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SUMMARY:"LA MUJER DEL CURA"
DESCRIPTION:Argentina fue hasta entrado el nuevo milenio uno de los destinos «naturales» para las películas producidas en Italia: las comedias y sus intérpretes\, el género favorito de los espectadores que llenaban salas en todo el territorio. Los cambios que trajo la televisión por cable\, los videoclubs y las plataformas digitales fueron disminuyendo su alcance hasta llegar al presente donde escasas veces podemos encontrar una de ellas. \nDe aquellos tiempos destaca entre los más apreciados\, el dúo de intérpretes formado por Sophia Loren y Marcello Mastroianni\, auténticas leyendas del cine universal. Loren\, a punto de cumplir los noventa años de edad\, ha trabajado hasta 2020 y no parece haber abandonado la carrera. Mastroianni\, muerto en 1996 a los setenta y dos años\, se ha convertido con los años en actor emblemático y presente. Un fenómeno de masas que tendremos ocasión de revisitar con la proyección de «LA MUJER DEL CURA»\, sexta de diez películas que filmaron juntos entre 1954 y 1994 y una de las menos recordadas. Dirigida por el talentoso Dino Risi (autor de clásicos como «Il Sorpasso» o «Los monstruos» )\, la pareja interpreta a Valeria y Don Mario. Ella ha intentado suicidarse al ser abandonada por su novio cuando recibe consuelo y palabra de Don Mario\, apuesto sacerdote. No tardan en enamorarse\, lo que dará inicio a las desventuras ante un entorno social tan escandalizado como podría estarlo cincuenta años más tarde. \nLa película conserva tras los pasos de comedia\, una mirada irreverente sobre la cuestión y pone en debate actitudes tan arcaicas como el celibato\, absurda norma que la iglesia católica perpetua. El cine clásico y la comedia como género guardan la particularidad de registrar temas que atraviesan y han atravesado hábitos y comportamientos humanos\, los que al ser elaborados desde la comicidad facilitan su entrada en la psique de los espectadores. Y los italianos continúan siendo maestros en el tema más allá de la escasa visibilidada de su cine en el presente argentino. \nSophia y Marcello\, reyes absolutos del talento cinematográfico: pocas personas tienen ese privilegio de seguir causando felicidad desde las imágenes. \n«LA MUJER DEL CURA» / LA MOGLIE DEL PRETE / Italia-1970 / Dirección Dino Risi / Intérpretes Sophia Loren y Marcello Mastroianni / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h. 43 minutos.
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LOCATION:CASA RONCO\, Calle San Martín 362\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"EL CAFTÁN AZUL"
DESCRIPTION:¿Qué es un caftán?. Es una prenda de vestir oriunda de la Mesopotamia asiática del Siglo XVI. Desde allí fue expandiéndose hasta el Estrecho de Gibraltar\, donde hoy es Marruecos. Una túnica de origen persa\, amplia\, larga\, sin cuello y con mangas anchas. Atuendo que identifica un buen vivir\, un símbolo de estatus y riqueza\, de algodón\, encajes o telas sintéticas. Y un caftán de color azul es lo que una clienta caprichosa le encarga a Halim\, sastre heredero de una tradición familiar y cultural que va perdiéndose para ser sustituida su producción por impersonales máquinas… \nSu esposa de años\, la incansable Mina le acompaña en el negocio\, en un trabajo que no deja mucho espacio para otras cosas. El cansancio\, también el hastío de una vida común se ve alterado por la llegada del joven Youssef\, quien con su porte y apostura\, su condición de trabajador fiable pero también conocedor de sus derechos\, hará que la pareja y su monotonía vital dé un vuelco completo de 180 grados. La sociedad musulmana y la marroquí en particular son analizadas por la cámara sensible de una joven y prestigiosa cineasta en su segundo y premiado largometraje\, ese otro mundo aún desconocido y distante para nosotros los latinoamericanos es visibilizado por la fuerza del cine\, dando respiro y aires frescos a milenarios hábitos que hace décadas comenzaron a mostrar sus grietas: la sexualidad entre los más estimulantes. \nLa dirección de Maryam Touzani después de su extraordinario debut con «Adam» (vista en nuestra ciudad meses atrás) y la interpretación de una de las grandes estrellas del cine en árabe\, la belga Lubna Azabal\, se combinan para ofrecer un nuevo y memorable largometraje sobre la condición humana y los cambios que el contexto le obligan a transitar. Una hermosa película para disfrutar en el tercer año del ciclo de cine en el Círculo Árabe de Azul. \n«EL CAFTÁN AZUL» / Le bleu du caftan / Marruecos- Francia- 2022 / Direccion Maryam Touzani / Intérpretes Lubna Azabal\, Saleh Bakri\, Ayoub Missioui / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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LOCATION:CÍRCULO ÁRABE DE AZUL\, Bolivar 674\, Azul\, Buenos Aires\, 7300
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SUMMARY:"MISS MARY"
DESCRIPTION:Pocos años después de finalizada la Primera Guerra Mundial (1914-1918)\, llega a Buenos Aires la británica Mary para trabajar como institutriz de los hijos de una familia de la clase dominante argentina. Un largo viaje por mar y luego por tren  por la pampa bonaerense la llevara a su destino: la estancia donde un matrimonio serán sus «patrones»\, aun teniéndola en la condición superior de trabajadores que tenían estos puestos. De esos encuentros laborales y luegos personales\, dentro de un ejercicio de memoria íntima\, una realizadora de cine argentino filma una ficción. \nMaría Luisa Bemberg (1922-1995) está considerada una de las pioneras nacionales en la industria cinematográfica. Habiendo debutado como guionista en 1971 del film de Raul de la Torre «Crónica de una señora» y continuado en 1975 como tal en «Triángulo de cuatro» de Fernando Ayala\, filma su primer largometraje en 1981: «Momentos». Estrenado con buen apoyo crítico y de público\, la trama le sirve a la directora para indagar en el tema del adulterio entre una mujer de cuarenta años y un hombre más joven (Graciela Dufau y Miguel Ángel Sola). En 1982 llegaría su ·»Señora de nadie» (Luisina Brando)\, otro acercamiento feminista\, y con el regreso de la democracia el estreno apoteósico de «Camila» (1984)\, una de las películas más taquilleras de la cinematografía nacional. \n«Miss Mary» no es otra cosa que una ficción inspirada en la propia vida de Bemberg: su pertenencia a una familia de gran poderío económico\, industrial y social la llevó a ser ella misma educada bajo la admirada disciplina británica que tantas mujeres ejercieron como educadoras para hijas e hijos de las clases altas argentinas. Ese mundo de la infancia dará lugar en el film al otro de la primera juventud y la señorita Mary será figura fundamental en crianza de las dos hermanos y el hermano (personaje clave) que influirá tanto en ella como los adultos que la rodean\, más el descubrimiento del mundo político y su influencia dentro y finalmente fuera de la mansión\, un mundo tan cerrado como factible de ser atravesado por el devenir histórico. El film termina cuando comienza un ciclo histórico argentino: octubre de 1945. \nPara el rol principal\, la artista deseaba la participación de una actriz de origen británico y de repercusión internacional: elegida fue la legendaria y deslumbrante Julie Christie (1941)\, protagonista de «Darling» (Oscar 1965 a la Mejor Actriz)\, «Doctor Zhivago (su Lara perdura como uno de los personajes icónicos de la historia del cine)\, «El mensajero del amor» (1971)\, «Venecia rojo shocking» (1973)\, «Shampoo» (1975) o «Lejos de ella» (2006)\, que se cuentan entre sus más galardonados y famosos personajes para el cine. Su colaboración en esta película\, la única realizada en Argentina\, es otro de sus grandes logros. Nacha Guevara (1940)\,  en su mejor actuación en cine\, y Luisina Brando\, gran actriz que trabajó en tres ocasiones con Bemberg iluminan un mundo de personajes femeninos en continuo conflicto con los hombres que las rodean y abusan de su poderío. El gran psiquiatra\, psicoanalista\, dramaturgo y ocasional actor Eduardo Pavlovsky (1933-2015) representa al patriarca de todas ellas. Una obra a recuperar. \n«MISS MARY» / Argentina-1986 / Dirección Maria Luisa Bemberg / Intérpretes Julie Christie\, Nacha Guevara\, Luisina Brando\, Iris Marga\, Eduardo Pavlovsky\, Guillermo Battaglia\, Gerardo Romano\, Nora Zuski / Color / Versión original / Duración 1h.40 minutos.
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LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"TENGO ALGO QUE DECIRLES"
DESCRIPTION:El director de cine Ferzan Ozpetek nació en 1959 en Estambul\, Turquía y realizó su debut con una producción italiana en el año 1997: «Haman-El baño turco» que alcanzó enorme difusión global\, incluida la Argentina de la época\, cuando los estrenos de la península aun llegaban con cierta frecuencia. Desde entonces hasta el presente (su último film «Nuovo Olimpo» (2023) ha sido financiado por Netflix) ha rodado 14 largometrajes con gran aceptación del público. Es uno de los cineastas más populares y prestigiosos de la Italia de las últimas dos décadas. Entre sus éxitos destacan «El hada ignorante» (2001)\, «La ventana de enfrente» (2003) y la película que nos ocupa. \nLa trama del film nos lleva a Tomasso que regresa a su casa familiar en «el taco de la bota italiana»\, la bellísima región de Apulia y su ciudad Lecce. Su familia\, prósperos empresarios de la fabricación de pasta conservan los valores más tradicionales y conservadores: el padre\, típico patriarca sureño lidera una familia no tan feliz como intenta dibujar. Una ciudad donde todos parecen estar en la galería\, observando y siendo observados por los otros. Y el joven que ha emigrado al norte para hacer su vida llega con una noticia que dar. Cuando todo está previsto para hacerlo\, otra verdad también ocultada por un hermano\, generará un verdadero terremoto familiar. \nSiguiendo la estela clásica de la «comedia all’italiana»\, maravilloso género de una de las grandes cinematografías del mudo\, pero aggiornando a su vez\, el cineasta Ozpetek nos brinda un fresco moderno sobre una de las instituciones básicas del mundo en general y del latino en particular con parecidos más que evidentes a los de nuestra realidad argentina. Con sus personajes múltiples que sirven de contexto a los protagonistas\, la historia familiar viaja entre un pasado que se definirá al final de la trama y un presente donde donde todos parecen tener algo que ocultar y poco deseo de seguir haciéndolo. \nUna película que a través del humor se adentra en territorios nada risueños\, perpetuados por antiguos mandatos\, que a pesar de las heridas se niega a morir. Pero nada ni nadie es eterno\,viene a decirnos el cineasta. Un película de gran repercusión\, ganadora de varios premios. \n«TENGO ALGO QUE DECIRLES» / MINE VAGANTI / Italia-2008 / Dirección Ferzan Ozpetek / Intérpretes Riccardo Scamarcio\, Nicole Grimaudo\, Alessandro Preziosi\, Ilaria Occhini / Color / Versión original con subtítulos / Duración 1hs.45 minutos
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LOCATION:Asociación Italiana de Tapalque\, Avenida San Martín 52
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SUMMARY:"MI MADRE"
DESCRIPTION:El cineasta Nanni Moretti (1953) inició su carrera cinematográfica en 1976 y tras siete películas muy reconocidas en Italia\, alcanzó popularidad internacional con su obra «Caro Diario» (1990)\, un trabajo muy personal donde con su moto Vespa recorría la ciudad de Roma mientras relataba su mirada y construía acciones semi-documentales que atraparon primero al Festival de Cannes y desde alli a audiencias globales. Volvió en ocasiones a utilizar este formato además de construir ficciones donde habitualmente protagonizó personajes (en los inicios fue actor). En el presente su nombre continúa destacando entre los mejores cineastas peninsulares y sus películas están entre los retrato más lúcidos de su país\, al que no puede dejar de observar absorto ante los cambios de décadas. El presente italiano con un gobierno ultraderechista seguirá alimentando su extraordinaria capacidad de observación que\, seguramente alimentará futuros títulos ( hace semanas se ha estrenado su último trabajo\, otra vez en Cannes\, «El sol del futuro» ). Un cineasta abiertamente político en el mejor sentido de los grandes y comprometidos artistas. \n«Mi madre» aborda la relación de dos hermanos adultos: una directora de cine (alter ego del propio Moretti) y un educador en crisis por el ejercicio de su profesión en un mundo en el que se desvanecen los rasgos más humanos. El amor\, el respeto\, la confianza\, les unen. También la realidad de la enfermedad de la madre de ambos\, una mujer de enorme personalidad que se enfrenta al envejecimiento y a la enfermedad. Ella será el eje de reunión entre los hijos\, absortos cada cual en sus problemáticas. Moretti nos muestra tanto el mundo real del rodaje de una película como la crisis de identidad que la propia creadora enfrenta en un mundo atravesado por su privacidad y su trabajo. La irrupción de un cuarto personaje\, un decadente astro del cine norteamericano que protagoniza su película servirá como contrapunto para que se profundicen las cuestiones que acercan y también distancian a los hermanos. \nMoretti es un cineasta dotado de una enorme sutileza para enfrentar estas temáticas y su cine es un compendio de la historia romana de las últimas décadas. Un trabajo anterior\, «La habitación del hijo»\, guarda grandes similitudes con esta obra donde la intimidad familiar y su influencia en la vida adulta se convierten en exponente del mejor cine humanista\, tan necesario en un mundo que parece abrazar cada dia mas el puro entretenimiento ante una sociedad en completo estado de descomposición. \nEl arte sobrevive y la cultura sigue construyéndose con creadores así. Por suerte… \n«MI MADRE» / MIA MADRE / Italia-2015 / Dirección y guión Nanni Moretti / Intérpretes Margherita Buy\, John Turturro\, Nanni Moretti\, Giulia Lazzarini / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1hs.46 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"CAMILA"
DESCRIPTION:Camila O’Gorman nació en 1825 y fue fusilada junto a su amante clandestino Ladislao Gutierrez en 1848. Bajo el segundo gobierno de Juan Manuel de Rosas (1835-1852)\, el romance entre la joven aristócrata argentina y el religioso fue un suceso destacado entre decenas de hechos sangrientos por motivos políticos que atravesaban el país. Mas allá de lo histórico\, la cuestión derivó al territorio de lo mítico o novelesco por los ingredientes de la propia historia: pasión\, riqueza\, religión\, erotismo\, muerte. En 1910 sirvió como telón de fondo de una de las primeras ficciones argentinas: «Camila O’Gorman» dirigida por el pionero Mario Gallo e interpretada por la legendaria actriz Blanca Podestá. En los años cincuenta estuvo detrás de un proyecto no realizado para Zully Moreno\, en 1968 (estrenada en 1971) fue uno de los dos episodios que conformaban el largometraje «El Destino» de Juan Battle Planas (h) e interpretado por Julia Elena Dávalos (mal tratada por crítica y público) hasta desembocar en 1984 en la realización de la directora Maria Luisa Bemberg y convertirse en una de las películas más taquilleras y famosas del cine argentino. \nEstrenada el 17 de mayo de 1984 con el regreso de la Democracia tras la dictadura (1976-1983)\, el tercer largometraje de Bemberg se convirtió rápidamente en fenómeno y la nominación al Oscar el verano de 1985 abrió mercados extranjeros hasta convertirla en una de películas más taquilleras de la historia nacional (2.500.000 espectadores). Un año de recuperación de libertades traducidas en títulos como «Gracias por el fuego» de Sergio Renán\, «Los hijos de Fierro» de Pino Solanas\, «Pasajeros de una pesadilla» de Fernando Ayala\, «Noches sin lunas ni soles» de Martinez Suarez\, «Los chicos de la guerra» de Kamin\, «Darse cuenta» de Alejandro Doria\, «Cuarteles de invierno» de Lautaro Murua y «Asesinato en el senado de la nación» de Jusid\, ocho títulos fundamentales del contexto\, grupo del que «Camila» fue la gran triunfadora. \nLos intérpretes principales:la coproducción con España permitió el protagonismo de un actor novel de aquel país\, Imanol Arias (1956) que se convertiría en nombre importante hasta el presente. Susu Pecoraro (1953) había realizado muy pocas películas hasta entonces y este fue su primer protagónico. Hector Alterio (1929) llevaba una década exiliado y luego radicado en España\, había regresado de las listas negras tras seis años de prohibición con tres rodajes desde 1980. Elena Tasisto (1948-2013)\, memorable actriz del teatro y la televisión tuvo escasa suerte en la pantalla grande con solo seis películas en su haber. Mona Maris (1903-1991) realizó su segundo y último trabajo en la industria nacional tras una carrera muy activa en Europa y Estados Unidos entre 1925 y 1950 cuando rodó decenas de películas\, incluida la ya mítica obra de Carlos Gardel «Cuesta abajo» (1934). \nLa realizadora: Maria Luisa Bemberg (1922-1995) escribió dos guiones para otros realizadores (Crónica de una señora»(1971) de Raul de la Torre y «Triángulo de cuatro» (1975) de Fernando Ayala) antes de realizar un corto y seis largometrajes entre 1978 y 1993. «Camila» fue su suceso mas rotundo pero igualmente aceptados fueron sus otros cinco trabajos: «Momentos» (1981)\, «Señora de nadie» (1982)\, «Miss Mary» (1986)\, «Yo\, la peor de todas» (1990) y «De eso no se habla» (1993). Murió a los 73 años dejando un proyecto inconcluso que fue llevado al cine poco después: » El impostor» (1997) por Alejandro Maci. Fue la tercera mujer que dirigió largometrajes en Argentina trás Vlasta Lah y María Herminia Avellaneda. La mas internacional hasta la llegada de Lucrecia Martel y fuerte referente de decenas que llegan hasta el presente. Su mirada centrada en las cuestiones femeninas menos  trabajadas por sus contemporáneos hombres sigue iluminando el camino de un cine realizado por mujeres y que en Argentina como en el resto del mundo se ha normalizado en los últimos cuarenta años\, año tras año. \n\nCitas sobre el tema histórico:\n\n”Ninguna persona me aconsejó la ejecución del cura Gutiérrez y Camila O’Gorman\, ni persona alguna me habló ni escribió en su favor. Por el contrario\, todas las personas primeras del clérigo me hablaron o escribieron sobre ese atrevido crimen\, y la urgente necesidad de un ejemplar castigo para prevenir otros escándalos semejantes o parecidos. Yo creía lo mismo. Y siendo mía la responsabilidad\, ordené la ejecución…»\n\n\nJuan Manuel de Rosas.\n\n\n«..ha llegado al extremo la horrible corrupción de costumbres bajo la tiranía espantosa del Calígula del Plata que los impíos y sacrílegos sacerdotes de Buenos Aires huyen con las niñas de la mejor sociedad\, sin que el sátrapa infame adopte medida alguna contra esas monstruosas [sic] inmoralidades. \n\n\nDomingo Faustino Sarmiento\n\n«…fue un asesinato vulgar\, sin proceso\, juicio\, defensa ni audiencia…»\nMartín Ruiz Moreno.\n\n\n«CAMILA» / Argentina-España-1984 / Dirección Maria Luisa Bemberg / Producción Lita Stantic / Intérpretes Susu Pecoraro\, Imanol Arias\, Hector Alterio\, Elena Tasisto\, Mona Maris\, Hector Pellegrini / Color /Versión original con subtítulos / Duración 1h.47 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/camila/
LOCATION:Museo Enrique Squirru\, Bartolomé J.Ronco Nº 654\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"LA JUVENTUD" / "YOUTH" .
DESCRIPTION:En el año 2013 una película italiana logró enorme suceso internacional y puso el nombre de su director en la órbita de los más modernos del cine occidental: Paolo Sorrentino\, nacido en Napoli en 1970. Era su sexto largo después de varios logros en su tierra natal donde ya estaba confirmado como uno de los principales de la industria\, para la que también realizó videos musicales\, series\, películas para la televisión y algunos cortos. «La gran belleza» triunfó en Cannes y derivó en comparaciones con el clásico de Federico Fellini «La Dolce Vita» (1959)\, ya que ambas tenían como protagonistas a los hábitos y costumbres de la intelectualidad y la alta burguesía romana. Su obra siguiente le posibilitó experimentar en una coproducción europea y contar con un elenco de cuatro figuras consagradas de lengua inglesa. Sin embargo y a pesar de su calidad\, no tuvo el suceso de la anterior. Lo que no le resta méritos. \nFilmada en la localidad de Davos\, en los Alpes suizos y en un hotel de alta categoría ( el Park Hotel Waldhaus de ese lugar)\, el cineasta vuelve a aplicar su mirada sobre la vida de unos personajes de extrema riqueza: Fred\, aclamado director de orquesta a quien visita su hija Lena para hablar de una invitación de la mismísima reina de Inglaterra para actuar en un festejo\, su amigo Mick\, director de cine (también prestigioso) visitado por una envejecida estrella del cine\, la inquietante Brenda. La trama creada entre los personajes es ocasión de un análisis en género de comedia sarcástica donde el drama (en la mejor tradición italiana) guarda sus cartas. El paso del tiempo\, las cualidades artísticas que cimentaron famas y carreras\, el dinero logrado y que los ha elevado a esta pequeña pero poderosa categoría dentro de la escala social que atraviesa a las personas\, son temáticas trabajadas por Sorrentino con gran dominio del lenguaje cinematográfico. \nSu reparto internacional con Caine y Keitel\, la arrolladora presencia de Weisz\, una de las pocas grandes estrellas del cine actual y enorme actriz\, más la aparición breve y fundamental  de la legendaria Fonda\, forman junto al paisaje\, la música\, la evocación de Venecia y su legado artístico\, un escenario para el disfrute y la reflexión. Un cine de calidad. \n  «LA JUVENTUD» / YOUTH / Italia-Suiza-Francia-Reino Unido- 2015 / Dirección Paolo Sorrentino / Intérpretes Michael Caine\, Harvey Keitel\,Rachel Weisz\, Jane Fonda / Versión original con subtítulos / Color / Duración 2hs.
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SUMMARY:"CAFARNAÚM"
DESCRIPTION:El título de esta pelicula refiere a una milenaria ciudad a orillas del Mar de Galilea\, hoy territorio israelí y que aparece en las antiguas escrituras bíblicas: fue el sitio hacia el que se dirigió Jesús para predicar tras la caída de Juan el Bautista. De origen hebreo significa  literalmente «pueblo de «Nahum» y también puede traducirse como la «tierra del confort». Habría que consultar a su autora Labaki por qué lo eligió. Después de ver el film pueden aparecer algunas respuestas\, algunas de ellas ir por el lado del humor sarcástico\, finamentente irónico. \nPorque si algo se descubre en el film es lo poco que de confortable tienen estos barrios de Beirut\,capital del Líbano (tierra natal de la realizadora) donde transcurre la fascinante historia de un niño de 12 años que nos muestra un rasgo actual básicamente silenciado por los grandes medios de comunicación global: las condiciones en las viven millones de seres humanos sobre la tierra. \nEl cine con letras mayúsculas vuelve otra vez a cumplir esa función de divulgación a través de la mirada artística. Labaki ( Líbano\,18-02-1974) es una actriz\, escritora\, productora y realizadora de cortos y tres largometrajes hasta el momento\, reciente componente del Jurado del Festival de Cannes 2024\, donde fue galardonada en 2018 por este trabajo con el Gran Premio del Jurado. Las vivencias de Zain y sus conflictos con los padres\, de quienes huye y finalmente acusará ante la justicia\, nos muestran una serie de personajes que transmiten vitalidad y autenticidad en una película de ficción que bebe por momentos de lo documental (el propio niño protagonista viene de la selección de un cast entre desconocidos no actores). El Círculo Árabe de Azul prosigue con sus propuestas de acercar la cultura de los antepasados inmigrantes a través de la comida\, la danza\, la música y el cine\, que conjuga todas las antes citadas. Los esperamos. \n«CAFARNAÚM» /Líbano-Qatar-Francia-2018 / Dirección Nadine Labaki/ Intérpretes Zain Al Raffaea\, Yordanos Shiferaw\, Boluwatife Treasere Bankole / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 2hs.
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SUMMARY:"TRISTANA"
DESCRIPTION:Tristana visita una iglesia y se acerca fascinada y curiosa a los labios de una escultura. Un beso detenido\, una más de las fantasías de Buñuel (19001983) que remiten a su querido surrealismo. Fue la tercera vez que el aragonés regresaba al mundo de Benito Perez Galdós (1843-1929)  para inventar otra película: después de «Nazarín» y «Viridiana»\, la ficción publicada en 1892 fue su último regreso cinematográfico a España. Se había marchado como consecuencia del desembarco fascista\, salvaje y retrógrado de Franco y la guerra civil que destrozó la convivencia entre ciudadanos. Su periplo exterior pasó por Francia\, EE.UU. y finalmente México\, donde acabó su vida.Uno de los pocos genios verdaderos de la Historia del Cine\, Buñuel consigue con este film de 1970 rendir cuentas con su pasado y homenajear lo mejor de su país:la literatura y la belleza de una ciudad amada\, Toledo\, fueron su legado en el lenguaje cinematográfico. \nProtagonista absoluto de la Vanguardia artística de finales de la década de 1920 de la mano de su ex amigo Salvador Dalí («Un perro andaluz» (1929) y «La edad de oro» (1930))\, filmó entrada la siguiente y sangrienta época\, «Las Hurdes/ Tierra sin pan» (1933) en tierras de Extremadura e inició un obligado paréntesis de trece años cuando dirigió a nuestra Libertad Lamarque en «Gran Casino» (1946) en su segunda tierra adoptiva\, México. Filmó mucho hasta mediados de los sesenta y los franceses lo recuperaron para otra Vanguardia: la paralela a la Nouvelle Vague (y más perdurable): permanente y escasa de los grandes artistas: Fellini\, Bergman\, Kurosawa\, Pasolini\, Resnais\, Polanski\, Wajda\, Tarkovski\, quienes dejaron huella de ese tiempo\, sencillamente olvidado para el público actual\, solo interesado en el permanente e inocuo entretenimiento de las alienantes ( y «alineantes» ideológicamente ) plataformas digitales y (nefastas) redes sociales. \nTrasladó el mundo galdeano desde Madrid a la vecina (70 kms.) Toledo y la convirtió en verdadera protagonista recreando las variedades de ocres que definen su paisaje. Las relaciones entre el mujeriego\, mentiroso arruinado y clasista Don Lope con la joven sobrina Tristana bajo la siempre presente complicidad de la sirvienta Saturna\, será puesta bajo la maravillosa y siempre deformante lupa de Buñuel. Luego aparecerá el artista Horacio para generar un triángulo que\, como es esperable\, romperá todas las convenciones. Catherine Deneuve regresó por segunda y última vez al universo buñueliano\, su arte y presencia definió a esta mujer española\, libre y transgresora como la más moderna de las francesas. El fiel Fernando Rey\, la enorme Lola Gaos y el hermoso Franco Nero completaron el elenco de esta deslumbrante obra de arte que ofreceremos al ávido espectador de nuestra ciudad. \n«TRISTANA» / España-Italia-Francia-1970 / Dirección Luis Buñuel / Versión libre de obra de Benito Pérez Galdós / Intérpretes Catherine Deneuve\, Fernando Rey\, Franco Nero\, Lola Gaos / Versión original española sin subtítulos / Color / Duración 1h.40 minutos
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SUMMARY:"EL DÍA MAS BELLO DE MI VIDA"
DESCRIPTION:El cine italiano encuentra en el núcleo familiar una temática casi permanente para generar películas. Los últimos veinte años han resultado especialmente prolíficos al respecto\, y la realizadora Cristina Comencini (1956) realizó junto a la actriz Virna Lisi (1936-2014) tres films abordando la cuestión. Este fue su segundo trabajo conjunto y nos cuenta una historia desde el punto de vista de Chiara que está por celebrar su primera comunión: su abuela\, sus padres y sus tíos caerán bajo la mirada de la niña en un ir y venir en el tiempo en el que descubrirá secretos y muchos engaños…la familia\, decididamente\, no es el territorio idílico que los adultos intentan contarle. \nSobre la protagonista: \nVirna Lisi fue una de las grandes estrellas de Italia de todos los tiempos. Iniciada en su juventud\, la carrera de la actriz abarcó  cinco décadas y filmó más de 100 películas entre su país\, EE.UU.y Francia: «Eva» (1962)\, «El Tulipán Negro» (1964)\,»Como asesinar a su esposa» (1965)\, «Casanova 70» (1965)\, «Una virgen para el príncipe» (1965)\, «Asalto al Queen Mary» (1966) y «La Hora 25» (1967) se cuentan entre sus sucesos de los años sesenta cuando su belleza extraordinaria le permitió una carrera internacional.  Las décadas siguientes las repartió entre el cine y la televisión hasta llegar al final de su vida convertida en una de las grandes damas del espectáculo italiano. La dirigieron maestros italianos ( Maselli\, Monicelli\, Risi\, Loy\, Germi\, Zampa\, Bolognini\, Lizzani\, Cavanni\, Lattuada\, Amelio) y extranjeros ( Losey\, Quine\, Kramer\, Dmytryk) y actuó con grandes figuras ( Jeanne Moreau\, Delon\, Mastroianni\, Lemmon\, Gassman\, Sinatra\, Manfredi\, Irene Papas\, Anna Magnani\, Quinn\, Bogarde\, Fonda\, Brynner\, Nero\, Aznavour\, Burton). Junto a Monica Vitti\, dos rubias entre morochas italianas: Loren\, Cardinale\, Lollobrigida\, Muti\, Magnani\, Mangano… \n«EL DÍA MÁS BELLO DE MI VIDA»/ IL PIÚ BEL GIORNO DELLA MIA VITA/ Italia-2002 / Dirección Cristina Comencini / Intérpretes Virna Lisi\, Marguerita Buy\, Luigi Lo Cascio\, Sandra Ceccarelli\, Jean Hugues Anglade\, Ricky Tognazzi\, Maria Luisa de Crescenzo /Color / Versión original con subtítulos / Duración 1h.40 minutos.
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SUMMARY:"EL ÍDOLO"
DESCRIPTION:«EL ÍDOLO» / YA TAYR EL TAYER / Palestina-Qatar- Egipto-Emiratos Árabes Unidos-Países Bajos-Reino Unido-2015/ Dirección: Hany Abu-Assad / Intérpretes Tawfeek Barhom\, Qais Attaallah\, Hiba Attaallah\, Nadine Labaki / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.40 minutos / Sinopsis: la película se basa en un hecho real ocurrido en 2013: el concurso televisivo «Arab Idol» emitido desde la televisión egipcia\, líder en el mundo árabe\, consagra como ganador al palestino Mohammed Assaf\, el primero de su pueblo. El cineasta Hany Abu-Assad\, uno de los grandes cineastas de Medio Oriente realiza su décimo largometraje basándose en este acontecimiento mediático que tuvo una respuesta increíble entre la población palestina. Narra su vida desde la infancia como cantor en eventos sociales hasta su consagración en El Cairo en el entorno de la franja de Gaza y fue filmada en la clandestinidad en muchos momentos.
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SUMMARY:"PEDRO ALMODOVAR Y TRES DE SUS FILMS BREVES"
DESCRIPTION:El mes de mayo el cine de los Jueves en el Museo López Claro abordará el cine español a través de sus dos personalidades más internacionales: Luis Buñuel\, figura clave del arte del Siglo XX desde sus trabajos surrealistas en los años veinte franceses hasta su muerte\, después de rodar decenas de películas y muy pocas en su tierra natal\,  y Pedro Almodovar\, cineasta posmoderno de enorme influencia desde su debut en 1980 tras años de filmar cortos\, hasta la actualidad. Los dos simbolizan lo más transgresor de la cultura española y por eso tendrán su espacio en un espacio de Arte como el nuestro.\n\n«PEDRO ALMODOVAR Y SUS TRABAJOS BREVES»: se proyectarán tres de sus cuatro películas «cortas» que se intercalan con sus largometrajes\, y fueron estrenadas en 1985\, 2020 y 2023\, sumando las tres menos de 90 minutos de duración y que sirven para complementar la filmografía de un cineasta reconocido internacionalmente por sus largometrajes.\n\n1º: «TRAILER PARA AMANTES DE LO PROHIBIDO» (1985) con Josele Roman\, Angel Alcazar\, Bibi Andersen\, Sonia Hohmann / Color / Duración 17 minutos / Sinopsis: una mujer es abandonada por su esposo. Su drama es contado en el sentido más irreverente donde los boleros\, el pop y el melódico complementan a los diálogos entre ambientes interiores y exteriores de Madrid.\n2º: «LA VOZ HUMANA» (2020) con Tilda Swinton / Color / Con subtitulado / Duración 30 minutos / Sinopsis: el monólogo clásico del dramaturgo y cineasta Jean Cocteau es retomado por Almodovar y adaptado a un entorno de enorme sofisticación e interpretado por la musa del cine independiente y artístico europeo\, la británica Tilda Swinton: una mujer espera ansiosamente el llamado de su amante sabiendo que será abandonada. El decorado\, los colores\, una estética compitiendo a la par de la narrativa.\n3º: «EXTRAÑA FORMA DE VIDA» (2023) con Ethan Hawke y Pedro Pascal / Color / Con subtitulado / Sinopsis: una historia ambientada en el pasado norteamericano donde dos hombres se reencuentran después de décadas de estar distanciados. Una reflexión sobre el paso del tiempo y las relaciones clandestinas\,sirven de marco para el primer trabajo realizado totalmente en otra lengua por el cineasta español.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/pedro-almodovar-y-tres-de-sus-films-breves/
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SUMMARY:"PRISCILLA"
DESCRIPTION:Biopic es el término inglés usado en todas (o casi) las lenguas para definir las películas que se inspiran en vidas de personajes famosos. Esta época vive un auge especial del género\, potenciado por la posibilidad que las plataformas digitales ofrecen de realizar series sobre muchos de ellos: en Argentina las vidas\, partes o interpretaciones ficcionales (o todo junto) sobre Monzón\, Bonavena\, Maradona\, Sandro entre otros son ejemplo presente. También existió desde casi siempre en el cine y la televisión. Una de las expresiones recientes se enfoca en la relación que Elvis Presley (1935-1977) mantuvo con su única esposa. Y está producida e inspirada en la autobiografía de la propia Priscilla Beaulieu (1945). \nLa directora norteamericana (hija de Francis Ford Coppola) Sofía Coppola (1971) debutó en la dirección en 1999 con «Las vírgenes suicidas» que recibió un gran apoyo crítico y menos taquillero\, donde el talento de la joven mujer quedó expresado en un control poco usual en un debutante. «Priscilla» es su octavo largometraje y fue estrenado meses atrás en un tiempo donde las películas para la pantalla grande gozan de una importancia de difusión mucho menor que la del cine hogareño. «Lost in Traslation» (2003) fue el segundo y consagratorio título y «Maria Antonieta» (2006) la ubicó en la primera línea de mujeres cineastas que alrededor del mundo han ganado visibilidad\, uno de los grandes logros de la cinematografía de los últimos 25 años. También en Argentina se produjo el avance. \nLa trama recorre el tiempo que va desde que los personajes se conocen en Alemania a finales de los años cincuenta cuando ella es una adolescente de 13 años y él un soldado de 23 haciendo el servicio militar obligatorio siendo ya una figura consagrada del espectáculo hasta la separación de la pareja a principio de los años setenta y la cineasta sigue meticulosamente las particularidades de una joven en plena transformación a la vez que nos ofrece una mirada íntima\, diferente\, desconocida casi (para quienes no hemos leído el libro ni seguido los pormenores en la web) de la persona: la relación y reacción con los padres ante el suceso desafiante\, la sexualidad\, los caprichos de una estrella\, el derroche de dinero y la construcción de un mundo privado e inaccesible de un hombre marcado por cuestiones psíquicas que marcarán el devenir de la relación. Coppola escapa de la mirada cómoda y complaciente y toma partido por la mirada de la mujer. La película también propone al espectador la reflexión sobre la verosimilitud de lo expuesto al tener a la propia protagonista como productora de la película y los límites de una cineasta ante el reto. El resultado es una pieza original\, minimalista y personal que sigue la línea marcada por Coppola desde el inicio de su carrera\, que ya alcanza este 2024 el cuarto de siglo\, y el interrogante de la propia pervivencia del cine no ya como fenómeno de masas sino como lenguaje propio ante los desafíos del presente. Un mundo\, como el de Priscilla\, en continuo y vertiginoso cambio. La obra de arte como meta. Los propósitos y los resultados. El debate está abierto. \n«PRISCILLA» / EE.UU.-2023 / Dirección Sofía Coppola / Intérpretes Cailee Spaeney\, Jacob Elordi / Color / Versión original con subtitulado / Duración 1h.53 minutos. \n 
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SUMMARY:"ADAM"
DESCRIPTION:«ADAM» / ídem / Marruecos-Qatar- Bélgica-Francia-2019/ Dirección Maryam Touzani / Intérpretes Lubna Azabal\, Nisrin Erradi\, Aziz Hattab / Color / Versión en árabe con subtítulos en castellano / Duración 1h 38 minutos / Sinopsis: En la ciudad marroquí de Casablanca viven Abla y su hija Warda de 8 años y subsisten dignamente con una pequeña panadería artesanal. A partir del arribo de Samia\,una joven embarazada del interior del país que llega buscando trabajo\, la vida apacible y rígida de Abla se verá modificada. Esta película fue estrenada con enorme éxito en el Festival de Cine de Cannes\, Francia y a partir de allí cosechó premios y público tanto en los países de habla árabe como en diferentes de Occidente. La realizadora debutó con este largometraje y ya ha estrenado con similar aceptación el segundo. La voz de las artistas árabes en cine continúa en ascenso. Una obra de extraordinaria calidad humana. \nMarruecos es un país árabe pero también un fuerte aliado de Occidente. Su situación estratégica (extremo de Äfrica y separada apenas por unos kilómetros por el Estrecho de Gibraltar de Europa) también ha favorecido el uso de su geografía para la filmación de films extranjeros desde 1897\, cuando el propio Louis Lumiere viajó a rodar un corto. Hasta 1944 continuó esta práctica que encontraba el exotismo de Oriente en sus paisajes a muy bajo costo. En ese año se fundó el Centro Cinematográfico Marroquí (un órgano regulador del cine) y en 1958 se filmó la primera película de esta nacionalidad. Las décadas del 70 y del 90 fueron especialmente prolíficas y en la actualidad se filman un promedio de veinte títulos anuales. Pero el verdadero suceso del país radica en la cantidad de películas de EE.UU. que se filman en la región sureña de la cordillera del Atlas donde la ciudad de Ouarzazate se ha convertido en la gran sucursal de Hollywood en Oriente: desde el rodaje de Alfred Hitchcock a finales de los años 50 («El hombre que sabía demasiado») hasta el boom que inició «Lawrence de Arabia» en 1961\, el mayor de «Gladiador» a finales del milenio hasta el presente. Una región que se ha convertido en uno de los principales centro cinematográficos del hemisferio norte y dividida en dos ofertas: la territorial como fuerte industria comercial para el capital extranjero y la minoritaria de un cine nacional que raramente se ve fuera de sus propias fronteras y los países vecinos de habla árabe. «Adam» es un fiel exponente de esta segunda y más rica opción. \nEl precio de tener una monarquía tan férrea y estricta sobre la población como ligada a Occidente. Citar que ni «Marruecos» (1930 ) ni «Casablanca» (1942)\, dos clásicos del cine cuyas acciones transcurren alli\, fueron filmadas en el territorio. La magia del cine y la manipulación de sus grandes hacedores.
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SUMMARY:"GOLPE DE SUERTE"
DESCRIPTION:«GOLPE DE SUERTE» (COUP DE CHANCE) / Francia-2023 / Dirección Woody Allen / Intérpretes Lou de Laáge\, Niels Schneider\, Melvin Poupaud y Valérie Lemercier / Versión original con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h.33 minutos/ Sinopsis: en la Francia presente y en el mundo de las altas finanzas transcurre el matrimonio de una pareja adinerada\, tan poderosa como secreta la forma en que amasó su fortuna. La mujer\, muy joven\, reencuentra casualmente a un compañero de la adolescencia\, en las antípodas de su marido. Un mundo de sensaciones reprimidas para ella\, de celos enfermizos para un sujeto desconocedor de la palabra perder y la madre de ella como cuarto elemento de un núcleo a punto de explotar. Un análisis tan sutil como revelador del estado presente del verdadero Poder. Una hermosa película de uno de los mayores cineastas del último medio siglo. \nWoody Allen (1935) es uno de los guionistas y directores de cine mas importante del último medio siglo de la televisión y cine norteamericanos\, incursionando también en el teatro y la literatura. Arrastrado por las controversias que han afectado su vida privada desde hace treinta años (y en particular en la última década)\, el artista ha encontrado financiamiento económico para sus proyectos en Europa una vez cerradas todas las vías en su propia tierra\, en otro caso de enorme hipocresía más allá de cuestiones que solo la Justicia debe resolver. Su película número 50 lo encuentra en una producción totalmente francesa\, hablada en esa lengua\, por primera vez en su carrera. Aparte de las ocasiones en las que salió de su Nueva York casi excluyente\, un reto para una persona de 88 años de edad a la hora de estrenar este título en el último Festival de Cine de Venecia 2023. Recién en estos días y en solo 13 salas ha podido hacerlo en USA. \nEn esta ocasión Allen recupera el territorio del drama y el crimen como lo hiciera antes en varios títulos de su última etapa para diseccionar el alto mundo de las finanzas y los seres que navegan en sus aguas siempre densas a pesar de las transparencias con las que intentan bañarlas. Un hombre extremadamente rico\, viene a plantearnos\, es alguien que no conoce fronteras a su poder\, y cuando se vislumbran\, cualquier recurso puede resultar posible para romperlas. La impunidad de un sistema diseñado para ellos les habilita en pleno Siglo XXI a seguir funcionando como desde otros lugares lo hicieron los faraones egipcios cinco mil años atrás. El toque humorístico cáustico\, inteligente\, brillante en su discurso\, define la autoría de uno de los mayores creadores de la Historia del Cine. Su aceptación o no\, como siempre\, dependerá de la mirada del espectador. La oferta está hecha: el cine\, como arma de resistencia sigue vigente\, aunque deba esconderse en espacios más pequeños para perpetuar la lucha. De eso\, en el fondo\, trató siempre la fuerza de la cultura y el arte. Tan necesaria hoy como siempre en tiempos oscuros de la humanidad.
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SUMMARY:"MATRIMONIO A LA ITALIANA"
DESCRIPTION:En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial gran parte de Italia se encuentra en ruinas. En ese contexto\, Filomena una joven prostituta de 17 años conoce en un burdel a Domenico\, de buena posición económica. De ese tiempo surgirá una relación más allá de la puramente sexual: a lo largo de los años ella colaborará en diferentes emprendimientos comerciales de él pero también la frecuencia de sus encuentros le posibilitará esconder tres embarazos y tres nacimientos de hijos varones. Un secreto que se romperá décadas más tarde cuando Filomena\, harta de la situación\, le confesará la verdad… pero que solo uno de los tres es su hijo. Esta historia está en la base de la obra teatral «Filumena Marturano» estrenada en 1946 en Italia y que dio trascendencia internacional a su autor Eduardo de Filippo (1900-1984). Fue y sigue siendo representada en varios países y lenguas. En Argentina se adaptó por primera vez al cine en 1950 con Tita Merello dando vida a la protagonista\, y al año siguiente el propio dramaturgo la llevó a la pantalla en su país\, protagonizada por su hermana Titina\, de quien inspiró su dramaturgia. Esta versión de Vittorio de Sica (1901-1974)\, maestro del Neorrealismo resultó ser la más popular en términos internacionales y obtuvo nominaciones al Oscar y Golden Globes en la entrega de 1965\, así como el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Moscú y cuatro David de Donatello\, el trofeo más importante de Italia. \nEn parte\, el éxito se debió a su pareja protagónica\, quienes entre 1954 y 1994 trabajaron juntos en 12 películas a lo largo de 4 décadas\, formando una de las duplas más populares de la historia del cine: Sophia Loren (1934) y Marcello Mastroianni (1924.1996) son ya parte del territorio «mítico» de las estrellas de cine\, categoría un paso adelante de la propia de intérpretes\, actores\, actrices. Sus títulos más recordados son «Ayer\, hoy y mañana» (1963)\, «Los girasoles de Rusia» (1969)\, «La mujer del cura» (1970)\, «Una jornada muy particular»(1976)\, «Amor\, muerte\, tarantela y vino» (1977)\, auténticas delicias en diferentes gamas de su poder de convocatoria y «Matrimonio a la Italiana» (1964)\, comedia romántica en su máxima expresión\, que es la elegida para esta ocasión en el marco de la celebración de los 60 años del Centro de Extensión Cultural de la ciudad de Azul\, fundado exactamente el mismo año de producción del film: nuestra manera de celebrar un doble cumpleaños y dar inicio a un ciclo mensual de películas italianas hasta el próximo agosto. \n«MATRIMONIO A LA ITALIANA» /MATRIMONIO ALL’ITALIANA/ Italia-1964 / Producción Carlo Ponti / Dirección Vittorio de Sica / Intérpretes Sophia Loren\,Marcello Mastroianni / Guión adaptando «Filomena Marturano» de Eduardo de Filippo / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.42 minutos.
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SUMMARY:"¡...LUZ\,CÁMARA\, TELÓN...!" /  6ª EDICIÓN.
DESCRIPTION:El Equipo Delta-Trabajo Teatral dentro del programa Otoño Azul Imagen presenta una nueva edición del ciclo de cine estudio en homenaje a Hector «Cacho Nebbia» Ferrarello los días 19\, 20 Y 21 de enero a las 20.30hs. en La Salita / Vivero Cultural Otoño Azul\, calle Malere N.º 567- Azul. \n\n\n\n\n\n\n\nVIERNES 19: «ENVIDIA SANA» / LE BONHEUR DES UNS…/ Francia- Bélgica-2020 / Dirección Daniel Cohen / Intérpretes Vincent Cassel\, Bérénice Bejo\, Florence Foresti\, Francois Damiens / Color / Versión original con subtítulos / Duración 1h.44 minutos. Sinopsis: en la Paris actual transcurre esta historia de amistades y celos: Lea y Karine son amigas desde la infancia\, y la segunda siempre se ha comportado como la sabia. Cuando descubre que su silenciosa amiga además de escribir en secreto está a punto de ser editada por la empresa más importante de Francia\, el mundo de ellas así como el de sus parejas Marc y Francis se verá alterado hasta lo más profundo de sus relaciones\, La envidia nunca puede ser sana\, sino  lo que la palabra define: tristeza o pesar del bien ajeno. Daniel Cohen (1960) es un prolífico artista que escribe\, actúa y dirige tanto teatro como cine. Después del suceso en los escenarios de la obra que nos ocupa\, la traslada a la pantalla en su cuarto trabajo como cineasta\, demostrando comprensión de ambos lenguajes\, dotando de acción\, escenarios y volviendo a la cámara protagonista de este análisis profundo a través del humor de un comportamiento dramático que arruina la vida de quien lo padece: la envidia. En un mundo donde el lema es triunfar a cualquier precio las consecuencias no pueden ser otras que las que relata esta película\, de gran éxito en  pantallas francesas e interpretada por cuatro buenos intérpretes: el enorme astro Vincent Cassel\, con enormes recursos histriónicos\, la argentina residente en Paris Berenice Bejo\, de impresionante carrera en los últimos quince años y la desconocida Florence Foresti\, a cargo del personaje que detona la acción. \n\n\nSÁBADO 20 (función especial con presencia del director y el protagonista): «VUELTA AL PERRO» / Argentina-2022 / Dirección Nicolás di Cocco / Intérpretes Daniel di Cocco\,Adriana Ferrer\, Marcelo Feo\, Germán de Silva\, Rafael Ferro / Color / Versión original sin subtítulos / Duración 1h.34 minutos. Sinopsis: Ricardo Darring es un autor y actor teatral en horas bajas: su tiempo dorado parece haber quedado demasiado lejos. Un día recibe una invitación desde su pueblo natal donde el Intendente es un viejo conocido. La propuesta es recuperar la antigua obra teatral que le dio reconocimiento y lo alejó para siempre del lugar y los amigos. Sin nada que perder y mucho que ganar\, (o al menos esa resulta ser su creencia) inicia un viaje de retorno a su mundo primitivo…y poner en marcha una obra ya caduca será solo uno de los tantos conflictos que tendrá que enfrentar. La memoria\, el pasado y el presente que reescribe todo. Nicolás di Cocco es un joven cineasta argentino formado en espacios de cine y en su propia privacidad: su padre Daniel influyó en su descubrimiento del medio y ahora protagoniza su debut en la dirección de largometraje para el cine. Entre 2009\, su inicio en el cortometraje y la actualidad\, ha alternado su rol de asistente de dirección y de dirección en producciones para la televisión argentina y plataformas internacionales como la Disney\, donde estuvo tras la dirección de la serie » Once» (2018-2019). También cuenta en su haber con títulos populares como «El Puntero» (2011) y presencia en  largos entre los años antes referidos. Daniel di Cocco\,oriundo de la ciudad de Salto (Provincia de Buenos Aires) cuenta con una extensa trayectoria en el ambiente teatral y esta película cuenta como un homenaje a su territorio natal donde se formó y dio sus primeros pasos en los escenarios locales\, tan alejados como intensos y creativos de la capital argentina.\n\nDOMINGO 21: «EL CONVENTILLO DE LA PALOMA» / Argentina-1980 / Dirección Carmelo Santiago / Intérpretes Perla Santalla\, María Concepción Cesar\, Carmen Vallejos\, Raul Lavie\, Carlos Estrada\, Santiago Gómez Cou\, María Rosa Gallo\, Onofre Lovero\, Nestor Hugo Rivas\, Hugo Caprera\, Herminia Franco / Color / Versión en video sin subtítulos / Duración 1h.33 minutos. Sinopsis: a finales de la década de 1920\, la ciudad de Buenos Aires está llena de conventillos\, esas viviendas donde los inmigrantes europeos y los nativos pobres encontraban refugio. En el barrio de Villa Crespo se encuentra el de «la Paloma»\, que refiere a una mujer muy bella que despierta ardores en todos los hombres y envidias en sus esposas\, novias o amantes. La variedad de personajes que lo habitan definen un tiempo histórico a través del género teatral del sainete\, herencia del español que en Argentina tomó el apodo de criollo.Eran piezas dramáticas que retrataban las vivencias humanas a través del humor. Y ésta\, estrenada en 1929 fue una de las más populares a la vez que pionera. Su autor Alberto Vacarezza (1886-1959)\, padre del sainete local\, autor de letras de tango\, trece de ellas grabadas por Gardel\, impulsó en 1937 una adaptación cinematográfica de la misma y en 1980 se realizó una de sus versiones más celebradas en el Teatro Nacional Cervantes de Buenos Aires dirigida por el enorme Rodolfo Graziano\, uno de los grandes directores nacionales. Su enorme suceso se extendió en cientos de representaciones por dos años y en 1982 se grabó en video la versión que hoy programamos\, con la intención de dejar registro para la posteridad de una experiencia solo posible para el público teatral. Su destino inicial fue la televisión pública y dos décadas después volvió a ser emitida\, siendo este el registro que hoy ofrecemos. Otra forma del paso de un lenguaje (el teatral) a otro ( el cinematográfico) que muestro los desafíos que esto siempre implica. El trabajo actoral\, el movimiento de una cámara que se acerca y aleja a los protagonistas\, permite al espectador un enorme disfrute y una valiosa experiencia emocional donde la memoria será fuertemente «atacada» para las generaciones que supieron de estas realidades\, hoy prácticamente piezas de museo. Pero tan o más vivas que cualquiera de las que las rodean.\n\n 
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SUMMARY:"LOCURA DE VERANO"
DESCRIPTION:Un año de programaciones de cine en Azul y el cierre se dará en la Casa Ronco con la exhibición de una de las películas más legendarias del cine\, ubicada a menudo entre las mejores comedias románticas de la Historia: «Locura de Verano». No ganó ni estuvo nominada al Oscar a la Mejor Película\, como las anteriores del ciclo\, pero si a las categorías mayores de Director y Actriz Protagónica\, que tampoco obtuvo. Como las otras\, su categoría no hizo más que incrementarse con las décadas. Su director\, el autor de «Lo que no fue»\, «El puente sobre el Río Kwai»\, «Lawrence de Arabia» y «Doctor Zhivago»\, entre otras joyas del cine nos cuenta las vacaciones que una mujer sin pareja\, cercana a los 50 años de edad\, realiza en Venecia. Diez años después del final de la guerra el turismo entre las clases medias se dispara y la ciudad italiana está entre las más deseadas del planeta. Jane Hudson llega desde EE.UU. e inmediatamente cae rendida a los encantos del paisaje deslumbrante y sobre todo\, los del típico galán italiano menor que ella que se dedica a enamorar mujeres solitarias. La dueña de la pensión donde se aloja forma el terceto protagónico de esta extraordinaria obra de cine que indaga en la intimidad de una mujer que siente que el tiempo escapa de sus manos y desea vivir contra los mandatos. Los deseos\, las realidades\, los tiempos acotados\, los prejuicios heredados y la magia de un paisaje donde\, con dinero\, está casi todo permitido. La legendaria Hepburn (1907-2003) realiza otro de sus memorables trabajos sin cirugía estética ni miedo a mostrarse. Los encantos de Brazzi (1916-1994)\, ídolo de masas en general\, la elegancia y belleza de Isa Miranda (1905-1982)\, diva mayor del cine de los años treinta y cuarenta\, se convierten en herramientas de lujo que el gran Lean (1908-1991) utiliza a su antojo para crear esta pieza de auténtica orfebrería cinematográfica. Una película que estimula e induce a la reflexión\, respetando las leyes de la vida misma sin toques banales ni finales made in Hollywood. Un regalo para las personas que durante otro año han acompañado estas propuestas alternativas de ver cine en compañía de otros. \n«LOCURA DE VERANO» /SUMMERTIME/ Reino Unido-1955 / Dirección David Lean/ Intérpretes Katharine Hepburn\, Rossano Brazzi e Isa Miranda / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.42 minutos.
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LOCATION:CASA RONCO\, Calle San Martín 362\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"EFFIE GRAY"
DESCRIPTION:«EFFIE GRAY»/ Reino Unido- 2014 / Dirección Richard Laxton / Guión Emma Thompson / Interpretes Dakota Fanning\, Greg Wise\, Tom Sturridge\, Emma Thompson\, Claudia Cardinale / Color / Versión original con subtítulos /Duración 1h\,50 minutos / Sinopsis: Inglaterra\, segunda mitad del Siglo XIX: un escándalo está en boca de toda la alta sociedad victoriana: una joven de 19 años\, su marido crítico de arte e historiador y un famoso pintor pre-rafaelista autor de un cuadro legendario. El arte\, la sexualidad\, la hipocresía\, Londres y una escapada a Venecia para retratar un tiempo y un espíritu.Una película poco conocida con intérpretes jóvenes y apariciones de Emma Thompson\, también autora del guión y Claudia Cardinale\, actriz icónica del mejor cine europeo.El cuadro «Ophelia» de John Everett Millais\,como telón de fondo.
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SUMMARY:"EL SHOW DEBE SEGUIR" / ALL THAT JAZZ
DESCRIPTION:«ALL THAT JAZZ» / EL SHOW DEBE SEGUIR /EE.UU.-1979 / Dirección Bob Fosse / Intérpretes Roy Scheider\, Jessica Lange\, Ann Reinking\, Leland Palmer\, Cliff Gorman / Color / Versión original con subtítulos / Duración 2hs.\nLa temporada 1979 de los premios Oscar dio el premio a la mejor película a «KRAMER CONTRA KRAMER»\, también muchos de los más importantes. Entre las otras competidoras estaban dos películas que hoy son consideradas obras maestras del cine: «APOCALYPSE NOW» de Ford Coppola y la que nos ocupa. Que ganó  cuatro estatuillas en rubros secundarios. Las décadas que nos separan no restan sino que aumentan los logros de este deslumbrante film y espectáculo artístico. El director de «CABARET» nos cuenta una historia que no es más que la de él mismo ficcionalizada: Joe Gideon es uno de los mayores artistas del teatro de Nueva York y está intentando montar un nuevo espectáculo: para hacerlo recurre a toda su memoria y fantasía: sus múltiples amantes femeninas\, su hija y hasta una bella mujer que le contacta desde el fondo de su mente van delineando una película donde la expresión corporal al compás de la música convierte en excepcionales los números que nos ofrece a nosotros espectadores. Una película que revolucionó el concepto de cine musical\, aportando modernidad a un género alicaído en el momento de su estreno. Ganadora de la Palma de Oro en el festival de Cannes\, la película fue uno de los grandes sucesos cinematográficos del año 1980 en nuestro país y sufrió algunos cortes de la censura. Los invitamos a compartir el espectáculo…
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LOCATION:Biblioteca Popular «Bartolomé J.Ronco»\, Burgos 687\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"TUMBUCTÚ"
DESCRIPTION:«TOMBUCTÚ» / TIMBUKTU/ Mauritania-Qatar-Francia. 2014/ Dirección: Abderrahmane Sissako / Intérpretes Ibrahim Ahmed\, Toulou Kiki\, Abel Jafri y Layla Walet Mohamed / Color / Versión original con subtítulos / Duración 1h.34 minutos. \nLa acción transcurre en el año 2012 cuando el país africano de Mali\, uno de los grandes centros de la cultura musulmana del pasado\, entra en conflicto y gran parte del territorio es dominado por el fundamentalismo islámico. En las dunas del desierto\, cerca de la mítica ciudad que da título al film vive una familia de pastores: Kidane\, su esposa Satima\, que es deseada por un líder político y su hija Toya. Alrededor de estos cuatro personajes se trama la historia de esta gran película que ganó premios César\, otros en el festival de Cannes y fue nominada al Oscar en 2015\, dando visibilidad a través de una mirada artística y poética a otra realidad distante para nosotros. Noventa minutos del mejor cine para disfrutar y descubrir otras formas de vida en la actualidad. Dirigida por uno de los más reconocidos cineastas africanos. \nCon este título cerramos la temporada 2023 de Cine en lengua árabe donde hemos recorrido una vez al mes diferentes cinematografías de países casi desconocidos para nosotros y con un enorme potencial creativo: Líbano\, Egipto\, Irán\, Afganistán y ahora Malí. En todas y cada una de las funciones\, el público presente ha podido disfrutar del gran talento de sus cineastas y nos ha acercado realidades humanas comunes a todos. El entretenimiento entonces\, no ha estado reñido con la pureza de la mejor cinematografía.
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LOCATION:CÍRCULO ÁRABE DE AZUL\, Bolivar 674\, Azul\, Buenos Aires\, 7300
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SUMMARY:"EL ARTISTA"
DESCRIPTION:«EL ARTISTA» / Argentina-2008 / Dirección Mariano Cohn y Gastón Duprat / Intérpretes Sergio Pangaro y Alberto Laiseca / Color / Versión original sin subtítulos / Duración 1h.40 minutos. \nEsta película se ve mas importante con la distancia que le otorga el tiempo a las creaciones verdaderas: a quince años de su estreno su modernidad resulta cada vez más elocuente y genera lo que pocas obras cinematográficas\, en cada nuevo visionado el espectador atento podrá experimentar nuevas sensaciones y mejor\, reflexiones.Sus creadores son Mariano Cohn (1975) y Gastón Duprat (1969) dupla de cineastas con escasos equivalentes en la cinematografía global: los hermanos Taviani en Italia y los Coen en USA\, entre los más reconocidos. Pero ellos no están unidos por una relación familiar sino por una inquietud que les mantiene juntos desde su primera colaboración en 1996\, cuando firmaron el corto «Venimos llenos de tierra». Luego llegaría el debut en la televisión con la experimental y anticipatoria (de Youtube) «Televisión abierta» y más tarde en 2004 el primer largometraje en el género documental «Yo Presidente» \, un insólito (por irreverente) acercamiento a la figura de los presidentes argentinos desde 1983 hasta 2003. Cuatro años más tarde\, en 2008\, estrenan «El artista» y confirman lo que ya venían demostrando desde doce años atrás: un talento único en la dirección cinematográfica y escritura de guiones en la historia del cine nacional. \n«El artista» es\, brevemente\, la mirada que ellos escrutan sobre el panorama del arte contemporáneo (pintura y escultura) en el mundo de las galerías y las elites que las dirigen\, y también consumen\, en el ámbito de la siempre prepotente ciudad de Buenos Aires. La cámara se recrea desde sus pasivos y jamás aburridos ni vacíos planos fijos\, en contarnos la historia de un paciente internado en un geriátrico que posee una enorme capacidad de crear aunque parezca no ser consciente de ello y el enfermero que lo cuida. Cuando este último sustrae las creaciones del otro y las muestra en el mercado del arte\, es aceptado como un referente moderno\, un talento a punto de estallar convertido en primera figura\, su mundo mediocre\, oscuro\, rutinario\, sufrirá un vuelco extraordinario que le hará protagonista y también testigo de todo ese ambiente solo para unos pocos. \nLa ferocidad de la mirada de los cineastas sobre diferentes sectores del mundo de la creación (luego vendrían la arquitectura y el diseño\, la escritura\, la pintura y el propio cine en trabajos memorables como «El hombre de al lado» (2009)\, «El ciudadano ilustre» (2016)\, «Mi obra maestra» (2018) y «Competencia oficial» (2021)\, marca en este primer largometraje de ficción en conjunto ( en alguno de los siguientes dirigieron en forma solitaria\, aunque siempre la colaboración apareció en otros rubros) los signos de identidad de toda su posterior filmografía. Una forma muy concreta de trabajar tanto el plano fijo como el plano secuencia\, donde el ritmo interno de la acción nos recuerda la inutilidad y vacío de la mayoría del cine contemporáneo donde la mayoría confunde el movimiento enloquecedor con la acción cinematográfica. \nInterpretada en sus personajes protagónicos por un escritor prestigioso y un músico alternativo que también pueden ser aceptables actores\, la propuesta de la película sigue estando tan activa como cuando su estreno. Porque lo que nos propone es algo que trasciende el arte y sus diferentes territorios: la propia condición humana de quienes los habitan y atraviesan.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"ENVIDIA SANA"
DESCRIPTION:«ENVIDIA SANA» / LE BONHEUR DES UNS…/ Francia- Bélgica-2020 / Dirección Daniel Cohen / Intérpretes Vincent Cassel\, Bérénice Bejo\, Florence Foresti\, Francois Damiens / Color / Versión original con subtítulos / Duración 1h.44 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:"SOBREVIVIENDO A PICASSO"
DESCRIPTION:«SOBREVIVIENDO A PICASSO» / SURVIVING PICASSO / EE.UU.-1996 / Dirección James Ivory / Intérpretes Anthony Hopkins\, Natascha McElhone\, Julianne Moore\, Dominic West\, Diane Venora / Color / Versión original con subtítulos / Duración 2hs. \nEn 1964 se publicó en Francia un libro que vendió miles de ejemplares: «Mi vida con Picasso». Su autora fue Francoise Gilot (1921-2023) recientemente fallecida a los 101 años de edad\, donde narraba en primera persona los diez años en que fue una de las compañeras del artista andaluz Pablo Picasso (1881-1973)\, uno de los mayores genios del Siglo XX. Sus ambiciones personales en relación al arte quedaron aplacadas a causa del control extremo\, celos\, poder y ego del pintor\, para quien el mundo parecía rodar a su alrededor y a su antojo. Tirano\, manipulador\, despectivo con todas sus compañeras\, algunas como Gilot madres de sus cinco hijos\, Picasso condiciona la vida de quienes le rodean y nadie escapa de su órbita. Su talento mayúsculo\, sus ganancias millonarias\, lo ubicaron en un lugar de privilegio del que gozó hasta su muerte pasados los 90 años de edad. \nA partir de este material\, el cineasta norteamericano James Ivory (1928) activo desde los años sesenta en la dirección de cine pero consagrado popularmente a mediado de los ochenta con una serie de films que adaptaban libros de prestigiosos y no tan populares escritores\, encara un acercamiento a la persona antes que al artista Picasso\, y lo hace teniendo como narradora y protagonista absoluta a la joven Francoise\, tan fascinada al principio de la relación como saturada al final de la misma. Ivory\, maestro en la reconstrucción de época y fiel a los detalles más pequeños para recrear ambientes y sensaciones amorosas\, encuentra en esta película el primer batacazo comercial después de una serie de éxitos. Lo que no resta valor al film que describe con precisión la mezquindad\, menosprecio hacia los semejantes y escasa simpatía por cualquier destello amoroso de un artista mitificado y adorado durante toda su carrera. Y precisamente es en este punto en el que construye el relato en un intento de ir contra la corriente y presentar la trastienda de los millonarios y prestigiosos nombres que dieron identidad al siglo pasado. El mundo del arte parisino desde la ocupación nazi de Francia hasta entrados los años cincuenta es el periodo que la película aborda con extrema dedicación estética pero también deteniéndose en la composición de los sentimientos que atraviesan a los personajes. \nInterpretado por un Anthony Hopkins (1937) que había alcanzado el estrellato después de veinte años de silenciosa carrera en teatro\, televisión y cine de Inglaterra y de Estados Unidos y que da vida con gran presencia física además de fuerza interior\, el protagonismo verdadero recae en una actriz debutante\, la británica y talentosa McElhone (1969) cuya carrera se oscureció después de una serie de éxitos\, y que presta su incomparable elegancia\, estilo y belleza a la creación de la enérgica mujer que hizo frente al dios del arte.
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SUMMARY:"LA BICICLETA VERDE".
DESCRIPTION:«LA BICICLETA VERDE» / WADJDA / Arabia Saudita- 2012 / Dirección y guión Haifaa Al-Mansour / Intérpretes Waad Mohammed\, Reem Abdullah\, Sultan Al Assaf\, Ahd / Color / Versión original con subtítulos / Duración 1h.38 minutos. \nHaifaa Al-Mansour nació en Arabia en 1974. En un país que cumple\, según se nos informa ocasionalmente\, con todas las restricciones posibles hacia la mujer segun la interpretación religiosa y política\, ser directora de cine era una de esas imposibilidades. Entre 1997 y 2012 esta mujer se atrevió a rodar tres cortometrajes y un mediometraje antes de abordar la tarea  histórica de dirigir un largo en femenino por primera vez en 2012. Las salas de cine estuvieron prohibidas entre 1983 y 2018\, con lo cual el trabajo de realizar películas aparece como una actividad prácticamente clandestina hasta hace pocos años.Un mundo absolutamente desconocido para nuestra realidad. La gente podía ver películas en la intimidad de sus hogares desde la implementación de las antenas satelitales y los formatos domésticos de VHS y DVD. El consumo de cine en lengua árabe proveniente de Egipto\, Irán o Líbano estaba dentro de las preferencias. Al parecer\, poco a poco comienza a verse en estas salas recientemente abiertas cine norteamericano. No olvidemos que este país es emblemático para el mundo musulmán donde La Meca\, la ciudad de peregrinación de los practicantes del Corán\, es objetivo de vida. \nLa cineasta y también guionista da el protagonismo a una niña de 10 años que jamás volvió a filmar. Su creación de Wadjda es sencillamente antológica así como la de la mayoría de las mujeres de diferentes edades que habitan la película\, donde el hombre tiene un rol decididamente secundario. Es muy sugestivo todo el entramado de la propia realización del film en el contexto arriba señalado. Tanto como los resultados obtenidos que acercan a la obra a una óptica casi revolucionaria: la crítica sobre hábitos y costumbres del lugar están en primer plano\, siempre bajo la valiente y desinhibida mirada de la niña cuyo mayor deseo es ahorrar dinero para comprarse una bicicleta de color verde\, que como una ensoñación ha visto aparecer por vez primera tras los muros de un paredón. Desde ese preciso instante\, obtenerla será su premisa. Las relaciones con sus padres\, los diálogos con su madre\, sus compañeras\, sus actitudes frente al ejercicio de autoridad de diferentes espacios que atraviesa la convierten en testigo lúcido y feroz de un mundo que va descubriendo pero que se niega aceptar. En su amistad con un niño de su misma edad\, reside el germen de un tiempo venidero que el propio devenir de la Historia confirmará o seguirá negando. La fuerza femenina\, parece decir la realizadora\, no ha hecho más que ponerse en marcha. \nUna de las películas más hermosas y valientes de cine contemporáneo\, voz que pide ser escuchada y proviene de los rincones más ocultos del mundo. Para nosotros\, occidentales y habitantes de un mismo planeta: la Tierra. \n 
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SUMMARY:"COLETTE"
DESCRIPTION:«COLETTE» / Reino Unido- Hungría- EE.UU.-2018 / Dirección Wash Westmoreland / Intérpretes Keira Knightley\, Fiona Shaw\, Dominic West / Color / Versión original con subtítulos / Duración 1h.50 minutos. \nSidonie Colette nació en 1873 y murió en 1954 en Francia. La historia de la Literatura la conoce simplemente como Colette.Casada en la adolescencia con un hombre mayor que le brinda la oportunidad de abandonar su hogar de pobreza y multiple familia para descubrir el Paris de finales del Siglo XIX\, la mujer fue novelista\, periodista\, guionista pero también actriz de variedades\, music-hall y revistas de la capital gala. Divorciada de aquel hombre que la introdujo en el medio artístico y el de la alta sociedad\, tendría además de otros matrimonios\, una gran cantidad de amantes. Su condición bisexual la acercó a mujeres con las que mantuvo apasionadas relaciones. Publicó decenas de escritos entre cuentos\, relatos\, artículos y novelas. La consagración definitiva llegó de la mano de su obra publicada en los años veinte: «Cheri». En 1944 sería la hora de su creación más popular: «Gigi»\, que fue prontamente adaptada al teatro y en los cincuenta base de una de las grandes comedias de la época\, de igual título y encarnada por la bella Leslie Caron bajo la dirección de Vincente Minelli\, ya clásico del cine. \nLa película que narra parte de toda esta larga trayectoria se concentra en su vida ya consagrada y es relatada en base a recuerdos desde su presente. Colette funciona como una precursora del feminismo que por aquellos tiempos era ya visible en diferentes ciudades capitales de Occidente\, desde donde irradiaba luz hacia todos los puntos cardinales. Con un gran cuidado en la reconstrucción histórica de un tiempo de entreguerras\, la temática permite al director recuperar el nombre de una figura olvidada en este presente cuasi amnésico y fundamentalmente ignorante y al parecer\, retrógrado. Donde la modernidad de personajes como el señalado no hace más que interrogarnos sobre nuestra actualidad que parece marchar en dirección contraria a los avances espectaculares\, logros obtenidos tras enormes luchas y sufrimientos de seres humanos que intentaron romper las sogas de ancestrales mandatos. A un siglo de lo narrado en esta película\, demasiadas cuestiones siguen en entredicho para inmensas mayorías de la civilización; por ejemplo el ejercicio de la sexualidad en sus diferentes prácticas adultas: los mismos recelos que Colette genera en su entorno\, la misma hipocresía\, hoy continúa escandalizando a millones que no mueven un pelo\, por ejemplo\, por otras cuestiones que si son realmente escandalosas como el hambre\, la miseria\, etc\, etc\, etc. Una sociedad que no escapa de sus hipocresías y a quien el arte y el cine en particular sigue provocando. Que continúe la función. \n 
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SUMMARY:"AMBICIONES QUE MATAN"
DESCRIPTION:«AMBICIONES QUE MATAN» / A PLACE IN THE SUN / EE.UU.-1951 / Director George Stevens / Intérpretes Montgomery Clift\, Elizabeth Taylor\, Shelley Winters / Blanco y negro / Versión original con subtítulos / Duración 2hs. \nA principios de los años cincuenta\, el cine de Hollywood respiraba nuevos aires\, al menos para un conjunto de cineastas y productores. Las consecuencias de la segunda guerra mundial así como los nuevos cines europeos con el neorrealismo italiano a la cabeza\, señalaban que la hora de los cambios había llegado. Y esta obra\, considerada como una de las grandes de la historia del cine\, se convirtió en suceso masivo dentro y fuera de las fronteras USA. Adaptando la obra de uno de los mayores escritores del periodo 1900-1945\, el enorme Theodore Dreiser (1891-1945) publicada en 1926\, «Una tragedia americana»\, el cineasta George Stevens filmó otra de sus obras maestras. Como el autor\, el director sentía una enorme sensibilidad por los pobres y ambos conocían por vivencias propias aquella realidad. Del dolor ambos extrajeron arte para sus realizaciones y dieron lugar dentro de la cultura norteamericana al ideario socialista muy instalado en su tiempo como alternativa al capitalismo imperante. También ambos sufrieron las iras y los castigos del poder al que criticaban. Algo que define a los verdaderos artistas. \nEn su adaptación al cine\, los nombres y alguna situación son cambiados pero la esencia  respetada: George Eastman es un joven con poco más de veinte años. Criado en la miseria\, ambiciona todo lo que tienen los ricos. Su matrimonio con Alice Tripp\, de quien se avergüenza por su sencillez y humildad\, le llena de frustración. Decide acercarse a un familiar de gran poderío y prestigio social. Este le atenderá ante la mirada atónita de su núcleo familiar que nada quiere saber con parentelas pobres. Detrás de las humillaciones persiste la ambición de este hombre que no es malo sino producto de las fuerzas ciegas y fatalistas que determinan el mundo y el de su clase en particular. El descubrimiento de Angela\, la hija del magnate\, dará lugar a un nuevo proyecto donde su joven esposa simplemente sobra. El asesinato\, las consecuencias\, definirán el destino de George. La película persigue y logra algunas de las propuestas del escritor original de este clásico: un retrato social realista que procura denunciar un mundo injusto\, plagado de desigualdades\, que eran la otra cara del famoso «sueño americano» de progreso\, triunfo y ascenso social. Una mentira que el paso de un siglo no ha logrado acallar\, de ahí la enorme vigencia de esta obra mayor del cine. \nLos protagonistas definieron una nueva forma tanto de interpretación como de estrellato inspirados en los cambios del contexto que bullía en aquellos años: Montgomery Clift (1920-1966) fue el actor que impuso una nueva forma de actuar a partir de su formación en el famoso Actor’s Studio\, del que luego saldrían los otros tres famosos nombres: Brando\, Dean y Newman\, el cuarteto fundamental de los nuevos intérpretes que cambiaron los estilos dominantes. Un accidente que le desfiguró el rostro marcó el inicio de su decadencia hasta su temprana muerte a los 46 años. Dentro de sus 17 películas destacan clásicos como «Río Rojo»\, «La Heredera»\, «De aquí a la Eternidad»\, «Juicio en Nuremberg» y «Los Inadaptados». Elizabeth Taylor (1932-2011) \,una de las mujeres con rostro más bello de la historia del cine debutó siendo niña y tuvo una larga carrera de décadas siendo su tiempo dorado el iniciado con esta película hasta la culminación en 1966 con «¿Quien le teme a Virginia Woolf?» por la que ganó su segundo Oscar. Amiga íntima de Clift\, filmaron juntos dos películas más. La actriz defendió siempre la homosexualidad atacada de su amigo y le acompañó hasta el final\, cuando intentó filmar una última película que la temprana muerte impidió. Taylor es de las pocas figuras realmente legendarias de la cultura contemporánea desde su lugar en el cine y la influencia que ejerció sobre medios de comunicación y públicos. Shelley Winters (1920-2006) filmó más de un centenar de películas (muchas en Europa durante la última etapa de su carrera)\, actriz de extraordinaria capacidad\, sufrió un cambio físico a temprana edad que definió su carrera\, pasando de protagonizar a convertirse en una de las más solicitadas actrices de reparto\, categoría que le brindó múltiples premios\, entre ellos dos Oscar. Y el cineasta George Stevens (1904-1975) filmó entre 1930 y 1969\, destacando clásicos como «Gunga Gin» (1939)\, «Shane» (1953) y «Gigante» (1956). Uno de los grandes y olvidados nombres del mejor cine norteamericano.
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LOCATION:CASA RONCO\, Calle San Martín 362\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"LA EDAD DE LA INOCENCIA"
DESCRIPTION:«LA EDAD DE LA INOCENCIA» /THE AGE OF INNOCENCE/ EE.UU.-1993 / Director Martin Scorsese / Intérpretes Daniel Day Lewis\, Michelle Pffeifer\, Winona Ryder\, Geraldine Chaplin\, Alec McCowen\, Miriam Margolyes / Basada en la novela homónima de Edith Wharton / Fotografía Michael Ballhaus / Música Elmer Bernstein / Color /  Versión original con subtítulos / Duración 2hs.10 minutos. Sinopsis: hacia finales del Siglo XIX\, Nueva York ya era una de las ciudades más importantes y contaba con una exclusiva clase social adinerada\, inspirada en la de los europeos. Entre estos nuevos ricos transcurre la acción de esta impresionante adaptación de una escritora de esa época: Edith Wharton (1862-1937) que retrató como pocos a esta emergente sociedad en sus libros: Newland es un joven a punto de contraer matrimonio con la hija de unos poderosos\, la muy joven May. Con la llegada desde Europa de una prima de ella\, Ellen\, quien viene escapando de un marido tan violento como importante lo que acarrea un estigma sobre su persona\, el romance de la pareja a punto del altar se ve afectado por el progresivo enamoramiento que la misteriosa visitante provoca en Newland. Rodeado de personajes que van enriqueciendo la historia\, la mirada del cineasta Scorsese genera una reflexión sobre la forma de vida de este sector social. \nEdith Wharton fue una escritora\, diseñadora y mujer de gran influencia en su época: hija de familia adinerada\, tuvo una excelente educación y su conocimiento de la clase social a la que pertenecía le sirvió para volcarlo en su mundo literario. El uso de la ironía le ayudó a describir la estrechez de miras y la casi absoluta ignorancia de las personas que la integraban\, cegados por la cantidad de dinero que ganaban en sus emprendimientos pero alejados de todo interés cultural\, aunque si capaces de copiar los mayores excesos económicos de los ricos europeos y sobre todo esa aristocracia añeja del viejo continente que en vano trataron de copiar. La base de las nuevas clases poderosas que arrastran sus malos hábitos hasta el presente\, aun en geografías tan alejadas como la nuestra. Entre 1900 y la fecha de su muerte escribió 22 novelas además de artículos\, cuentos fantásticos y relatos de su experiencia en el frente de la Primera Guerra Mundial cuando se encontraba en Francia. Detestaba su país natal\, que aún así la reconoció con premios tan importantes como el literario Pulitzer\, meta de cualquier literato de esa época y de ahora. Destacan entre sus más leídos y mejor tratados por la crítica (que nunca acabó de aceptarla totalmente) «La casa de la alegría» (1905)\,»Ethan Frome» (1911) y «La edad de la inocencia» (1921)\, sobre la que el gran Martin Scorsese consiguió una de sus más hermosas y complejas obras\, alejada del estilo que le hizo famoso y grande. \nInfluenciado por su admiración del cine italiano\, tierra de sus padres\, Scorsese parece homenajear el universo de uno de sus mayores creadores\, Luchino Visconti. El retrato minucioso\, detallista hasta lo obsesivo sobre movimientos\, vestuario\, hábitos de los personajes\, la arquitectura de los edificios en los que viven\, el dinero que sobra por todos lados bajo la silenciosa mirada de una servidumbre también copiada de Europa\, son protagonistas a la par del plantel extraordinario de intérpretes que dan vida a sus criaturas. La fotografía de Michael Ballhaus\, alemán colaborador de Fassbinder y otros integrantes del cine germano que luego firmaría varias películas para el cineasta norteamericano y la música del clásico Elmer Bernstein\, son dos piezas fundamentales para el engranaje de esta obra tan hermosa como olvidada en el presente. Un excelente ejemplo del traslado del mundo literario al cinematográfico. Una obra absolutamente mayor del cine para volver a disfrutar.
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LOCATION:BIBLIOTECA PÚBLICA MONSEÑOR CANEVA\, Bolivar 473\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"LA OLA"
DESCRIPTION:«LA OLA» / DIE WELLE /Alemania-2008 /Dirección Dennis Gansel /Intérpretes Jürgen Vogel\, Frederick Lan\, Max Riemelt\, Jennifer Ulrich / Color / Versión original con subtítulos / Duración 1h.45 minutos. Sinópsis: en un centro de educación secundario trabaja Rainer Wenger\, uno de los pocos educadores que cuentan con la simpatía del alumnado gracias a su escaso respeto por las formas tradicionales de la enseñanza. El rectorado y la mayoría de los padres no ven con igual simpatía el proceder del profesor. Con la intención de involucrar a los alumnos en el estudio\, propone un ejercicio a desarrollarse durante una semana: la autocracia y sus posibilidades de ser llevada a cabo será el tema elegido. Día tras día se van generando controversias entre los integrantes de la clase\,siempre bajo la rígida mirada de Rainer. Hacia el final de la semana todo parece haberse escapado de control… \nEl cineasta nacido en 1973 saltá a la fama con su segundo largometraje\, «NAPOLA» (2004) donde aborda la educación de élite para jóvenes durante el gobierno nazi. Con «LA OLA» alcanzaría fama internacional y más tarde conocería un tercer éxito con un moderno films de vampiras mujeres\, la atractiva «SOMOS LA NOCHE» (2010). El film que nos ocupa se centra en los avances de la ultraderecha europea y alemana en particular durante los años 90 y los primeros del nuevo milenio: 16 años después\, nuestro presente nos muestra el dramático avance de esta tendencia política enroscada en el propio corazón de las maltrechas democracias. Su visionado permite reflexionar sobre la relación entre la ficción cinematográfica y la propia realidad global\, concretamente la Occidental donde los nombres de Trump\, Putin o Bolsonaro representan el avance de estas ideas extremistas en gobiernos de los últimos diez años. El actual italiano y la posibilidad de uno futuro argentino no hacen más que demostrar el enorme apoyo que millones de seres humanos prestan a estas propuestas que amenazan con profundizar aún más las heridas de los ejercicios democráticos. \nEl profesor propone un ejercicio sobre la autocracia\, término acuñado en la Antigua Grecia por el filósofo Platón (427-347 AC) fundador de la Academia hacia el año 387\, una institución destinada a dar educación filosófica a los futuros políticos. El seguidor de Sócrates y maestro\, entre otros\, de Aristóteles\, iluminadores primigenios del pensamiento humano (¡más de 2300 años atrás!) imaginó la autocracia  como un sistema de gobierno donde todo el poder recaía en una sola persona\, cual figura divina\, cuyas acciones  no estaban sujetas a mas autoridad que la que su mente propiciaba. O dicho más popularmente\, el lado opuesto de la democracia. Con este material el profesor propone a sus alumnos un ejercicio de implicación absoluta donde él mismo emerge como líder absolutista. El espectador de la ficción encontrará material para el debate y la reflexión una vez terminada la película. Un puro ejercicio cinematográfico donde este lenguaje artístico se convierte en arma arrojadiza a quien presencie la obra\,  para iniciar así otro juego tan atractivo como arriesgado: el que propone el cine verdaderamente comprometido con la realidad de su tiempo.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/la-ola/
LOCATION:Instítuto Superior de Formación Docente y Técnica Nº2\, Colón 498\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"GLORIA MUNDI"
DESCRIPTION:«GLORIA MUNDI» / idem / Francia-2019 /Dirección Robert Guédiguian /Intérpretes Ariane Ascaride\, Jean Pierre Darroussin\, Gerard Meylan\, Lola Naymark\, Anais Demoustier / Color / Versión original con subtítulos en castellano / Duración 1h.46 minutos / Sinopsis: en la Marsella actual se desarrolla la historia de un grupo familiar: Sylvie y Richard\, pasados los sesenta años\, se enfrentan al día a día propios y también al de las dos hijas de ella\, hermanas tan diferentes como competitivas. Una  acaba de ser madre primeriza y este acontecimiento parece desatar una tormenta de afectos y secretos ocultos entre todos los integrantes del núcleo familiar\, incluido el primer marido de Sylvie\, quien recién salido de prisión regresa a la ciudad para conocer a su nieto. El cineasta francés\, uno de los mayores de las últimas décadas\, realiza un nuevo ejercicio dentro de su modélica obra sobre la clase trabajadora de la sociedad francesa contemporánea.. \nRobert Guédiguian nació en Marsella en 1953\, activo en la realización\, producción y guionado de toda su obra desde 1981\, se consagró ante la crítica y el público francés ( y posteriormente europeo) en 1997 con el estreno de «Marius y Jeannette». Su obra cuenta con dos particularidades: la mayoría está filmada y ubicada en su ciudad natal y sus intérpretes Ascaride (1954)\, Darroussin (1953) y Meylan (1952) han colaborado desde el inicio\, convirtiendo casi todas sus películas en un relato contemporáneo de su tierra natal así como el propio transcurrir del tiempo sobre el cuerpo y rostro de sus actores. Una tercera sería que la acción de todas ellas tiene como protagonista a la clase trabajadora del sur de Francia. Un caso prácticamente inédito en la cinematografía mundial. \nEl título de esta película toma dos palabras de la locución latina tópica «gloria mundi sic transit» cuya traducción literal sería «así pasa la gloria del mundo»\, que además de su empleo en la liturgia cristiana también se utiliza para expresar lo efímero de los triunfos así como para recordar que «toda vida humana tiene fecha de caducidad». De ahí su mención duradera en literatura y ciertas citas o lugares comunes en general. El cineasta se siente seducido en titular un film de esta manera y quedará en el espectador encontrar su significado una vez finalizada la película. En todo caso\, vuelve otra vez a su temática preferida\, casi excluyente en toda su trayectoria: el retrato humanista de una serie de personajes para quienes la vida no ha sido sencilla y donde el trabajo pocas veces bien remunerado es motivo que atraviesa la narración. Una mirada diferente sobre el ideal de confort europeo\, alejado del mero  entretenimiento y más cercano al cine realista\, social y testimonial de un amplio sector de la cinematografía gala desde el inicio de la cinematografía. Un cineasta que forma un selecto grupo de directores que han construido su obra cinematográfica en los últimos treinta años y mantienen viva la llama del mejor cine comprometido con la vida\, mucho más allá del mero entretenimiento.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/gloria-mundi/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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