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SUMMARY:CINE: "ÁNGEL" (2007).
DESCRIPTION:El cine continúa descubriendo en la literatura material adaptable a la pantalla\, un hábito que se mantiene desde los primeros tiempos de su vida. El cineasta Francois Ozon (1967)\, uno de los grandes del panorama europeo actual\, transforma en imágenes la novela «Ángel»\, publicada en 1957. Su autora\, sufrió el no ser reconocida en vida en tanto mujer premiada y apreciada literata. Después de su muerte en 1975\, su nombre fue rescatado y revalorizado. El llamarse igual que una de las mayores divas del Siglo XX\, Elizabeth Taylor\, no contribuyó en nada a su suerte. Nacida en 1912 escribió 12 novelas a lo largo de su carrera\, también cuentos y relatos breves además de participaciones en la prensa. «Ángel» relata la historia de Ángel Deverell\, una joven empeñada en escribir y alcanzar la fama. Hija de una almacenera\, su infancia se instala sobre la negación de la realidad que la circunda y de la que huye a través del ensueño y la imaginación que pronto se sublimarán en escritura. Su obstinación y seguridad en si misma la empujan a trascender la ciudad en que vive y abrazar la metrópolis. El éxito le sonríe pronto y la riqueza llega a su vida. Pero no todo se consigue con dinero\, el amor por ejemplo. La trama sirve al realizador galo para ejecutar otros de sus brillantes ejercicios cinematográficos donde clasicismo y transgresión se intercalan alternativamente entre film y film. La condición femenina cae otra vez bajo su punzante lupa y el resultado vuelve a ser brillante. Maestro en la creación de climas\,el regreso al Siglo XIX como escenario de su historia le permite ejercitar su talento en la fotografía\, música y ambientación exquisita. Su capacidad de sacar lo mejor de actores y actrices vuelve a manifestarse. Romola Garai (1982) es una de la figuras mas talentosas de la Europa actual\, dueña de una enorme belleza y talento\, es la figura ideal para dar vida a la escritora que escribe mucho pero no todo es de calidad. Una gran vendedora de libros no es siempre una gran narradora. Una mujer con ambiciones de ser feliz a cualquier precio que parece creer que todo se consigue a golpes de chequeras. La realidad y la ficción son parte de su vida y los caprichos para que todo se iguale\, simple deseo. Una película que nos brinda nueva mirada sobre el mundo e interioridades de los creadores\, la otra cara que no siempre es visible\, así como la posibilidad de reflexionar sobre conceptos siempre actuales: éxito\, felicidad o realidad. \n«ÁNGEL» / 2007 / Reino Unido- Francia / Director Francois Ozon / Intérpretes Romola Garai\, Sam Neill\, Lucy Russell\, Charlotte Rampling\, Michael Fassbender / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 53.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-angel-2007/
LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"IGELAK" / (RANAS) / 2016.
DESCRIPTION:Una comedia que habla de un tema muy actual y nada divertido en la sociedad europea actual: el conflicto por los impagos de créditos bancarios sobre la vivienda y el consecuente desalojo de sus frustrados propietarios. El realizador vasco PATXO TELLERIA\, nacido en 1960 en Bilbao\, filma su tercera y mas exitosa película donde el protagonista es uno de los mas populares de Euskadi\, el actor GORKA OTXOA\, nacido en 1979 en Donostia y con cincuenta trabajos en pocos años entre Televisión y Cine. Ambos son exponentes de la variante de comedia en una cinematografía hasta hace pocos años muy centrada en el género dramático y testimonial. Porque los temas mas complejos y asfixiantes pueden ser vistos desde el prisma del humor sin por ello claudicar en el serio postulado que la realidad impone. Pello es empleado bancario que se ocupa de los asuntos menos simpáticos: denegar préstamos a los mas comprometidos clientes que imploran por su ayuda o negociar contratos con empresarios de dudosa seriedad. Pero su vida cambia por la trampa que le tejen superiores y de un día para el otro se convierte en prófugo de la justicia para acabar viviendo del lado de los que hasta hace poco tiempo imploraban su ayuda en las oficinas. Una película que se convierte en crítica feroz sobre el devenir de la realidad económica de millones de españoles victimas de la Crisis Financiera del 2008 que arrastró al desastre a ciudadanos que cometieron el error de creer lo que los grandes bancos le proponían. Un futuro auspicioso convertido en infierno para muchos. La película muestra un panorama diferente de una gran ciudad como San Sebastían\, adornada por la música y letra de jóvenes intérpretes vascos que a través del pop y el rock indagan en los aspectos mas complejos de la actualidad con canciones que se intercalan con la acción de los protagonistas y complementan la realidad analizada. La fábula «El Escorpión y la Rana»\, de origen desconocido aunque a veces atribuida a Esopo\, se convierte en la base de un film original\, divertido\, humano\, que devuelve a través de la comedia una mirada de la deformada realidad actual de muchos que perdieron el tren del éxito. \n«IGELAK» / «RANAS» / España 2016 / Director Patxo Telleria / intérpretes Gorka Otxoa\, Miren Gaztañaga\, Mikel Losada\, Iñaki Rikarte / Color / Hablada en castellano con canciones en euskera con subtítulos en castellano / Duración 1h 38 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/igelak-ranas-2016/
LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "PASIÓN DE AMOR" (1981).
DESCRIPTION:Una de las pocas películas que reflexiona seriamente sobre la cuestión de la fealdad en las personas. En un arte como el cinematográfico donde ha predominado desde siempre la búsqueda y exaltación  de la belleza\, su opuesto rara vez ha sido tema protagónico. En el Siglo XIX se edita una novela llamada «Fosca» de un autor de vida tan dura como breve: Iginio Ugo Tarchetti\, que muere a los 30 años en 1869 sin haber finalizado este trabajo. Sería concluido y editado por un amigo. Su nombre se pierde entre tantos autores de un tiempo prolífico en relatos de la naciente izquierda europea. Una literatura que bucea en los aspectos menos atractivos del alma humana\, que encuentra aquí formidable ocasión para reflexionar sobre cuestiones como la falta de atractivo físico y la histeria como patologías de su protagonista. En 1981 el gran cineasta italiano Ettore Scola (1931-2016)\, autor de «Celos estilo italiano» (1970)\, «Me permite\, Rocco Papaleo» (1971)\, «Nos habíamos amado tanto» (1974)\, «Feos\, sucios y malos» (1976) o «Un día muy particular»\, entre algunos de sus mejores títulos\, recupera este texto olvidado y lo convierte en magnífica pieza cinematográfica. Giorgio es un apuesto Capitán de la recién unificada Italia que vive un romance adultero con la bellisima Clara. Pero un nombramiento en la frontera lo aleja de ella. En una casa donde convive con otros militares\, el líder mayor del lugar\, el Coronel\, tiene una sobrina a su cargo: Fosca\, mujer histérica de enorme fealdad. De la que es consciente y por la cual enferma. Pero no le impide enamorarse inmediatamente del atractivo recién llegado. El encuentro entre los dos personajes propone al director una reflexión sobre las posibilidades y frustraciones que envuelven a una heroína de estas extrañas (para el cine) características. Y realiza una de sus mejores películas. El enfrentamiento a partir del condicionamiento que el aspecto físico genera en las personas\, las dificultades o simples imposibilidades de concretar un romance o un mero encuentro sexual\, la aparición de lo morboso como elemento de atracción\, el entorno masculino que rodea a una mujer por la que todos experimentan repulsión\, son algunas de la vías que Scola explora para articular su relato. Una obra siempre abierta a la discusión y al debate a partir de la mirada de un hombre enormemente respetuoso con la condición femenina. Fosca es fea y lo sabe. Pero lejos de doblegarla\, la incita a provocar al militar que no parece tan valiente a la hora de enfrentar estas batallas\, pero que se enfrentará a ella mientras convergen en él los recuerdos de su bella y distante amada\, y la fealdad y cercanía de la habitante de la mansión donde impera un espíritu masculino de extrema rigurosidad. Y decadencia. Porque poca grandeza destaca en estos hombres que rodean a la pareja. Con interpretación y caracterización impactante de una actriz que a pesar de triunfar en el reto de dar vida a la protagonista no lograría alcanzar mayor fama\, el film se convirtió en suceso en el Buenos Aires de 1982 cuando se estrenó. La temática expuesta resultó y resulta aun original y provocadora. «Pasión de Amor» emerge en este presente como pieza viva de uno de los mejores cines de la Historia\, el Italiano y nos recuerda que la historia de «La Bella y la Bestia» guarda aun muchas maneras de acercarse a ella\, para subvertirla y generar nuevas reflexiones. \n«PASIÓN DE AMOR» ( Passione d’amore\, 1981) / Italia / Director Ettore Scola / Intérpretes Valeria D’Obici\, Bernard Giraudeau\, Laura Antonelli\, Jean Louis Trintrignat\, Massimo Girotti\, Bernard Blier.
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LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL HOMBRE DE LA MANCHA" (1972)
DESCRIPTION:«El Hombre de La Mancha» es el título de una obra musical estrenada en teatro en Estados Unidos en 1965. Su inmediato suceso llevó a representarla poco después en España y en 1968 llegó por primera vez a Argentina\, donde se ha repuesto en 1981\, 1993\, 2005 y 2015\, gozando siempre de gran suceso hasta convertirla en uno de los musicales mas exitosos de todos los tiempos. El libreto corresponde a Dale Wasserman\, la música a Mitch Leigh y las letras a Joe Darión. En 1972 fue llevada al cine en una costosa producción entre Italia y Estados Unidos producida por Alberto Grimaldi y dirigida por el realizador de «Love Story» Arthur Hiller. Sin embargo fue un fracaso de público y el apoyo crítico fue tibio. Con los años ha ido ganando aceptación y hoy es vista como una brillante adaptación del original y\, sobre todo\, como respetuosa interpretación del texto original de Miguel de Cervantes\, centrándose en la relación amorosa entre el Hidalgo y la bella manchega. Interpretada por el actor británico Peter O’Toole (1932-2013) en el protagónico de tres personajes\, Cervantes\, Quijano y Don Quijote\, James Coco (1930-1987) como Sancho Panza y Sofia Loren (1934) como Aldonza y Dulcinea del Toboso\, la llegada al cine permite «escapar» del único escenario teatral de la prisión donde se haya recluido Cervantes en espera de ser interrogado por la Inquisición\, hacía la Venta donde transcurre la acción complementaria de las criaturas imaginadas por el autor español. Destacan entre los atractivos del film\, una extraordinaria fotografía de uno de los mayores artistas de todos los tiempos\, el italiano Giuseppe Rotunno (1923)\, que creó imágenes memorables para Visconti\, Fellini\, Wertmuller o Bob Fosse\, la inolvidable canción «El Sueño Imposible» y la belleza única (y en pleno esplendor de sus 37 años) de Sofia Loren. Es entonces la ocasión de redescubrir esta adaptación realizada para el Cine en el marco de la Semana Cervantina de 2018\, que como las anteriores\, se convierte en un Faro que desde Azul irradia luz para recordarnos que la obra inmortal del genial manchego continúa vigente y siempre abierta a nuevos descubrimientos. \nEl 17 de mayo de 1973 se estrenó en Argentina este film y el crítico/cronista/ escritor de cine Juan Carlos Frugone (1938- 2009)\, uno de los mejores de su tiempo\, publico en el diario «Clarín» la reseña sobre el mismo. Debido a su sencillez y claridad expositiva\, la reproduzco totalmente\, sirviendo a la vez como homenaje a este talentoso hombre que debió exiliarse de Argentina a mediado de los años setenta a España\, donde continuó su extensa carrera hasta la muerte. \n«UNA COMEDIA MUSICAL REFLEJADA FIELMENTE» \nLas conocidas virtudes de la obra original de Dale Wasserman (inspiradas canciones\, buena sinopsis del romance de Don Quijote y Dulcinea) reviven en esta versión cinematográfica que el director Arthur Hiller ha registrado con suma fidelidad al original\, limitando su tarea a una ubicación de cámara acertada y a permitir que interpretes y\, esencialmente\, fotógrafo (el excelente Giuseppe Rotunno) y escenógrafo se luzcan en sus respectivos trabajos. \nLlevar al cine o al teatro cualquier tipo de adaptación de «Don Quijote de La Mancha» es una tarea ingrata. Implicará\, sin excepciones\, severísimas criticas y siempre alguien acusará de infidelidad\, tergiversación\, etc\,. Quizá un poco por eso\, otro poco por lo que mas lo ha fascinado a nivel espectáculo o drama sea el romance entre Don Quijote y Dulcinea\, Wasserman se ha ceñido a indagar solamente esa linea -de las múltiples de estudio que permite el texto original – y dentro de ella ha trabajado una historia conmovedora\, que capta bien esa vertiente y que se limita a reflejar solo episodios y personajes que tienen que ver con ella. \nEn otra licencia poética\, el autor del musical imagina también a Miguel de Cervantes acusado por la Inquisición y siendo juzgado por sus compañeros de celda en virtud de su narración de este aspecto de la obra. Así\, una doble trama subraya su acento lírico en el talento del escritor y su capacidad de conmover a las audiencias con los personajes comprobadamente inmortales que supo crear. Y serán los mismos prisioneros\, los que\, también\, desdoblándose animen los caracteres de «Don Quijote». \nLa única libertad que se ha tomado Hiller (o el adaptador de la obra al cine) es sacar la acción del sótano de la prisión y pasar a la venta donde ocurren \,os sucesos narrados por Cervantes. Ahí es donde se luce la imaginación del decorador y\, especialmente\, la extraordinaria fotografía de Rotunno\, que logra gama de luces azulados de gran belleza y una exacta estilización. \nHiller por su parte\, sigue sojuzgado al texto y a las canciones. Quizá otro director les hubiera otorgado mayor grandeza\, sobre todo a páginas como «El Sueño Imposible» o «Dulcinea». Como están\, quedan resumidas y labradas a sus propios méritos\, a las dolientes caras de Peter O’Toole y a la buena voz que lo ha doblado. Es de lamentar que otro tanto no se hiciera con Sofia Loren\, una buena actriz que lucha con sus canciones y solo cobra alguna dimensión cuando junto con ella debe poner mucho de si a nivel de tonos e interpretación del texto (Aldonza). De todos modos ambos sectores cumplen a conciencia con las partes que les tocan y se desdoblan bien: O’Toole en su triple dimensión de Cervantes\, Don.Alonso Quijano y Don Quijote De La Mancha\, Loren en Aldonza Lorenzo y Dulcinea del Toboso. Pero indudablemente pero quien «roba» las escenas es James Coco en una muy loable caracterización como Sancho Panza. \nHonesta como versión\, vigente como pieza teatral\, «El Hombre De La Mancha» logra trascender limitaciones\, virtudes o logros gracias a una mano que sigue gobernando por sobre todas el texto\, la inspiración y la fuerza de situaciones y personajes: Miguel de Cervantes. Las diversas dimensiones de sus caracteres\, su eterna magia\, el dolor y la deslumbrante locura de Don Quijote son mas fuertes que todas las manos que pasen por encima de ellos. Y aunque mas no sea por la letra de «El Sueño Imposible» Wasserman reivindica su derecho a haber resucitado el texto\, porque bien transmitido o no\, hay una verdadera captación y respeto por el inefable amor de Don Quijote a su dama\, Dulcinea. \n                                                                                                                           Juan Carlos Frugone (Clarín\, mayo de 1973). \n 
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SUMMARY:CINE: "ROSA LUXEMBOURG" (1986).
DESCRIPTION:En enero de 2019 se cumplirá un siglo del asesinato de Rosa Luxemburgo (1871-Polonia/ 1919-Alemania).¿Quién fue esta mujer?. El presente nuestro se caracteriza en parte\, por el ejercicio de la des-memoria\, orquestada por los sectores mas conservadores que ostentan el Poder a nivel planetario. Un presente que predica futuros vagos y articulados en base a promesas de bienestar desde una perspectiva casi mágica en la solución de los conflictos que afectan a la condición humana. Rosa Luxemburgo representa\, y representó\,  lo opuesto a esta idea. Nacida en la Polonia pro-rusa-zarista del Siglo XIX\, descubre a los 15 años la injusticia en el asesinato de los lideres que defienden los ideales socialistas e inicia una carrera política que la llevará a ser protagonista de un formidable período de cambios sociales en Europa que incluyen la Revolución Rusa de 1905 y la Primera Guerra Mundial. Desde su tierra natal hasta la vecina Alemania\, traspasa una y otra vez las fronteras en pos de sus ideales. Que en el devenir de las décadas que ocupan su vida\, irán marcando las diferencias no solo con la Oposición\, sino con sus propios compañeros. La Social Democracia Alemana\, de la que es militante\, se divide en dos sectores mayoritarios entres quienes defienden o no la idea revolucionaria. Y ella\, enamorada de toda forma y justicia\, acaba del lado de los perdedores de la  escisión. Este brevísimo resumen\, sirve como introducción a este también breve escrito sobre una figura clave de la Historia\, y del traslado al Cine llevado a cabo en 1986 por una de las grandes directoras europeas\, la también actriz Margarette von Trotta (1942). De origen alemán\, debuta tras las cámaras en 1975 con uno de los grandes títulos de su época: «El honor perdido de Katharina Blum»\, prohibido por la censura argentina. En 1981 repite suceso\, ahora si en nuestro país\, con «Las Hermanas Alemanas»\, radiografía política de su nación\, ahora contemporánea que analiza el terrorismo de los años sesenta y setenta con las vivencia de dos hermanas enfrentadas por sus ideales\, una temática que golpeo en las conciencias de un sector de espectadores que vivimos las consecuencias de otro conflicto similar\, el nuestro. Desde entonces\, la realizadora ha seguido indagando en la relación entre mujer y política en films rodados en Italia y en Alemania. Destacan «Locura de Mujer» (Heller Wahn\, 1983)\, «Hannah Arendt y la banalidad del mal» (2012) \, entre otros títulos de su extensa filmografía\, que la unen junto a Agnes Varda\, Mai Zetterling\, Liliana Cavani\, Pilar Miro o Lina Wertmuller al grupo de realizadoras cinematográficas que aportaron un nuevo aire de reflexión desde la perspectiva femenina al masculinizado cine de siempre. Su último trabajo es de 2018 e indaga en la figura del artista supremo del Siglo XX\, Ingmar Bergman. La realizadora dirige en varias ocasiones a la actriz Bárbara Sukowa (1950)\, uno de los grandes nombres de la interpretación europea\, de extraña belleza y mayor talento\, que realiza en su creación de Luxemburgo\, uno de sus mejores trabajos. La acompaña otro nombre emblemático del mejor cine europeo de los setenta y los ochenta\, el polaco Daniel Olbrychski\, actor fetiche de su compatriota Andrzej Wajda\, junto a quién triunfo en la cartelera porteña con películas como «El Bosque de los Abedules» (1970)\,»La Boda» (1973) o «Las Señoritas de Wilko» (1979). Tres artistas de primer nivel que se unen para rendir homenaje a una figura clave en las luchas sociales\, no solo por la condición femenina\, sino humana en sentido mas justo y doloroso de la palabra: la imprescindible Rosa Luxemburgo. Entre otras palabras memorables\, dejó estas\, con un profundo optimismo sobre la vida: «Es mi tercera navidad tras las rejas\, pero no lo tome a tragedia. Yo estoy tan tranquila y serena como siempre. (…) Ahí estoy yo acostada\, quieta y sola\, envuelta en estos múltiples paños negros de las tinieblas\, del aburrimiento\, del cautiverio en invierno (…) y en ese momento late mi corazón con una felicidad interna indefinible y desconocida. (…) Yo creo que el secreto no es otra cosa más que la vida misma: la profunda penumbra de la noche es tan bella y suave como el terciopelo\, si una sabe mirarla.” \n«ROSA LUXEMBURGO (Rosa Luxemburg) 1986 / Alemania Occidental- Checoeslovaquia / Directora Margarette von Trotta / Intérpretes Bárbara Sukowa\, Daniel Olbrychski\, Otto Sander / Color / Hablada en alemán\, polaco y francés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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SUMMARY:CINE: "ALANIS" (2017).
DESCRIPTION:Alanis es una joven prostituta que deambula por los alrededores del Once porteño con un bebé a cuestas y una juventud de enorme peso y conflictivo pasado. Su constancia y valor para enfrentar la condición de mujer por la que lucha día a día en un entorno degradado\, áspero\, silenciado por los Medios hegemónicos\, dan luminosidad a su existencia. Como millones de mujeres en todo el planeta\, su trabajo consiste en vender su cuerpo al mejor postor. Intentando que sea en las condiciones menos riesgosas\, el film nos la muestra a lo largo de unos pocos días de su vida. Un retrato que bucea en el documental para transformarlo en ficción y desde allí lograr el rebote hacía el espectador. Como un juego de espejos en el que la realizadora indaga sobre la condición humana en tiempos de post-verdad. Un sector de la sociedad que parece siempre vivir en los márgenes de todo pero que sin embargo son millones\, silenciados por generar incomodidad al Poder de turno. El presente global demuestra que la prostitución lejos de acotarse\, se mantiene activa y genera nuevos fenómenos que alcanzan variantes desde lugares antes menos protagonistas: las migraciones\, por ejemplo. En «Alanis» no son las que se producen de un país a otro\, sino desde el Interior argentino a la Capital. Movimientos permanentes siempre relacionados a un patrón común: la falta de oportunidades\, conflictos familiares y socio-económicos que empujan a las personas a cambiar de destinos en busca de un mejor horizonte\, o peor\, simple fuga de un destino insoportable. La directora Anahi Berneri (1974) (autora de este y cuatro largometrajes de gran calidad: «Un año sin amor » (2005)\, «Encarnación» (20107)\, «Por tu culpa» (2010) y «Aire Libre» (2014) ) forma parte del activo núcleo de realizadoras argentinas que con enorme fuerza irrumpieron en los últimos veinte años: pasaron las décadas que anteceden a este periodo cuando hubo que esperar hasta 1960 para que una mujer firmara y filmara detrás de la cámara. La pionera Vlasta Lah\, de quién solo se sabe la fecha de muerte\, 1979\, silenciando hasta su nacimiento\, dirigió «Las Furias» y fue destrozada por la crítica del momento. María Herminia Avellaneda o María Luisa Bemberg fueron mas afortunadas\, y la segunda de ellas se convirtió en la «primera mujer» visible entre los directores de cine nacional. Nuestro presente\, y gracias a las políticas que el INCAA puso en práctica después de 2003\, se nutre de un verdadero batallón de cineastas\, que\, «capitaneadas» por Lucrecia Martel (1966) desde su aparición con «La Ciénaga»(2001)\, integran nombres como Lorena Muñoz\, Albertina Carri\, Inés Braun o Ana Piterbarg y han dado a nuestra cinematografía un nuevo aliento. Renovando equipos técnicos con profesionales formados en centros educativos de cine (privados o públicos)\, buscando intérpretes desconocidos\, o potenciando la figura de alguno mas famoso al que cambian de registro\, descubriendo nuevas posibilidades. Este film obtuvo un resonante suceso en el Festival de Cine de San Sebastián\, España\,  donde consiguió dos de los mayores trofeos: a la Mejor Dirección y a la Mejor Actriz. Lo repitió en México y en la propia Argentina\, donde la protagonista alcanzó el mayor reconocimiento en Cine argentino: el premio Cóndor a la mejor Actriz. Un cine que a pesar de todos los méritos no alcanza la visibilidad que merece al no cumplír con los «requisitos» de las grandes cadenas de distribución audiovisual que apuestan por un cine mas acomodaticio encaminado absolutamente al espectro mas comercial del mismo. Es entonces\, la hora de encontrar espacio nuevos\, reducidos\, para hacer llegar estas nuevas miradas al público mas exigente. \n«ALANIS» / Argentina\, 2017/ Directora Anahi Berneri / Intérpretes Sofia Gala Castiglione\, Dante Della Paolera\, Dana Basso\, Silvina Sabater\, Estela Garella / Color / Hablada en castellano sin subtítulos / Duración 82 minutos.
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SUMMARY:CINE: "CUANDO ELLAS QUIEREN" (2018)
DESCRIPTION:Una comedia reciente que centra su historia en cuatro mujeres mayores. Con edades que van desde los 80 muy bien llevados de Vivian hasta los 65 de Carol\, el núcleo femenino es una excusa para reflexionar sobre la vida de las personas que al cumplir años no hacen mas que valorar la experiencia tenida e imaginar proyectos para el futuro. Con un pasado que siempre sirve para impulsar mejoras a partir de la reflexión sobre lo que no ha salido bien para conseguir nuevos objetivos. El cine actual tiene la inteligencia y capacidad de entender que no todos los espectadores que llenan las salas son jóvenes en busca de films de terror o superhéroes\, quedando un espacio muy amplio para el resto de la población que sigue apostando por el entretenimiento de calidad. Un tipo de cine que ahora es mas fácil de localizar en las plataformas digitales que nutren televisiones o nuevos formatos relacionados con Internet que en las salas. Cuatro amigas que siguen siéndolo tras décadas\, se reúnen continuamente para leer un libro en común y a partir de eso aplicar lo aprendido a sus propias existencias\, contarse intimidades y compartiéndolas\, encontrar espacios de diversión. Divorciadas\, casadas\, solteras o viudas\, tienen en común sus ansias de vivir. Amantes\, maridos o hijas\, completan el entorno. Con las andanzas de cada de una de ellas se arma la función. Interpretada por cuatro nombres formidables que ya forman parte de la Historia de Hollywood\, el realizador debutante logra una comedia lujosa donde cada una muestra sus talentos y sus atractivos aun vigentes. Porque lo femenino nada tiene que ver con la edad sino con la psique y ellas lo ponen en práctica y demuestran. La legendaria Jane Fonda\, una de las mayores estrellas del último medio siglo\, desde su debut en 1960\, con una carrera entre EE.UU y Europa que tuvo un largo paréntesis y ha sido retomada con bríos diez años atrás\, la reina de la comedia setentera\, ochentera\, etc\, etc\, la gran Diane Keaton\, musa del mejor Woody Allen y protagonista femenina de la saga «El Padrino»\, con notables y esporádicos trabajos dramáticos de alto voltaje\, la bella Candice Bergen que emergió como uno de los grandes rostros de los años sesenta con films como «Vivir por Vivir» de Claude Lelouch o «Conocimiento Carnal»\, un clásico de 1972 y reinó finalmente en la televisión con una serie mítica «Murphy Brown»\, y la menos popular (pero enorme actriz) Mary Steenburgen\, que debutó muy joven junto a Jack Nicholson y ganó un Oscar por uno de sus primeros trabajos. Un equipo formidable de actrices que sustenta la película\, pasando a engrosar la fila de las comedias sobre mujeres que tanto éxito han cosechado siempre. Cuatro actores de glorias (y hasta Oscar) pasadas les acompañan y entre todos logran recordarnos que la comedia siga viva\, vigente\, necesaria para acercarnos por medio de la risa o sonrisa\, a temas en general nada cómicos. \n«CUANDO ELLAS QUIEREN» / Book Club\, 2018 / EE.UU. / Director Bill Holderman / Intérpretes Jane Fonda\, Diane Keaton\, Candice Bergen\, Mary Steenburgen\, Richard Dreyfuss\, Don Johnson\, Andy Garcia\, Craig T .Nelson\, Alicia Silverstone\, Ed Begley.Jr. / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 44 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "AMOR\, MUERTE\, TARANTELA Y VINO..." (1978).
DESCRIPTION:La actriz mas popular de la historia del cine italiano fue también una de las mujeres mas deslumbrantes desde los años cincuenta del Siglo XX hasta el presente\, A sus 84 años\, Sophia Loren sigue manteniendo su magnetismo sobre generaciones enteras de espectadores. Con una carrera tan extensa\, algunos de sus trabajos han permanecido en la sombra y el presente nos permite rastrear entres esos tesoros olvidados. En 1978\, a los 44 años de edad\, la napolitana mas internacional del mundo trabajó por primera vez a las ordenes de una mujer\, su compatriota Lina Wertmüller (1928)\, autora de memorables sucesos como «Mimi Metalúrgico»\, «Amor y Anarquía» o «Pasqualino Siete Bellezas»\, tres de los mayores sucesos de su carrera. Con su actor fetiche en todas ellas\, Giancarlo Giannini (1942)\, la realizadora dirige a una tercera figura fundamental del cine peninsular: Marcello Mastroianni (1924-1996)\, uno de los mayores actores de la Historia. Con semejante trío no se esperaba el fracaso que la obra resultó en su estreno. Una historia que se adentra en territorio siciliano a principio de los años 20 cuando el panorama italiano se vio convulsionado por la subida al poder de Benito Mussolini (1883-1945) mientras la isla seguía prisionera de sus prejuicios ancestrales. Titina pierde a su marido en la primera escena del film y desde entonces solo pensará en como vengar esa muerte. El honor\, el amor\, la política\, el machismo\, la posesión de la mujer como objeto\, son todos escenarios que Wertmüller encuentra para narrarnos esta magnifica historia que mas que triangulo es quinteto\, con otros dos hombres que giran alrededor de los tres protagonistas.Rosario Spallone es un rico terrateniente de ideas socialistas enemigo acérrimo del emergente fascismo italiano mientras que Nicola Sanmichele es un emigrante que regresa desde Estados Unidos lleno de dinero y de muerte a sus espaldas. Los dos hombres se enamoran salvaje mas que amorosamente de la mujer\, sucumbiendo ante semejante fuerza de la naturaleza\, esa Titina Paterno a la que Loren entrega uno de sus mas memorables y olvidados trabajos. Con su máscara de mujer mediterránea de acento mas griego que romano\, ropajes negros que no logran esconder su magnifica figura\, fuente del deseo de todos los hombres de la región\, cabellos desprolijamente sueltos\, la actriz se adueña de la función y firma con sus compañeros\, una de las grandes obras de la cinematografía italiana de finales de los setenta. Un tiempo que iniciaba la decadencia final de una de las mayores cinematografías de la Historia del Cine\, activa fuertemente desde los primeros años del Siglo XX. «Amor\, muerte\, tarantela y Vino» (titulo argentino que sintetiza y se aleja del original de extenso nombre: «Hecho de sangre entre dos hombres por causa de una viuda. Se sospechan móviles políticos») se descubre hoy como lo que siempre fue: una potente denuncia sobre los diferentes mecanismos del Poder que ahogan y someten a los ciudadanos\, sobre todos a los integrantes de ese interior lejano tan proclive a ser explotado y sometido hasta la saciedad. Cine italiano de enorme fuerza y vigencia. Una de las grandes cumbres (y malinterpretada) de una realizadora pionera en el arte de dirigir películas\, junto a la francesa Agnes Varda y a su compatriota Liliana Cavani\, gestoras de una mirada femenina del cine que hizo escuela\, para encontrar en nuestro presente a decenas de mujeres por todo el planeta que tomaron su relevo. las tres «vivitas y coleando» en este convulso 2018\, donde la realidad nos muestra lo que la película afirmaba hace ya cuarenta años: nada parece aprenderse del pasado. Los pueblos que olvidan su historia\, dicen\, están condenados a repetir sus peores momentos. Europa y América toda\, están dando abundantes e inquietantes pruebas de ello. \n«AMOR\, MUERTE\, TARANTELA Y VINO» (Fatto di sangue fra due uomini per causa di una vedova. Si sosspettano moventi politici ) /Italia / 1978 / Directora Lina Wertmuller / Intérpretes Sophia Loren\, Marcello Mastroianni\, Giancarlo Giannini\, Turi Ferro / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "VUELVE\, AMOR MIO" (1961).
DESCRIPTION:La Comedia clásica norteamericana vivió su período de esplendor hasta mediados de los años sesenta cuando la Censura fue teniendo menos injerencia en la temáticas a tratar. Hasta entonces\, se regía por una serie incontable de limitaciones surgidas en los años treinta como respuesta a los gritos moralistas escandalizados ante lo que el primer Cine Sonoro y gran parte del Mudo de los veinte se atrevía a mostrar. La sexualidad\, el erotismo\, fueron los blancos preferidos de las Ligas de Decencia que inundaban el país y clamaban ante el Estado para que tomara cartas en el asunto. A principios de los años sesenta se hacia insostenible ocultar tanta castración mientras las cinematografías extranjeras se atrevían a todo\, o casi. Suecia o Francia rodaban películas con temáticas adultas e incluso mostraban desnudos\, en Argentina Armando Bo ya había filmado muchos títulos con Isabel Sarli y en las entrañas de Nueva York o rincones de California se filmaba un nuevo Cine Independiente que se atrevía a desafiar códigos\, pero   Hollywood seguía esclavo de sus limitaciones. En este contexto se estrena » Vuelve amor mio»\, uno de los mayores sucesos de su tiempo. Una historia atravesada por el atractivo sexual que los dos protagonistas experimentan el uno por el otro pero obligando a los guionistas y director a narrarlo con las mayores sutilezas posibles. Vista hoy\, se muestra estéril el esfuerzo\, porque no basta mas que ver el film para comprender absolutamente todo lo que no podía decirse abiertamente. Eso si: con imposiciones finales como el matrimonio que legalizará cualquier encuentro intimo. Con un trío de intérpretes de enorme talento y muy populares en su época\, el director\, un maestro del cine dramático autor de Clásicos de los años cincuenta como «Marty» (1955)\, «Deseo bajo los Olmos » (1958)\, «Mesas Separadas» (1958) o «Medianoche Pasional» (1959)\, el olvidado Delbert Mann (1929-2007)\, se acerca al género de la comedia y triunfa con su dominio del lenguaje cinematográfico. Rock Hudson (1925-1985) fue uno de los mayores ídolos de los años cincuenta y sesenta con una apostura que enloquecía a mujeres (y hombres) de todo el planeta que llenaban de cartas el Estudio Universal Pictures del que era artista exclusivo\, pidiendo que lo mostraran ¡sin camisa! para disfrutar de su figura. Intérprete de films como «Gigante» (1956) o «Palabras al Viento» (1956)\, melodramas deslumbrantes\, encontró en la comedia su lugar ideal. Doris Day (1922)\, superviviente de la era clásica del Cine\, cantante de potente voz y actriz vapuleada por la crítica y espectadores exigentes pero adorada por las masas\, fue una de las mayores estrellas de los cincuenta y sesenta hasta su retiro en 1968: no volvió a filmar jamas. En 1967 le fue ofertado el personaje de la Sra. Robinson en «El Graduado» y resignó la ocasión de iniciar un nuevo tiempo en su carrera\, cuando por atractivo físico y talento interpretativo hubiera estado impecable en el rol que popularizó la gran Anne Bancroft.  «Vuelve amor mio» es el segundo de los tres films que rodó junto al galán muerto de Sida a los 59 años de edad\, siendo sin duda el mejor de todos: dos agentes publicitarios luchan por obtener el si de una importante empresa. Mientras ella representa la legalidad absoluta de ejercer el trabajo\, él hace todo lo que está mal para lograr sus objetivos. Las trampas y los enredos dan pie a una trama que no decae en ningún momento\, logrando el prodigio de que la película continué siendo disfrutable en le presente. Un referente del clasicismo en el el mejor sentido de la palabra. También una nueva ocasión para debatir sobre códigos hoy obsoletos pero que de alguna manera no han desaparecido de cierto sector del debate público. El mas conservador\, que lucha por regresar a sus fuentes. El talento cinematográfico demuestra la esterilidad de semejantes propósitos. Una obra enormemente disfrutable. \n«VUELVE AMOR MIO» (Lover como back) / 1961 / EE.UU / Director Delbert Mann / Intérpretes Rock Hudson\, Doris Day\, Tony Randall / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40 minutos.
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LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "80 EGUNEAN"(80 días) (2010).
DESCRIPTION:La Cinematografía vasca gana año a año mayor visibilidad fuera de su territorio. En el presente Ciclo de Cine de Vasco hemos visto varias de sus mayores expresiones de calidad. «80 EGUNEAN» (días en euskera) es una obra anterior a «Loreak» (2014) y «Handia»(2017) dos de los mayores sucesos de este tiempo que han sido visionados entre 2017 y el presente ejercicio. Ahora regresamos a un título anterior de Jon Garaño (1974) y Jose Mari Goenaga (1976)\, los autores de aquellos dos films para retomar una de las filmografías mas ambiciosas e internacionales de este cine que lucha por mas visibilidad con logros que temporada a temporada enriquecen la oferta. La historia encuentra a dos mujeres mayores de 70 años que fortuitamente vuelven a encontrarse tras haber estado separadas toda una vida\, desde aquella adolescencia cuando eran íntimas amigas. Axun ha estado casada desde hace décadas con Juan Mari y su vida transcurrido sin sobresaltos\, concentrada en su rol de compañera y ama de casa. En cambio Maite ha recorrido otros senderos donde la libertad y lucha contra las convenciones asfixiantes han sido su faro y sentido de existencia. El presente las enfrenta a una nueva realidad donde la primera estará obligada a replantearse toda su vida. La primer distinción del film consiste en dar protagonismo absoluto a personajes femenino mayores\, algo que también\, poco a poco\, va ganado lugar entre los nuevos cineastas del mundo entero\, quienes alejados de las grandes y ultra comerciales súper-producciones orientadas a un público masivo poco interesado en cualquier menester que implique reflexionar\, intentan explorar las enormes posibilidades que la cinematografía sigue ofreciendo a las mentes abiertas y progresistas. Un público adulto que reclama ser tratado como tal y busca en expresiones alejadas de los mas taquilleros nombres su espacio perdido. Las nuevas tecnologías han generado nuevas formas de acercarse a la expresión audiovisual\, pero no siempre encuentra hueco para este tipo de oferta.. Aunque sería inexacto decir que muchas de ellas no lo consiguen. «80 Egunean»\, a ocho años de su estreno\, nos brinda la oportunidad de descubrirla y compartir juntos el camino de estas dos mujeres que desde su anonimato encuentran toda una grandeza generacional capaz de conmover mas allá de los limites de una geografía\, porque lo que abarca se acerca sencillamente al interior de nuestra condición\, la humana\, siempre sensible\, cálida y dolorosa a la vez que plena de momentos esplendorosos. El buen cine nunca deja de serlo cuando quienes lo hacen tienen claros sus objetivos. \n«80 EGUNEAN» / 80 días / 2010 / España / Directores Jon Garaño y Jose Mari Goenaga / Intérpretes Itziar Aizpuru\, Mariasun Pagoaga\, José Ramón Argoitía / Color / Hablada en euskera y castellano con subtítulos en castellano / Duración 1h 44 minutos.
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LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "FUEGO" (1996).
DESCRIPTION:Esta película forma parte de una trilogía que la realizadora nacida en India\, Deepa Metha (1950)\, realizó entre 1996 y 2005. En ellas\,regresa a su tierra natal tras haberse instalado en Canadá donde estudia y debuta en 1986\, manteniendo desde entonces una carrera que la ha llevado de un lado al otro del mundo para reflexionar sobre las realidades de sus dos países conocidos: el asiático y el norteamericano. Las tres películas pueden verse independientemente ya que no tienen continuidad alguna\, siendo cada cual pieza independiente\, que unidas\, forman un mosaico sobre la complejidad del enorme territorio indio. Este trabajo realizado a lo largo de una década no ha impedido que antes y después la realizadora haya trabajado en otros films para el cine y documentales y ficciones para la televisión de Canadá\, aunque haya sido el que mas difusión internacional le proporcionó. En «Fuego» se aborda una temática situada en el presente («Tierra» habla del fin de la colonización inglesa y separación del lugar en dos Estados\, Pakistán e India\, y «Agua» se centra en un drama en tiempos de la aparición de Gandhi) donde un hogar y sus habitantes son los protagonistas de la narración: dos hermanos regentan comercios simultáneos: una casa de comida para llevar y un videoclub. Viven con la madre de ambos\, un sirviente y las dos esposas. Una\, la recién casada Sita\, llega al lugar para trastocar y cuestionar las costumbres ancestrales que rigen la vida de sus habitantes. Que conviven con hipocresías y transgresiones de casi todos ellos\, y harán que la hermosa mujer se enfrente desde el primer momento a las relaciones que la matriarca tiene para con todos ellos\,  siendo el desencadenante de una historia que revolucionará a todos los implicados. Las relaciones amorosas entre unos y otros serán el territorio a transitar. O en todo caso\, poner en el lugar correspondiente. La película nos refleja una realidad que afecta a la clase media (por llamarla de alguna manera) de un enorme territorio aun atravesado por un sistema de castas totalmente anacrónico e injusto\, al que\, nuestro presente de 2018 (9 de septiembre) nos trae la noticia sobre la despenalización por la Corte Suprema de las relaciones entre personas del mismo sexo\, un triunfo que anuló una ley con mas de 130 años de antigüedad y.que llevó a la cárcel y marginación a quienes las practicaban. Una temática a la que el film se acerca de manera abierta (teniendo en cuenta sus ya dos décadas de vida) al abordar los sentimientos que la joven Sita va experimentando por su cuñada Rhada. La directora rastrea con enorme sensibilidad y talento cinematográfica todos los aspectos que conforman las psicologías de los protagonistas\, ese circulo de personas atrapados en sus propias inseguridades\, hábitos y restricciones que condicionan la vida de todos. «Fuego» es la única parte del «trío» cinematográfico estrenado comercialmente en nuestro país a finales de los 90 y se mantiene plenamente\,vigente formando parte del nuevo tiempo abierto por directoras de cine que han surgido por todo el planeta trayendo al masculino ambiente cinematográfico una mirada diferente\, fresca\, indagadora y siempre necesaria. Desde Asía hasta Argentina\, el número de mujeres detrás de la cámara no ha hecho mas que aumentar. Es tiempo de ir recuperándolas una a una\, para armar ese otro gran mosaico pendiente: el Cine visto por las Mujeres. Un camino iniciado tímidamente hace mas de un siglo por cineastas del período mudo y donde desde entonces\, y hasta entrados los años ochenta del Siglo XX\, fueron injusta minoría. \n«FUEGO» / Fire\, 1996 / India- Canadá / Directora Deepa Metha / Intérpretes Shabana Azmi (Radha)\, Nandita Das (Sita)\, Kulbhushan Kharbanda (Ashok)\, Javed Jaffrey (Jatin)\, Kushal Rekhi (madre) / Color / Hablada en inglés e hindi con subtítulos en castellano / Duración 1h 48 minutos.
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SUMMARY:CINE: "NINA" (2016).
DESCRIPTION:Una de las grandes voces del blues\, jazz y soul de EE.UU\, Nina Simone (Eunice K.Waymon\,1933-2003) es el tema principal de esta producción inglesa realizada por una mujer\, Cynthia Mort. Fue pianista y compositora ademas de cantante\, así como activa militante política en el Movimiento por los Derechos Civiles que atravesaron los años sesenta en respuesta a la marginación de la población negra norteamericana. Escribió canciones con fuerte compromiso con la causa y el asesinato de Martín Luther King en 1968 marcó su vida: dejó su tierra en 1969 en rechazo por lo que ella consideró el fracaso de toda una Nación e inició un exilio que la llevaría al Caribe\, África y finalmente Francia\, donde se estableció en cercanías de Niza\, en la Costa Azul mediterránea. La película abarca diferentes períodos de su carrera y vida privada donde sobresalen los puntos mas definitorios de su compleja personalidad: el talento artístico caminaba junto a un pésimo humor y el consumo de alcohol que poco a poco fue deteriorando su salud. Algunas de sus interpretaciones mas memorables son recreadas en la película con la voz de su protagonista Zoe Saldana (1978). Una decisión controvertida de la guionista\, productora y realizadora británica que genera una sensación de extrañeza que planea sobre todo el metraje. Una decisión artística que no es la habitual en el acercamiento cinematográfico a figuras legendarias de la canción donde los intérpretes que les dan vida son doblados por las voces originales. En este caso\, la producción toma un camino minoritario donde otras películas han obviado las voces originales\, como fue el caso de «Lady Sings the Blues» en los años setenta\, cuando la de Billie Holiday fue suplantada por la de su protagonista\, la también cantante Diana Ross. El film se pasea por la intimidad de la residencia junto al Mediterráneo tanto como por espacios en California\, París u otros escenarios. El personaje que acompaña la función corresponde al también real Clifton Henderson\, amigo y representante de la artista en los últimos años de su vida. «Nina» fue estrenada luego de múltiples choques entre realizadora y la empresa que la produjo\, Ealing Studios\, uno de los mayores de Inglaterra\, quién según la mujer manipuló arbitrariamente su trabajo. Esta cuestión marcó el destino de un film a todas luces atractivo que conoció escasa difusión. Ahora tendremos la oportunidad de juzgarlo nosotros los espectadores. Cine de mirada feminista y comprometida con la causa de las mujeres que marcan una nueva tendencia en la cinematografía de los últimos treinta años cuando la mujer comienza a ocupar un puesto destinado por décadas a los hombres. «NIna» es entonces\, producto de este presente. Con una pareja de talentosos intérpretes\, la película nos acerca a la historia de una de las personalidades mas fascinantes de la música negra\, cuya voz permanece por siempre en las innumerables grabaciones que realizó a lo largo de su extensa carrera. \n«NINA» / ídem / Reino Unido / Directora Cynthia Mort / Intérpretes Zoe Saldana\, David Oyelowo\, Ronald Gutman\, Keith David\, Ella Joyce / Color/ Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 30 minutos.
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SUMMARY:CINE: "OCHO MUJERES" (2002).
DESCRIPTION:«Ocho Mujeres» es obra de uno de los mayores cineastas del actual cine francés\, Francois Ozon (1967). Un director que comenzó su carrera antes de cumplir los 30 años y que gozó de éxito critico y publico desde el principio. Adapta una novela de misterio del autor Robert Thomas (1927-1989) que también fue obra de teatro exitosa desde 1961\, cuando se estrenó en Francia. Desde entonces ha sido representada en teatros y en televisión de varios países\, incluyendo Argentina. Marcel\, a quién solo divisaremos ocasionalmente (protagonista siempre mencionado) es un hombre rodeado de mujeres: su esposa\, dos hijas\, una hermana\, una suegra\, una cuñada\, una cocinera y una empleada domestica. Todas tienen secretos que ocultar: las mentiras son lo que las une y también separa\, sin ellas ninguna relación parece ser posible. Al comienzo de la historia se anuncia su muerte y comienza una intriga para saber quién de todas ha sido la asesina. El director interpreta libremente este texto\, tomando su trama original para construir un film personal con todas las licencias que quiere. La intriga policial se torna comedia casi negra y en el medio aparece la música: los personajes interrumpen la acción para cantar una canción cuya letra aporta datos a la trama: la intriga se enreda con la sonrisa y el disparate mas absurdo…y un retrato feroz de la condición humana. Mujeres u hombres pueden alcanzar el mismo grado de negritud en determinadas situaciones. El director reúne a un grupo extraordinario de actrices para dar vida a sus criaturas\, donde cada una representa una época del cine galo. Danielle Darrieux (1917-2017) es uno de los mayores nombres de la cinematografía del país: activa desde los 15 años\, interpretó decenas de roles a través de su siglo de vida. Catherine Deneuve (1943) es continuadora de su belleza y prestigio. Isabelle Huppert (1953) y Fanny Ardant (1949) debutaron en los años setenta y son ya figuras clásicas. Emmanuelle Beart (1963) surge en los ochenta y el resto de las figuras son ya nombres consagrados del presente. Las canciones que se escuchan forman parte del repertorio musical francés en su vertiente melódica o pop y son interpretadas por cada una de las actrices sin importar demasiado la calidad que tengan en ello\, porque el sentido de su inclusión es otro: enriquecer la historia de cada uno de sus personajes. \n«OCHO MUJERES» (8 femmes) / Francia / Director Francois Ozon/ Intérpretes: Danielle Darrieux\, Catherine Deneuve\, Isabelle Huppert\, Emmanuelle Beart\, Fanny Ardant\, Ludivine Sagnier\, Virginie Ledoyen y Firmine Richard / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 50 minutos
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SUMMARY:CINE: "ADIÓS A LA REINA" (2012).
DESCRIPTION:Cuando en julio de 1798 estalla la Revolución\, los habitantes del palacio de Versailles parecen no registrar el suceso. En los días venideros La Bastilla y su toma por el Pueblo\, irán infiltrándose poco a poco en las charlas de la Corte que como insectos rodean a los monarcas. Dos mujeres protagonizan la historia: la reina de origen extranjero en quién caerá con mayor fuerza la ira de un pueblo efervescente y una de sus mas cercanas colaboradoras dentro de la sometida servidumbre del lugar. María Antonieta será mimada por la fiel Agathe quien poseída por una absoluta fascinación por la poderosa en jaque\, descubrirá secretos íntimos paralelos a las noticias que llegan desde el exterior. La aparición de la duquesa Gabrielle no hará mas que confundir sus emociones. Sobre estas tres mujeres se apoya la narrativa y la puesta en escena deslumbrante en detalles y recreación de época (vestuario\, escenografía\, música) del francés Benoit Jacquot (1947)\, uno de los mas desconocidos realizadores franceses en Argentina\, autor de decenas de films para la televisión y el cine galo que debutó en 1976 con un documental sobre el gran pensador del Siglo XX Jacques Lacan\, para adaptar un libro de enorme suceso en Francia. Entre sus escasos trabajos vistos en nuestro país destacan «La escuela de la carne»(1998)\, «Villa Amalia» (2009) y «Tres Corazones» (2014)\, Ha dirigido a actrices fundamentales como Deneuve\, Darrieux\, Adjani\, Sanda\, Huppert o las tres jóvenes protagonistas de «Adiós a la Reina». La alemana Diane Kruger (1976) mas las francesas Lea Seydoux ((1985) y Virginie Ledoyen (1976) son tres de las principales actrices europeas del presente\, que dan vida a mujeres obligadas a convivir en un espacio asfixiante en un momento clave de la Historia universal como fue la Revolución Francesa\, acontecimiento que daría lugar al inicio de la Era Moderna y del cual aun nos llegan ecos. Una obra extraordinaria para reflexionar sobre el Poder\, la Servidumbre y el Pueblo\, que harto del sometimiento y el hambre se levanta para recordar a los Lideres quién es finalmente el verdadero motor que impulsa los cambios sociales. Hace 200 años y hoy también. \n«ADIÓS A LA REINA» ( Les adieux a la Reine) / 2012/ Francia- España / Director Benoit Jacquot / Intérpretes Diane Kruger\, Lea Seydoux\, Virginie Ledoyen\, Xavier Beauvois / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40 minutos.
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LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:Cine: "FLORENCE: LA MEJOR PEOR DE TODAS" (2016).
DESCRIPTION:El realizador británico Stephen Frears (1941) lleva al cine un personaje real: Florence Foster Jenkins\, una cantante considerada por los críticos con un dudoso apelativo: «la peor de la Historia». Esta mujer nació en 1868 en el seno de una familia acomodada de USA. Desde muy pequeña su objetivo fue cantar y se formó para eso. En 1912\, gracias a la herencia de su padre\, realiza un primer concierto\, que dio paso a una carrera de 32 años de duración hasta un mes antes de su muerte en 1944. Que cantara mal y sus conciertos y actuaciones fueran motivo de burla\, llevó a la mujer a cimas insospechadas de popularidad en la Nueva York de la época. El entusiasmo de ella era tan grande que este detalle jamas pareció afectar su carrera\, en todo caso\, achacaba sus pésimas críticas a la envidia de los demás. Con semejante historia\, era esperable que algún cineasta la llevara al cine. Y el director británico\, autor de clásicos como «Las Relaciones Peligrosas» (1988) o «La Reina» (2006) fue el encargado de realizarla. Con la interpretación de Meryl Streep (1949) en el protagónico\, el resultado ha sido una película donde se cuestiona la actitud de la burla como reacción popular a lo diferente. El ejercicio de la misma con el personaje traspasa los limites de la crueldad al no tener en cuenta que la interprete siempre creyó hacerlo bien\, ademas de su incondicional amor por la música. En la actualidad\, donde el medio musical está plagados de pésimos cantantes con enorme fama\, la cuestión se presta a la reflexión. La actriz norteamericana volvió a estar nominada para numerosos premios en su país y en el exterior\, en una carrera totalmente opuesta a la del personaje que interpreta. Su enorme condición actoral permite llenar de matices la figura de Florence\, haciendo mas comprensible el conflictivo mundo interior de una mujer que creyó que el dinero era suficiente para lograr todos y cada unos de sus caprichos. Una comedia que nos acerca un tema muy serio. \n«FLORENCE: LA MEJOR PEOR DE TODAS» /Florence Foster Jenkins /2016 / Reino Unido / interpretes Meryl Streep\, Hugh Grant\, Simon Helberg / Color / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 50 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "JANE EYRE" (2011).
DESCRIPTION:«Jane Eyre» es una novela de Charlotte Bronte de gran suceso a partir de su publicación en 1847 que la convirtió en clásico de la literatura romántica. Es la historia de una joven huérfana que tras pasar años en un internado donde ha sido abandonada por familiares ricos\, se convierte en institutriz de un apuesto hombre de dinero. En la mansión que habitan\, en medio de un bosque\, transcurre la historia de los personajes. Una trama donde la intriga no es ajena y los ecos de historias de fantasmas ocupan un lugar. Pero no hay terror sino misterio y una potente historia de amor llena de complejidades donde sobresale la impronta y potencia de la protagonista: una mujer de fuertes convicciones\, feminista del Siglo XIX que lucha como todas sus iguales por ser reconocida en una sociedad donde las hostilidades entre las clases sociales dominan todo el espectro humano. La Inglaterra de entonces era tan rígida en principios como el resto de los pueblos europeos y desde allí partía un mandado social que frenaba cualquier atisbo de rebelión. Jane joven\, sabe quien es y que quiere. Su educación y sensibilidad la han convertido en una mujer de rostro adusto donde rara vez aparece la sonrisa. La firmeza es confundida con sometimiento y ella se encargará de demostrar la diferencia entre ambas condiciones. Una novela que ha conocido varias versiones para el cine y para la televisión a lo largo del tiempo. En 1944 se estrena en Hollywood una de sus primeras adaptaciones al cine sonoro (hay varias del mudo) y se convierte en éxito de su tiempo. Interpretada por Orson Welles y Joan Fontaine\, el film es un clásico romántico de los años cuarenta. En 1996 el italiano Franco Zeffirelli realiza otra aproximación al texto y en 2011 se estrena esta. El director novel Cary Fukunaga recrea con precisión el espacio geográfico y humano de la escritora británica\, donde la escenografía\, vestuario\, fotografía y música nos llevan a aquel mundo remoto de amores entre diferentes que deben transitar asperezas varias para llevar adelante sus complejos asuntos. Un cuarteto de jóvenes y adultos intérpretes da brillo a la función. «Jane Eyre» completa el mini-ciclo de Cine sobre las Hermanas Bronte que hemos llevado a cabo en las últimas funciones del Museo López Claro en el Ciclo «El Arte en el Cine: la Literatura». Tres obras cinematográficas que se acercan tanto a la intimidad de las mujeres escritoras como a la adaptación de sus obras. \n«JANE EYRE» (ídem) / Reino Unido / 2011 / Director Cary Joji Fukunaga / Intérpretes Mia Wasikowska\, Michael Fassbender\, Judi Dench\, Jamie Bell\, Sally Hawkins / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "REY POR INCONVENIENCIA" (1966).
DESCRIPTION:Comedia clásica para este miércoles\, para amantes del cine en general. En los finales de la Primera Guerra Mundial\, un soldado especializado en adiestrar palomas mensajeras es enviado a desactivar un arsenal que los alemanes han puesto en un pueblo francés antes de emprender la retirada con el fin de destruirlo todo. Pero Plumpick\, escocés de nacimiento y por tanto con polleras a pesar de la ocasión\, se ve obligado a algo que desconoce. Los disparates que los conflictos bélicos provocan o padecen son materia de humor en esta COMEDIA ya clásica del cine de los años sesenta\, que fue un enorme suceso global y en Argentina tuvo idéntica aceptación popular y crítica. A medio siglo de su estreno\, el arte del cineasta Philippe de Broca (1933-2004)\, autor de éxitos con Jean Paul Belmondo cono «Cartouche» (1962)\, «El hombre de Río» (1964)\, «Aventuras chinas en China» (1965)\, «El Magnífico» (1973) y también de «El Diablo por la Cola» o «Los Juegos del Amor» (debut en 1960)\, alcanza probablemente una de las cumbres de su carrera con este título. Una película que reflexiona en clave humorística sobre cuestiones graves como la Guerra y la Locura. El soldado llega a un pueblo abandonado por sus habitantes ante la amenaza de una inminente explosión de la que advierten los Aliados. Solamente los pacientes del manicomio local quedan en la zona. Y a este lugar llega el soldado quién es confundido con un Rey: el de Corazones (que da pie al título original en francés). A partir de ese momento los internos se rebelan\, huyen del hospicio y habitan un territorio vacío con todo a su disposición. Cada cual asumirá un rol y vestirá ropajes adecuados. Como en un cuento\, la realidad ocupa el lugar de la ficción y la historia avanza. La cordura y la insanía conviven amablemente cuando los seres humanos se permiten la libertad de expresar sus mundos interiores. Pero esto armonía\, como en los cuentos\, tendrá su fin y la realidad mas dura regresará al apacible pueblo. Una película que mantiene intactos sus valores originales y se desarrolla entre sonrisas y calidez de personajes queribles\, profundamente humanos a quienes la enfermedad mental no les resta lucidez. Esa lucidez que parece buscar refugio tras una cuestión siempre marginada por las sociedades: las enfermedades de la mente\, uno de los grandes terrores de siempre. En clave humorística el Arte ha podido encajar mejor los conflictos mas escabrosos y la comedia cinematográfica ha sido a partir del Siglo XX una de las manifestaciones mas propicias para llegar al público. Desde sus inicios\, el cine francés recurrió a ella y de su pantalla surgen nombres clásicos desde el cine mudo. Max Linder\, uno de sus mayores exponentes. Philippe de Broca es el cineasta mas divertido del movimiento llamado «Nouvelle Vague» (Nueva Ola)\, que revolucionó el cine galo a partir de finales de los años 50 . El director comparte lugar con «serios» como Chabrol\, Godard\, Resnais o Truffaut\, y a diferencia de todos ellos\, genera un apartado donde la critica a su sociedad llega del lado de la sonrisa. Fue la tónica que le acompaño a lo largo de su extensa carrera donde dirigió a los mejores intérpretes. El actor británico Alan Bates ((1934-2003) fue uno de los mayores nombres de los años sesenta y de los rostros mas carismáticos de otro enorme movimiento cinematográfico europeo: el «Free Cinema»\, que deslumbró al mundo a la par que el francés. Bates es recordado por su labor junto a Anthony Quinn en «Zorba el Griego» (1964) y también por memorables trabajos en una serie de películas como «Imprevisto Pasional» (1960)\, «Mientras sopla el viento» (1961)\, «Lejos del mundanal ruido» (1967)\, «Mujeres Apasionadas» (1969) o «El mensajero del amor» (1971)\, todos clásicos del cine. Un título memorable que merece ser recuperado en un presente donde los conflictos tratados siguen igual de vigentes. \n«REY POR INCONVENIENCIA» (Le roi de coeurs) /1966 / Francia- Italia / Director Philippe de Broca / Intérpretes Alan Bates\, Genevieve Bujold\, Pierre Brasseur\, Micheline Presle\, Adolfo Celi\, Jean Claude Brialy / Color / Hablada en francés\, alemán\, inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 42 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-rey-por-inconveniencia-1966/
LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "ENSÉÑAME EL CAMINO\, ISABEL..." (2006).
DESCRIPTION:Una comedia vasca entre tanto cine serio que llega de Euskadi. Los cineastas de este país se han decantado hacia el género dramático en su mayoría\, probablemente porque la realidad que les tocó vivir\, y desde donde crearon sus propuestas\, no daba para muchas risas tras los duros años del Franquismo y la irrupción de la violencia de ETA. Desde finales de los años setenta\, cuando se inicia el camino de esta cinematografía (con su prehistoria oculta) hasta el presente\, se han sucedido dos generaciones (al menos) de cineastas\, y muchos de los actuales indagan en las particularidades de los vascos desde el prisma de la comedia. Este film del año 2006 puede considerarse uno de los precursores del momento actual\, donde también desde las televisiones regionales se apuesta al genero con series muy exitosas. Juan Martín es un joven de la ciudad de San Sebastian que quiere mejorar sus conocimientos sobre la lengua patria: el euskera. Y decide que la mejor manera de hacerlo es viajar al interior y convivir una temporada con la gente de allí\, para poder aprender ademas sus costumbres y realidades. El enfrentamiento eterno ciudad/campo en una nueva versión. Es recibido por una familia con hijos que colaboran todos en bien de su «caserío»\, el espacio idóneo para entender mejor las realidades mas ancestrales. Pero las cosas no serán tan sencillas como el joven imaginaba y desde el primer momento entenderá las diferencia entre unos y otros. La película está estructurada sobre una serie de situaciones muy divertidas que desde el primer instante atrapan al espectador\, quién con entrega absoluta sigue las peripecias de Juan Martín a la vez que va aprendiendo en carne propia esa otra cultura que pervive con mas fuerza en el interior. El contacto con la tierra\, los animales\, la comida\, las fiestas y el inevitable enamoramiento que el protagonista sentirá por la hija de la familia\, la natural Ixabel\, que sin prejuicios observa al recién llegado como si de un extraterrestre se tratara. La pareja de directores noveles logra un debut casi redondo\, donde el naturalismo de los intérpretes se impone sobre otras consideraciones actorales. Así como la recreación de un tiempo\, finales de los años setenta\, a pocos días de una nueva década. Que para el País Vasco traería nuevas realidades a la par de libertades conseguidas y violencias que en ese tiempo alcanzarían cotas muy altas. Al elegir el camino del humor y centrarse en el aspecto mas positivo de las personas\, la realidad resulta menos espinosa de transitar. Basada en una novela de buen suceso escrita por Joxean Segastizabal\, ha sido dirigida por Bernués (1961) y Gabilondo (1965)\, cineastas detrás de una exitosa serie emitida entre 2005 y 2010\, » Mi querido Klikowsky» que narra la historia de un migrante argentino de ascendencia judía en tierras de Euskadi. Gabilondo en solitario ha dirigido una de las películas mas aclamadas del último cine vasco: «Las manos de mi madre» (Amaren Eskuak) y Bernués se encuentra\, 12 años mas tarde\, dirigiendo su segundo largometraje para el cine. Lo que demuestra las serias dificultades que aun persisten a la hora de seguir filmando. En todo caso y por una vez mas\, la calidad parece anteponerse a la cantidad. El camino elegido por un cine joven que pelea por encontrar espectadores mas allá de su propia tierra. \n«ENSÉÑAME EL CAMINO\, ISABEL» / Kutsidazu Bidea\, Ixabel / 2006 / País Vasco\, España / Directores Fernando Bernués y Mireia Gabilondo / Intérpretes Mikel Losada\, Ainere Tolosa\, Mireia Gabilondo\, Iñaki Trastorza / Hablada en euskera y castellano con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40 minutos.
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LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "CUMBRES BORRASCOSAS" (1992).
DESCRIPTION:En 1847 aparece en Gran Bretaña un libro titulado «Wuthering Heights» (Cumbres Borrascosas) cuyo autor firma como Ellis Bell. Tiene un éxito moderado\, y años después se descubre que en realidad es una mujer quién lo ha escrito: Emily Bronté. Ella muere al poco tiempo y será su hermana Charlotte quien en una segunda edición\, hará de su nombre uno de los mayores de la Literatura de su tiempo. Una vida breve\, intensa\, que parece haber concentrado toda su fuerza en la elaboración de un texto que aun sigue perturbando al lector. El cine se sintió tentado por el libro desde siempre pero la dificultad de llevar el lenguaje profundamente literario a las imágenes dificultó y frustró proyectos hasta 1939\, cuando se estrena la versión hollywoodense dirigida por William Wyler e interpretada por Laurence Olivier y Merle Oberon. El resultado es un tímido y (para mi) frustrado intento\, que sin embargo cosecha éxito y admiración de parte de la critica. En 1953\, un cineasta mucho mejor dotado para llevar a cabo la tarea\, el maestro Luis Buñuel\, lo adapta a la realidad mexicana en «Abismos de Pasión». Nuevamente\, y a pesar de ciertos logros\, el espíritu de la obra se mantiene distante. La televisión y el Cine volvieron a el en varias ocasiones\, siendo la última en 2011 con una versión libre a cargo de una joven cineasta británica. La versión de 1992 es la que probablemente mas se ajuste a la narración original. Sin embargo el espíritu convulso\, apasionado\, trágico del libro\, parece seguir siendo imposible de trasladar a las imágenes. En todo caso\, al haber fracasado los intentos señalados en trasponer el «alma» de la obra de Bronté\, resta el placer secundario de contemplar la historia tal cual la imagino la autora. Heathcliff es un niño abandonado rescatado de la calle por Thomas Earnshaw\, el dueño de una gran estancia en el norte de Inglaterra\, en medio de los páramos de Yorkshire. Hasta la casa\, Cumbres Borrascosas\, llegan y son recibidos por los hijos del hombre\, Catherine y Hindley. Mientras el segundo lo rechaza ferozmente desde el comienzo\, la primera vivirá con el recién venido una historia de amor intensa que la acompañará hasta su muerte. De esa pasión habla la trama: la de dos personas que pasan sus vidas juntas desde la niñez hasta la juventud\, cuando el destino y las circunstancias los separen y conviertan a él en un monstruo pleno de rencor y ansias de venganza\, que dedicará su vida a destrozar la de los demás. Un personaje turbulento y fascinante que encarna las mayores bajezas humanas a la vez que una enorme capacidad de amar\, tanto como incapacidad de ser amado. Interpretada en su debut para el Cine por el británico Ralph Fiennes (1962)\, quién luego tendría una carrera de éxitos con films como «La Lista de Schindler» (1993)\, «El Paciente Inglés» (1996)\, «Spider» (2002)\, «El Jardinero Fiel» (2005) mas una serie de intervenciones en los mundos de Harry Potter y James Bond\, la película se apoya en su presencia siempre inquietante aunque mucho mas distante que la criatura nacida de la mente de Bronté. Carente del salvajismo y la negritud necesaria\, el actor interpreta a un ser acomplejado por el desprecio de sus semejantes y el olvido de su amada Cathy. La actriz francesa Juliette Binoche (1964) realiza una de sus primeras interpretaciones en inglés\, parte de su extensa carrera iniciada a los 20 años\, que cuenta con direcciones memorables de artistas como Godard\, Malle o Carax\, iconos del cine galo. Al inicio del film\, una mujer\, la propia autora devenida personaje de ficción\, nos introduce en el mágico y oscuro mundo que se esconde entre los páramos que rodean Cumbres Borrascosas. Desde allí\, nos devuelve en forma de imágenes a sus adoradas criaturas. El espíritu de la obra\, como los propios personajes\, se mantiene ausente y parece remitirnos al mundo de lo fantasmal. Alguna vez\, algún cineasta bien dotado\, quizás nos los devuelva como su autora imaginó. Mientras tanto\, regresar al libro original seguirá siendo fuente de los mayores placeres para la imaginación. Literatura y Cine\, dos lenguajes siempre intentando construir puentes. \n«CUMBRES BORRASCOSAS» / Wuthering Heights /1992 / EE.UU- Reino Unido / Director Peter Kosminsky / Intérpretes Juliette Binoche\, Ralph Fiennes\, Janet McTeer\, Sophie Ward\, Simon Stepherd\, Jeremy Northam / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.
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SUMMARY:CINE:: "LO IMPORTANTE ES AMAR". (1975)
DESCRIPTION:«Lo importante es amar» es el título del film y a la vez una rotunda afirmación de su director\, el cineasta de origen polaco Andrzej Zulawski (1940-2016)\, uno de los directores mas controvertidos del cine europeo\, que durante su larga carrera apenas realizó 13 films\, alguno de ellos considerados entre lo mas destacado y escandaloso del periodo 1971 (debut) -2000 (cuando interrumpió por muchos años su trabajo cinematográfico). Esta película puede considerarse su obra mas emblemática y la que lo mantuvo en lo mas alto de la consideración crítica e incluso popular\, ya que su éxito traspasó las barreras de Francia\, patria de adopción y donde filmó la mayor parte de su cine. Narra una historia de amor entre dos personajes con un tercero como testigo y una especie de coro que les rodea mostrando los aspectos menos agradables de la existencia. Nadine es una actriz de treinta años que se gana la vida filmando películas malas y actuando en obras de teatro de dudosa calidad. En un rodaje es fotografiada por Servais\, reportero de publicaciones sensacionalistas que indaga en los bajos fondos de la sociedad. Un encuentro fortuito y furtivo que sin embargo\, a través de la intensidad de las miradas y de unas pocas palabras\, unirá el destino de ambos a partir de ese momento. El hombre se siente afectado por la sensibilidad de la mujer e intentará conquistarla. Pero ella posee una psicología compleja\, transgresora\, diferente a las que el fotógrafo ha conocido. El ambiente del cine erótico de baja calidad\, los usureros que prestan dinero para levantar obras de teatro\, el propio ambiente del escenario\, la casas que habitan todos los personajes\, son los espacios que el director recrea de la mano de una actriz formidable: Romy Schneider (1938-1982). Nacida durante la Segunda Guerra Mundial en Viena\, hija de actriz famosa\, debuta en la adolescencia en un tipo de cine que la convertirá en estrella absoluta de lo mas almibarado y comercial de la Europa de los años cincuenta mientras se levantaba desde las ruinas del conflicto bélico. Su personificación de la emperatriz Sissi en una trilogía muy popular\, la pone en primer plano y durante varios años\, hasta 1959\, su rostro estará en una decena de películas del mismo genero: historias de amor con final feliz tamizadas de lujos\, imperios y pobrezas siempre recompensadas. En 1958 conoce al actor Alain Delon y poco después al cineasta Luchino Visconti\, quienes le abren las puertas de otro tipo de cine. En «Bocaccio 70» (1962) es dirigida por el italiano en el rol de una esposa que se prostituye con su propio marido y jamás volverá a filmar películas como las que la hicieron popular. Su carrera remonta en 1969 y es imparable hasta su muerte trágica a los 43 años de edad. Uno de los rostros mas emblemáticos de la Historia del Cine conjugado con un cuerpo casi perfecto y un talento dramático único en mujeres de su condición. Sus trabajos durante los años setenta y primeros ochenta muestran a una de las actrices mas comprometidas con su tiempo y sus retratos de mujer son formidables. En esta película\, la actriz parece seguir ajustando cuentas con su pasado almibarado y nos entrega otra historia de amor donde éste es puesto en cuestión\, para luego afirmarnos que es lo único verdaderamente importante que podemos anhelar los seres humanos. Un cine dramático\, visualmente deslumbrante\, donde la música aparece en los momentos mas intensos dando a la imagen cinematográfica un verdadero sentido\, mas allá de la estridencia e histeria con la que por momentos invade cada fotograma. A cuarenta años de su estreno en Argentina tenemos la posibilidad de verla en Versión Integra\, sin los cortes que la censura le impuso en su momento. \n«LO IMPORTANTE ES AMAR» / L’important c’est d’aimer / 1975 / Francia- Italia- Alemania / Director Andrzej Zulawski / Intérpretes Romy Schneider\, Fabio Testi\, Jacques Dutronc\, Klaus Kinski\, Nicoletta Machiavelli\, Claude Dauphin\, Roger Blin / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1 hora 47 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LA RELIGIOSA" (2013).
DESCRIPTION:Una de las novelas mas importantes de la literatura del Siglo XVIII fue «La Religiosa» (1760)\, donde su autor\, Denis Diderot\, realiza un trabajo crítico sobre la moral convencional de su tiempo. Han pasado mas de 250 años y nos encontramos con una realidad donde la permanencia de mucho de los tabúes que el autor describía\, continúan activos en el presente. El cine regresa al texto (ya adaptado en 1966 por el realizador Jacques Rivette en un film del mismo nombre que fue ¡prohibido! en la Francia de su tiempo y estrenado en nuestro país en 1968) para reflexionar sobre la cuestión religiosa que es tema central de la narración. Suzanne Simonin en una joven a quienes sus padres internan en un convento contra su voluntad. Perteneciente a una familia de la burguesía\, su destino se emparenta con el de ciento de mujeres de su tiempo. Pero Suzanne rechaza frontalmente el encierro y desde el primer momento se muestra combativa con el único fin de escapar del lugar. El período que pasará en el mismo irá educando su mirada y convirtiendo en una persona diferente. Diderot (1713-1784) fue uno de los mayores nombres del Siglo que terminó con la Revolución Francesa (1789-1799)\, un acontecimiento que está considerado en la Historia como el inicio de Edad Contemporánea. Escritor\, filósofo\, enciclopedista\, estudioso de varias disciplinas\, desde las matemáticas hasta la ciencias naturales\, está considerado como una de las figuras mas destacadas de la Ilustración\, y su muerte a cinco años del inicio de la Revolución\, lo deja para la Historia como uno de los grandes visionarios de una época condenada a morir en pos del inevitable progreso del pensamiento humano\, Fue redactor\, compilador y editor de «La Enciclopedia»\, obra magna de entonces\, y uno de los creadores de salones donde la Crítica se impuso como forma de encuentro entre personas modernas y progresistas. Vapuleado\, condenado y encarcelado por el Poder reinante\, muchas de sus obras ardieron en la hoguera. Espacio siempre reservado\, ayer y lamentablemente hoy vigente (aunque con diferentes métodos)\, para quienes niegan toda causa progresista y evocan arcaicos valores reaccionarios. El film de 2013 retoma todas estas cuestiones para traernos al panorama audiovisual temáticas siempre vigentes para la condición humana. Con un grupo de actrices formidables\, recrea el mundo cerrado\, claustrofóbico y castrador de las instituciones religiosas\, donde todo atisbo de libertad debe ser reprimido. Y de esa represión nace la lucha de la protagonista\, convertida en una autentica emancipada y por encima de todo\, moderna heroína de rabiosa actualidad. Nuestro tiempo\, ricos en avances científicos y tecnológicos. parece correr paralelo en el retroceso de muchos logros sociales obtenidos en las últimas décadas del Siglo XX. El Cine que escapa a lo convencional\, regresa una y otra vez a temáticas fundamentales para recordarnos que\, al menos desde el Arte y la Cultura\, no toda esperanza está perdida. El realizador francés\, desconocido en Argentina\, forma parte del pelotón mas activo de cineastas de un país que jamás dejo de cuidar a sus hacedores\, mimarlos\, protegerlos\, ayudarlos desde un Estado siempre confiado en el valor de estas cuestiones fundamentales en la vida de las Personas. Al menos\, las que luchan por caminar siempre hacía adelante. Y no hacía el pasado mas cavernícola. \n«LA RELIGIOSA» / La Religieuse / 2013 / Francia / Director Guillaume Nicloux / Intérpretes Pauline Etienne\, Isabelle Huppert\, Louise Bourgoin\, Martina Gedeck\, Lou Castel\,Fabrizio Rongione / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 50 minutos.
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LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "PHILOMENA" (2013).
DESCRIPTION:El día que una mujer cumple 80 años\, decide contar a su hija un secreto guardado durante toda la vida: cuando era joven y estaba pupila en un colegio religioso\, un hecho sacudió su existencia y la marcó para siempre. La joven escucha con atención el relato y decide ayudar a su madre en la búsqueda de respuestas tras décadas de silencio. Un periodista especializado en crónicas políticas cae en desgracia por un artículo publicado y su mundo parece colapsar. Estas dos historias se cruzan y de ese encuentro surge la narración de esta extraordinaria película que reflexiona sobre cuestiones humanas universales mas allá de culturas y geografías. Philomena pertenece al grupo de mujeres que han tenido que enfrentarse a circunstancias extremas a lo largo de su existencia\, que lejos de derrotarlas\, le han insuflado energía y fuerza arrolladora para salir adelante. Una mujer que en el ocaso de su vida decide ajustar cuentas con el pasado y\, sobre todo\, con su memoria para cerrar entonces\, el círculo vital y descubrirla en la plenitud de sus condiciones. Una madre que tiene a una hija como compañera de viaje. Y a un extraño que se presta a ser su guía en la búsqueda de respuestas. Un camino que la enfrentará al desafío de regresar al pasado donde todo ocurrió y donde todo permanece. Lo Oculto que lucha por emerger. Y lo hace a través de la verdad inclaudicable. La que se eleva sobre hipocresías\, convenciones e ideas retrógradas que a pesar de toda la evolución de nuestro tiempo\, permanecen fijas en amplios sectores de la población. Interpretada por una de las mayores actrices contemporáneas\, la británica Judi Dench (1934)\, la película está dirigida por uno de los mejores cineastas de las últimas décadas\, el también británico Stephen Frears (1941). «Philomena» se une entonces a la lista de películas modernas que vuelven la mirada sobre la geografía femenina para completar el amplio rompecabezas del cine contemporáneo que regresa una vez a su terreno mas propicio: el de investigar los abismos mas profundos de nosotros\, las personas\, para de esta manera\, aportar a través del Arte\, reflexiones sobre el devenir humano en un tiempo siempre complejo y a la vez\, deslumbrantemente fecundo en la comprensión de los secretos mas vedados. \n«PHILOMENA» (ídem) / 2013 / Reino Unido / Director Stephen Frears /Intérpretes Judi Dench\, Steve Coogan\, Sophie Kennedy Clark\, Mare Winningham\, Bárbara Jefford / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 36 minutos.
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SUMMARY:CINE:"SABRINA" (1954).
DESCRIPTION:Sabrina es la hija del chofer de unos millonarios. Huérfana de madre\, vive en la gran mansión de sus jefes junto a su amado padre. Ha crecido viendo desde la distancia como transcurría la vida de los dueños de casa. Y con la llegada de la adolescencia sus ojos se pusieron sobre la figura del hijo menor de la familia. Cercana a los 20 años\, el progenitor le paga un viaje a Francia para que se eduque en la alta cocina. En París\, la joven irá transformándose en mujer refinada y mundana. No solo aprenderá a cocinar sino que también a vestir elegantemente. Y al regreso pocos la reconocerán. Mucho menos su antiguo enamorado\, quién fascinado por el descubrimiento de la joven belleza\, intentará conquistarla. Pero en el camino aparecerán las sorpresas: la mas novedosa de todas\, la del hermano mayor\, un solterón empedernido que caerá rendido a los encantos de la hija del chofer. Esta es la trama de una de las películas mas populares de la historia de Hollywood. En los años cincuenta\, la unión de los talentos de tres figuras consagradas como Audrey Hepburn\, Humphrey Bogart y William Holden dio como resultado una de las grandes comedias románticas de todos los tiempos. Bajo la dirección del Maestro del Cine\, el austriaco Billy Wilder\, autor de memorables películas como «Días sin Huellas»\, «El ocaso de una vida»\, «Una Eva y dos Adanes» o «Piso de Soltero»\, esta obra se mantiene viva a seis décadas de su estreno\, cuando se convirtió en suceso extraordinario en las pantallas de los cines de todo el mundo. Un tiempo y un estilo de películas que forman parte de lo mejor de la Historia del Celuloide. Bogart\, uno de los rostros clásicos por excelencia\, se une a unos mas jóvenes entonces\, la actriz de origen belga Audrey Hepburn y el galán de los años cuarenta y cincuenta William Holden\, conformando uno de los tríos mas memorables de todos los tiempos. «Sabrina» invita a recuperar el encanto y el placer de las tardes de cine pasadas en las grandes salas hoy desaparecidas. Los invitamos a disfrutarla juntos. \n«SABRINA» (idem) 1954 / EE.UU. / Director Billy Wilder / Intérpretes Humphrey Bogart\, Audrey Hepburn\, William Holden / Blanco y Negro / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 53 minutos.
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LOCATION:Centro de Jubilados Grupo Recreativo\, General Paz 679\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "CAMINO INVISIBLE: LAS HERMANAS BRONTÉ" (2016).
DESCRIPTION:Entre las figuras mas destacadas de la literatura del Siglo XIX figuran las hermanas Bronte\, autoras de tres clásicos: «Cumbres Borrascosas»\, «Jane Eyre» y «Agnes Grey». El primero de estos está considerado como uno de los grandes libros de la Historia. La directora televisiva Sally Wainwright (1964) nació en Yorkshire\, estado al norte de Inglaterra y la misma tierra que habitaron las hermanas escritoras y cuyos páramos y demás paisajes atraviesan la literatura de estas mujeres. Esta película rodada especialmente para la televisión se acerca al núcleo familiar compuesto además por un hermano menor y su padre\, hombre de enorme cultura y poder económico mediano que con su apoyo directo potencia la creatividad de sus hijas. El film se introduce en el hogar e indaga en las personalidades de cada uno de sus integrantes. Desde niñas la palabra se convierte en juego y la imaginación no descansa: mundos paralelos que las ayudan en su rutina pueblerina y potencian la creatividad. Decididas a darse a conocer\, esconden sus nombres tras apodos masculinos para intentar ser leídas por los editores de la castradora época victoriana que les toca transitar. En 1847 logran que sus obras se publiquen ante la enorme admiración de los lectores que descubren entre sus páginas mundos oscuros y fascinantes. Mujeres transgresoras que pronto se darán a conocer con sus verdaderas identidades\, causando sensación sobre todo con «Jane Eyre»\, de Charlotte (18181855)\, un texto de inmediato suceso. «Cumbres Borrascosas»\, la memorable historia de amor trágico de Emily (1818-1848) entre el bastardo Heathcliff y Cathy  rebelde y caprichosa heredera del decadente edificio perdido en los páramos\, trasciende su época para convertirse en uno de los grandes textos de todos los tiempos. La pasión\, el dolor por los amores frustrados\, la pintura feroz de época\, hacen de estos personajes uno de los platos mas codiciados por cineastas de todos los tiempos desde Wyler hasta Buñuel. Un grupo de jóvenes actrices acepta el desafío de darles vidas\, ahora\, a ellas mismas y no a sus fascinantes criaturas\, para crear una película donde el cine regresa a uno de sus preferidos puntos de partida: la Literatura. \n«CAMINO INVISIBLE: LAS HERMANAS BRONTE» / «To Walk Invisible: The Bronte Sisters» / 2016 / Reino Unido / Directora Sally Wainwright / Intérpretes Jonathan Pryce\, Charlie Murphy\, Chloe Pirrie\, Finn Atkins\, Adam Nagaitis / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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SUMMARY:CINE: "LAS ESTRELLAS DE CINE NUNCA MUEREN" (2017).
DESCRIPTION:Esta película forma parte de un «genero» muy específico del Cine: el que indaga sobre sus propios protagonistas o temas relacionados con el otro lado de la pantalla: desde la propia realización de un film hasta la recreación de la vida privada de personajes reales o ficticios\, que a la vez pueden estar inspirados en aquellos. Gloria Grahame (1923-1981) fue una actriz descubierta a  los 19 años de edad\, en pleno auge del «sistema de estrellas» (star system) de Hollywood. En su caso lo fue por la Metro Goldwyn Mayer\, uno de los mayores estudios de Cine de EE.UU. Tuvo una carrera tan ascendente como rápida fue la caída. Actúo en films clásicos junto a figuras como Glenn Ford\, Humphrey Bogart o Kirk Douglas\, dirigida por Nicholas Ray\, Fritz Lang o Vincente Minelli y ganó un Oscar a la mejor actriz secundaria en 1952. Se especializó en roles de mujer fatal\, malvada\, inescrupulosa\, pero su carrera colapsó antes de cumplir los 40 años. Luego trabajó en series de televisión a lo largo de los años 60 y en los 70 protagonizó films de dudosa calidad. Cuando murió a los 57 años\, solo los muy cinéfilos recordaban su nombre. El realizador británico Paul McGuigan(1963) se basa en las memorias de un hombre que fue su último compañero sentimental para trazar la historia de otra película\, la presente\, donde desde lo ficcional se recrean los últimos años de la intérprete. Una mujer aquejada por males de diversos orígenes entregada a una relación amorosa con un hombre mucho mas joven que ella que lucha por mantenerla en pie en medio de una decadencia generalizada. Una historia que puede remitirnos a otros romances similares que también se desenvuelven el la esfera del cinematógrafo\, como podría ser el ejemplo de «Sunset Boulevard» (1950) \, la memorable obra maestra de Billy Wilder que analiza otra decadencia y otro último romance. Pero en esta ocasión\, el tratamiento es mas leve o menos melodramático. La actriz se enfrenta a un presente que se le escapa de las manos. Perdida entre el ensueño y la realidad\, deambula por una Inglaterra de finales de los setenta donde su nombre aun puede encabezar una obra de teatro en salas de segunda categoría. Donde aun es capaz de seducir con su atractivo marchito peno no agotado\, a un hombre menor y lograr de este una entrega verdadera. Donde el peso del pasado es mas fuerte que el del presente\, o en todo caso\, mas atractivo en su variante melancólica. Una mujer que fue hermosa y está dejando de serlo. Que no puede soportar demasiado la imagen que el espejo le devuelve y  prefiere buscarse a si misma y mostrarse al enamorado desde la pantalla de un anónimo cine donde su versión en celuloide pervive sobre la sabana blanca. Una mujer que es tratada como una niña por su madre y hermana y que mantienen en la distancia a los cuatro hijos y a los padres de ellos\, todos formando parte del enorme rompecabezas en que se ha convertido su vida. De esto y de mucho mas habla la película\, una de la mas lúcidas miradas del cine actual al fenómeno del estrellato y la celebridad\, sobre sus luces y sobre todo\, sus alargadas sombras que no alcanzan para eclipsar tanta belleza fugaz y perdida en el tiempo real\, pero siempre vigente en la magia del cine y en la mirada de los jóvenes\, que como el protagonista\, cree que las estrellas de cine no mueren en Liverpool ni en ninguna otra parte. El mundo de los sueños será un mundo siempre presente porque el imaginario humano todo lo puede. Una película hermosa\, cálida\, humana. Como el Cine mismo. El talento enorme de Annette Bening (1958) sumado al del ex-niño protagonista de «Billy Elliot»\, el británico Jamie Bell (1986)\, redondean una función donde también aparece brevemente otra antigua gloria del cine: la mismísima Vanessa Redgrave interpretando a la madre de la atribulada Gloria.  El Cine dentro del Cine. Y la función continúa… \n«LAS ESTRELLAS DE CINE NUNCA MUEREN» / Film Stars Don’t Die in Liverpool / 2017 / Reino Unido / Director Paul McGuigan / Intérpretes Annette Bening\, Jamie Bell\, Julie Walters\, Vanessa Redgrave / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Color /Duración 1h 45 minutos.
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SUMMARY:CINE: "NO TENGAS MIEDO" (2011).
DESCRIPTION:Durante 2017 y hasta la fecha\, el Ciclo de Cine Vasco ha presentado tres films del mas popular de los directores vascos: Montxo Armendáriz\, nacido en 1949 en Olleta\, Navarra. Los títulos fueron: «Tasio»\, «Obaba» y «Secretos del Corazón». Y ahora es el turno del último largometraje rodado hasta el presente: «No tengas miedo» El cineasta ha trabajado en temas relacionados con el comportamiento humano\, desde la vida de personajes situados en campos de carbón\, mitologías ancestrales\, definiciones de caracteres\, infancias que dejan huella en la vida adulta. En este trabajo vuelve al terreno de la niñez pero desde un lugar diferente al analizado en las anteriores ocasiones: Silvia tiene ocho años y es hija única. Una experiencia perturbadora con su padre cambia la rutina cotidiana y le dejará huellas que\, llegados los 25 años de edad decide enfrentar. Una temática compleja\, silenciada\, conocida por muchos y hablada por pocos. Otros secretos que en este caso\, enferman a la protagonista. El núcleo familiar es analizado por el director como si de un científico se tratara. Intentando descifrar la parte mas oscura de nosotros\, los seres humanos. Utilizando todas las herramientas que la cinematografía le brinda a los grandes creadores\, y Armendáriz lo es. Lejos del sensacionalismo y la morbosidad que semejante tema podría suponer\, el cineasta impone la sutileza\, la seriedad\, la buena comprensión para acercarnos a nosotros espectadores la posibilidad de reflexionar sobre cuestiones que marcan y han marcado conductas sociales desde siempre. Vivimos una época de enormes cambios donde los avances tecnológicos van modificando día a día la mirada que posamos sobre el mundo. Y muchas temáticas silenciadas por siglos de civilización van ocupando día a día el espacio que les corresponde. Para poder enfrentarlas desde el lugar que corresponde a una sociedad adulta y exigente de justicia. El realizador destaca como siempre en la dirección de los niños y jóvenes interpretes\, un terreno siempre complejo y que él maneja como pocos. Son tres las intérpretes que le dan vida a lo largo del tiempo y todas de enorme calidad. Los protagonistas de «Tasio» o «Secretos del corazón» encuentran en Silvia a otra compañera de viaje extraordinaria en la búsqueda de respuestas ante el comportamiento de esos adultos que no siempre están a la altura de las circunstancias. Un cine necesario y eficaz que merece ser mas visible. Tenemos otra oportunidad con esta hermosa y adulta historia de sentimientos encontrados. La protagonista Michelle Jenner nació en Barcelona y debutó en la televisión en su adolescencia. Tras protagonizar esta película destacó en la serie «Isabel»\, que durante 2011 y 2014 narró las andanzas de una reina española y se convirtió en uno de los programas mas populares de su tiempo. Luego ha participado en otros títulos populares como «El Ministerio del Tiempo» o » La Catedral del Mar»\, también para televisión\, o en cine con cineastas como Pedro Almodóvar en su film «Julieta». A su lado\, interpretando a los padres\, dos figuras de enorme prestigio actual\, Lluis Homar y Belén Rueda\, una de las mayores estrellas del cine hispano actual. \n«NO TENGAS MIEDO» / 2011 / España / Director Montxo Armendáriz / Intérpretes Iranzu Erro\, Irene Cervantes\, Michelle Jenner\, Lluis Homar\, Belén Rueda\, Cristina Plazas / Color / Hablada en castellano / Duración 90 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LLÁMAME POR TU NOMBRE" (2017).
DESCRIPTION:En la última entrega de los premios Oscar de la Academia de Hollywood\, uno de los ganadores mas ovacionados fue James Ivory (1928)(«Lo que queda del día»\, «Howards’ End»\, «Un amor en Florencia») cuando subió a recoger el suyo por la adaptación que hizo al cine del libro en que se basa este film. Siendo uno de los cineastas mas prestigiosos de los últimos cuarenta años\, el reconocimiento de la estatuilla le llegaba por su participación en una película dirigida por otro cineasta. La prueba de su enorme condición humana. Este título también compitió por las nominaciones al mejor film y al mejor actor protagonista\, un deslumbrante intérprete de 22 años de edad. «Llámame por tu nombre» aborda una historia de amor entre un joven de 17 años y otro 10 años mayor. En los años 80 del siglo pasado\, un becario llega desde EE.UU. al norte de Italia para pasar un verano en la casa de unos investigadores de la arqueología. Una pareja de buen nivel económico que habita una hermosa casa en un paisaje idílico\, cercano a un pueblo lleno de historia y pasado\, de calma estival y de noches placenteras. Elio es el único hijo del matrimonio y se encuentra en plena efervescencia sexual. Los coqueteos con una chica de su edad van paralelos a los que realiza con Oliver\, el recién llegado. Ante la mirada de los padres tolerantes pero distantes\, respetuosos del vuelo del joven\, va desarrollándose la trama que muestra los aspectos dolorosos y placenteros de esta experiencia. Una mirada sobre el amor homosexual que el cineasta italiano Luca Guadagnino (1971) enfoca con enorme sensibilidad y con nula morbosidad\, concentrado en los aspectos humanos mas intensos y sin ninguna intención moralizadora\, siguiendo la huella de sus cuatro films anteriores\, algunos de ellos considerados entre los mejores del último cine italiano\, una cinematografía que parece ir despertando después de un profundo sueño generado por la desaparición de toda una generación de hacedores de uno de los mejores cines universales y del que este y otros autores y autoras parece ser heredero e impulsador de nuevas sangres. Un cine que reflexiona sobre la realidad contemporánea sin complejos y trae a primera plana temáticas demasiado silenciadas por el cine de gran producción. En una época de lamentable corrección política\, retrógrada en muchos sectores\, el Arte vuelve a recordarnos que nada esta prohibido para la mirada libre. «Llámame por tu nombre» es un claro ejemplo. \n«LLÁMAME POR TU NOMBRE» (Call me by your name\, 2017) / Italia- Francia- Brasil- USA./ Director Luca Guadagnino / Intérpretes Timothee Chalamet\, Armie Hammer\, Michael Stuhlbarg\, Amira Casar\, Esther Garrel / Color / Hablada en inglés\, italiano y francés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs. 10 minutos.
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SUMMARY:CINE: "CERCA DE TU CASA" (2016).
DESCRIPTION:La crisis financiera global iniciada\, hace ahora diez años\, desde las altas esferas del poder económico de EE.UU.\, se extendió como un tsunami a lo largo y ancho del Planeta. En España\, entre otros países europeos\, golpeó con tremenda fuerza y generó enormes pérdidas en los sectores mas endeudados con préstamos bancarios. No fue el único espacio afectado pero es el que toma esta película para desarrollar su historia. Un matrimonio joven\, padres de una hija de diez años\, ve como su realidad se transforma drasticamente a partir del impago de la hipoteca que pesa sobre su vivienda. Al haber sido trastocados sus ingresos por la pérdida de trabajo\, el banco les acerca la palabra mas temida: «desahucio». O lo que es lo mismo\, por la fuerza son obligados a abandonar su casa. El conflicto no hace mas que agravarse ya que no es suficiente semejante entrega para satisfacer el pago total: deberán seguir endeudados por la diferencia entre el precio actual y el préstamo concedido años atrás. Una de las mayores perversiones del sistema que en España sigue sin resolverse. Entregar la vivienda y no saldar entonces la deuda\, ensombrece aun mas la precaria situación de miles de ciudadanos de los que esta película se convierte en testigo y ejemplo. El regreso a la casa de los padres es a la vez posibilidad y complicación de agravar los estados anímicos de sus protagonistas. El film construye su historia con varios personajes que planean alrededor de ellos: fuerzas policiales encargadas de ejecutar la acción\, empleados bancarios amigos que nada pueden hacer para impedir la ejecución\, amores no correspondidos que parecen volverse en contra de ellos\, la infancia que no entiende de sistemas económicos… \nEl director Eduard Cortes (1959\, Barcelona) es uno de los cineastas mas sólidos del panorama cinematográfico español contemporáneo. Autor de otras dos películas comprometidas con la conflictividad derivada de las cuestiones económicas como son «La Vida de Nadie» (2002) su deslumbrante debut\, y «Otros días vendrán» (2005)\, el realizador aborda en esta ocasión un tema candente con la perspectiva de los años pasados desde el inicio del conflicto que a tanta gente ha afectado y lo hace con una mirada singular: utilizando el género del cine musical. Las letras de las canciones así como las danzas que movilizan a los personajes se integran a diálogos y a la narración clásica tiñendo todo el proyecto  de enorme frescura. El cine musical clásico ha tendido generalmente a la comedia y rara vez el drama ha sido abordado desde esta mirada. En 1982 el realizador Herbert Ross estrena «Dinero caído del cielo» donde trastoca la formula hacía la seriedad para contarnos una historia de amor truncada por la depresión económica de los años treinta del Siglo XX\, como en los años 90 lo haría el dinamarques Lars von Trier en «Bailarina en la Oscuridad»\, un film que reflexiona sobre la pena de muerte. Es ahora el turno de España y el resultado ha sido de similar calidad a los films anteriormente citados. La intérprete principal\, Silvia Perez Cruz es una cantante de música popular que ha grabado en castellano\, catalán\, portugués y gallego a lo largo de su carrera y ganó un premio Goya por una de las canciones de ésta película\, siendo igualmente nominada en calidad de actriz revelación. Una de las nuevas voces jóvenes de la península ibérica que acerca su talento a una de las propuestas mas singulares del cine social y comprometido de la actualidad. \n«CERCA DE TU CASA» /2016 / España / Director Eduard Cortes / Intérpretes Adriana Ozores\, Lluis Homar\, Ivan Massagué\, Silvia Perez Cruz\, Oriol Vila\, Manuel Morón. / Color/ Hablada en castellano sin subtítulos / Duración 1h 33 minutos.
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SUMMARY:CINE: "MAUDIE" (2016).
DESCRIPTION:Maud Lewis fue una pintora canadiense. Convertida en una de la figuras mas populares de su país a partir de los años sesenta cuando desde una revista y un programa de televisión su obra alcanzó mayor visibilidad. Nacida en 1903 padece desde niña una variante de la artritis que le condiciona el resto de su vida. Influenciada por la madre se acerca a la pintura y no parará de hacerlo. A los 38 años se casa con un pescador de la región y en la pequeña casa de ambos experimenta sobre paredes\, vidrios y pequeñas superficies con su pincel\, llenando el espacio de flores\, animales y paisajes que la han acompañado desde su infancia. La brutalidad del hombre no le impide expresar sensibilidad por el trabajo de su esposa y la empuja a ofrecer sus tarjetas pintadas a compañeros de trabajo y vecinos del pueblo de Digby. Unos visitantes son los primeros compradores foráneos y a partir de aquello su trabajo será reconocido hasta traspasar la frontera del pequeño pueblo costero. En 1964 una revista de gran tirada publica un reportaje y al año siguiente un popular programa de televisión difunde su imagen a todo el país. Hasta la muerte en 1970\, la producción es incesante\, solo frenada por el avance de la enfermedad reumática que le dificulta cada vez mas el uso de su mano con el pincel. Pero Maud esconde secretos mas interesantes que su obra: su propia personalidad. La enfermedad se visibiliza y deforma el cuerpo: es renga y el caminar es dificultoso. Tanto como tener un pincel entre sus dedos y aplicarlo a la creación. Muertos sus padres\, el único hermano se desentiende de ella y apropia de la casa heredada. Una tía se ocupa de cuidarla pero no evita despreciarla\, lo mismo que los niños en la escuela y la gente en general. Pero la condena social por ser diferente no la amilana sino todo lo contrario: potencia su fuerza y enfrenta la realidad dentro de sus posibilidades. Hasta dar con Everett\, huraño\, tosco y pobre pescador al que conoce al respondiendo un anuncio en busca de mujer para la limpieza. Del choque entre ambos\, ella saldrá victoriosa en su constante exigencia de ser reconocida como ser humano. La bondad es su arma mas efectiva y la aceptación de sus limitaciones la hace cada vez mas fuerte y emprendedora. La relación amorosa que les une hasta el final de su vida es atípica y llena de contradicciones: el sometimiento y la valentía no dejan de sucederse. La belleza interior es el arma esgrimida para domesticar a la bestia. Del dolor y el sufrimiento emerge la fuerza y la potencia. Sus tarjetas y pequeños cuadros pintados seducen a la gente y el reconocimiento le insufla vida. \nLa directora irlandesa Aisling Walsh (1958)\, experimentada en televisión y con escasos largometrajes para el cine\, lleva a la pantalla la vida de esta deslumbrante mujer que se revela como modelo ante las adversidades y reflexiona sobre la creatividad artística como formidable armamento para enfrentar la realidad compleja. Interpretada por Sally Hawkins (1976)\, joven y brillante actriz Inglesa vista en «Blue Jazmine» de Woody Allen y protagonista de «La Forma del Agua» de Guillermo del Toro y Ethan Hawke (1970)\, actor que debutó a los 15 años bajo la tutela se Steven Spielberg y ha continuado hasta el presente dejando su presencia en «El club de los poetas muertos»\, «¡Viven!»\, «Antes del amanecer» (1995) y sus secuelas «Antes del atardecer» (2004) y «Antes de la medianoche» (2013)\, mas las intensas » Antes que el diablo sepas que has muerto» (2013) o «Boyhood» (2013). \n«Maudie» nos acerca a seres humanos en permanente búsqueda de la superación a través de personajes poco habituales en el cine contemporáneo: los marginales que alcanzan alturas insospechadas y ponen en jaque la mediocridad de muchos de los que los rodean y juzgan. Un cine absolutamente necesario en el contexto actual\, empecinado en ocultar los aspectos mas interesantes de las personas en pos de estériles entretenimientos que una y otra vez pretenden hacernos creer que solo una forma de realización es posible. «Maudie» y otras muchas películas nos recuerdan que esto es una falacia. También resta un espacio para los espectadores mas exigentes. \n«MAUDIE» /2016 / Irlanda- Canadá / Directora Aisling Walsh / Intérpretes Ethan Hawke\, Sally Hawkins\, Kari Mitchell\, Gabrielle Rose / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 55 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-maudie-2016/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
CATEGORIES:Cine fórum
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SUMMARY:CINE: "DIRÉ TU NOMBRE" (2016).
DESCRIPTION:Una historia de amor en escenario de guerra. Amor y guerra\, dos palabras que han dado pie a incontables películas a lo largo de la Historia del Cine. Conflictos de tiempos pasados\, desde la Edad Media hasta la Segunda Guerra Mundial\, Vietnam\, Medio y Cercano Oriente\, se encuentran en títulos apreciados por público y crítica tanto como otros completamente ignorados. «Diré tu nombre» es un film reciente que no tuvo buen recibimiento cuando llegó al Festival de Cine de Cannes 2016 y que en Argentina no se estrenó en salas comerciales. Sin embargo se trata de una obra a reivindicar mas allá de algunas deficiencias. Que las tienen a montones otras películas que sin embargo gozan del beneplácito de los llamados «críticos». Término tras el cual se esconden a menudo personas que solo por tener la posibilidad de publicar en un medio\, se consideran portadores del «título». Esta obra es el quinto largometraje que ha rodado Sean Penn (1960)\, emblemático actor de Hollywood que ha compatibilizado su labor artística con la militancia política y el compromiso humanitario en diferentes causas a lo largo del planeta. Su faceta de realizador consta de cuatro films notables que preceden al actual y todos interesantes\, Destacan el primero y el cuarto\, «Bajo la misma sangre» (1991) con Viggo Mortensen y Charles Bronson y «Hacia rutas salvajes» (2007)\, que narra la historia de un hombre joven que se aleja de la civilización en busca de su propio yo. En esta ocasión\, El director se acerca a conflictos bélicos en el África actual y a la inmersión en ellos de médicos que pertenecen a ONG dispersas en zonas de guerra. Es muy complejo desde Occidente comprender la cuestión africana\, un continente que desde la llegada de los colonizadores europeos ha sido pasto del saqueo mas salvaje y desprecio por sus habitantes\, siempre mirados desde la soberbia «civilizada» como seres inferiores y por tanto así tratados. El presente no parece haber mejorado mucho esa imagen distorsionada que tenemos sobre ellos. Un presente plagado de conflictos en los que diariamente sigue muriendo gente ante la impasibilidad del llamado mundo progresista. Que utiliza los enfrentamientos regionales\, a menudo entre tribus ancestrales\, para armarlos hasta los dientes generando la gran economía de las armas\, una de las mayores industrias del mundo actual. Mientras tanto\, todo lo que huela a exportable\, es saqueado sin piedad por las multinacionales que se esconden tras fuertes nombres de reputación global. En ese contexto\, Penn rueda su film que narra la relación entre dos médicos que ponen sus cuerpos y profesiones al servicio de los mas desgraciados: las victimas civiles que padecen las consecuencias de estas miserias ejecutadas desde el poder mas alto. En un país de la costa atlántica africana se lucha despiadadamente\, enfermos y heridos no dejan de llegar al campamento de refugiados donde actúan los profesionales. Entre dos de ellos\, una historia de amor paralela a la realidad del lugar. El compromiso social se mezcla con las intenciones particulares y genera otra conflictividad\, bajo la mirada compasiva del director\, quien regresa al lugar que mas le atrae: el de los sentimientos humanos. Una posibilidad como espectadores de reflexionar sobre temas que los grandes medios escamotean a la opinión pública generando la sensación que tales conflictos no existen. Cuando ocurre todo lo contrario: «que brillan por su ausencia». El actor español Javer Bardem y la actriz de origen sudafricano Charlize Theron dan vida a los protagonistas. Dos interpretes que compatibilizan el atractivo físico con un enorme talento actoral. El cineasta comprometido se convierte en maestro de ceremonias de una danza donde se entrecruzan realidades siempre vigentes: el amor\, el odio\, el dolor\, la generosidad\, el compromiso\, la defensa de las personas mas vulnerables\,la infancia…la guerra. El Cine deja testimonio y el espectador decide. La reflexión está casi asegurada. \n«DIRÉ TU NOMBRE» (The Last Face\, 2016) / EE.UU / Director Sean Penn  /Intérpretes Javier Bardem\, Charlize Theron\, Jean Reno\, Mark de Villiers\, Brandon Philipps / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2h 10 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-dire-tu-nombre-2016/
LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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ORGANIZER;CN="UNICEN%2F%20VIVARELLI":MAILTO:alfredovivarelli@gmail.com
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