joven empresario en apuros: deberá conseguir una alta cantidad de euros en escaso tiempo. Al fallar todos los mecanismos de financiación\,  elegirá el camino del crimen para conseguir solucionar sus problemas. Klara es una joven policía de un departamento superior de investigación. Como en un juego de gato y ratón\, los personajes van viviendo sus vidas paralelas hasta un cruce fatal que mantiene el suspenso mientras describe actitudes y comportamientos humanos secretos. Los escenarios deslumbrantes de Bizkaia (Vizcaya) mas la ciudad de Bilbao y alrededores sirven de marco a la narración. El film ofrece  nuevo acercamiento a un genero clásico por excelencia: el policíaco\, uno de los mas fascinantes para los espectadores\, y esta vez\, con indiscutible aroma vasco. Interpretada por Mikel Losada y la bella Itziar Atienza en los protagonicos\, «Txarriboda» ahonda en cuestiones siempre vigentes donde el rol de la mujer vuelve a ser puesto en primer plano. Un cine que busca la reflexión a través de la narración mas clásica\, una cinematografía vigorosa y poco conocida en Argentina. \n» TXARRIBODA» / La Matanza / La Carneada / España / 2015 / Dirección: Javier Rebollo y Alvar Gordejuela / Intérpretes: Itziar Atienza\, Mikel Losada\, Alvar Gordejuela\, Patxu Telleria\, Ramón Agirre / Hablada en Euskera con subtítulos en castellano / Color / Duración 93 minutos.
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SUMMARY:CINE: "GREEN BOOK" (Una amistad sin fronteras) (2018)
DESCRIPTION:El film ganador del Oscar 2018 a la Mejor Película cuenta la historia de la relación entre dos hombres a causa de un trabajo temporal que los llevará por el Interior de EE.UU. Tony  trabaja como guardaespaldas en un Club Nocturno frecuentado por gente de todos los niveles\, mafiosos incluidos. Después de un incidente con uno de los clientes recibe una insólita oferta de trabajo: durante dos meses ser el conductor del coche de un afamado músico: el Dr. Shirley. El sueldo propuesto no deja margen de dudas al hombre y a partir de allí\, un viaje de larga duración será la excusa para que los dos viajeros vayan desarrollando una relación plagada de contradicciones. Los paisajes recorridos muestran una realidad siempre vigente en el país del Norte: la marginación de la población negra por parte de la blanca. Y en el caso de los protagonistas la realidad se invierte: será un hombre blanco el que deberá atender las demandas de un empleador negro. Con dos memorables interpretaciones a cargo de Viggo Mortensen y Mahershala Ali\, la película nos narra una divertida y conmovedora historia de aprendizaje sobre la condición humana\, siempre en conflicto. La comedia reinante no impide la aparición de los aspectos menos graciosos de la situación. Desde el humor\, la realidad parece ser mejor digerida por nosotros\, espectadores. Uno de los títulos mas exitosos del cine actual. \n«GREEN BOOK» ( Una amistad sin fronteras) / 2108 / EE.UU. / Dirección Peter Farrelly / Intérpretes Viggo Mortensen y Mahershala Ali / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2hs 10 minutos /
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "AMY" (2015)
DESCRIPTION:Amy Winehouse nació en Inglaterra en 1983 y murió en 2011. En el breve tiempo que fue desde su irrupción en la escena musical hasta su temprana desaparición\, su presencia y voz la convirtieron en una de las mayores figuras del Pop internacional. Tanto su excepcional capacidad vocal y manera de interpretar como su frenética y auto destructiva vida\, llenaron espacios incontables de televisión y medios de comunicación en general. Su nombre pasó a engrosar la lista de figuras desaparecidas antes de cumplir los treinta años\, lo que ahonda en le aspecto mítico del los protagonistas del imaginario musical desde los años cincuenta a la actualidad. Nombres como Joplin\,Hendrix\, Morrison\, Cobain o Jones la acercan a esta tenebrosa enumeración de muertes tempranas. Con todo este potencial y rico material\, el cineasta también inglés Asif Kapadia (1972) construye un memorable retrato fílmico y una obra de enorme calidad cinematográfica que nos cuestiona a nosotros espectadores como consumidores voraces del espectáculo global a través de algunos de sus protagonistas mas emblemáticos. En este caso\, la figura retratada aporta datos de intensa humanidad que enriquecen la mirada del talentoso cineasta que en la actualidad prepara estreno sobre la figura del futbolista argentino Diego Armando Maradona. En 2010 logró su primer gran triunfo con el film «Senna»\, que recuperaba la figura del mítico deportista brasilero Ayrton Senna\, líder de la Formula Uno y muerto también joven. Un cineasta especialmente dotado para indagar en las profundidades humanas de personajes contemporáneos\, con una capacidad y sensibilidad especial para hacerlo desde la orilla documentalista del Cine\, logrando que experimentemos profundas emociones ante el visionado de cada una de sus realizaciones. «Amy» se convierte entonces en material imprescindible para amantes y estudiosos del cine en general. \n«AMY» ( idem\, Reino Unido\, 2015) / Dirección Asif Kapadia / Film documental con material de archivo y entrevistas sobre la figura de la artista Amy Winehouse / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2hs 5 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "GILDA" (2016)
DESCRIPTION:Una de las películas mas exitosas del último Cine Argentino que recupera la figura de la cantante Gilda (Miriam Alejandra Bianchi\,1961-1996)\, muerta a los 35 años de edad en lo mas alto de su breve carrera en el ambiente de la cumbia\, música tropical en vertiente nacional. Con una mirada muy documentalista\, la brillante realizadora Lorena Muñoz (1972) ha realizado hasta el presente cuatro largometrajes que indagan sobre artistas populares argentinos (Ada Falcón\, tanguera\, Gilda y Rodrigo\, música popular y un pintor David Alfaro Siqueiro\, mexicano en paso por Argentina) y forman una de las filmografías mas coherentes del presente cine nuestro. La historia de esta mujer con buenos conocimientos musicales que encuentra en un ambiente que no es el que esperaba el éxito fulminante\, es materia de esta película interpretada por la uruguaya Natalia Oreiro (1977)\, también intérprete musical y actriz con registros impensados capaz de lo mejor cuando un buen cineasta la dirige. Tres mujeres rioplatenses unidas por arte del Cine: cuando la realidad da pie a la ficción y esta\, como un espejo\, nos devuelve aristas insospechadas de personajes de quienes en general\, solo conocemos su aspecto mas visible. El otro\, los buenos cineastas suelen encontrarlo. Lo que no siempre satisface a los seguidores de las estrellas reseñadas. \n«GILDA» (ídem\, 2016) Argentina / Directora Lorena Muñoz / Intérpretes Natalia Oreiro\, Lautaro Delgado\, Javier Drolas\, Angela Torres\, Daniel Melingo / Color / Duración 1h 55 minutos / Hablada en castellano sin subtítulos.
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SUMMARY:CINE: "WHIPLASH: MÚSICA Y OBSESIÓN" (2014)
DESCRIPTION:El título original de este film significa en nuestro idioma «latigazo»\, Y no se trata ni de animales ni de esclavos\, sino que se usa metafóricamente para definir el estilo que un maestro de música tiene para con sus alumnos. Un sistema de enseñanza ultra disciplinado que por momentos se acerca al mal trato psicológico pero que parece ser la única manera que este protagonista encuentra para enseñar a sus pupilos. Andrew es un joven apasionado por la música y en particular por la percusión. La historia nos cuenta el lapso que va desde su llegada al instituto hasta su triunfo. Que será resultado del tiempo dedicado y de la paciencia en soportar los extremos métodos del profesor Fletcher. Una de las grandes películas del cine contemporáneo que reflexiona sobre la educación y los lazos humanos que se tienden entre aprendices y educadores en instituciones superiores. Dirige uno de los talentos mas recientes del cine norteamericano\, llegado del cine independiente\, Damien Chazelle (1985)\, con obra breve y exitosa hasta el presente de solo cuatro largometrajes\,con las vigorosas «La La Land»(2016) y «El primer hombre en la Luna» (2018) después del presente título. Los personajes centrales son un desafío para la pareja de actores y ambos logran composiciones memorables. La música y su aprendizaje son el escenario a través del cual se plantean una serie de conflictos humanos que van mas allá de este limitado espacio. El rigor\, la disciplina\, el compromiso\, la pasión\, la autoridad\, el esfuerzo\, todos conceptos que nos afectan en la búsqueda del mejor crecimiento como adultos en un tiempo en que las mayorías parecen querer seguir instaladas en una infancia sin fin..Una película excepcional. \n«WHIPLASH» / EE.UU / 2016 / Dirección Damien Chazelle / Intérpretes Miles Teller\, J.K.Simmons\, Melissa Benoist / Color / En inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 47 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LUZ\,CÁMARA...¡TELÓN...!"  2da. edición 2019 /Febrero 1\, 2 y 3 / 21.00hs.
DESCRIPTION:El Equipo Delta- Trabajo Actoral presenta dentro del Programa Otoño Azul Imagen la segunda edición de «Luz…cámara…¡telón!» (Cine Estudio en Homenaje a Héctor Nebbia). Se desarrollará el primer fin de semana de Febrero durante tres jornadas a las 21.00hs en La Salita / Vivero Cultural Otoño Azul\, en la calle Malere (ex Córdoba) Nº 567 en la ciudad de Azul. \n                                                                                        PROGRAMA \nViernes 1 de febrero:  «LA NOVIA» /ídem / España- Alemania\, 2015/ Dirección Paula Ortíz / guión de Javier Garcia Arredondo sobre «Bodas de Sangre» (1931) de Federico García Lorca (1898-1936) / Intérpretes: Inma Cuesta\, Alex Garcia\, Asier Exteandia\, Luisa Gavasa\, Leticia Dolera\, Ana Fernández / Duración 1h.36 minutos.\n\n\n\n\nSinopsis: la realizadora española se acerca al texto clásico para transformarlo en lenguaje cinematográfico desde la mas profunda libertad creativa\, donde la imagen\, las localizaciones y la música complementan el trabajo actoral logrando una deslumbrante obra audiovisual que respeta el espíritu del escritor andaluz y lo acerca a los espectadores actuales.\n\nSábado 2 de febrero: «VANIA EN LA CALLE 42» / Vanya on 42nd Street / EE.UU.\,1994/ Dirección Louis Malle / guión de Andre Gregory sobre adaptación de David Mamet de «Tio Vania» (1897) de Antón Chéjov (1860-1904) / Intérpretes: Wallace Shawn\, Julianne Moore\, Lynn Cohen\, George Gaynes / Duración 1h.55 minutos.\nSinopsis: en un teatro de Manhattan\, el New Amsterdam Theater\, un grupo de actores se reúnen para ensayar la obra del escritor ruso. Representación y realidad forman parte de esta ficción sobre el ambiente teatral\, donde intérpretes y personajes se alternan bajo la mirada del gran cineasta francés en una de las obras mas aclamadas\, desconocidas y vanguardistas de su extensa carrera.\n\nDomingo 3 de febrero: «OCHO MUJERES» / 8 femmes / Francia\, 2002 / Dirección: Francois Ozon / guión de Francois Ozon sobre obra de Robert Thomas ( Francia\, 1927-1989) / Intérpretes: Danielle Darrieux\, Catherine Deneuve\, Isabelle Huppert\, Fanny Ardant\, Emannuelle Beart\, Virginie Ledoyen\, Ludivine Sagnier\, Firmine Richard /Duración 1h.50 minutos.\n\nSinopsis: en una mansión aislada en medio de un bosque se produce una muerte. Las habitantes del lugar\, familiares y empleadas domésticas\, inician un juego de sospechas que irá desnudando las intimidades y secretos de cada una de ellas. El realizador francés elige una obra clásica del teatro comercial europeo de misterio para convertirla en una comedia de humor ácido y también negro\, intercalado con canciones legendarias del pop francés hasta convertirla en mosaico de los aspectos mas complejos del comportamiento humano. \n  \n 
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LOCATION:La Salita / Vivero Cultural Otoño Azul\, Malere (ex Córdoba) 567\, Azul\, Buenos Aires\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL AMOR BRUJO" (1986).
DESCRIPTION:Una obra mayor del arte español\, resultado de la colaboración de talentos contemporáneos que adaptan al Cine un clásico de la música del Siglo XX. En 1915 el maestro Manuel de Falla estrena en Madrid «El Amor Brujo» y pronto se convierte en éxito masivo en escenarios de todo el mundo. Este original ballet con cante jondo (forma virgen del folclore andaluz) es llevado a la pantalla por segunda vez (la primera data de 1967 y es de Francisco Rovira Beleta) por el cineasta Carlos Saura\, uno de los mayores del panorama hispano (autor de «Peppermint Frappe» (1967)\, «Ana y los lobos» (1973)\,»La Prima Angélica» (1974) o «Cría Cuervos» (1976)\, sucesos en la Argentina de mediados a finales de los años setenta) . El director se une por tercera vez al enorme bailarín Antonio Gades (1936-2004)\, al fotógrafo Teo Escamilla ( (1940-1997)\, al diseñador y vestuarista Gerardo Vera (1947)\, tres grandes en sus disciplinas\, que recrean de manera sofisticada y revolucionaria (para el cine de los ochenta) los amores malditos de unos gitanos: Candela\, Jose\, Lucia y el apasionado Carmelo\, que forman un cuarteto de amantes que unen y desunen sus caminos en la vida\, pero también en la muerte. El ambiente folclórico tan típico del mundo andaluz es recreado con maestría por todos estas grandes figuras que nos brindan la parte tercera y final de la trilogía compuesta por «Bodas de Sangre» (1981)\, «Carmen» (1983) y la presente\, formando un mosaico sobre la mitología andaluza con tres de sus mitos principales: los amores trágicos según Federico Garcia Lorca en la primera\, la mujer fatal pon antonomasia de Prosper Mérimée en la segunda y las criaturas surgidas de la música de Manuel de Falla en esta. Pero hay mas elementos destacables: la voz de Rocío Jurado detrás de «La Canción del Fuego Fatuo»\, la magia del ballet de Gades con la extraordinaria Cristina Hoyos y la bella Laura del Sol o la primera aparición en cine de «Azúcar Moreno» que ponen su figura y voz en momentos ya míticos de este film único e irrepetible. Una Obra Maestra del cine español. \n«EL AMOR BRUJO» /España- 1987 / Director Carlos Saura / Intérpretes Antonio Gades\, Cristina Hoyos\, Laura del Sol\, Jose Antonio Giménez\, Emma Penella\, La Polaca / Fotografía Teo Escamilla / Color / Hablada en castellano con subtítulos / Duración 1h 48 minutos.
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SUMMARY:CINE: "SECRETOS DEL CORAZÓN" (1997).
DESCRIPTION: Pamplona\, Navarra\, finales de los años 50. Javi ronda los diez años. Tiene un hermano mayor y junto a él ha llegado a la ciudad para realizar estudios. Su madre viuda permanece en el pueblo de las montañas y dos tías\, María y Rosa les dan cobijo en su casa. La vida transcurre entre la escuela\, el hogar y los paseos con su amigo Juan\, donde indagan sobre casas abandonadas y misteriosas que\, según ellos\, esconden tremendos secretos. Su hermano mayor lo trae a la realidad una y otra vez\, pero la cabeza de Javi bulle de preguntas e interrogantes. ¿Quienes son esas mujeres que lo rodean y que tantas cosas esconden? ¿que pasó con su padre muerto? ¿por qué hay habitaciones a las que está prohibido entrar? ¿es su tío solo eso o algo mas? ¿los ruidos que llegan desde mas allá de las paredes son de fantasmas…o de seres reales?. «Secretos del Corazón» está considerada entre las grandes películas de la Historia del Cine español. Dirigida por uno de sus mayores (y escasos) creadores cinematográficos\, el navarro Montxo Armendñariz\, nacido en  Olleta en 1949 y director de films memorables como «Tasio»\, su primer largo o «No digas nada» (2011) el último\, tuvo con este título uno de los mayores sucesos de su carrera. Ganadora de premios dentro y fuera de la Península\, fue nominada en 1998 al Oscar al Mejor Film Extranjero y estrenada en Argentina en 1999\, donde cosecho un gran suceso crítico y menos de público. Es una obra que indaga magistralmente en el mundo de la Infancia y las repercusiones que tiene para los niños el descubrimiento de la vida de los adultos\, que va haciéndolos mayores a ellos mismos. Con la sutileza de un «telón de fondo» marcado por la represión de todo tipo del gobierno franquista\, que jamas cae en lo banal\, la película nos acerca todo un tiempo de la realidad del norte de España\, esa región vasca que debía entonces mantener su lengua\, el euskera\, como un secreto solo descubierto en la intimidad de las casas. Así como cualquier idea o compromiso político opuesto al del régimen dictatorial de Francisco Franco\, siniestro personaje de la Historia europea que provocó una Guerra Civil entre 1936 y 1939\, marcando para siempre el rumbo de un país y sus ciudadanos. De todo esto y mucho mas\, habla esta extraordinaria obra maestra del Cine. Un título que gana peso y esplendor con el paso de los años y se suma a la estricta lista de clásicos del cine que abordan la infancia: desde «El Pibe» de Charles Chaplin hasta el «Lustrabotas» de Vittorio de Sica\, pasando por el Antoine Doinel de Truffaut en «Los 400 Golpes» y los deslumbrantes niños de «Juegos Prohibidos» de Clement. Todo un universo propio del Cine que esta obra ayuda a completar. \n«SECRETOS DEL CORAZÓN» / España- Portugal- Francia / 1997/ Director Montxo Armendáriz / Intérpretes Andoni Erburu\, Alvaro Nagore\, Iñigo Garcés\, Charo Lopez\, Silvia Munt\, Vicky Peña\, Carmelo Gómez / Color / Hablada en castellano / Duración 1h 44 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL PRIMER HOMBRE" (2011).
DESCRIPTION:Esta película realizada por el cineasta italiano Gianni Amelio (1945) adapta la obra póstuma e inconclusa de Albert Camus (1913-1960)\, uno de los mayores escritores\, ensayistas\, dramaturgos del Siglo XX. Narra una historia de tintes absolutamente autobiográficos donde el escritor concibe a otro escritor para hablar de su propia historia que transcurre en Argelia en dos tiempos: su infancia en los años veinte y su adultez en 1956 cuando el país norafricano está en plena guerra contra Francia. Jacques Cormery es un nombre consagrado que regresa a Argelia para disertar en las universidades sobre el absurdo de una guerra sangrienta como todas\, que enfrenta a colonizadores y colonizados. Él siente un profundo amor por su tierra\, habiendo nacido en una familia de colonos pobres que huyeron de la pobreza y miseria europea de finales del Siglo XIX. En el reencuentro con su madre analfabeta se produce un regreso a la infancia\, marcada por las precariedades económicas de su familia\, integrada por madre\, abuela y tío\, con el fantasma del padre muerto y desconocido que cae en la Primera Guerra Mundial. El disertante indaga sobre la memoria\, las relaciones humanas\, los amores familiares y el destino trágico de su país tanto como el amor que siente por la herencia cultural francesa. Dos mundos antagónicos que intenta conciliar con escaso éxito. La película resulta ser la mejor adaptación del universo literario de Camus al lenguaje cinematográfico\, que también intentaron con resultados menos satisfactorios dos buenos cineastas como Luchino Visconti en 1967\, cuando adaptó la primer novela del argelino\, «El Extranjero» y fue uno de los grandes fracasos de su carrera o Luis Puenzo con «La Peste» en 1992\, inspirándose en el texto homónimo de 1947. En esta ocasión\, la mano magistral de uno de los mayores y menos prolíficos cineastas europeos actuales\, activo desde los años setenta y autor de films memorables como  «Puertas Abiertas» (1990)\, «Ladrón de niños» (1992)\, «Lamérica» (1994) o la reciente «La Ternura» (2017)\,todos memorables retratos de la Europa contemporánea\, hace que los dos lenguajes mas (para mi) importantes del arte se fundan admirablemente\, dando como resultado una de las películas mas hermosas de la presente década. El amor\, la educación\, las diferencia culturales entre musulmanes y cristianos\, la guerra\, la memoria\, el reconocimiento\, el dolor y la alegría\, todos aspectos de una vida tan intensa como breve\, la de este hombre Camus que murió en un accidente de dudoso origen a los 47 años en plena capacidad creadora. Un autor que mereció el Nobel de Literatura en 1957\, que discrepó sobre el existencialismo o el comunismo\, se enfrentó verbalmente a defensores de todas las ideologías afirmando que se basaban en un absurdo\, fue activista en la Resistencia contra el dominio alemán y amó a mujeres mas allá de su propia esposa\, que fue padre de mellizos y dejó para la Historia palabras memorables que habitan libros como los anteriormente citados u obras de teatro siempre vigentes y harto representadas como «El Malentendido» o «Calígula». Un Escritor y un Cineasta que unen sus miradas en otro ejercicio del mejor cine de siempre. \n«EL PRIMER HOMBRE» / Il Primo Uomo- Le premier homme\, 2011 / Italia- Argelia- Francia / Director Gianni Amelio / Intérpretes Jacques Gamblin\, Nino Jouglet\, Maya Sansa\, Ulla Baugue\, Catherine Sola /Color / Hablada en francés y árabe con subtítulos en castellano / Duración 1h 40 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-el-primer-hombre-2011/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "ÁNGEL" (2007).
DESCRIPTION:El cine continúa descubriendo en la literatura material adaptable a la pantalla\, un hábito que se mantiene desde los primeros tiempos de su vida. El cineasta Francois Ozon (1967)\, uno de los grandes del panorama europeo actual\, transforma en imágenes la novela «Ángel»\, publicada en 1957. Su autora\, sufrió el no ser reconocida en vida en tanto mujer premiada y apreciada literata. Después de su muerte en 1975\, su nombre fue rescatado y revalorizado. El llamarse igual que una de las mayores divas del Siglo XX\, Elizabeth Taylor\, no contribuyó en nada a su suerte. Nacida en 1912 escribió 12 novelas a lo largo de su carrera\, también cuentos y relatos breves además de participaciones en la prensa. «Ángel» relata la historia de Ángel Deverell\, una joven empeñada en escribir y alcanzar la fama. Hija de una almacenera\, su infancia se instala sobre la negación de la realidad que la circunda y de la que huye a través del ensueño y la imaginación que pronto se sublimarán en escritura. Su obstinación y seguridad en si misma la empujan a trascender la ciudad en que vive y abrazar la metrópolis. El éxito le sonríe pronto y la riqueza llega a su vida. Pero no todo se consigue con dinero\, el amor por ejemplo. La trama sirve al realizador galo para ejecutar otros de sus brillantes ejercicios cinematográficos donde clasicismo y transgresión se intercalan alternativamente entre film y film. La condición femenina cae otra vez bajo su punzante lupa y el resultado vuelve a ser brillante. Maestro en la creación de climas\,el regreso al Siglo XIX como escenario de su historia le permite ejercitar su talento en la fotografía\, música y ambientación exquisita. Su capacidad de sacar lo mejor de actores y actrices vuelve a manifestarse. Romola Garai (1982) es una de la figuras mas talentosas de la Europa actual\, dueña de una enorme belleza y talento\, es la figura ideal para dar vida a la escritora que escribe mucho pero no todo es de calidad. Una gran vendedora de libros no es siempre una gran narradora. Una mujer con ambiciones de ser feliz a cualquier precio que parece creer que todo se consigue a golpes de chequeras. La realidad y la ficción son parte de su vida y los caprichos para que todo se iguale\, simple deseo. Una película que nos brinda nueva mirada sobre el mundo e interioridades de los creadores\, la otra cara que no siempre es visible\, así como la posibilidad de reflexionar sobre conceptos siempre actuales: éxito\, felicidad o realidad. \n«ÁNGEL» / 2007 / Reino Unido- Francia / Director Francois Ozon / Intérpretes Romola Garai\, Sam Neill\, Lucy Russell\, Charlotte Rampling\, Michael Fassbender / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 53.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-angel-2007/
LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"IGELAK" / (RANAS) / 2016.
DESCRIPTION:Una comedia que habla de un tema muy actual y nada divertido en la sociedad europea actual: el conflicto por los impagos de créditos bancarios sobre la vivienda y el consecuente desalojo de sus frustrados propietarios. El realizador vasco PATXO TELLERIA\, nacido en 1960 en Bilbao\, filma su tercera y mas exitosa película donde el protagonista es uno de los mas populares de Euskadi\, el actor GORKA OTXOA\, nacido en 1979 en Donostia y con cincuenta trabajos en pocos años entre Televisión y Cine. Ambos son exponentes de la variante de comedia en una cinematografía hasta hace pocos años muy centrada en el género dramático y testimonial. Porque los temas mas complejos y asfixiantes pueden ser vistos desde el prisma del humor sin por ello claudicar en el serio postulado que la realidad impone. Pello es empleado bancario que se ocupa de los asuntos menos simpáticos: denegar préstamos a los mas comprometidos clientes que imploran por su ayuda o negociar contratos con empresarios de dudosa seriedad. Pero su vida cambia por la trampa que le tejen superiores y de un día para el otro se convierte en prófugo de la justicia para acabar viviendo del lado de los que hasta hace poco tiempo imploraban su ayuda en las oficinas. Una película que se convierte en crítica feroz sobre el devenir de la realidad económica de millones de españoles victimas de la Crisis Financiera del 2008 que arrastró al desastre a ciudadanos que cometieron el error de creer lo que los grandes bancos le proponían. Un futuro auspicioso convertido en infierno para muchos. La película muestra un panorama diferente de una gran ciudad como San Sebastían\, adornada por la música y letra de jóvenes intérpretes vascos que a través del pop y el rock indagan en los aspectos mas complejos de la actualidad con canciones que se intercalan con la acción de los protagonistas y complementan la realidad analizada. La fábula «El Escorpión y la Rana»\, de origen desconocido aunque a veces atribuida a Esopo\, se convierte en la base de un film original\, divertido\, humano\, que devuelve a través de la comedia una mirada de la deformada realidad actual de muchos que perdieron el tren del éxito. \n«IGELAK» / «RANAS» / España 2016 / Director Patxo Telleria / intérpretes Gorka Otxoa\, Miren Gaztañaga\, Mikel Losada\, Iñaki Rikarte / Color / Hablada en castellano con canciones en euskera con subtítulos en castellano / Duración 1h 38 minutos.
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LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "PASIÓN DE AMOR" (1981).
DESCRIPTION:Una de las pocas películas que reflexiona seriamente sobre la cuestión de la fealdad en las personas. En un arte como el cinematográfico donde ha predominado desde siempre la búsqueda y exaltación  de la belleza\, su opuesto rara vez ha sido tema protagónico. En el Siglo XIX se edita una novela llamada «Fosca» de un autor de vida tan dura como breve: Iginio Ugo Tarchetti\, que muere a los 30 años en 1869 sin haber finalizado este trabajo. Sería concluido y editado por un amigo. Su nombre se pierde entre tantos autores de un tiempo prolífico en relatos de la naciente izquierda europea. Una literatura que bucea en los aspectos menos atractivos del alma humana\, que encuentra aquí formidable ocasión para reflexionar sobre cuestiones como la falta de atractivo físico y la histeria como patologías de su protagonista. En 1981 el gran cineasta italiano Ettore Scola (1931-2016)\, autor de «Celos estilo italiano» (1970)\, «Me permite\, Rocco Papaleo» (1971)\, «Nos habíamos amado tanto» (1974)\, «Feos\, sucios y malos» (1976) o «Un día muy particular»\, entre algunos de sus mejores títulos\, recupera este texto olvidado y lo convierte en magnífica pieza cinematográfica. Giorgio es un apuesto Capitán de la recién unificada Italia que vive un romance adultero con la bellisima Clara. Pero un nombramiento en la frontera lo aleja de ella. En una casa donde convive con otros militares\, el líder mayor del lugar\, el Coronel\, tiene una sobrina a su cargo: Fosca\, mujer histérica de enorme fealdad. De la que es consciente y por la cual enferma. Pero no le impide enamorarse inmediatamente del atractivo recién llegado. El encuentro entre los dos personajes propone al director una reflexión sobre las posibilidades y frustraciones que envuelven a una heroína de estas extrañas (para el cine) características. Y realiza una de sus mejores películas. El enfrentamiento a partir del condicionamiento que el aspecto físico genera en las personas\, las dificultades o simples imposibilidades de concretar un romance o un mero encuentro sexual\, la aparición de lo morboso como elemento de atracción\, el entorno masculino que rodea a una mujer por la que todos experimentan repulsión\, son algunas de la vías que Scola explora para articular su relato. Una obra siempre abierta a la discusión y al debate a partir de la mirada de un hombre enormemente respetuoso con la condición femenina. Fosca es fea y lo sabe. Pero lejos de doblegarla\, la incita a provocar al militar que no parece tan valiente a la hora de enfrentar estas batallas\, pero que se enfrentará a ella mientras convergen en él los recuerdos de su bella y distante amada\, y la fealdad y cercanía de la habitante de la mansión donde impera un espíritu masculino de extrema rigurosidad. Y decadencia. Porque poca grandeza destaca en estos hombres que rodean a la pareja. Con interpretación y caracterización impactante de una actriz que a pesar de triunfar en el reto de dar vida a la protagonista no lograría alcanzar mayor fama\, el film se convirtió en suceso en el Buenos Aires de 1982 cuando se estrenó. La temática expuesta resultó y resulta aun original y provocadora. «Pasión de Amor» emerge en este presente como pieza viva de uno de los mejores cines de la Historia\, el Italiano y nos recuerda que la historia de «La Bella y la Bestia» guarda aun muchas maneras de acercarse a ella\, para subvertirla y generar nuevas reflexiones. \n«PASIÓN DE AMOR» ( Passione d’amore\, 1981) / Italia / Director Ettore Scola / Intérpretes Valeria D’Obici\, Bernard Giraudeau\, Laura Antonelli\, Jean Louis Trintrignat\, Massimo Girotti\, Bernard Blier.
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SUMMARY:CINE: "EL HOMBRE DE LA MANCHA" (1972)
DESCRIPTION:«El Hombre de La Mancha» es el título de una obra musical estrenada en teatro en Estados Unidos en 1965. Su inmediato suceso llevó a representarla poco después en España y en 1968 llegó por primera vez a Argentina\, donde se ha repuesto en 1981\, 1993\, 2005 y 2015\, gozando siempre de gran suceso hasta convertirla en uno de los musicales mas exitosos de todos los tiempos. El libreto corresponde a Dale Wasserman\, la música a Mitch Leigh y las letras a Joe Darión. En 1972 fue llevada al cine en una costosa producción entre Italia y Estados Unidos producida por Alberto Grimaldi y dirigida por el realizador de «Love Story» Arthur Hiller. Sin embargo fue un fracaso de público y el apoyo crítico fue tibio. Con los años ha ido ganando aceptación y hoy es vista como una brillante adaptación del original y\, sobre todo\, como respetuosa interpretación del texto original de Miguel de Cervantes\, centrándose en la relación amorosa entre el Hidalgo y la bella manchega. Interpretada por el actor británico Peter O’Toole (1932-2013) en el protagónico de tres personajes\, Cervantes\, Quijano y Don Quijote\, James Coco (1930-1987) como Sancho Panza y Sofia Loren (1934) como Aldonza y Dulcinea del Toboso\, la llegada al cine permite «escapar» del único escenario teatral de la prisión donde se haya recluido Cervantes en espera de ser interrogado por la Inquisición\, hacía la Venta donde transcurre la acción complementaria de las criaturas imaginadas por el autor español. Destacan entre los atractivos del film\, una extraordinaria fotografía de uno de los mayores artistas de todos los tiempos\, el italiano Giuseppe Rotunno (1923)\, que creó imágenes memorables para Visconti\, Fellini\, Wertmuller o Bob Fosse\, la inolvidable canción «El Sueño Imposible» y la belleza única (y en pleno esplendor de sus 37 años) de Sofia Loren. Es entonces la ocasión de redescubrir esta adaptación realizada para el Cine en el marco de la Semana Cervantina de 2018\, que como las anteriores\, se convierte en un Faro que desde Azul irradia luz para recordarnos que la obra inmortal del genial manchego continúa vigente y siempre abierta a nuevos descubrimientos. \nEl 17 de mayo de 1973 se estrenó en Argentina este film y el crítico/cronista/ escritor de cine Juan Carlos Frugone (1938- 2009)\, uno de los mejores de su tiempo\, publico en el diario «Clarín» la reseña sobre el mismo. Debido a su sencillez y claridad expositiva\, la reproduzco totalmente\, sirviendo a la vez como homenaje a este talentoso hombre que debió exiliarse de Argentina a mediado de los años setenta a España\, donde continuó su extensa carrera hasta la muerte. \n«UNA COMEDIA MUSICAL REFLEJADA FIELMENTE» \nLas conocidas virtudes de la obra original de Dale Wasserman (inspiradas canciones\, buena sinopsis del romance de Don Quijote y Dulcinea) reviven en esta versión cinematográfica que el director Arthur Hiller ha registrado con suma fidelidad al original\, limitando su tarea a una ubicación de cámara acertada y a permitir que interpretes y\, esencialmente\, fotógrafo (el excelente Giuseppe Rotunno) y escenógrafo se luzcan en sus respectivos trabajos. \nLlevar al cine o al teatro cualquier tipo de adaptación de «Don Quijote de La Mancha» es una tarea ingrata. Implicará\, sin excepciones\, severísimas criticas y siempre alguien acusará de infidelidad\, tergiversación\, etc\,. Quizá un poco por eso\, otro poco por lo que mas lo ha fascinado a nivel espectáculo o drama sea el romance entre Don Quijote y Dulcinea\, Wasserman se ha ceñido a indagar solamente esa linea -de las múltiples de estudio que permite el texto original – y dentro de ella ha trabajado una historia conmovedora\, que capta bien esa vertiente y que se limita a reflejar solo episodios y personajes que tienen que ver con ella. \nEn otra licencia poética\, el autor del musical imagina también a Miguel de Cervantes acusado por la Inquisición y siendo juzgado por sus compañeros de celda en virtud de su narración de este aspecto de la obra. Así\, una doble trama subraya su acento lírico en el talento del escritor y su capacidad de conmover a las audiencias con los personajes comprobadamente inmortales que supo crear. Y serán los mismos prisioneros\, los que\, también\, desdoblándose animen los caracteres de «Don Quijote». \nLa única libertad que se ha tomado Hiller (o el adaptador de la obra al cine) es sacar la acción del sótano de la prisión y pasar a la venta donde ocurren \,os sucesos narrados por Cervantes. Ahí es donde se luce la imaginación del decorador y\, especialmente\, la extraordinaria fotografía de Rotunno\, que logra gama de luces azulados de gran belleza y una exacta estilización. \nHiller por su parte\, sigue sojuzgado al texto y a las canciones. Quizá otro director les hubiera otorgado mayor grandeza\, sobre todo a páginas como «El Sueño Imposible» o «Dulcinea». Como están\, quedan resumidas y labradas a sus propios méritos\, a las dolientes caras de Peter O’Toole y a la buena voz que lo ha doblado. Es de lamentar que otro tanto no se hiciera con Sofia Loren\, una buena actriz que lucha con sus canciones y solo cobra alguna dimensión cuando junto con ella debe poner mucho de si a nivel de tonos e interpretación del texto (Aldonza). De todos modos ambos sectores cumplen a conciencia con las partes que les tocan y se desdoblan bien: O’Toole en su triple dimensión de Cervantes\, Don.Alonso Quijano y Don Quijote De La Mancha\, Loren en Aldonza Lorenzo y Dulcinea del Toboso. Pero indudablemente pero quien «roba» las escenas es James Coco en una muy loable caracterización como Sancho Panza. \nHonesta como versión\, vigente como pieza teatral\, «El Hombre De La Mancha» logra trascender limitaciones\, virtudes o logros gracias a una mano que sigue gobernando por sobre todas el texto\, la inspiración y la fuerza de situaciones y personajes: Miguel de Cervantes. Las diversas dimensiones de sus caracteres\, su eterna magia\, el dolor y la deslumbrante locura de Don Quijote son mas fuertes que todas las manos que pasen por encima de ellos. Y aunque mas no sea por la letra de «El Sueño Imposible» Wasserman reivindica su derecho a haber resucitado el texto\, porque bien transmitido o no\, hay una verdadera captación y respeto por el inefable amor de Don Quijote a su dama\, Dulcinea. \n                                                                                                                           Juan Carlos Frugone (Clarín\, mayo de 1973). \n 
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SUMMARY:CINE: "ROSA LUXEMBOURG" (1986).
DESCRIPTION:En enero de 2019 se cumplirá un siglo del asesinato de Rosa Luxemburgo (1871-Polonia/ 1919-Alemania).¿Quién fue esta mujer?. El presente nuestro se caracteriza en parte\, por el ejercicio de la des-memoria\, orquestada por los sectores mas conservadores que ostentan el Poder a nivel planetario. Un presente que predica futuros vagos y articulados en base a promesas de bienestar desde una perspectiva casi mágica en la solución de los conflictos que afectan a la condición humana. Rosa Luxemburgo representa\, y representó\,  lo opuesto a esta idea. Nacida en la Polonia pro-rusa-zarista del Siglo XIX\, descubre a los 15 años la injusticia en el asesinato de los lideres que defienden los ideales socialistas e inicia una carrera política que la llevará a ser protagonista de un formidable período de cambios sociales en Europa que incluyen la Revolución Rusa de 1905 y la Primera Guerra Mundial. Desde su tierra natal hasta la vecina Alemania\, traspasa una y otra vez las fronteras en pos de sus ideales. Que en el devenir de las décadas que ocupan su vida\, irán marcando las diferencias no solo con la Oposición\, sino con sus propios compañeros. La Social Democracia Alemana\, de la que es militante\, se divide en dos sectores mayoritarios entres quienes defienden o no la idea revolucionaria. Y ella\, enamorada de toda forma y justicia\, acaba del lado de los perdedores de la  escisión. Este brevísimo resumen\, sirve como introducción a este también breve escrito sobre una figura clave de la Historia\, y del traslado al Cine llevado a cabo en 1986 por una de las grandes directoras europeas\, la también actriz Margarette von Trotta (1942). De origen alemán\, debuta tras las cámaras en 1975 con uno de los grandes títulos de su época: «El honor perdido de Katharina Blum»\, prohibido por la censura argentina. En 1981 repite suceso\, ahora si en nuestro país\, con «Las Hermanas Alemanas»\, radiografía política de su nación\, ahora contemporánea que analiza el terrorismo de los años sesenta y setenta con las vivencia de dos hermanas enfrentadas por sus ideales\, una temática que golpeo en las conciencias de un sector de espectadores que vivimos las consecuencias de otro conflicto similar\, el nuestro. Desde entonces\, la realizadora ha seguido indagando en la relación entre mujer y política en films rodados en Italia y en Alemania. Destacan «Locura de Mujer» (Heller Wahn\, 1983)\, «Hannah Arendt y la banalidad del mal» (2012) \, entre otros títulos de su extensa filmografía\, que la unen junto a Agnes Varda\, Mai Zetterling\, Liliana Cavani\, Pilar Miro o Lina Wertmuller al grupo de realizadoras cinematográficas que aportaron un nuevo aire de reflexión desde la perspectiva femenina al masculinizado cine de siempre. Su último trabajo es de 2018 e indaga en la figura del artista supremo del Siglo XX\, Ingmar Bergman. La realizadora dirige en varias ocasiones a la actriz Bárbara Sukowa (1950)\, uno de los grandes nombres de la interpretación europea\, de extraña belleza y mayor talento\, que realiza en su creación de Luxemburgo\, uno de sus mejores trabajos. La acompaña otro nombre emblemático del mejor cine europeo de los setenta y los ochenta\, el polaco Daniel Olbrychski\, actor fetiche de su compatriota Andrzej Wajda\, junto a quién triunfo en la cartelera porteña con películas como «El Bosque de los Abedules» (1970)\,»La Boda» (1973) o «Las Señoritas de Wilko» (1979). Tres artistas de primer nivel que se unen para rendir homenaje a una figura clave en las luchas sociales\, no solo por la condición femenina\, sino humana en sentido mas justo y doloroso de la palabra: la imprescindible Rosa Luxemburgo. Entre otras palabras memorables\, dejó estas\, con un profundo optimismo sobre la vida: «Es mi tercera navidad tras las rejas\, pero no lo tome a tragedia. Yo estoy tan tranquila y serena como siempre. (…) Ahí estoy yo acostada\, quieta y sola\, envuelta en estos múltiples paños negros de las tinieblas\, del aburrimiento\, del cautiverio en invierno (…) y en ese momento late mi corazón con una felicidad interna indefinible y desconocida. (…) Yo creo que el secreto no es otra cosa más que la vida misma: la profunda penumbra de la noche es tan bella y suave como el terciopelo\, si una sabe mirarla.” \n«ROSA LUXEMBURGO (Rosa Luxemburg) 1986 / Alemania Occidental- Checoeslovaquia / Directora Margarette von Trotta / Intérpretes Bárbara Sukowa\, Daniel Olbrychski\, Otto Sander / Color / Hablada en alemán\, polaco y francés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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SUMMARY:CINE: "ALANIS" (2017).
DESCRIPTION:Alanis es una joven prostituta que deambula por los alrededores del Once porteño con un bebé a cuestas y una juventud de enorme peso y conflictivo pasado. Su constancia y valor para enfrentar la condición de mujer por la que lucha día a día en un entorno degradado\, áspero\, silenciado por los Medios hegemónicos\, dan luminosidad a su existencia. Como millones de mujeres en todo el planeta\, su trabajo consiste en vender su cuerpo al mejor postor. Intentando que sea en las condiciones menos riesgosas\, el film nos la muestra a lo largo de unos pocos días de su vida. Un retrato que bucea en el documental para transformarlo en ficción y desde allí lograr el rebote hacía el espectador. Como un juego de espejos en el que la realizadora indaga sobre la condición humana en tiempos de post-verdad. Un sector de la sociedad que parece siempre vivir en los márgenes de todo pero que sin embargo son millones\, silenciados por generar incomodidad al Poder de turno. El presente global demuestra que la prostitución lejos de acotarse\, se mantiene activa y genera nuevos fenómenos que alcanzan variantes desde lugares antes menos protagonistas: las migraciones\, por ejemplo. En «Alanis» no son las que se producen de un país a otro\, sino desde el Interior argentino a la Capital. Movimientos permanentes siempre relacionados a un patrón común: la falta de oportunidades\, conflictos familiares y socio-económicos que empujan a las personas a cambiar de destinos en busca de un mejor horizonte\, o peor\, simple fuga de un destino insoportable. La directora Anahi Berneri (1974) (autora de este y cuatro largometrajes de gran calidad: «Un año sin amor » (2005)\, «Encarnación» (20107)\, «Por tu culpa» (2010) y «Aire Libre» (2014) ) forma parte del activo núcleo de realizadoras argentinas que con enorme fuerza irrumpieron en los últimos veinte años: pasaron las décadas que anteceden a este periodo cuando hubo que esperar hasta 1960 para que una mujer firmara y filmara detrás de la cámara. La pionera Vlasta Lah\, de quién solo se sabe la fecha de muerte\, 1979\, silenciando hasta su nacimiento\, dirigió «Las Furias» y fue destrozada por la crítica del momento. María Herminia Avellaneda o María Luisa Bemberg fueron mas afortunadas\, y la segunda de ellas se convirtió en la «primera mujer» visible entre los directores de cine nacional. Nuestro presente\, y gracias a las políticas que el INCAA puso en práctica después de 2003\, se nutre de un verdadero batallón de cineastas\, que\, «capitaneadas» por Lucrecia Martel (1966) desde su aparición con «La Ciénaga»(2001)\, integran nombres como Lorena Muñoz\, Albertina Carri\, Inés Braun o Ana Piterbarg y han dado a nuestra cinematografía un nuevo aliento. Renovando equipos técnicos con profesionales formados en centros educativos de cine (privados o públicos)\, buscando intérpretes desconocidos\, o potenciando la figura de alguno mas famoso al que cambian de registro\, descubriendo nuevas posibilidades. Este film obtuvo un resonante suceso en el Festival de Cine de San Sebastián\, España\,  donde consiguió dos de los mayores trofeos: a la Mejor Dirección y a la Mejor Actriz. Lo repitió en México y en la propia Argentina\, donde la protagonista alcanzó el mayor reconocimiento en Cine argentino: el premio Cóndor a la mejor Actriz. Un cine que a pesar de todos los méritos no alcanza la visibilidad que merece al no cumplír con los «requisitos» de las grandes cadenas de distribución audiovisual que apuestan por un cine mas acomodaticio encaminado absolutamente al espectro mas comercial del mismo. Es entonces\, la hora de encontrar espacio nuevos\, reducidos\, para hacer llegar estas nuevas miradas al público mas exigente. \n«ALANIS» / Argentina\, 2017/ Directora Anahi Berneri / Intérpretes Sofia Gala Castiglione\, Dante Della Paolera\, Dana Basso\, Silvina Sabater\, Estela Garella / Color / Hablada en castellano sin subtítulos / Duración 82 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-alanis-2017/
LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "CUANDO ELLAS QUIEREN" (2018)
DESCRIPTION:Una comedia reciente que centra su historia en cuatro mujeres mayores. Con edades que van desde los 80 muy bien llevados de Vivian hasta los 65 de Carol\, el núcleo femenino es una excusa para reflexionar sobre la vida de las personas que al cumplir años no hacen mas que valorar la experiencia tenida e imaginar proyectos para el futuro. Con un pasado que siempre sirve para impulsar mejoras a partir de la reflexión sobre lo que no ha salido bien para conseguir nuevos objetivos. El cine actual tiene la inteligencia y capacidad de entender que no todos los espectadores que llenan las salas son jóvenes en busca de films de terror o superhéroes\, quedando un espacio muy amplio para el resto de la población que sigue apostando por el entretenimiento de calidad. Un tipo de cine que ahora es mas fácil de localizar en las plataformas digitales que nutren televisiones o nuevos formatos relacionados con Internet que en las salas. Cuatro amigas que siguen siéndolo tras décadas\, se reúnen continuamente para leer un libro en común y a partir de eso aplicar lo aprendido a sus propias existencias\, contarse intimidades y compartiéndolas\, encontrar espacios de diversión. Divorciadas\, casadas\, solteras o viudas\, tienen en común sus ansias de vivir. Amantes\, maridos o hijas\, completan el entorno. Con las andanzas de cada de una de ellas se arma la función. Interpretada por cuatro nombres formidables que ya forman parte de la Historia de Hollywood\, el realizador debutante logra una comedia lujosa donde cada una muestra sus talentos y sus atractivos aun vigentes. Porque lo femenino nada tiene que ver con la edad sino con la psique y ellas lo ponen en práctica y demuestran. La legendaria Jane Fonda\, una de las mayores estrellas del último medio siglo\, desde su debut en 1960\, con una carrera entre EE.UU y Europa que tuvo un largo paréntesis y ha sido retomada con bríos diez años atrás\, la reina de la comedia setentera\, ochentera\, etc\, etc\, la gran Diane Keaton\, musa del mejor Woody Allen y protagonista femenina de la saga «El Padrino»\, con notables y esporádicos trabajos dramáticos de alto voltaje\, la bella Candice Bergen que emergió como uno de los grandes rostros de los años sesenta con films como «Vivir por Vivir» de Claude Lelouch o «Conocimiento Carnal»\, un clásico de 1972 y reinó finalmente en la televisión con una serie mítica «Murphy Brown»\, y la menos popular (pero enorme actriz) Mary Steenburgen\, que debutó muy joven junto a Jack Nicholson y ganó un Oscar por uno de sus primeros trabajos. Un equipo formidable de actrices que sustenta la película\, pasando a engrosar la fila de las comedias sobre mujeres que tanto éxito han cosechado siempre. Cuatro actores de glorias (y hasta Oscar) pasadas les acompañan y entre todos logran recordarnos que la comedia siga viva\, vigente\, necesaria para acercarnos por medio de la risa o sonrisa\, a temas en general nada cómicos. \n«CUANDO ELLAS QUIEREN» / Book Club\, 2018 / EE.UU. / Director Bill Holderman / Intérpretes Jane Fonda\, Diane Keaton\, Candice Bergen\, Mary Steenburgen\, Richard Dreyfuss\, Don Johnson\, Andy Garcia\, Craig T .Nelson\, Alicia Silverstone\, Ed Begley.Jr. / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 44 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "AMOR\, MUERTE\, TARANTELA Y VINO..." (1978).
DESCRIPTION:La actriz mas popular de la historia del cine italiano fue también una de las mujeres mas deslumbrantes desde los años cincuenta del Siglo XX hasta el presente\, A sus 84 años\, Sophia Loren sigue manteniendo su magnetismo sobre generaciones enteras de espectadores. Con una carrera tan extensa\, algunos de sus trabajos han permanecido en la sombra y el presente nos permite rastrear entres esos tesoros olvidados. En 1978\, a los 44 años de edad\, la napolitana mas internacional del mundo trabajó por primera vez a las ordenes de una mujer\, su compatriota Lina Wertmüller (1928)\, autora de memorables sucesos como «Mimi Metalúrgico»\, «Amor y Anarquía» o «Pasqualino Siete Bellezas»\, tres de los mayores sucesos de su carrera. Con su actor fetiche en todas ellas\, Giancarlo Giannini (1942)\, la realizadora dirige a una tercera figura fundamental del cine peninsular: Marcello Mastroianni (1924-1996)\, uno de los mayores actores de la Historia. Con semejante trío no se esperaba el fracaso que la obra resultó en su estreno. Una historia que se adentra en territorio siciliano a principio de los años 20 cuando el panorama italiano se vio convulsionado por la subida al poder de Benito Mussolini (1883-1945) mientras la isla seguía prisionera de sus prejuicios ancestrales. Titina pierde a su marido en la primera escena del film y desde entonces solo pensará en como vengar esa muerte. El honor\, el amor\, la política\, el machismo\, la posesión de la mujer como objeto\, son todos escenarios que Wertmüller encuentra para narrarnos esta magnifica historia que mas que triangulo es quinteto\, con otros dos hombres que giran alrededor de los tres protagonistas.Rosario Spallone es un rico terrateniente de ideas socialistas enemigo acérrimo del emergente fascismo italiano mientras que Nicola Sanmichele es un emigrante que regresa desde Estados Unidos lleno de dinero y de muerte a sus espaldas. Los dos hombres se enamoran salvaje mas que amorosamente de la mujer\, sucumbiendo ante semejante fuerza de la naturaleza\, esa Titina Paterno a la que Loren entrega uno de sus mas memorables y olvidados trabajos. Con su máscara de mujer mediterránea de acento mas griego que romano\, ropajes negros que no logran esconder su magnifica figura\, fuente del deseo de todos los hombres de la región\, cabellos desprolijamente sueltos\, la actriz se adueña de la función y firma con sus compañeros\, una de las grandes obras de la cinematografía italiana de finales de los setenta. Un tiempo que iniciaba la decadencia final de una de las mayores cinematografías de la Historia del Cine\, activa fuertemente desde los primeros años del Siglo XX. «Amor\, muerte\, tarantela y Vino» (titulo argentino que sintetiza y se aleja del original de extenso nombre: «Hecho de sangre entre dos hombres por causa de una viuda. Se sospechan móviles políticos») se descubre hoy como lo que siempre fue: una potente denuncia sobre los diferentes mecanismos del Poder que ahogan y someten a los ciudadanos\, sobre todos a los integrantes de ese interior lejano tan proclive a ser explotado y sometido hasta la saciedad. Cine italiano de enorme fuerza y vigencia. Una de las grandes cumbres (y malinterpretada) de una realizadora pionera en el arte de dirigir películas\, junto a la francesa Agnes Varda y a su compatriota Liliana Cavani\, gestoras de una mirada femenina del cine que hizo escuela\, para encontrar en nuestro presente a decenas de mujeres por todo el planeta que tomaron su relevo. las tres «vivitas y coleando» en este convulso 2018\, donde la realidad nos muestra lo que la película afirmaba hace ya cuarenta años: nada parece aprenderse del pasado. Los pueblos que olvidan su historia\, dicen\, están condenados a repetir sus peores momentos. Europa y América toda\, están dando abundantes e inquietantes pruebas de ello. \n«AMOR\, MUERTE\, TARANTELA Y VINO» (Fatto di sangue fra due uomini per causa di una vedova. Si sosspettano moventi politici ) /Italia / 1978 / Directora Lina Wertmuller / Intérpretes Sophia Loren\, Marcello Mastroianni\, Giancarlo Giannini\, Turi Ferro / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "VUELVE\, AMOR MIO" (1961).
DESCRIPTION:La Comedia clásica norteamericana vivió su período de esplendor hasta mediados de los años sesenta cuando la Censura fue teniendo menos injerencia en la temáticas a tratar. Hasta entonces\, se regía por una serie incontable de limitaciones surgidas en los años treinta como respuesta a los gritos moralistas escandalizados ante lo que el primer Cine Sonoro y gran parte del Mudo de los veinte se atrevía a mostrar. La sexualidad\, el erotismo\, fueron los blancos preferidos de las Ligas de Decencia que inundaban el país y clamaban ante el Estado para que tomara cartas en el asunto. A principios de los años sesenta se hacia insostenible ocultar tanta castración mientras las cinematografías extranjeras se atrevían a todo\, o casi. Suecia o Francia rodaban películas con temáticas adultas e incluso mostraban desnudos\, en Argentina Armando Bo ya había filmado muchos títulos con Isabel Sarli y en las entrañas de Nueva York o rincones de California se filmaba un nuevo Cine Independiente que se atrevía a desafiar códigos\, pero   Hollywood seguía esclavo de sus limitaciones. En este contexto se estrena » Vuelve amor mio»\, uno de los mayores sucesos de su tiempo. Una historia atravesada por el atractivo sexual que los dos protagonistas experimentan el uno por el otro pero obligando a los guionistas y director a narrarlo con las mayores sutilezas posibles. Vista hoy\, se muestra estéril el esfuerzo\, porque no basta mas que ver el film para comprender absolutamente todo lo que no podía decirse abiertamente. Eso si: con imposiciones finales como el matrimonio que legalizará cualquier encuentro intimo. Con un trío de intérpretes de enorme talento y muy populares en su época\, el director\, un maestro del cine dramático autor de Clásicos de los años cincuenta como «Marty» (1955)\, «Deseo bajo los Olmos » (1958)\, «Mesas Separadas» (1958) o «Medianoche Pasional» (1959)\, el olvidado Delbert Mann (1929-2007)\, se acerca al género de la comedia y triunfa con su dominio del lenguaje cinematográfico. Rock Hudson (1925-1985) fue uno de los mayores ídolos de los años cincuenta y sesenta con una apostura que enloquecía a mujeres (y hombres) de todo el planeta que llenaban de cartas el Estudio Universal Pictures del que era artista exclusivo\, pidiendo que lo mostraran ¡sin camisa! para disfrutar de su figura. Intérprete de films como «Gigante» (1956) o «Palabras al Viento» (1956)\, melodramas deslumbrantes\, encontró en la comedia su lugar ideal. Doris Day (1922)\, superviviente de la era clásica del Cine\, cantante de potente voz y actriz vapuleada por la crítica y espectadores exigentes pero adorada por las masas\, fue una de las mayores estrellas de los cincuenta y sesenta hasta su retiro en 1968: no volvió a filmar jamas. En 1967 le fue ofertado el personaje de la Sra. Robinson en «El Graduado» y resignó la ocasión de iniciar un nuevo tiempo en su carrera\, cuando por atractivo físico y talento interpretativo hubiera estado impecable en el rol que popularizó la gran Anne Bancroft.  «Vuelve amor mio» es el segundo de los tres films que rodó junto al galán muerto de Sida a los 59 años de edad\, siendo sin duda el mejor de todos: dos agentes publicitarios luchan por obtener el si de una importante empresa. Mientras ella representa la legalidad absoluta de ejercer el trabajo\, él hace todo lo que está mal para lograr sus objetivos. Las trampas y los enredos dan pie a una trama que no decae en ningún momento\, logrando el prodigio de que la película continué siendo disfrutable en le presente. Un referente del clasicismo en el el mejor sentido de la palabra. También una nueva ocasión para debatir sobre códigos hoy obsoletos pero que de alguna manera no han desaparecido de cierto sector del debate público. El mas conservador\, que lucha por regresar a sus fuentes. El talento cinematográfico demuestra la esterilidad de semejantes propósitos. Una obra enormemente disfrutable. \n«VUELVE AMOR MIO» (Lover como back) / 1961 / EE.UU / Director Delbert Mann / Intérpretes Rock Hudson\, Doris Day\, Tony Randall / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40 minutos.
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LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "80 EGUNEAN"(80 días) (2010).
DESCRIPTION:La Cinematografía vasca gana año a año mayor visibilidad fuera de su territorio. En el presente Ciclo de Cine de Vasco hemos visto varias de sus mayores expresiones de calidad. «80 EGUNEAN» (días en euskera) es una obra anterior a «Loreak» (2014) y «Handia»(2017) dos de los mayores sucesos de este tiempo que han sido visionados entre 2017 y el presente ejercicio. Ahora regresamos a un título anterior de Jon Garaño (1974) y Jose Mari Goenaga (1976)\, los autores de aquellos dos films para retomar una de las filmografías mas ambiciosas e internacionales de este cine que lucha por mas visibilidad con logros que temporada a temporada enriquecen la oferta. La historia encuentra a dos mujeres mayores de 70 años que fortuitamente vuelven a encontrarse tras haber estado separadas toda una vida\, desde aquella adolescencia cuando eran íntimas amigas. Axun ha estado casada desde hace décadas con Juan Mari y su vida transcurrido sin sobresaltos\, concentrada en su rol de compañera y ama de casa. En cambio Maite ha recorrido otros senderos donde la libertad y lucha contra las convenciones asfixiantes han sido su faro y sentido de existencia. El presente las enfrenta a una nueva realidad donde la primera estará obligada a replantearse toda su vida. La primer distinción del film consiste en dar protagonismo absoluto a personajes femenino mayores\, algo que también\, poco a poco\, va ganado lugar entre los nuevos cineastas del mundo entero\, quienes alejados de las grandes y ultra comerciales súper-producciones orientadas a un público masivo poco interesado en cualquier menester que implique reflexionar\, intentan explorar las enormes posibilidades que la cinematografía sigue ofreciendo a las mentes abiertas y progresistas. Un público adulto que reclama ser tratado como tal y busca en expresiones alejadas de los mas taquilleros nombres su espacio perdido. Las nuevas tecnologías han generado nuevas formas de acercarse a la expresión audiovisual\, pero no siempre encuentra hueco para este tipo de oferta.. Aunque sería inexacto decir que muchas de ellas no lo consiguen. «80 Egunean»\, a ocho años de su estreno\, nos brinda la oportunidad de descubrirla y compartir juntos el camino de estas dos mujeres que desde su anonimato encuentran toda una grandeza generacional capaz de conmover mas allá de los limites de una geografía\, porque lo que abarca se acerca sencillamente al interior de nuestra condición\, la humana\, siempre sensible\, cálida y dolorosa a la vez que plena de momentos esplendorosos. El buen cine nunca deja de serlo cuando quienes lo hacen tienen claros sus objetivos. \n«80 EGUNEAN» / 80 días / 2010 / España / Directores Jon Garaño y Jose Mari Goenaga / Intérpretes Itziar Aizpuru\, Mariasun Pagoaga\, José Ramón Argoitía / Color / Hablada en euskera y castellano con subtítulos en castellano / Duración 1h 44 minutos.
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LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "FUEGO" (1996).
DESCRIPTION:Esta película forma parte de una trilogía que la realizadora nacida en India\, Deepa Metha (1950)\, realizó entre 1996 y 2005. En ellas\,regresa a su tierra natal tras haberse instalado en Canadá donde estudia y debuta en 1986\, manteniendo desde entonces una carrera que la ha llevado de un lado al otro del mundo para reflexionar sobre las realidades de sus dos países conocidos: el asiático y el norteamericano. Las tres películas pueden verse independientemente ya que no tienen continuidad alguna\, siendo cada cual pieza independiente\, que unidas\, forman un mosaico sobre la complejidad del enorme territorio indio. Este trabajo realizado a lo largo de una década no ha impedido que antes y después la realizadora haya trabajado en otros films para el cine y documentales y ficciones para la televisión de Canadá\, aunque haya sido el que mas difusión internacional le proporcionó. En «Fuego» se aborda una temática situada en el presente («Tierra» habla del fin de la colonización inglesa y separación del lugar en dos Estados\, Pakistán e India\, y «Agua» se centra en un drama en tiempos de la aparición de Gandhi) donde un hogar y sus habitantes son los protagonistas de la narración: dos hermanos regentan comercios simultáneos: una casa de comida para llevar y un videoclub. Viven con la madre de ambos\, un sirviente y las dos esposas. Una\, la recién casada Sita\, llega al lugar para trastocar y cuestionar las costumbres ancestrales que rigen la vida de sus habitantes. Que conviven con hipocresías y transgresiones de casi todos ellos\, y harán que la hermosa mujer se enfrente desde el primer momento a las relaciones que la matriarca tiene para con todos ellos\,  siendo el desencadenante de una historia que revolucionará a todos los implicados. Las relaciones amorosas entre unos y otros serán el territorio a transitar. O en todo caso\, poner en el lugar correspondiente. La película nos refleja una realidad que afecta a la clase media (por llamarla de alguna manera) de un enorme territorio aun atravesado por un sistema de castas totalmente anacrónico e injusto\, al que\, nuestro presente de 2018 (9 de septiembre) nos trae la noticia sobre la despenalización por la Corte Suprema de las relaciones entre personas del mismo sexo\, un triunfo que anuló una ley con mas de 130 años de antigüedad y.que llevó a la cárcel y marginación a quienes las practicaban. Una temática a la que el film se acerca de manera abierta (teniendo en cuenta sus ya dos décadas de vida) al abordar los sentimientos que la joven Sita va experimentando por su cuñada Rhada. La directora rastrea con enorme sensibilidad y talento cinematográfica todos los aspectos que conforman las psicologías de los protagonistas\, ese circulo de personas atrapados en sus propias inseguridades\, hábitos y restricciones que condicionan la vida de todos. «Fuego» es la única parte del «trío» cinematográfico estrenado comercialmente en nuestro país a finales de los 90 y se mantiene plenamente\,vigente formando parte del nuevo tiempo abierto por directoras de cine que han surgido por todo el planeta trayendo al masculino ambiente cinematográfico una mirada diferente\, fresca\, indagadora y siempre necesaria. Desde Asía hasta Argentina\, el número de mujeres detrás de la cámara no ha hecho mas que aumentar. Es tiempo de ir recuperándolas una a una\, para armar ese otro gran mosaico pendiente: el Cine visto por las Mujeres. Un camino iniciado tímidamente hace mas de un siglo por cineastas del período mudo y donde desde entonces\, y hasta entrados los años ochenta del Siglo XX\, fueron injusta minoría. \n«FUEGO» / Fire\, 1996 / India- Canadá / Directora Deepa Metha / Intérpretes Shabana Azmi (Radha)\, Nandita Das (Sita)\, Kulbhushan Kharbanda (Ashok)\, Javed Jaffrey (Jatin)\, Kushal Rekhi (madre) / Color / Hablada en inglés e hindi con subtítulos en castellano / Duración 1h 48 minutos.
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SUMMARY:CINE: "NINA" (2016).
DESCRIPTION:Una de las grandes voces del blues\, jazz y soul de EE.UU\, Nina Simone (Eunice K.Waymon\,1933-2003) es el tema principal de esta producción inglesa realizada por una mujer\, Cynthia Mort. Fue pianista y compositora ademas de cantante\, así como activa militante política en el Movimiento por los Derechos Civiles que atravesaron los años sesenta en respuesta a la marginación de la población negra norteamericana. Escribió canciones con fuerte compromiso con la causa y el asesinato de Martín Luther King en 1968 marcó su vida: dejó su tierra en 1969 en rechazo por lo que ella consideró el fracaso de toda una Nación e inició un exilio que la llevaría al Caribe\, África y finalmente Francia\, donde se estableció en cercanías de Niza\, en la Costa Azul mediterránea. La película abarca diferentes períodos de su carrera y vida privada donde sobresalen los puntos mas definitorios de su compleja personalidad: el talento artístico caminaba junto a un pésimo humor y el consumo de alcohol que poco a poco fue deteriorando su salud. Algunas de sus interpretaciones mas memorables son recreadas en la película con la voz de su protagonista Zoe Saldana (1978). Una decisión controvertida de la guionista\, productora y realizadora británica que genera una sensación de extrañeza que planea sobre todo el metraje. Una decisión artística que no es la habitual en el acercamiento cinematográfico a figuras legendarias de la canción donde los intérpretes que les dan vida son doblados por las voces originales. En este caso\, la producción toma un camino minoritario donde otras películas han obviado las voces originales\, como fue el caso de «Lady Sings the Blues» en los años setenta\, cuando la de Billie Holiday fue suplantada por la de su protagonista\, la también cantante Diana Ross. El film se pasea por la intimidad de la residencia junto al Mediterráneo tanto como por espacios en California\, París u otros escenarios. El personaje que acompaña la función corresponde al también real Clifton Henderson\, amigo y representante de la artista en los últimos años de su vida. «Nina» fue estrenada luego de múltiples choques entre realizadora y la empresa que la produjo\, Ealing Studios\, uno de los mayores de Inglaterra\, quién según la mujer manipuló arbitrariamente su trabajo. Esta cuestión marcó el destino de un film a todas luces atractivo que conoció escasa difusión. Ahora tendremos la oportunidad de juzgarlo nosotros los espectadores. Cine de mirada feminista y comprometida con la causa de las mujeres que marcan una nueva tendencia en la cinematografía de los últimos treinta años cuando la mujer comienza a ocupar un puesto destinado por décadas a los hombres. «NIna» es entonces\, producto de este presente. Con una pareja de talentosos intérpretes\, la película nos acerca a la historia de una de las personalidades mas fascinantes de la música negra\, cuya voz permanece por siempre en las innumerables grabaciones que realizó a lo largo de su extensa carrera. \n«NINA» / ídem / Reino Unido / Directora Cynthia Mort / Intérpretes Zoe Saldana\, David Oyelowo\, Ronald Gutman\, Keith David\, Ella Joyce / Color/ Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 30 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "OCHO MUJERES" (2002).
DESCRIPTION:«Ocho Mujeres» es obra de uno de los mayores cineastas del actual cine francés\, Francois Ozon (1967). Un director que comenzó su carrera antes de cumplir los 30 años y que gozó de éxito critico y publico desde el principio. Adapta una novela de misterio del autor Robert Thomas (1927-1989) que también fue obra de teatro exitosa desde 1961\, cuando se estrenó en Francia. Desde entonces ha sido representada en teatros y en televisión de varios países\, incluyendo Argentina. Marcel\, a quién solo divisaremos ocasionalmente (protagonista siempre mencionado) es un hombre rodeado de mujeres: su esposa\, dos hijas\, una hermana\, una suegra\, una cuñada\, una cocinera y una empleada domestica. Todas tienen secretos que ocultar: las mentiras son lo que las une y también separa\, sin ellas ninguna relación parece ser posible. Al comienzo de la historia se anuncia su muerte y comienza una intriga para saber quién de todas ha sido la asesina. El director interpreta libremente este texto\, tomando su trama original para construir un film personal con todas las licencias que quiere. La intriga policial se torna comedia casi negra y en el medio aparece la música: los personajes interrumpen la acción para cantar una canción cuya letra aporta datos a la trama: la intriga se enreda con la sonrisa y el disparate mas absurdo…y un retrato feroz de la condición humana. Mujeres u hombres pueden alcanzar el mismo grado de negritud en determinadas situaciones. El director reúne a un grupo extraordinario de actrices para dar vida a sus criaturas\, donde cada una representa una época del cine galo. Danielle Darrieux (1917-2017) es uno de los mayores nombres de la cinematografía del país: activa desde los 15 años\, interpretó decenas de roles a través de su siglo de vida. Catherine Deneuve (1943) es continuadora de su belleza y prestigio. Isabelle Huppert (1953) y Fanny Ardant (1949) debutaron en los años setenta y son ya figuras clásicas. Emmanuelle Beart (1963) surge en los ochenta y el resto de las figuras son ya nombres consagrados del presente. Las canciones que se escuchan forman parte del repertorio musical francés en su vertiente melódica o pop y son interpretadas por cada una de las actrices sin importar demasiado la calidad que tengan en ello\, porque el sentido de su inclusión es otro: enriquecer la historia de cada uno de sus personajes. \n«OCHO MUJERES» (8 femmes) / Francia / Director Francois Ozon/ Intérpretes: Danielle Darrieux\, Catherine Deneuve\, Isabelle Huppert\, Emmanuelle Beart\, Fanny Ardant\, Ludivine Sagnier\, Virginie Ledoyen y Firmine Richard / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 50 minutos
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LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "ADIÓS A LA REINA" (2012).
DESCRIPTION:Cuando en julio de 1798 estalla la Revolución\, los habitantes del palacio de Versailles parecen no registrar el suceso. En los días venideros La Bastilla y su toma por el Pueblo\, irán infiltrándose poco a poco en las charlas de la Corte que como insectos rodean a los monarcas. Dos mujeres protagonizan la historia: la reina de origen extranjero en quién caerá con mayor fuerza la ira de un pueblo efervescente y una de sus mas cercanas colaboradoras dentro de la sometida servidumbre del lugar. María Antonieta será mimada por la fiel Agathe quien poseída por una absoluta fascinación por la poderosa en jaque\, descubrirá secretos íntimos paralelos a las noticias que llegan desde el exterior. La aparición de la duquesa Gabrielle no hará mas que confundir sus emociones. Sobre estas tres mujeres se apoya la narrativa y la puesta en escena deslumbrante en detalles y recreación de época (vestuario\, escenografía\, música) del francés Benoit Jacquot (1947)\, uno de los mas desconocidos realizadores franceses en Argentina\, autor de decenas de films para la televisión y el cine galo que debutó en 1976 con un documental sobre el gran pensador del Siglo XX Jacques Lacan\, para adaptar un libro de enorme suceso en Francia. Entre sus escasos trabajos vistos en nuestro país destacan «La escuela de la carne»(1998)\, «Villa Amalia» (2009) y «Tres Corazones» (2014)\, Ha dirigido a actrices fundamentales como Deneuve\, Darrieux\, Adjani\, Sanda\, Huppert o las tres jóvenes protagonistas de «Adiós a la Reina». La alemana Diane Kruger (1976) mas las francesas Lea Seydoux ((1985) y Virginie Ledoyen (1976) son tres de las principales actrices europeas del presente\, que dan vida a mujeres obligadas a convivir en un espacio asfixiante en un momento clave de la Historia universal como fue la Revolución Francesa\, acontecimiento que daría lugar al inicio de la Era Moderna y del cual aun nos llegan ecos. Una obra extraordinaria para reflexionar sobre el Poder\, la Servidumbre y el Pueblo\, que harto del sometimiento y el hambre se levanta para recordar a los Lideres quién es finalmente el verdadero motor que impulsa los cambios sociales. Hace 200 años y hoy también. \n«ADIÓS A LA REINA» ( Les adieux a la Reine) / 2012/ Francia- España / Director Benoit Jacquot / Intérpretes Diane Kruger\, Lea Seydoux\, Virginie Ledoyen\, Xavier Beauvois / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40 minutos.
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SUMMARY:Cine: "FLORENCE: LA MEJOR PEOR DE TODAS" (2016).
DESCRIPTION:El realizador británico Stephen Frears (1941) lleva al cine un personaje real: Florence Foster Jenkins\, una cantante considerada por los críticos con un dudoso apelativo: «la peor de la Historia». Esta mujer nació en 1868 en el seno de una familia acomodada de USA. Desde muy pequeña su objetivo fue cantar y se formó para eso. En 1912\, gracias a la herencia de su padre\, realiza un primer concierto\, que dio paso a una carrera de 32 años de duración hasta un mes antes de su muerte en 1944. Que cantara mal y sus conciertos y actuaciones fueran motivo de burla\, llevó a la mujer a cimas insospechadas de popularidad en la Nueva York de la época. El entusiasmo de ella era tan grande que este detalle jamas pareció afectar su carrera\, en todo caso\, achacaba sus pésimas críticas a la envidia de los demás. Con semejante historia\, era esperable que algún cineasta la llevara al cine. Y el director británico\, autor de clásicos como «Las Relaciones Peligrosas» (1988) o «La Reina» (2006) fue el encargado de realizarla. Con la interpretación de Meryl Streep (1949) en el protagónico\, el resultado ha sido una película donde se cuestiona la actitud de la burla como reacción popular a lo diferente. El ejercicio de la misma con el personaje traspasa los limites de la crueldad al no tener en cuenta que la interprete siempre creyó hacerlo bien\, ademas de su incondicional amor por la música. En la actualidad\, donde el medio musical está plagados de pésimos cantantes con enorme fama\, la cuestión se presta a la reflexión. La actriz norteamericana volvió a estar nominada para numerosos premios en su país y en el exterior\, en una carrera totalmente opuesta a la del personaje que interpreta. Su enorme condición actoral permite llenar de matices la figura de Florence\, haciendo mas comprensible el conflictivo mundo interior de una mujer que creyó que el dinero era suficiente para lograr todos y cada unos de sus caprichos. Una comedia que nos acerca un tema muy serio. \n«FLORENCE: LA MEJOR PEOR DE TODAS» /Florence Foster Jenkins /2016 / Reino Unido / interpretes Meryl Streep\, Hugh Grant\, Simon Helberg / Color / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 50 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "JANE EYRE" (2011).
DESCRIPTION:«Jane Eyre» es una novela de Charlotte Bronte de gran suceso a partir de su publicación en 1847 que la convirtió en clásico de la literatura romántica. Es la historia de una joven huérfana que tras pasar años en un internado donde ha sido abandonada por familiares ricos\, se convierte en institutriz de un apuesto hombre de dinero. En la mansión que habitan\, en medio de un bosque\, transcurre la historia de los personajes. Una trama donde la intriga no es ajena y los ecos de historias de fantasmas ocupan un lugar. Pero no hay terror sino misterio y una potente historia de amor llena de complejidades donde sobresale la impronta y potencia de la protagonista: una mujer de fuertes convicciones\, feminista del Siglo XIX que lucha como todas sus iguales por ser reconocida en una sociedad donde las hostilidades entre las clases sociales dominan todo el espectro humano. La Inglaterra de entonces era tan rígida en principios como el resto de los pueblos europeos y desde allí partía un mandado social que frenaba cualquier atisbo de rebelión. Jane joven\, sabe quien es y que quiere. Su educación y sensibilidad la han convertido en una mujer de rostro adusto donde rara vez aparece la sonrisa. La firmeza es confundida con sometimiento y ella se encargará de demostrar la diferencia entre ambas condiciones. Una novela que ha conocido varias versiones para el cine y para la televisión a lo largo del tiempo. En 1944 se estrena en Hollywood una de sus primeras adaptaciones al cine sonoro (hay varias del mudo) y se convierte en éxito de su tiempo. Interpretada por Orson Welles y Joan Fontaine\, el film es un clásico romántico de los años cuarenta. En 1996 el italiano Franco Zeffirelli realiza otra aproximación al texto y en 2011 se estrena esta. El director novel Cary Fukunaga recrea con precisión el espacio geográfico y humano de la escritora británica\, donde la escenografía\, vestuario\, fotografía y música nos llevan a aquel mundo remoto de amores entre diferentes que deben transitar asperezas varias para llevar adelante sus complejos asuntos. Un cuarteto de jóvenes y adultos intérpretes da brillo a la función. «Jane Eyre» completa el mini-ciclo de Cine sobre las Hermanas Bronte que hemos llevado a cabo en las últimas funciones del Museo López Claro en el Ciclo «El Arte en el Cine: la Literatura». Tres obras cinematográficas que se acercan tanto a la intimidad de las mujeres escritoras como a la adaptación de sus obras. \n«JANE EYRE» (ídem) / Reino Unido / 2011 / Director Cary Joji Fukunaga / Intérpretes Mia Wasikowska\, Michael Fassbender\, Judi Dench\, Jamie Bell\, Sally Hawkins / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "REY POR INCONVENIENCIA" (1966).
DESCRIPTION:Comedia clásica para este miércoles\, para amantes del cine en general. En los finales de la Primera Guerra Mundial\, un soldado especializado en adiestrar palomas mensajeras es enviado a desactivar un arsenal que los alemanes han puesto en un pueblo francés antes de emprender la retirada con el fin de destruirlo todo. Pero Plumpick\, escocés de nacimiento y por tanto con polleras a pesar de la ocasión\, se ve obligado a algo que desconoce. Los disparates que los conflictos bélicos provocan o padecen son materia de humor en esta COMEDIA ya clásica del cine de los años sesenta\, que fue un enorme suceso global y en Argentina tuvo idéntica aceptación popular y crítica. A medio siglo de su estreno\, el arte del cineasta Philippe de Broca (1933-2004)\, autor de éxitos con Jean Paul Belmondo cono «Cartouche» (1962)\, «El hombre de Río» (1964)\, «Aventuras chinas en China» (1965)\, «El Magnífico» (1973) y también de «El Diablo por la Cola» o «Los Juegos del Amor» (debut en 1960)\, alcanza probablemente una de las cumbres de su carrera con este título. Una película que reflexiona en clave humorística sobre cuestiones graves como la Guerra y la Locura. El soldado llega a un pueblo abandonado por sus habitantes ante la amenaza de una inminente explosión de la que advierten los Aliados. Solamente los pacientes del manicomio local quedan en la zona. Y a este lugar llega el soldado quién es confundido con un Rey: el de Corazones (que da pie al título original en francés). A partir de ese momento los internos se rebelan\, huyen del hospicio y habitan un territorio vacío con todo a su disposición. Cada cual asumirá un rol y vestirá ropajes adecuados. Como en un cuento\, la realidad ocupa el lugar de la ficción y la historia avanza. La cordura y la insanía conviven amablemente cuando los seres humanos se permiten la libertad de expresar sus mundos interiores. Pero esto armonía\, como en los cuentos\, tendrá su fin y la realidad mas dura regresará al apacible pueblo. Una película que mantiene intactos sus valores originales y se desarrolla entre sonrisas y calidez de personajes queribles\, profundamente humanos a quienes la enfermedad mental no les resta lucidez. Esa lucidez que parece buscar refugio tras una cuestión siempre marginada por las sociedades: las enfermedades de la mente\, uno de los grandes terrores de siempre. En clave humorística el Arte ha podido encajar mejor los conflictos mas escabrosos y la comedia cinematográfica ha sido a partir del Siglo XX una de las manifestaciones mas propicias para llegar al público. Desde sus inicios\, el cine francés recurrió a ella y de su pantalla surgen nombres clásicos desde el cine mudo. Max Linder\, uno de sus mayores exponentes. Philippe de Broca es el cineasta mas divertido del movimiento llamado «Nouvelle Vague» (Nueva Ola)\, que revolucionó el cine galo a partir de finales de los años 50 . El director comparte lugar con «serios» como Chabrol\, Godard\, Resnais o Truffaut\, y a diferencia de todos ellos\, genera un apartado donde la critica a su sociedad llega del lado de la sonrisa. Fue la tónica que le acompaño a lo largo de su extensa carrera donde dirigió a los mejores intérpretes. El actor británico Alan Bates ((1934-2003) fue uno de los mayores nombres de los años sesenta y de los rostros mas carismáticos de otro enorme movimiento cinematográfico europeo: el «Free Cinema»\, que deslumbró al mundo a la par que el francés. Bates es recordado por su labor junto a Anthony Quinn en «Zorba el Griego» (1964) y también por memorables trabajos en una serie de películas como «Imprevisto Pasional» (1960)\, «Mientras sopla el viento» (1961)\, «Lejos del mundanal ruido» (1967)\, «Mujeres Apasionadas» (1969) o «El mensajero del amor» (1971)\, todos clásicos del cine. Un título memorable que merece ser recuperado en un presente donde los conflictos tratados siguen igual de vigentes. \n«REY POR INCONVENIENCIA» (Le roi de coeurs) /1966 / Francia- Italia / Director Philippe de Broca / Intérpretes Alan Bates\, Genevieve Bujold\, Pierre Brasseur\, Micheline Presle\, Adolfo Celi\, Jean Claude Brialy / Color / Hablada en francés\, alemán\, inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 42 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-rey-por-inconveniencia-1966/
LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "ENSÉÑAME EL CAMINO\, ISABEL..." (2006).
DESCRIPTION:Una comedia vasca entre tanto cine serio que llega de Euskadi. Los cineastas de este país se han decantado hacia el género dramático en su mayoría\, probablemente porque la realidad que les tocó vivir\, y desde donde crearon sus propuestas\, no daba para muchas risas tras los duros años del Franquismo y la irrupción de la violencia de ETA. Desde finales de los años setenta\, cuando se inicia el camino de esta cinematografía (con su prehistoria oculta) hasta el presente\, se han sucedido dos generaciones (al menos) de cineastas\, y muchos de los actuales indagan en las particularidades de los vascos desde el prisma de la comedia. Este film del año 2006 puede considerarse uno de los precursores del momento actual\, donde también desde las televisiones regionales se apuesta al genero con series muy exitosas. Juan Martín es un joven de la ciudad de San Sebastian que quiere mejorar sus conocimientos sobre la lengua patria: el euskera. Y decide que la mejor manera de hacerlo es viajar al interior y convivir una temporada con la gente de allí\, para poder aprender ademas sus costumbres y realidades. El enfrentamiento eterno ciudad/campo en una nueva versión. Es recibido por una familia con hijos que colaboran todos en bien de su «caserío»\, el espacio idóneo para entender mejor las realidades mas ancestrales. Pero las cosas no serán tan sencillas como el joven imaginaba y desde el primer momento entenderá las diferencia entre unos y otros. La película está estructurada sobre una serie de situaciones muy divertidas que desde el primer instante atrapan al espectador\, quién con entrega absoluta sigue las peripecias de Juan Martín a la vez que va aprendiendo en carne propia esa otra cultura que pervive con mas fuerza en el interior. El contacto con la tierra\, los animales\, la comida\, las fiestas y el inevitable enamoramiento que el protagonista sentirá por la hija de la familia\, la natural Ixabel\, que sin prejuicios observa al recién llegado como si de un extraterrestre se tratara. La pareja de directores noveles logra un debut casi redondo\, donde el naturalismo de los intérpretes se impone sobre otras consideraciones actorales. Así como la recreación de un tiempo\, finales de los años setenta\, a pocos días de una nueva década. Que para el País Vasco traería nuevas realidades a la par de libertades conseguidas y violencias que en ese tiempo alcanzarían cotas muy altas. Al elegir el camino del humor y centrarse en el aspecto mas positivo de las personas\, la realidad resulta menos espinosa de transitar. Basada en una novela de buen suceso escrita por Joxean Segastizabal\, ha sido dirigida por Bernués (1961) y Gabilondo (1965)\, cineastas detrás de una exitosa serie emitida entre 2005 y 2010\, » Mi querido Klikowsky» que narra la historia de un migrante argentino de ascendencia judía en tierras de Euskadi. Gabilondo en solitario ha dirigido una de las películas mas aclamadas del último cine vasco: «Las manos de mi madre» (Amaren Eskuak) y Bernués se encuentra\, 12 años mas tarde\, dirigiendo su segundo largometraje para el cine. Lo que demuestra las serias dificultades que aun persisten a la hora de seguir filmando. En todo caso y por una vez mas\, la calidad parece anteponerse a la cantidad. El camino elegido por un cine joven que pelea por encontrar espectadores mas allá de su propia tierra. \n«ENSÉÑAME EL CAMINO\, ISABEL» / Kutsidazu Bidea\, Ixabel / 2006 / País Vasco\, España / Directores Fernando Bernués y Mireia Gabilondo / Intérpretes Mikel Losada\, Ainere Tolosa\, Mireia Gabilondo\, Iñaki Trastorza / Hablada en euskera y castellano con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40 minutos.
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LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "CUMBRES BORRASCOSAS" (1992).
DESCRIPTION:En 1847 aparece en Gran Bretaña un libro titulado «Wuthering Heights» (Cumbres Borrascosas) cuyo autor firma como Ellis Bell. Tiene un éxito moderado\, y años después se descubre que en realidad es una mujer quién lo ha escrito: Emily Bronté. Ella muere al poco tiempo y será su hermana Charlotte quien en una segunda edición\, hará de su nombre uno de los mayores de la Literatura de su tiempo. Una vida breve\, intensa\, que parece haber concentrado toda su fuerza en la elaboración de un texto que aun sigue perturbando al lector. El cine se sintió tentado por el libro desde siempre pero la dificultad de llevar el lenguaje profundamente literario a las imágenes dificultó y frustró proyectos hasta 1939\, cuando se estrena la versión hollywoodense dirigida por William Wyler e interpretada por Laurence Olivier y Merle Oberon. El resultado es un tímido y (para mi) frustrado intento\, que sin embargo cosecha éxito y admiración de parte de la critica. En 1953\, un cineasta mucho mejor dotado para llevar a cabo la tarea\, el maestro Luis Buñuel\, lo adapta a la realidad mexicana en «Abismos de Pasión». Nuevamente\, y a pesar de ciertos logros\, el espíritu de la obra se mantiene distante. La televisión y el Cine volvieron a el en varias ocasiones\, siendo la última en 2011 con una versión libre a cargo de una joven cineasta británica. La versión de 1992 es la que probablemente mas se ajuste a la narración original. Sin embargo el espíritu convulso\, apasionado\, trágico del libro\, parece seguir siendo imposible de trasladar a las imágenes. En todo caso\, al haber fracasado los intentos señalados en trasponer el «alma» de la obra de Bronté\, resta el placer secundario de contemplar la historia tal cual la imagino la autora. Heathcliff es un niño abandonado rescatado de la calle por Thomas Earnshaw\, el dueño de una gran estancia en el norte de Inglaterra\, en medio de los páramos de Yorkshire. Hasta la casa\, Cumbres Borrascosas\, llegan y son recibidos por los hijos del hombre\, Catherine y Hindley. Mientras el segundo lo rechaza ferozmente desde el comienzo\, la primera vivirá con el recién venido una historia de amor intensa que la acompañará hasta su muerte. De esa pasión habla la trama: la de dos personas que pasan sus vidas juntas desde la niñez hasta la juventud\, cuando el destino y las circunstancias los separen y conviertan a él en un monstruo pleno de rencor y ansias de venganza\, que dedicará su vida a destrozar la de los demás. Un personaje turbulento y fascinante que encarna las mayores bajezas humanas a la vez que una enorme capacidad de amar\, tanto como incapacidad de ser amado. Interpretada en su debut para el Cine por el británico Ralph Fiennes (1962)\, quién luego tendría una carrera de éxitos con films como «La Lista de Schindler» (1993)\, «El Paciente Inglés» (1996)\, «Spider» (2002)\, «El Jardinero Fiel» (2005) mas una serie de intervenciones en los mundos de Harry Potter y James Bond\, la película se apoya en su presencia siempre inquietante aunque mucho mas distante que la criatura nacida de la mente de Bronté. Carente del salvajismo y la negritud necesaria\, el actor interpreta a un ser acomplejado por el desprecio de sus semejantes y el olvido de su amada Cathy. La actriz francesa Juliette Binoche (1964) realiza una de sus primeras interpretaciones en inglés\, parte de su extensa carrera iniciada a los 20 años\, que cuenta con direcciones memorables de artistas como Godard\, Malle o Carax\, iconos del cine galo. Al inicio del film\, una mujer\, la propia autora devenida personaje de ficción\, nos introduce en el mágico y oscuro mundo que se esconde entre los páramos que rodean Cumbres Borrascosas. Desde allí\, nos devuelve en forma de imágenes a sus adoradas criaturas. El espíritu de la obra\, como los propios personajes\, se mantiene ausente y parece remitirnos al mundo de lo fantasmal. Alguna vez\, algún cineasta bien dotado\, quizás nos los devuelva como su autora imaginó. Mientras tanto\, regresar al libro original seguirá siendo fuente de los mayores placeres para la imaginación. Literatura y Cine\, dos lenguajes siempre intentando construir puentes. \n«CUMBRES BORRASCOSAS» / Wuthering Heights /1992 / EE.UU- Reino Unido / Director Peter Kosminsky / Intérpretes Juliette Binoche\, Ralph Fiennes\, Janet McTeer\, Sophie Ward\, Simon Stepherd\, Jeremy Northam / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.
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SUMMARY:CINE:: "LO IMPORTANTE ES AMAR". (1975)
DESCRIPTION:«Lo importante es amar» es el título del film y a la vez una rotunda afirmación de su director\, el cineasta de origen polaco Andrzej Zulawski (1940-2016)\, uno de los directores mas controvertidos del cine europeo\, que durante su larga carrera apenas realizó 13 films\, alguno de ellos considerados entre lo mas destacado y escandaloso del periodo 1971 (debut) -2000 (cuando interrumpió por muchos años su trabajo cinematográfico). Esta película puede considerarse su obra mas emblemática y la que lo mantuvo en lo mas alto de la consideración crítica e incluso popular\, ya que su éxito traspasó las barreras de Francia\, patria de adopción y donde filmó la mayor parte de su cine. Narra una historia de amor entre dos personajes con un tercero como testigo y una especie de coro que les rodea mostrando los aspectos menos agradables de la existencia. Nadine es una actriz de treinta años que se gana la vida filmando películas malas y actuando en obras de teatro de dudosa calidad. En un rodaje es fotografiada por Servais\, reportero de publicaciones sensacionalistas que indaga en los bajos fondos de la sociedad. Un encuentro fortuito y furtivo que sin embargo\, a través de la intensidad de las miradas y de unas pocas palabras\, unirá el destino de ambos a partir de ese momento. El hombre se siente afectado por la sensibilidad de la mujer e intentará conquistarla. Pero ella posee una psicología compleja\, transgresora\, diferente a las que el fotógrafo ha conocido. El ambiente del cine erótico de baja calidad\, los usureros que prestan dinero para levantar obras de teatro\, el propio ambiente del escenario\, la casas que habitan todos los personajes\, son los espacios que el director recrea de la mano de una actriz formidable: Romy Schneider (1938-1982). Nacida durante la Segunda Guerra Mundial en Viena\, hija de actriz famosa\, debuta en la adolescencia en un tipo de cine que la convertirá en estrella absoluta de lo mas almibarado y comercial de la Europa de los años cincuenta mientras se levantaba desde las ruinas del conflicto bélico. Su personificación de la emperatriz Sissi en una trilogía muy popular\, la pone en primer plano y durante varios años\, hasta 1959\, su rostro estará en una decena de películas del mismo genero: historias de amor con final feliz tamizadas de lujos\, imperios y pobrezas siempre recompensadas. En 1958 conoce al actor Alain Delon y poco después al cineasta Luchino Visconti\, quienes le abren las puertas de otro tipo de cine. En «Bocaccio 70» (1962) es dirigida por el italiano en el rol de una esposa que se prostituye con su propio marido y jamás volverá a filmar películas como las que la hicieron popular. Su carrera remonta en 1969 y es imparable hasta su muerte trágica a los 43 años de edad. Uno de los rostros mas emblemáticos de la Historia del Cine conjugado con un cuerpo casi perfecto y un talento dramático único en mujeres de su condición. Sus trabajos durante los años setenta y primeros ochenta muestran a una de las actrices mas comprometidas con su tiempo y sus retratos de mujer son formidables. En esta película\, la actriz parece seguir ajustando cuentas con su pasado almibarado y nos entrega otra historia de amor donde éste es puesto en cuestión\, para luego afirmarnos que es lo único verdaderamente importante que podemos anhelar los seres humanos. Un cine dramático\, visualmente deslumbrante\, donde la música aparece en los momentos mas intensos dando a la imagen cinematográfica un verdadero sentido\, mas allá de la estridencia e histeria con la que por momentos invade cada fotograma. A cuarenta años de su estreno en Argentina tenemos la posibilidad de verla en Versión Integra\, sin los cortes que la censura le impuso en su momento. \n«LO IMPORTANTE ES AMAR» / L’important c’est d’aimer / 1975 / Francia- Italia- Alemania / Director Andrzej Zulawski / Intérpretes Romy Schneider\, Fabio Testi\, Jacques Dutronc\, Klaus Kinski\, Nicoletta Machiavelli\, Claude Dauphin\, Roger Blin / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1 hora 47 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-lo-importante-es-amar-1975/
LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
CATEGORIES:Cine fórum
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ORGANIZER;CN="UNICEN%2F%20VIVARELLI":MAILTO:alfredovivarelli@gmail.com
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