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SUMMARY:CINE: "NOSOTROS EN LA NOCHE" (2017).
DESCRIPTION:Addie y Louis viven en una ciudad del interior. Vecinos\, casi no han tenido relación a lo largo de su vida. Padres y viudos\, sus vidas discurren en las rutinas que cada uno han desarrollado. Un día ella lo visita y le hace una oferta inesperada. Las noches son las horas mas difíciles y pasarlas juntos puede ser una buena solución. Así se inicia esta historia entre personas mayores que no han perdido la capacidad de descubrir nuevas vivencias. La calma del lugar\, los paisajes cercanos\, los colegas del club\, la amiga de toda la vida\, los hijos y nietos distantes. Las vidas que merecen ser vividas hasta el final. Esta es la trama que reúne por cuarta vez en sus carreras a dos figuras ya legendarias del Cine: Jane Fonda (1937) y Robert Redford (1936). En los años sesenta\, sus primeros tiempos en la pantalla\, compartieron pantalla en dos ocasiones y en 1979 la tercera.Han pasado casi cuatro décadas y el presente los encuentra activos y otra vez juntos. Esta vez ha sido para la pantalla de la televisión y de una nueva modalidad de verla: Netflix\, una plataforma de cine y series que poco a poco ha ido invadiendo hogares de todo el mundo y donde el público encuentra películas de ahora y de antes. El presente cinematográfico ha dejado un espacio importante para contar historias donde los jóvenes no son los protagonistas\, sino las personas mayores. Una adecuación a los tiempos modernos donde la tecnología en sus diferentes variantes permite disfrutar como nunca antes de  películas y series . Pero la pantalla del Cine sigue siendo una manera única de disfrutar de ellas y por eso esta obra se ha estrenado en principio en un Festival tan importante como el de Venecia\, donde los protagonistas tuvieron ocasión de enfrentarse al público presente y demostrarles que el talento\, la elegancia y la  buena presencia no tienen fecha de caducidad. Al menos para las personas que como ellos\, apuestan por vivir la vida a fondo. «Nosotros en la noche» quedará como el encuentro\, quizás final\, de dos de los nombres mas atractivos del cine de los últimos cincuenta años. Pocos alcanzan semejante categoría y nivel. La dirige un cineasta de la India que tras alcanzar gran suceso con un film en su país\, llega a Hollywood y entra por la puerta grande. \n«NOSOTROS EN LA NOCHE» (Our souls at night) / 2017 / EE.UU. / Director Ritesh Batra / Intérpretes Robert Redford\, Jane Fonda\, Mattias Schoenaerts\, Iain Armitage\, Bruce Dern\, Phyllis Somerville\, Judy Greer / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 43 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LOS INÚTILES" (1953).
DESCRIPTION:Años cincuenta. Han pasado siete desde el final de la Guerra e Italia intenta recuperarse poco a poco del desastre. Un pueblo de provincias y sus habitantes. Entre ellos cinco amigos con sus vidas privadas y públicas. Cinco hombres que nos acercan la realidad italiana de la época. Siempre tienen un momento para reunirse alrededor de la mesa de un bar y hablar de sus cosas. Las mujeres están entre sus prioridades y la amistad les mantiene vivos. Para muchos de sus conciudadanos son simplemente unos «inútiles». En realidad son seres humanos que hacen lo que pueden\, y lo que quieren o anhelan se mantiene como una promesa o fantasía de fuga hacía las grandes ciudades. En este escenario se desarrolla el tercer largometraje de uno de los grandes artistas del cine europeo de toda la Historia y de los pocos genios que la Cinematografía ha contado en su mas de un siglo de vida. Federico Fellini vivió 73 años. Nacido en 1920\, su infancia y adolescencia transcurrió en Rimini\, un pueblo de la costa este de Italia sobre el Mar Adriático. Desde allí viajó a Roma donde comenzó a trabajar en periódicos. En 1950 co-dirige su primer film\, «Luces de Variedad» junto a Alberto Lattuada y a lo largo de cuatro décadas rueda 19 largometrajes\, un film para TV y tres episodios en films colectivos\, entre los que se encuentran dos de sus mejores trabajos: los de «Bocaccio 70» (1962) y de «Historias Prohibidas» (1968). Destacan joyas como «La Strada» (1954)\, «La Dolce Vita» (1960)\, el título que lo popularizó internacionalmente\, «8 y Medio» (1962)\, «Amarcord» (1973)\, entre sus hermosas creaciones. «LOS INÚTILES» fue su tercer trabajo y el primer éxito notable. Interpretada por un grupo de actores imprescindibles del cine italiano\, destaca el nombre de Alberto Sordi\, nacido como él en 1920. Uno de los grandes histriónicos de todos los tiempos\, comenzó siendo muy joven durante los años 30′ en pleno apogeo de Mussolini. Pero sería recién entrados los 50′ cuando su nombre destaca como primera figura. Lugar que ocupó hasta su muerte en 2003. Junto a Mastroianni\, Tognazzi\, Gassman y Manfredi\, forma el gran quinteto de actores italianos que alumbró la pantalla tras la Segunda Guerra Mundial y dieron a conocer todo un periodo de esplendor que en Argentina convirtió a este cine en uno de los preferidos del público durante décadas.Con «LOS INÚTILES» Fellini realiza otra de sus memorables radiografías sobre el pueblo italiano en un estilo mas realista\, que iría abandonando progresivamente hasta la llegada de «La Dolce Vita». Tras este título\, el cineasta daría un giro hacia un cine mas complejo donde lo onírico junto a la metafórico serían el sello distintivo. El tratamiento humorístico de sus creaciones escondió siempre un trasfondo mas amargo que con los años fue haciéndose cada mas evidente hasta llegar a su estallido final en «La Voz de la Luna»\, su último trabajo\, una película donde parece decir que todo un tipo de hacer cine ha muerto en pos del triunfo de la omnipotente televisión\, que alejó a la gente de las salas de cine para confinarlas en la soledad encubierta de sus hogares. Un cineasta profético y siempre enriquecedor. \n«LOS INÚTILES» (I Vitelloni) (1954) / Italia / Dirección Federico Fellini / Intérpretes Alberto Sordi\, Leopoldo Trieste\, Riccardo Fellini\, Franco Interlenghi\, Franco Fabrizi\, Leonora Ruffo / Blanco y Negro / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h 41 minutos.
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LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "SARABANDA" (2003).
DESCRIPTION:Un hombre y una mujer se reencuentran después de treinta años. Han sido pareja y padres de dos hijas. Pero en todo ese lapso no han vuelto a verse. En una casa perdida en medio del bosque viven su nuevo tiempo juntos. Un hijo de un matrimonio anterior de él y su hija\, nieta del anciano\, comparten los días en que Marianne y Johan intentarán descubrir quienes son ahora. El presente que va armándose con retazos de un pasado distante pero jamas olvidado. La memoria y la vida fluyen por las venas de ambos. Y en la de esos dos recién llegados a la vida de la visitante. Con esta trama en apariencia sencilla\, el genial artista sueco Ingmar Bergman (1918-2007) se despide del cine. Y lo hace utilizando las nuevas tecnologías digitales\, experimentando con un tipo de imagen diferente al celuloide y al vídeo televisivo con los cuales trabajó a lo largo de toda su vida\, desde que debutara en los años cuarenta. El Teatro y la Literatura fueron sus otros territorios y en todos fue igualmente deslumbrante. Uno de los pocos genios de la Historia del Cine y de los mayores nombres de todo el Siglo XX. Quién quiera encontrar retratos del ser humano en su mas profundo sentido\, tendrá en la obra del sueco el mejor material entre sus manos y delante de sus ojos. Porque tras la sencillez citada se encuentra todo un complejo entramado de emociones\, sensaciones\, reflexiones\, sueños y realidades que trascienden la cuestión de un país\, de una idiosincrasia\, de una cultura. El ser humano bergmaniano somos todos y todas. Como un investigador que no aparta jamas la lupa de sus criaturas\, el cineasta narra con el lenguaje cinematográfico lo que pocos habían logrado antes. Y complementa con su mirada la obra de otros genios del cine como Griffith\, Chaplin\, Stroheim\, Lang\, Buñuel\, Ford\, Hitchcock\, Renoir o de Sica. Todos hacedores  del deslumbrante Arte surgido en las postrimerias del Siglo XIX. \nLa actriz Liv Ullmann (1938) nacida en Tokyo de padre noruego\, fue descubierta por el Maestro en su film de 1966 «Persona». Desde entonces rodaron una decena de películas que son ya parte de la Historia del Cine\, como «Vergüenza» (1968)\, «Gritos y Susurros» (1972)\, «Escenas de la vida conyugal» (1973) o «Sonata de Otoño» (1978). Otro actor querido por el realizador\, Erland Josephson(1923-2012) encarna al protagonista masculino. Ambos continúan con los personajes que construyeron en el citado título de 1973\, que fue primero serie de televisión en cinco episodios y luego película para los cines. En la actualidad\, transformada en obra de teatro\, «Escenas de la vida conyugal» recorre los escenarios de Argentina\, España y otros países con sus personajes emblemáticos que siguen demostrando la vigencia del artista nórdico\, quién explica así el título de su obra final: » evoca la bella suite para violonchelo de Bach. Una zarabanda es\, de hecho\, un baile por parejas. Se describe como muy erótico y fue prohibido en la España del Siglo XVI. Finalmente se convirtió en uno de los cuatro bailes prefijados en las suites instrumentales barrocas\, al principio como el último movimiento y posteriormente como el tercero. La película sigue la estructura de una zarabanda. Siempre hay dos personas que se encuentran. En diez escenas y un epílogo.» Palabra de Bergman. \n«SARABANDA» (SARABAND\, 2003) / Suecia / Director Ingmar Bergman / Intérpretes Liv Ullmann\, Erland  Josephson\, Borje Ahistedt\, Julia Dufvenius\, Gunnel Fred / Color / Hablada en sueco con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "DEPHAAN"(2015).
DESCRIPTION:Los protagonistas de este film francés son refugiados que llegan a Europa huyendo de las matanzas que una guerra civil y étnica provoca en su país de origen: Sri Lanka\, la antigua Ceylan. \nIsla ubicada al sur de la India\, en el Océano Índico\, vivió un conflicto armado que se extendió entre 1983 y 2009. Iniciado por un grupo guerrillero que representaba la minoría étnica tamil\, provocó la muerte de alrededor de 100.000 personas\, todas generadas por los dos bandos enfrentados. El Gobierno no escatimó víctimas civiles en su afán exterminador\, objetivo que alcanzó tras liquidar a la cúpula militar de los conocidos popularmente como Tigres Tamiles. La ONU jamas intervino en la cuestión por los vetos de China y Rusia\, que consideraban al exterminio un «problema interno». \nEl gran cineasta Jacques Audiard (1952)\, uno de los mayores talentos actuales del Cine Europeo\, rueda su séptimo film ganado el premio mayor del Festival de Cine de Cannes 2015: la preciada Palma de Oro. Autor de la memorable «Un Profeta» (2009)\, radiografía de cárceles y delincuencia francesas actuales\, el director encuentra en los tres personajes protagonicos el terreno fértil para desarrollar su historia de violencia\, migraciones y humanidades en situaciones extremas de supervivencia. Una historia de amor diferente atraviesa la narración: un hombre\, una mujer y una niña de 9 años simulan ser una familia para escapar de la isla y encontrar refugio en la civilizada Europa. Al llegar al suburbio de París que les ha tocado en suerte\, descubren que la violencia también es dueña del lugar. No es una guerra civil\, sino otra encubierta entre pandillas rivales que luchan por controlar el negocio de la droga. Trabajando como portero de edificio él y como cuidadora de un incapacitado ella\, la niña será quién mas fácil acceso tendrá a una cultura diferente\, que desconocen y los menosprecia. La sorpresa de los personajes al descubrir el mundo que late tras las ventanas de su departamento («parece que estuviéramos viendo una película»\, afirman en un momento) se traslada a nosotros\, espectadores de una geografía distante a los dos escenarios que muestra el film. \nUna obra extraordinaria donde las personas están antes que los acontecimientos. El realizador desarrolla con extremo talento su escritura fílmica con una cámara siempre ágil que no deja un momento de respiro. Las imágenes de un elefante que se mueve sigilosamente entre el verdor de las selvas tropicales de la perdida Ceylan\, da pie para reflexionar sobre la realidad convulsa de nuestra civilización. Donde parece no haber lugares pacíficos sino meras fantasías de ellos. Mientras los medios masivos de comunicación siguen digitando que o no mostrar (y la población creyendo lo que quiere creer)\, el Cine artístico\, comprometido\, social y político sigue ofreciéndonos la posibilidad de descubrir esas verdades que las otras pantallas nos escamotean. \n«Dephan» se convierte entonces en una de las manifestaciones mas poderosas del celuloide contemporáneo. El que permanecerá en el tiempo para futuras generaciones que quieran saber que ocurría en otros momentos de la Historia\, entre ellos el nuestro. El Arte\, alimento imperecedero de lo mejor de nosotros\, las Personas. \n«DEPHAAN» /idem / 2015 / Francia / Director Jacques Audiard / Intérpretes Jesuthasan Antonythasan\, Kalieaswari Srinvasan\, Claudine Vinasithamby\, Vincent Rotiers\, Marc Zinga / Color / Hablada en tamil y francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 50 minutos.
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SUMMARY:CINE: "MENTIRAS MORTALES" (2012).
DESCRIPTION:Robert Miller es un afamado hombre de negocios. Su imagen pública está construida sobre una idílica vida familiar compuesta con su mujer Ellen y su hija Brooke\, quién fascinada por la figura del padre\, intenta seguir su camino en el mundo de las altas finanzas. Pero la realidad no es tan ejemplar\, ya que el hombre esconde un turbio manejo de ciertos negocios. También una vida paralela con su bella amante francesa. Una noche y en pocos segundos\, toda su vida dará un cambio radical y entonces sus estrategias para seguir siendo el número uno se pondrán en marcha. «Mentiras Mortales» es una película que indaga en vidas reales detrás de las fachadas que los medios de comunicación construyen para vender lo que ellos quieren. Y los personajes que llenan sus espacios también. Porque tras las carreras de éxitos y sucesos se esconden los verdaderos peldaños que han construido sus engañosas figuras. El presente nos demuestra que la imagen no lo es todo. Y films como este\, en un genero tan atractivo como el de las intrigas en el mundo de los poderosos\, nos recuerdan que el mundo real es otro. Interpretada por uno de los grandes astros del cine global de los últimos cuarenta años\, el norteamericano Richard Gere\, la película nos conduce por un sendero lleno de suspenso\, intriga\, romances prohibidos y otros públicos\, relaciones familiares construidas sobre el engaño que hacen al buen cine. Un trío de intérpretes igualmente atractivos acompañan a Gere: Tim Roth\, uno de los grandes actores contemporáneos\, la enorme Susan Sarandon y la bella actriz y modelo francesa Laetitia Casta. \n«MENTIRAS MORTALES» / Arbitrage / 2012 / EE.UU- Polonia / Director Nicholas Jarecki / Intérpretes Richard Gere\, Susan Sarndon\, Tim Roth\, Laetitia Casta\, Brit Marling / Color / Hablada en ingles con subtítulos en castellano / Duración 1h 47 minutos.
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SUMMARY:CINE: "JULIETA" (2016).
DESCRIPTION:Pedro Almodóvar (La Mancha\, 1949) es el director de cine español con mas proyección internacional después de Luis Buñuel (1900-1983). Ambos han sido los embajadores mas reconocibles a nivel global de una cinematografía tan rica como desconocida fuera de sus fronteras. «JULIETA»  es su último trabajo estrenado hasta el presente\, mientras se prepara para el rodaje de su largometraje Nº 21. Cuenta otra historia de mujeres\, su especialidad desde los inicios de carrera\, Empleado administrativo de Telefónica Española\, entre 1974 y 1978\, filma en sus ratos libres una decena de cortometrajes en formato Súper 8 y debuta en 1980 en el largo con un título ya mítico del cine hispano: «Pepi\, Luci\, Bom y otras chicas del montón». Desde entonces\, ha encadenado un suceso con otro\, aunque en la última década ha ido perdiendo el apoyo del público masivo en su tierra\, no así fuera de las fronteras españolas\, donde su nombre cuenta entre los realizadores mas influyentes del cine contemporáneo. \nNarra la historia de Julieta en dos tiempos: pasado y presente. Una mujer que lleva 12 años sin tener noticias de su hija Antia\, lo que la tiene sumida en una depresión sin remedio. Una mañana se cruza en la calle con una antigua amiga de la joven y le dice que ésta vive en Suiza con su familia. Entonces la vida de la mujer da un vuelco e intentará desde ese momento contactar a través de cartas que lucen como diarios privados donde nos va relatando su historia. Tan compleja y llena de vericuetos como lo son todas las heroínas de Almodóvar. Los personajes masculinos parecen haberle interesado menos al realizador\, aunque algunas de sus películas los tengan como protagonistas. «Matador» (1986) fue el primer intento de indagar en la figura de un hombre y «La Mala Educación» probablemente su dedicación mas certera. El resto de su filmografía se comprende con personajes interpretados por actrices como Carmen Maura (su musa inicial y luego declarada enemiga)\, Marisa Paredes\, Rossy de Palma o Penélope Cruz. En «JULIETA» dirige por primera vez a una de las grandes actrices del panorama artístico español: Emma Suarez (1964) que debuto siendo adolescente en 1980 y ha dibujado una carrera sin pausas desde entonces. Entre su filmografía destacan tres trabajos con Julio Medem\, el cineasta vasco y dos con Pilar Miró\, una de las mas prestigiosas directoras de la península: sin ellos » Vacas» (1992)\, «La ardilla roja» (1993)\, «Tierra» (1996)\, del primero y «Tu nombre envenena mis sueños» y «El perro del hortelano» \, ambas de 1996\, de la segunda. El resto del elenco está formado por un grupo de formidables rostros femeninos\, una inquietud siempre presente en el cine del transgresor realizador nacido en tierras del Quijote. Como este\, y salvando todas las distancias (no es un genio\, en primer lugar)\, cabalga por el mundo del arte en busca de nuevas aventuras para la pantalla. Cine y Literatura manchegas de primera categoría. \n«JULIETA» / IDEM / España / 2016 / Director Pedro Almodóvar / Intérpretes Emma Suarez\, Adriana Ugarte\, Inma Cuesta\, Dario Grandinetti\, Daniel Grao\, Rossy de Palma\, Michelle Jenner / Color / Hablada en castellano con subtítulos / Duración 1h 40 minutos.
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SUMMARY:CINE :"PRIMAVERA EN OTOÑO" (1970).
DESCRIPTION:CENTRO DE JUBILADOS GRUPO RECREATIVO GENERAL PAZ 679. \nIniciamos esta tarde unas funciones que llamaremos\, en recuerdo de nuestra memoria y de las salas cinematográficas que había en ciudades como Azul y todo el País\, «MATINÉES DE CINE». En los tiempos en que se proyectaban películas a diferentes horarios\, los nombres que recibían cada uno eran: «matinée» (primera hora de la tarde)\, «vermouth» (sobre las 19.00 hs) o «trasnoches» (pasadas las 0.30 hs). La función central siempre rondaba las 21.00 hs. Y así\, la opción para cada uno estaba servida. En esta nueva oferta del Centro de Jubilados se exhibirán mensualmente y en horario de Domingo a las 15.00 hs.una serie de películas interpretadas por actrices y actores clásicos del cine como Ingrid Bergman\, Audrey Hepburn\, Kim Novak\, Humphrey Bogart\, William Holden\, Sophia Loren\, Paul Newman\, Marlon Brando\, Brigitte Bardot\, Deborah Kerr\, Burt Lancaster\, Elizabeth Taylor\, Marilyn Monroe\, Tony Curtis\, Jack Lemmon o Rita Hayworth. Lo que significa que los mayores de 50 años serán sus primeros destinatarios. Para recuperar un tiempo hoy perdido de ver películas en la intimidad de una sala. Cuando generaciones enteras de espectadores hicieron de esta actividad una de las primeras en el entretenimiento popular y masivo. \nEl primer título a exhibir es «PRIMAVERA EN OTOÑO». Una película de origen norteamericano realizada en el año 1970 e interpretada por dos figuras que ya eran históricas entonces: Ingrid Bergman\, nacida en Suecia y Anthony Quinn\, procedente de México\, que desarrollaron la mayor parte de su trabajo en Hollywood\, California. La actriz se había consagrado en la década de los 40 cuando sus interpretaciones en films como «Casablanca»\, » Recuerda Tu Pasado»\, «Luz de Gas» o «Anastasia» la convirtieron en una de las preferidas de público y críticos. El actor comenzó interpretando roles secundarios hasta alcanzar protagonismo y destacar en obras como «Viva Zapata»\, «Viento Salvaje» «Los Cañones de Navarone»\, «Lawrence de Arabia»\,» Zorba el Griego»\, «La Hora 25» o «Las Sandalias del Pescador». \n«PRIMAVERA EN OTOÑO» cuenta la historia de Libby y Will\, ambos de 55 años que se enamoran a pesar de estar casados y tener familias desde mucho tiempo atrás. Un romance que lo viven en secreto y en medio de un ambiente alejado de la gran ciudad. La mujer vive con un escritor y deciden pasar una temporada en el campo para lograr mayor inspiración en el trabajo del hombre. Will es el encargado de mantener la casa y solucionar los conflictos que eventualmente surjan. Pero la atracción mutua que sienten desde el primer momento en que se ven\, les obligará a replantear sus vidas y su futuro. \nDirigida por un experimentado realizador de origen inglés\, Guy Green\, el film ha sido escasamente visto después de su estreno y en este nuevo ciclo se recuperaran obras de esta clase con la intención de brindar a los espectadores el placer del reencuentro con un tipo de intérpretes y películas de difícil acceso en la actualidad. \nEsperamos poder crear con el paso del tiempo y la sumatoria de funciones\, un público fiel y que encuentre el placer en esta cita de los domingos por la tarde. Los esperamos. \n«PRIMAVERA EN OTOÑO» (A walk in the spring rain\, 1970) / EE.UU / Director Guy Green / Intérpretes Ingrid Bergman\, Anthony Quinn\, Fritz Waver\, Katharine Crawford\, Tom Holland / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 38 minutos.
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LOCATION:Centro de Jubilados Grupo Recreativo\, General Paz 679\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "BUENAS NOCHES\, ALEJANDRO" (1968).
DESCRIPTION:Un Hombre y un Perro\, protagonistas. En 1968 se estrena en Buenos Aires esta película que se convierte en éxito inmediato y será uno de los films mas vistos por los espectadores argentinos en los siguientes años\, cuando una y otra vez se repuso en Salas de Arte (o Cine-Clubs) de todo el territorio. Un tiempo donde el público mas exigente acudía a ver títulos europeos en busca de una diferencia que no siempre encontraba en el de Hollywood. Las comedias francesas e italianas eran ampliamente apoyadas por este sector de amantes de la gran pantalla. Y esta obra del muy reputado director galo Yves Robert ((1920-2002)\, autor de sucesos como «La Guerra de los Botones» (1962)\, «Alto\, Rubio y con un zapato negro» (1972)\, «El regreso del alto y rubio» (1974)\, ambas con el comediante Pierre Richard\, «Un elefante con una trompa enorme» (1976) o «Todos iremos al Paraíso» (1977)\, cumplió ampliamente con estas inquietudes. \nAlejandro en un hombre bonachón de menos de 40 años que trabaja el campo de sol a sol\, siempre bajo la implacable batuta y mirada de su esposa\, alias «La Grande»: mujer tiránica y abusadora que no deja de exigirle cosas al sufrido amante del buen vivir (en sus fantasías). No todo acaba con las tareas del campo ya que después de las cenas también debe satisfacer deseos íntimos de la dama. Los padres de ésta no se privan tampoco de ejercer presión sobre la «víctima». Pero un accidente de auto cambiará todo la realidad y a partir de allí\, Alejandro decidirá hacer literalmente lo que le da la gana. O lo que es lo mismo\, nada. Estar durmiendo\, comiendo y disfrutando de la compañía de su mejor y único amigo: un perro que le sigue en todo y se convierte en el mejor aliado de aventuras. Pero no hay dicha que dure cien años ni nueva mujer irresistible que se cruce en su camino… \nEl enorme actor francés Philippe Noiret (1930-2006) se consagró popularmente con esta película. Había debutado en uno de los títulos clásicos del cine galo: «La Pointe Courte»(1955)de Agnes Varda\, considerado el título «inicial» de la Nouvelle Vague (Nueva Ola)\, movimiento cinematográfico emblemático del período 1955-1965\, cuando un puñado de jóvenes cineastas revolucionaron el panorama fílmico global. Noiret aparecería en otros dos films de Culto: «Zazie en el Metro» (1960) de Louis Malle y «Therese Desqueyroux» (1962) de Georges Franju. Luego\, filmó con maestros como George Cukor\, Alfred Hitchcock\, Philippe de Brocca\, Marco Ferreri\, Mario Monicelli\, Alain Robbe-Grillet o Bernard Tavernier. En 1988 su nombre vuelve a brillar en lo mas alto al protagonizar «Cinema Paradiso» de Giuseppe Tornatore y en 1994\, su último suceso\, «El Cartero»\, donde dio vida al escritor Pablo Neruda. Forma parte del núcleo mayor de interpretes de Francia\, al lado de nombres como Jean Gabin\, Fernandel\, Charles Boyer\, Lino Ventura o Yves Montand. Sin la apostura de ellos ni de la de Alain Delon\, Jean Paul Belmondo o Jean Louis Trintrignant\, su nombre engalana esta exquisita «lista de los mejores». \n«Buenas Noches\, Alejandro» cumple 50 años de su estreno y nos brinda la posibilidad de volver a enfrentarnos a ella para entender como le han pasado los años así como a nosotros los espectadores.Su título original lo define como «Alexander el bienaventurado o el bendito»\, una licencia del lenguaje aplicada a la comedia mas pura y también mas profunda: la que a través de la comicidad nos permite acercarnos a los aspectos menos alegre de la vida. Un clásico. \n«BUENAS NOCHES\, ALEJANDRO» (Alexandre\, le bienheureux) Francia /1968 / Director Yves Robert / Intérpretes Philippe Noiret\, Francoise Brion\, Marlene Jobert\, Tsilla Chleton\, Pierre Richard / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 40 minutos. \n 
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SUMMARY:CINE: "SUNSET BOULEVARD" (El Ocaso de una Vida) 1950.
DESCRIPTION:Está considerada como una de las grandes obras maestras de la cinematografía. Muchas películas han abordado el tema de como se hacen las películas\, o sobre vidas de intérpretes\, guionistas\, directores. Y entre ellas destacan perlas como esta. Estrenada en 1950\, narra la historia de tres personajes: un guionista sin trabajo y con muchas deudas\, una actriz que fue famosa durante la época del cine mudo y un director que se ha convertido en su sirviente. Los tres se encuentran en una decadente mansión sobre la calle que da título a este film. Una célebre arteria que atraviesa grandes extensiones de la ciudad de Los Ángeles y que ya es nombre mítico para  viajeros\, curiosos y amantes del celuloide. La modernidad de la obra se manifiesta a casi 70 años de su realización(1949) y ello se debe al talento indiscutible de sus responsables que logran el prodigio de emocionar a espectadores actuales a través de mecanismos eminentemente cinematográficos: un guión deslumbrante\, localizaciones\, escenografías reales y armadas\, fotografía y música que le dan identidad propia y furiosa. El realizador Billy Wilder (1906-2002) cuenta con trabajos memorables como «Pacto de Sangre» (1944)\, «Días sin Huellas» (1945\, «Sabrina» (1954)\, «Una Eva y dos Adanes» (1959) o «»Primera Plana» (1974)\, todos clásicos. Recupera para este film la figura entonces semi-olvidada de una de las mayores figuras del Cine Mudo: Gloria Swanson (1899-1982) \, actriz prodigiosa que hace de su creación\, Norma Desmond\, uno de los grandes personajes femeninos de todos los tiempos: estrella decadente que paga con la locura el precio del olvido de espectadores y profesionales de su medio. El amor desbocado que siente por un hombre mucho menor\, será la gota que colmará su vaso. Una historia de pasiones no correspondidas\, demencia\, poder\, intriga y crimen en el centro de Hollywood. Junto a ella actúan dos hombres no menos célebres: el actor William Holden (1818-1981)\, ídolo indiscutible de los años 50 y 60\, y Erich von Stroheim\, gran y genial director del cine mudo\, maestro de maestros\, figura revulsiva y transgresora que tiene en su haber clásicos como «Avaricia» (Greed\,1924)\, considerada una de las obras capitales de este arte. Un título imprescindible para cualquier amante del cine. \n«SUNSET BOULEVARD / EL OCASO DE UNA VIDA» (1950) / Director Billy Wilder / Intérpretes William Holden\, Gloria Swanson\, Erich von Strohein\, Nancy Olson / Blanco y Negro / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 55 minutos.
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SUMMARY:CINE "MANHATTAN" (1979).
DESCRIPTION:La comedia cinematográfica es un genero que permite hablar muchas veces de situaciones dramáticas a través del humor y lograr de esta manera que el efecto sobre el público sea diferente al provocado por un drama. Sin embargo\, y aunque parezca contradictorio\, si nos ajustamos a definiciones de diccionario\, forma parte de la Obra Dramática\, pero con elementos que divierten\, hacen reír y tienen desenlace feliz. No es obligatorio ceñirse a esta afirmación\, y los grandes cineastas se han encargado de reflexionar a través de ella de toda una galería de situaciones y personajes que presentan su humanidad desnudamente\, «disfrazándola» detrás del humor. Buster Keaton y Charles Chaplin fueron dos de sus máximos exponentes en los primeros tiempos del Cine con obras como «The Kid» (El Pibe\, 1921) o «Our Hospitality» (La ley de la hospitalidad\, 1923) donde se interrogan por temas tan poco divertidos como la infancia miserable o las hipocresías familiares\, haciendo que ellos aparezcan ante el espectador de una manera mas accesible o digerible. El efecto\, sin embargo\, no dejará a nadie indiferente ante lo dramático de lo representado. \nWoody Allen (1935) ha desarrollado desde los años sesenta una amplia obra como actor\, guionista y director de cine (también de teatro\, televisión y shows nocturnos) que lo convirtió en uno de los mayores cronistas de la Norteamérica contemporánea y mas tarde\, podríamos decir\, de todo un sector de la cultura occidental. Ha dirigido cerca de 50 largos para la pantalla entre las que destacan comedias y dramas en estado puro\, pero también una cierta combinación de ambas formas que podríamos definir como comedias dramáticas ( cientos de cineastas lo han hecho también). Destacan entre sus títulos: «Bananas» (1971)\, «Dos extraños amantes» (Annie Hall) (1977)\, «Zelig» (1983)\, «La rosa púrpura del Cairo» (1985)\, «Crímenes y Pecados» (1988)\, «Todos dicen te quiero» (1996)\, «Ladrones de medio pelo» (2000)\, «Blue Jazmine» (2013) y los cuatro films que rodó en Gran Bretaña: «Match Point» (2005)\, «Scoop» (2006)\, «El sueño de Cassandra» (2007) y «Conocerás al hombre de tus sueños» (2010). \n«MANHATTAN» (1979) fue una de sus obras mas aplaudidas\, donde humor y drama comenzaron a combinarse de una manera mas evidente. Narra la historia de un hombre en crisis (personaje permanente de los interpretados por él mismo) que a los 42 años se encuentra harto de su trabajo y se queda sin él. Tres mujeres circulan por su presente: una joven de 17 años profundamente enamorada\, una ex-esposa a punto de publicar un libro sobre su propia experiencia matrimonial y la neurótica amante de su mejor amigo que pronto lo será también suya. Con el telón de fondo de la ciudad que da nombre al film\, de la cual el personaje confiesa estar literalmente enamorado\, la narración se desliza armoniosamente bajo la deslumbrante música de Gershwin «Rhapsody in Blue» y nos brinda una de las primeras interpretaciones de la actriz Meryl Streep. Obra fílmica que mantiene intactos sus encantos a casi cuarenta años del estreno. Un Clásico de la comedia cuyas palabras finales hablan de la necesidad de creer que no todo el mundo está corrompido y que por tanto nos merecemos la esperanza. Una de las secuencias finales mas conmovedoras del cine y ejemplo magistral del talento de uno de los grandes cineastas del cine contemporáneo. \n«MANHATTAN» (ide\,\, 1979) / EE.UU. / Director Woody Allen / Intérpretes Woody Allen\, Diane Keaton\, Michael Murphy\, Mariel Hemingway\, Meryl Streep / Blanco y Negro / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 35 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LA TERNURA" (2017).
DESCRIPTION:La película se cierra con una cita de un antiguo poeta árabe a quién no se nombra: «La Felicidad no es un objetivo a alcanzar\, siempre habrá un lugar para regresar\, que no está adelante\, está atrás. Vuelve\, no vayas. Ninguno de nosotros lo sabe». Como toda poesía\, guarda misterio e interpretaciones diferentes. En la película del gran realizador italiano Gianni Amelio parece evocar determinada ausencia de sentimientos humanos. Un abogado recién retirado\, pasado los setenta años\, se enfrenta en su Napoles natal a una serie de circunstancias que le obligan a replantear cuestiones fundamentales de su vida\, entre ellas\, la relación amarga que mantiene con sus hijos ya adultos. Estos\, también plantean una mirada diferente hacia su padre. Un matrimonio joven con hijos pequeños se convierten en vecinos. Y sensaciones anestesiadas parecen despertar en el hombre. El realizador es uno de los mayores nombres del arte italiano desde que inició su carrera tres décadas atrás con una obra audiovisual compuesta de cortometrajes\, largos documentales y de ficción\, para cine y televisión\, donde destacan «Puertas Abiertas»\, «Ladrón de niños»\, «Lamerica» y «Las llaves de casa». En ellas indaga sobre temas siempre actuales como son la corrupción política\, la infancia abandonada\, la realidad de países que generan migraciones masivas hacia Italia o la enfermedad y la relación de esta entre familiares. «La Ternura» bucea en la situación social de la Europa actual muy alejada de la estampa turística. En la Napoles que el director retrata no hay lugar para otro paisaje que no sea el humano. Una de las mejores películas europeas del año pasado que está protagonizada por Renato Carpintieri\, un hombre del teatro y la cultura que debutó en cine a los 50 años en una obra de este mismo director\, y que desde entonces no ha parado de trabajar\, compartiendo esta labor con la de director de uno de los grandes espacios teatrales napolitanos. Lo acompañan un grupo notable de intérpretes\, entre los que destacan los niños co-protagonistas. \n«LA TERNURA» (La Tenerezza) /2017 / Italia / Director Gianni Amelio / Intérpretes Renato Carpintieri\, Giovanna Mezzogiorno\, Elio Germano\, Greta Scacchi\, Micaela Ramazotti\, Hieb Khili / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h. 50 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL MAGO DE LAS MENTIRAS" (2017).
DESCRIPTION:«El Mago de las Mentiras» es una película muy actual\, está producida para la Televisión norteamericana pero ha tenido una amplia difusión mas allá de la pequeña pantalla. Porque su temática de rabiosa actualidad es formidable para explicar y hacer comprensible a los espectadores el alcance de una Crisis Financiera gestada a partir del año 2007 y cuyas consecuencias arrastra hasta el presente. Así como a partir de un «día negro» de 1929 cuando la Bolsa de Nueva York desató otra crisis que afectó al país y al exterior hasta la intervención de EE.UU. en la Segunda Guerra Mundial\, esta llamada «Gran Recesión» (o Segunda Gran Depresión) llega con sus tentáculos hasta nuestros días. El 15 de septiembre de 2008\, y tras un año de alarmantes síntomas de diferentes Bancos norteamericanos\, el cuarto en orden de importancia\, Lehman Brothers\, fundado en 1850\, colapsa. Y el 11 de diciembre explota la bomba de una Firma de Inversión activa desde 1960: la de Bernard («Bernie» para amigos y enemigos) Madoff. Con su detención queda al descubierto una de las mayores estafas de la Historia. Con su actividad en forma de esquema piramidal (suma de clientes ilimitadamente pero que no deben reclamar sus beneficios todos a la vez)\, llevó a la ruina a miles de personas por una suma cercana a los 65.000 millones de dolares en todo el Planeta.. En la actualidad está en prisión cumpliendo pena de 150 años de prisión y el decomiso de 17.179 millones de dólares. Con todo este material\, el director Barry Levinson (1942) realiza una película que se centra en las consecuencias de este suceso en las entrañas de la propia familia de Madoff: como en una tragedia griega\, sus integrantes vas sufriendo las consecuencias de los actos de un padre terrible que ademas les ha engañado a todos ellos. Sus tres hijos\, Mark\, Andrew y Peter son las principales víctimas. Mientras que su esposa Ruth parece escapada de una obra de Shakespeare\, mezcla de Lady Macbeth y de inocente Julieta capaz de todo por acompañar a su amor. La película se convierte en uno de los grandes retratos contemporáneos sobre la importancia del Dinero en la sociedad hiper-capitalista\, donde son muchas las víctimas y muy pocos los reales ganadores. Aunque muchos de ellos no hagan mas que esquivar a la Justicia una y otra vez. \nInterpretada por uno de los mayores actores de la Historia del Cine\, Robert de Niro (1943)\, intérprete de mas de un centenar de películas entre las que destacan las realizadas en el período 1968 (año de debut)- 1990 cuando realiza «Buenos Muchachos»\, una de sus varias colaboraciones con el cineasta Martin Scorsese y que cierra de alguna manera su tiempo de actor serio y comprometido. A partir de entonces y hasta la actualidad\, ha trabajado incansablemente en películas muy olvidables\, dando demasiado lugar a las comedias o policiales intrascendentes pero que le han mantenido como figura taquillera a lo largo de las décadas. «El Mago de las Mentiras» nos trae lo mejor de su arte y lo confirma como lo que siempre fue: uno de los mas grandes. Recordemos entre sus mayores contribuciones los siguientes títulos: «Calles Salvajes» (1973)\, «El Padrino II» (1974)\, «Taxi Driver»\, «Novecento» y «El Último Magnate»\, todas de 1976\, «New York\, New York» (1977)\, «El Francotirador» (1978)\, «El Toro Salvaje» (1980)\, «Confesiones Verdaderas» (1981)\, «Erase una vez en América» (1984)\, «Los Intocables» (1987)\, «Casino» (1995)\, «Jackie Brown» (1997) y «Ronin» (1998). Ha dirigido dos excelentes films: «Una luz en el Infierno» (1993) y «El Buen Pastor» (2006)\, obra cumbre del cine norteamericano contemporáneo donde indaga sobre los entre-telones de los servicios secretos\, un mundo tan oscuro como el de las finanzas. \n«EL MAGO DE LAS MENTIRAS» (The wizard of lies) 2017 / EE.UU. / Director Berry Levinson / Intérpretes Robert de Niro\, Michelle Pffeifer\, Alessandro Nivola\, Nathan Darrow\, Michael Kostroff / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2hs 13 minutos. \n 
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SUMMARY:CINE: "EL FARO DE LAS ORCAS" (2016).
DESCRIPTION:En los confines del continente americano\, las costas atlánticas de Chubut\, hay una enorme bahía custodiada en sus extremos por un Faro. Allí vive solitario Beto. Apartado de toda vida social\, con lo elemental como única compañía\, el hombre parece vivir en paz con el entorno. Los lobos marinos deben escapar de las fauces de las orcas\, lo que le resulta fascinante. Un día dos viajeros trastocan su soledad: Lola y su pequeño hijo Tristán llegan en busca de respuestas. Vienen del otro lado del mar porque la solución a sus conflictivas vidas parece esconderse en estos desolados paisajes. Un hombre\, una mujer\, un niño. No forman necesariamente una familia. El realizador español Gerardo Olivares (1964) cuenta con una amplia obra donde sus películas parecen encadenarse unas con otras a través de relatos que transcurren en parajes remotos\, donde los seres humanos deben poner a prueba sus aptitudes para sobrevivir. De los desiertos africanos a los mares polares\, desde el Norte del Globo al extremo Sur. Su cámara rastreas paisajes y rostros intentando lograr comunión entre ellos. «El Faro de las Orcas» narra la historia de varios aprendizajes. Sobre la naturaleza agreste y sobre todo\, la humana. Interpretada por uno de los actores mas talentosos de la nueva generación argentina\, Joaquin Furriel y Maribel Verdú\, figura emblemática del cine español desde hace tres décadas\, el film encuentra en el niño Joaquin Rapalini el tercer personaje de la historia: Tristán\, que deberá enfrentarse al mayor desafío de su corta vida: saber que hay mas allá de esa misteriosa enfermedad conocida como Autismo. Un cine que bucea en los aspectos mas complejos de la condición humana para despertar en ellos emociones dormidas. La belleza del paisaje compite con la de los animales que pueblan sus costas. Una película diferente y necesaria. \n«EL FARO DE LAS ORCAS» (2016) España-Argentina / Director Gerardo Olivares / Intérpretes Joaquin Furriel\, Maribel Verdú\, Joaquin Rapalini\, Osvaldo Santoro\, Ana Celentano / Color / Hablada en castellano / Duración 1h 50 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "UNA SERENA PASIÓN" (2016).
DESCRIPTION:Una de las mas prestigiosas poetisas norteamericanas fue Emily Dickinson (1830-1886) y su nombre brilla a la par de los de Edgar Allan Poe o Walt Whitman\, formando una especie de Olimpo del país del norte en esta disciplina del Arte que es la Poesía. El realizador británico Terence Davies (1945)\, uno de los grandes cineastas contemporáneos\, ha llevado al cine parte de su vida. La encuentra cuando es una joven y luego en su adultez\, siguiéndola hasta el ocaso. Una vida extraña que pasó mayoritariamente encerrada entre las paredes de su propia casa\, población del estado de Massachusetts. Nieta e hija de jueces (y también diputado fue su padre)\, la mujer encuentra refugio en un solo espacio: el del lenguaje. La rigidez del entorno puritano\, religioso\, formal y de bienestar económico en que su historia discurre\, la forma y condiciona. El amor para ella está representado en sus lazos familiares y en un hombre que pasa fugazmente por su camino. La enfermedad y su condición de ermitaña harán el resto. En el medio\, la guerra civil o de secesión que arrasó su tierra enfrentando su norte con el sur esclavista. \nEntre sus 1800 poemas encontramos «Ensueño»\, que dice así: «Para fugarnos de la Tierra / Un libro es el mejor bajel / Y se viaja mejor en el poema / Que en el mas brioso y rápido corcel / Aun el mas pobre puede hacerlo / Nada por ello ha de pagar / El alma en el transporte de su sueño / Se nutre solo de silencio y paz /». En esta brevedad parece sintetizado su paso por la Tierra. \nTerence Davies ha realizado 8 largometrajes de los cuales pocos se conocen en Argentina. Este y «La Casa de la Alegría» (2000)\, manteniéndose desconocidos el resto\, entre los que destacan «Voces Distantes» (1988) y » El profundo mar azul» (2011)\, dos films capitales del cinema contemporáneo. Un director que filma pausadamente en tiempo y también en cada una de sus piezas\, auténticos tesoros del mejor Cine. La actriz de la serie » Sex and the City»\, «Ley y Orden»\, entre otras\, la norteamericana Cynthia Nixon(1966) da un salto en el registro actoral y se introduce en el  cuerpo y el espíritu de la genial artista\, haciendo que nosotros espectadores tengamos una nueva forma de acercarnos a ella\, mas allá de la presencia de sus deslumbrantes libros. El Cine entonces\, se convierte en arma formidable para reflejar las demás Artes. Un lenguaje atravesado y articulado por otro. \n«UNA SERENA PASIÓN» ( A Quiet Passion\, 2016) / Reino Unido- Bélgica / Director Terence Davies / Intérpretes Cynthia Nixon\, Emma Bell\, Keith Carradine / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2hs. 5 minutos.
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SUMMARY:TALLER DE CINE: "SEMBRANDO ILUSIONES" (1972).
DESCRIPTION:En una de las colinas que rodean Roma hay una enorme mansión. Y pocos metros hacia abajo una villa miseria no menos grande. A la primera llega La Millonaria\, que como todos los años pasa unas semanas en la ciudad. Y desde la barriada miserable ascienden Peppino y Antonia para jugar una partida de naipes que les puede hacer ganar un dinero que\, año tras año se les escapa de las manos. Porque no es la primera (ni será la última) vez que suben hasta la gran casona a compartir el tiempo de la caprichosa millonaria norteamericana. Lo que para ellos es una posibilidad de ganar dinero\, para ella no resulta mas que otro ejercicio de maldad\, perfidia y sadismo donde los roles de ricos y pobres circulan en una rueda ya milenaria. \nCon esta premisa y utilizando un humor clasicamente italiano\, el director Luigi Comencini (1916-2007) realiza otra de sus grandes películas. En una carrera que abarca mas de 50 trabajos para el Cine y la Televisión\, destacan sus criaturas siempre en situaciones de crisis con la sociedad\, sean niños\, adultos o ancianos. La comedia y el drama mas amargo se dan la mano en sus creaciones. Con una cualidad especial para indagar en el mundo de la infancia\, entre sus films destacan «Pan\, amor y fantasía» (1953)\, «Pan amor y celos» (1954)\, «Tutti a casa» (1960)\, «A caballo del tigre» (1961)\, «La ragazza di Bube» (1964)\, «El gran embotellamiento» (1979) y sus relatos sobre chicos «El Incomprendido» (1967) y «Las aventuras de Pinocho» (1971). \n«Sembrando Ilusiones» es una de sus mayores obras de los años setenta y en ella se indaga a través de un humor caustico\, negro\, doloroso\, en la realidad de Italia\, siempre en conflicto.Las diferencias de clases\, la perpetuación de grandes núcleos de pobreza ajenos al bienestar y recuperación posterior a la segunda guerra mundial\, la humanidad de sus personajes ya sean de alta o baja escala social\, hacen de este realizador uno de los grandes maestros de la Historia del cine peninsular. Su nombre destaca junto a los de Pietro Germi\, Luigi Zampa\, Nanny Loy\, Dino Risi o Luigi Magni\, dentro de una generación que sentó cátedra para las generaciones posteriores. Es un cine siempre vivo a pesar del transcurso del tiempo. Sus criaturas son reconocibles y en ellas nos encontramos nosotros\, sus descendientes latinoamericanos. El cine italiano es posiblemente de todos los europeos\, el que mas éxito cosechó en Argentina\, que tuvo su época de esplendor entre los años cincuenta y ochenta del siglo pasado. \nCon un quinteto de intérpretes legendarios\, el film se convierte en un festival de grandes actuaciones. Con la singularidad de contar con tres figuras míticas italianas acompañadas en la ocasión por dos leyendas del cine de Hollywood: combinación que se dio en muchas ocasiones entre los dos países. Alberto Sordi (1920- 2003)\, Silvana Mangano (1930-1989) y Domenico Modugno (1928-1994)\, cantante y actor\, se enfrentan a Bette Davis (1908-1989) y Joseph Cotten (1905-1994) en esta enorme concentración de talentos interpretativos. La vida en la mansión\, en la villa miseria\, en las calles mas sucias y abandonadas de Roma son retratadas implacablemente por director y actores. Una película para recuperar. \n«SEMBRANDO ILUSIONES» (Lo Scopone Scientifico) / 1972 / Italia / Director Luigi Comencini / Intérpretes Silvana Mangano\, Bette Davis\, Alberto Sordi\, Joseph Cotten\, Domenico Modugno / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h 53 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL TREN" (1973).
DESCRIPTION:Cuando los alemanes invaden Francia en 1940\, muchos ciudadanos inician una huida desesperada hacia diferentes puntos del país. El desconcierto provocado les lleva a deambular no se sabe bien hacía donde. Los personajes de está historia corren hacia las playas del Atlántico en un tren que finaliza su recorrido en una de ellas: La Rochelle. En el\, viajan cientos de desesperados que han dejado todo en sus lugares de origen. Atravesando campos y poblados nutridos de otros miles que por ruta\, caminando\, en coche o en carros comparten desplazamientos\, los viajeros se aprietan en vagones atestados. Hombres\, mujeres\, niños de todas las edades y estratos sociales. Allí cruzan sus caminos Julien y Anna. El hombre se ha separado en una estación reciente de su mujer embarazada y ella aparece llena de misterios y secretos. Mujer de belleza deslumbrante y porte aristocrático\, desconcierta a quienes la rodean: Julien se siente fascinado por su persona. \nAsí son los primeros momentos de este film ya clásico del panorama francés\, que a cuatro décadas de su estreno mantiene intactos los valores cinematográficos que su director e intérpretes lograron imprimirle. Las Guerras siempre han resultado tentadoras para inspirar películas y esta la aborda lejos del frente de batalla\, de los soldados y sus ejércitos. Pero totalmente cerca de las criaturas que padecen su flagelo. Antes y ahora también: Europa en los 40 o Siria en la actualidad comparten la misma desgracia\, que generada una y otra vez por el Hombre parece no tener fin. Cinco mil años de civilización no hacen mas que confirmarlo. \nPierre Granier-Deferre (1927-2007) realizó algunas grandes películas entre las casi treinta que firmó a lo largo de su extensa carrera\, cerrada en 1995. En ella se destacan títulos como » El Evadido» con Alain Delon y Simone Signoret\, o su obra cumbre «El Gato» con Signoret y Jean Gabin\, basados como esta y otras de sus creaciones en un texto del gran Georges Simenon (1903-1989)\, prolífico autor creador del personaje del Inspector Maigret. Sus intérpretes principales son dos de las grandes figuras del Cine Europeo: Jean Louis Trintignant (1930)(memorable protagonista de decenas de films\, desde «Il Sorpasso»\, «Un hombre y una mujer» hasta la dolorosa «Amour») y Romy Schneider (1938-1982) (actriz mítica que alcanzó la fama en su adolescencia con films como «Sissi»\, que mantuvo hasta el final de su corta trayectoria cuando era una de las figuras mas prestigiosas del cine y murió a los 42 años de edad). «El Tren» un film para recuperar y disfrutar en su estructura clásica. \n«EL TREN» (Le Train\, 1973) / Francia- Italia / Director Pierre Granier-Deferre / Intérpretes Romy Schneider\, Jean Louis Trintignant\, Anne Wiazemsky\, Serge Marquand\, Regine / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 35 minutos..
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:TALLER DE CINE: "UNA MUJER FANTÁSTICA" (2017).
DESCRIPTION:Marina es una mujer joven que mantiene relación amorosa con un señor que podría ser su padre. Este tiene hijos de la misma edad que Marina\, hermano y ex-esposa. Un romance mas allá de las edades donde el amor es el protagonista. Orlando muere y deja a su compañera en una situación de enorme fragilidad. Porque otros factores\, ademas de los esperados en una situación así\, entran a jugar. La familia del hombre la desprecia básicamente por una cuestión: ella nació hombre y ahora es mujer. \nCon esta premisa\, el realizador chileno Sebastián Lelio (1974)\, uno de los mas destacados valores cinematográficos de su país\, construye un nuevo eslabón en su carrera\, que iniciada en 2005 en el largometraje «La Sagrada Familia»\, no deja de crecer. Tras haber realizado cinco largos y varios cortos en Chile\, ha rodado dos films en Estados Unidos a partir del suceso de esta obra\, que ganó el Oscar a la Mejor Película Extranjera en 2018. Anteriormente\, su film «Gloria» (2013) le había puesto en la órbita de los Festivales de Cine Internacionales. \nEl realizador ha dedicado su trabajo a reflexionar sobre los aspectos mas ocultos de la sociedad chilena. Nacido en la Dictadura de Pinochet\, ha sido testigo tanto de los cambios como de la perpetuación de ciertas costumbres relacionadas con el funcionamiento de la familia como institución y del rol sexual de las personas en relación a la mirada generalizada. Sus películas están protagonizadas por seres humanos en permanente conflicto por los prejuicios reinantes y muestra los movimientos que deben llevar a cabo para vencerlos\, trascenderlos. En «Una Mujer fantástica»\, se enfrenta a la realidad de una persona nacida varón pero que se siente mujer y que como ella se realiza. Marina no ha cumplido los treinta años pero sabe claramente quién es. Trabaja en un club nocturno interpretando canciones melódicas a pesar de tener una voz que la habilita para el canto lírico. Está enamorada de Orlando y él de ella. Pero pronto quedará sola y desde entonces deberá luchar contra los poderes establecidos: hospitales\, comisarias\, domicilios que no son propios y reclamados por los herederos de su pareja. Policías que van mas allá de sus deberes y personas que no aceptan las diferencias. El duelo y su dificultad de realizarlo. El mundo avanza pero el progreso y las mentalidades abiertas no llegan para todos. \n«Una Mujer Fantástica» aporta al Cine otra perspectiva sobre temas conflictivos que son generalmente mal digeridos por las mayorías. Desde su realidad de obra artística\, provoca la reflexión y el debate incursionando deliberadamente en los terrenos del cine mas abiertamente político e ideológico. Un cine que cada vez mas\, encuentra adeptos delante y detrás de la pantalla cinematográfica. \n«UNA MUJER FANTÁSTICA» (2017) / Chile / Director Sebastían Lelio / Intérpretes Daniela Vega\, Fernando Reyes / Hablada en castellano con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40 minutos.
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SUMMARY:TALLER DE CINE: "UNA SEGUNDA MADRE" (2015).
DESCRIPTION:Val es una mujer vital\, optimista\, trabajadora\, siempre dispuesta a ver el lado luminoso de la existencia. Pero esta actitud también sirve para esconder otros aspectos de su vida mas silenciados. Lleva años al servicio de una familia de San Pablo en Brasil y su dedicación al hijo del matrimonio parece ser el centro de toda su ocupación. Un día recibe un llamado desde el interior: Jessica\, su hija a quién no ve desde hace años\, le anuncia que llega en breve a la ciudad. El mundo de Val sufre un vuelco y su rutina hasta el momento será puesta a prueba. \nEl cine del Brasil sigue siendo un gran desconocido en Argentina a pesar de contar con éxitos que se dieron a través del tiempo. Los años setenta y primeros ochenta fueron especialmente numerosos en estrenos de la nación hermana tras el suceso extraordinario de «Doña Flor y sus dos maridos». En cambio\, la televisión ofrece con éxito y desde hace años productos en formatos de telenovelas. \nAnna Muylaert es una de las mas talentosas realizadoras jóvenes de la actualidad y con este título alcanzó enorme repercusión dentro y fuera de las fronteras de su tierra. Triunfando en festivales de Europa y Norteamérica\, la película conoció un estreno minoritario en Argentina en 2016. Con un grupo de intérpretes rebosantes de talento encabezados por la gran actriz Regina Casé\, «Una segunda madre» nos relata a través de un estilo de comedia vertiginosa la actualidad de un oficio tantas veces marginado: el servicio domestico y las relaciones afectivas que se establecen desde los dos lados de la situación. Una de las grandes películas latinoamericanas de los últimos tiempos. \n«UNA SEGUNDA MADRE» (¿Que horas ela volta?\, 2015) / Brasil / Dirección Anna Muylaert /Intérpretes Regina Casé\, Michel Joelsas\, Camila Márdila / Color / Hablada en portugués con subtítulos en castellano / Duración 1h 52 minutos.
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SUMMARY:CINE: "HANDIA" ( 2017).
DESCRIPTION:Handia significa Grande en la lengua euskera. Y es el titulo de este film triunfador en el último Festival de Cine de San Sebastían 2017. Narra la historia (basada en hechos reales que se mezclan con la leyenda) de una familia que habita un caserío en las históricas tierras de Guipúzcoa. Durante la Primera Guerra Carlista (1833-1840)\, el ejército llega al inhóspito lugar y pide al padre que entregue a uno de sus dos hijos para ir al frente: Antonio elige a Martín\, contra la voluntad de este\, que lo único que desea es abandonar su hogar  y emigrar a América. Cuando años mas tarde regresa\, encuentra que su hermano Joaquín ha desarrollado una enfermedad\, la acromegalia\, que le ha convertido en un gigante de mas de dos metros de altura. A partir de esta realidad\, el mundo familiar dará un vuelco al decidir que de esta trágica situación se puede obtener dinero. Un dinero que servirá para los propósitos de todos. Incluido el de Martín de abandonar definitivamente el sitio. \nCon esta premisa\, un dúo de directores que habían colaborado anteriormente en un exitoso proyecto\, «Loreak» (2014)\, unen sus talentos para co-dirigir este. Consiguen un resultado igualmente valioso que convierten a «Handia» en uno de los mas hermosos trabajos que la cultura del País Vasco ha logrado desde que en la Transición Española inició la búsqueda de un cine que relatara la memoria de su pueblo. Con una temática que recuerda la del film «Vacas» (Julio Medem\, 1992) y el clima de algunas producciones del gran Pedro Olea («El bosque del lobo» o «Akelarre»)\, la película nos lleva a un tiempo lejano donde realidad y leyenda se intercalan. Porque la historia del «Gigante de Altzo» ha dado lugar a otra historia\, esta\, donde los cineastas encuentran la excusa para hablar de temas tan complejos y constantes en la cinematografía vasca como son los conceptos de tierra\, raíces\, atavismos\, misterios\, alegorías o fantasías. El paisaje y sus componentes nos introducen en el espacio físico que habitan los hermanos y su padre\, mas todos los personajes que van apareciendo después. Las relaciones complejas\, los sometimientos a una tradición que ahoga tanto como provoca\, encuentran a estas criaturas como metáforas de otras personas y acontecimientos que marcan las características de la tierra. El afecto\, los rencores\, la explotación de un ser humano por el otro\, la dificultan en expresar emociones\, las escasas alegrías y los muchos sinsabores por los que hay que atravesar la vida. \nUn retrato de un tiempo y un recorrido no solo por el paisaje conocido sino el otro\, el que traspasa las fronteras de aquella España compleja donde descubrimientos como la fotografía\, la proliferación de espectáculos en las ciudades y los pueblos\, los descubrimientos médicos\, iban de la mano del primitivismo rural\, la delincuencia adaptada a su tiempo y la idea de emigración que se haría realidad en los miles de vascos que abandonaron sus tierras para encontrar otras\, mas allá del Atlántico. La emoción que «Handia» va transmitiendo al espectador no hace mas que aumentar hasta un final que cierra el círculo iniciado al comienzo del film\, cuando un hermano se interroga sobre le destino final del otro. Para dejarnos entonces un mensaje enternecedor sobre la Memoria\, el Afecto y el Amor por un pasado perdido pero siempre necesario para construir presente. \n«HANDIA» /España / 2017/ Directores Aitor Arregui y Jon Garaño / Intérpretes Eneko Sagardoy (Joaquín)\, Joseba Usabiaga (Martín)\, Ramon Agirre (Antonio) / Color / Hablada en euskera\, castellano e inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 54 minutos.
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LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL MESÍAS SALVAJE" (1972)
DESCRIPTION:Henri Gandier Brzeska (1891-1915) fue un escultor de origen francés que tuvo una carrera tan breve como intensa de cuatro años previos a la Primera Guerra Mundial. Su producción se ve interrumpida por el ingreso al Ejército\, donde murió en combate a los 23 años de edad. Habiendo vivido en Inglaterra y Alemania\, sus convicciones antimilitaristas le convirtieron en desertor y prófugo de Francia. Para luego regresar\, incorporarse a la guerra y convertirse en ferviente patriota. Su relación con la escritora Sophie  Brzeska\, mujer de origen polaco y veinte anos mayor\, le acompaña en su período de ferviente actividad. Vivieron en ambientes míseros y mantuvieron\, al parecer\, una relación platónica. Su obra\, ubicada dentro del Movimiento Vorticista\, se exhibe en la actualidad en museos como el Nacional de Bellas Artes de París\, la Tate Galery de Londres y otros en Ottawa\, Chicago y New York\, siendo considerada patrimonio fundamental del Arte francés del Siglo XX. \nCon todo este material\, el controvertido cineasta inglés Ken Russell (1927-2011) realizó en 1972 la que probablemente sea su mejor película. Inmersa en su edad de esplendor (1969-1980)\, la que incluye sucesos como «Mujeres Apasionadas» (1969)\, «La otra cara del amor » (1971)\, «Los Demonios» (1971)\, «Mahler» (1974)\, «Tommy»(1975) y «Estados Alterados»\, todos films que abordados desde una perspectiva escandalosa y transgresora que le otorgaron un lugar especial y sello distintivo dentro del cine europeo de los años setenta\, logrando todos ellos enorme suceso en Argentina\, donde fue uno de los cineastas preferidos por público y crítica. «El Mesías Salvaje»\, a cuatro décadas de su estreno\, permanece como el mas brillante resultado de su excesivo derroche de imaginación\, muchas veces decantado hacia el mal gusto y la provocación mas banal. El retrato que hace de los personajes principales\, el escultor y la escritora\, resulta magistral y logra transmitir toda la furia y creatividad con la que el Artista consigue sus obras. Obras de una belleza deslumbrante que fueron reconocidas en vida\, pero al ser esta tan breve\, impidieron alcanzar mayores alturas. El ambiente previo al estallido de la contienda bélica\, los espacios intelectuales\, artísticos\, elitistas\, así como los mas abandonados\, llenan las imágenes de este espléndido modelo de lo que la Cinematografía puede lograr cuando reflexiona sobre otras disciplinas artísticas. Con un memorable trío de intérpretes formados por los olvidados Dorothy Tutin (1930-2001) y Scott Antony (1950)\, actor que tras tres largometrajes y algunas series de televisión abandonó la profesión para convertirse en fotógrafo y cineasta documentalista\, mas una primeriza Helen Mirren (1947) de belleza y erotismo desconocidos para el público actual que la descubrió ya mayor a partir de su interpretación en el film «La Reina» (2006)\, la película del cineasta británico permanece en la actualidad como uno de los mas memorables retratos sobre artistas realizados desde el Cine. \n«EL MESÍAS SALVAJE» / Savage Messiah / 1972 / Reino Unido / Director Ken Russell / Intérpretes Dorothy Tutin\, Scott Antony\, Helen Mirren\, Lindsay Kemo\, Peter Vaughan\, Michael Gough / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 33 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:TALLER DE CINE: EL MARIDO DE LA PELUQUERA (1990)
DESCRIPTION:Antoine tiene 60 años y aun guarda la fascinación por un recuerdo: de niño acudía a cortarse el pelo con demasiada frecuencia. Porque se había enamorado de la peluquera de su pueblo\, mujer voluptuosa y dulce que le transportaba a otro mundo cuando posaba sus manos (y sus tijeras) sobre su infantil cabeza. La infancia perdida encuentra en esta evocación una fuente constante de bienestar en el adulto. Hasta que descubre a otra mujer en otra peluquería. Pero ya no es niño y el tiempo se le escapa de sus manos. Mathilde es mas joven que él\, pero esto no es obstáculo para seducirla y declararle su amor. El misterio que la mujer desprende parece no impactar plenamente en la psique del hombre maduro. \nEsta película de hace 28 años\, fue en su momento un enorme suceso comercial en Francia\, que se contagió a países de varias latitudes. Una extraña combinación de comedia y drama latente se esconden bajo sus imágenes. Y la originalidad de la propuesta es orquestada con maestría por un director que rara vez volvió a alcanzar semejante intensidad. \nPatrice Leconte (1947) debutó en 1976 con un film también interpretado por el protagonista de este: Jean Rochefort (1930.2017)\, formidable actor que trabajó en mas de 100 films a lo largo de su carrera y se convirtió en uno de los rostros mas famosos y peculiares del cine galo. Con enorme capacidad para transitar de la comedia al drama\, uno de sus últimos trabajos lo realizó interpretando al escultor mayor y abatido que renace ante la llegada de una joven muy bella en la película española «El Artista y la Modelo». El director Leconte  contó con él en varias oportunidades. \nLa carrera de este cineasta tuvo un nivel ascendente a través de una serie de exitosas comedias populares hasta el año 1989\, cuando abandona el genero y se introduce en el dramático adaptando una novela de Simenon en otro de sus destacables trabajos: «Monsiuer Hire». Tras el suceso de «El marido de la peluquera» e instalado en una zona de privilegio en la cinematografía de su país\, el autor no supo mantener el nivel y su linea fue descendente desde entonces. En 1998 reunió nuevamente a los astros Delon y Belmondo en «Los Profesionales». Pero el éxito no volvió a repetirse. \nQueda entonces esta pieza como un destacado hito en su trayectoria. El film analiza la transformación de un niño en adulto sin abandonar muchas de las condiciones del primero. Una elección del personaje que le encamina hacia la melancolía ante la imposibilidad de perpetuar el deseo del instante preciso\, aquel en el que sus fantasías se hacen realidad por un tiempo que él desea eterno. La búsqueda de esa felicidad es el motor que le moviliza y condena. La mujer\, en su caso\, es mas objeto de deseo que sujeto real. Por ello mismo\,su dificultad en retenerla. \nLa protagonista femenina es una mujer de extraña belleza que tuvo un momento de gloria en su carrera con este film\, pero que como la propia criatura a la que da vida\, no logra mantener en el tiempo. Ha sido trabajando hasta la actualidad. \nEl film permanece entonces como un momento muy especial en la carrera de director y actriz\, fenómeno frecuente en la Historia del Cien. El de nombres que parecían indicar grandes carreras pero quedaron solo en logros esporádicos. Su condición de «perla» es la que la ubica en ese espacio del celuloide integrado por películas realizadas por autores que acariciaron la brillantez para luego regresar a la modestia cuando no a la mediocridad mas absoluta. En todo caso\, se la puede considerar un clásico del cine galo. \n«EL MARIDO DE LA PELUQUERA» ( Le mari de la coiffeuse\, 1990) Francia / Director Patrice Leconte / Intérpretes Jean Rochefort\, Anna Galiena\, Roland Bertin / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 22 minutos.
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LOCATION:Buenos Aires
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SUMMARY:CINE: "AZUL OSCURO CASI NEGRO" (2006)
DESCRIPTION:Una década atrás\, la sociedad española y europea en general\, comienza a manifestar los síntomas de una crisis que hoy es realidad: el modelo de la Unión Europea basado en el Euro\, la moneda común a todos sus integrantes\, mostraba sus mas evidentes grietas. Los jóvenes pertenecen al sector mas afectado en cuanto a perspectivas de futuro se refiere: Jorge ha heredado el trabajo de su padre y también su cuidado y atención. Tiene un título universitario\, pero las circunstancias no le han permitido ejercer su profesión. Su hermano Antonio está en la cárcel y la madre se ha marchado. Pero una enorme vitalidad lo atraviesa y las esperanzas de un futuro\, simbolizado en un traje que es azul oscuro casi negro\, lo mantienen activo y alerta. Su amigo\, un antiguo amor que regresa y las circunstancias que van apareciendo en el camino\, conforman la base narrativa de una de las películas mas premiadas\, vistas y reconocidas del último cine hispano. \nEl realizador\, nacido en 1970\, debuta a los 36 años con este largo e instala su nombre como una de las grandes promesas cinematográficas que facilitan el relevo generacional tras los nombre de cineastas como Pedro Almodovar\, la figura mas internacional del panorama español. Con un reparto de actores que hoy forman la plana mayor de su cine y televisión\, la película propone un retrato serio\, inteligente\, alejado de toda hipocresía sobre un tiempo donde todos los valores establecidos son puestos bajo la lupa para de esa manera hacerlos visibles y establecer nuevos códigos de convivencia. La amistad\, la familia\, la pareja\, intimidades y secretos mas guardados salen a la luz para conformar uno de los grandes frescos del cine europeo actual\, un cine que no es el mas habitual en las múltiples pantallas que habitan nuestro suelo. Pero es el Cine que testimonia y deja rastros para el futuro. Un futuro hecho realidad desde la mirada de un director que se atrevió a sugerirlo 12 años atrás. \n«AZUL OSCURO CASI NEGRO» / España / 2006 / Director Daniel Sanchez Arévalo / Intérpretes Quim Gutierrez\, Marta Etura\, Antonio de la Torre\, Hector Colomé\, Raul Arévalo\, Eva Pallarés\, Ana Wegener\, Manuel Morón / Hablada en castellano con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 45 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:TALLER DE CINE: "LOVING" (2016).
DESCRIPTION:Loving significa en inglés amando. Pero también es el apellido de los personajes de este film. Una historia basada en sucesos y personajes reales que pasaron a la Historia por ser los pioneros en una de las innumerables causas por los derechos civiles que los humanos han transitado a lo largo del Siglo XX. Un tiempo donde a pesar de todos los progresos científicos y tecnológicos\, ciertas cuestiones básicas permanecieron demasiado sin resolverse. En el mismo instante en que el Hombre ya había puestos satélites en órbita de la Tierra\, en EE.UU regían conceptos retrógrados como la imposibilidad en muchos estados e la Unión de contraer matrimonio entre seres humanos de diferente color de piel. \nMildred es joven\, trabajadora y negra. Richard también\, pero blanco. Y cometen el pecado de casarse. A partir de entonces pagaran un alto precio social\, policial y legal. Su historia está contada como lo que principalmente es: una de amor. Porque esta mujer y este hombre se aman por encima de todas las consideraciones. Son honestos y saben que nada malo hay en este vinculo. Pero la sociedad no piensa lo mismo. O gran parte de ella\, la que somete al resto. En 1955 Rosa Parks (1913-2005) se niega a sus 41 años a ceder su asiento en un autobús a un hombre blanco. Este acto reviste valor histórico porque da pie a muchos avances y logros de la ciudadanía negra. Y los Loving siguen su imparable (pero no acabada) estela. Porque el tema racial sigue mas vivo que nunca en todo el Planeta\, disfrazado a veces tras insostenibles máscaras. \nEl cine norteamericano sigue mostrando el enorme vigor de siempre\, y su contribución a la reflexión y al conocimiento vive en este presente de 2018 un nuevo tiempo de esplendor\, eclipsado quizá por el formidable suceso de las series de televisión\, que van quitando espacios en la oferta global.. Por ello mismo\, el desembarco de continuos nuevos realizadores le hace mas valioso en cuanto acto de resistencia. \nJeff Nichols (1978) debutó en 2007 con «Shotgun Stories»\, un film (como el presente) inédito en las carteleras argentinas. Sus dos siguientes trabajos conocieron estreno: «Atormentado» (2011) y » Mud» (2012). Estrenó en 2016 dos largos. «Midnight Special» y «Loving». Esta última alcanzó cierto renombre popular por la nominación a los premios de Hollywood en varias categorías\, incluidas las de mejor actriz y actor. Con 5 largometrajes ha logrado colocarse en el primer pelotón de talentos USA. Sigue siendo cine minoritario y de escasa distribución en la mayoría de los países. «Loving» persigue la estela de los grandes títulos que han reflexionado sobre la condición humana en sus aspectos mas vulnerables\, como lo son el racismo\, la injusticia\, el dolor innecesario por el que millones de personas han transitado y transitan el paso de la Historia. Desde clásicos como «Las Uvas del Mal» donde los efectos devastadores de la Depresión económica de los años 1930 causaron estragos en un amplio sector de la población\, hasta presentes títulos como «The Post: Los secretos del Pentágono»\, el cine ha contribuido a que estos acontecimientos fuesen visibles para millones de nosotros espectadores\, que creemos que en la majestuosidad de este Arte único: la Cinematografía. \n«LOVING»/ EE.UU. / 2016 / Director Jeff Nichols / Intérpretes Ruth Negga\, Joel Edgerton\, Will Dalton / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración  2hs 3 minutos.
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SUMMARY:CINE: "ANICETO" (2008)
DESCRIPTION:Aniceto es pobre y vive en un pequeño pueblo de Mendoza. Bien parecido y sin trabajo definido\, se gana la vida jugando en riñas de gallos. Es un seductor empedernido y el éxito con las mujeres es una constante en su vida. En uno de las bailes a los que asiste conoce a la Francisca e inician un romance. Ella le atiende\, cuida y sirve en la humildad de su casa. Aniceto dice amarla pero la aparición de la Lucia le aleja de su anterior enamorada. Las dos mujeres representan valores contrapuestos: la sencillez y humildad de una frente a la arrogancia y desenfado de la otra. Y Aniceto comienza a perder el control de toda su rutina. \nLeonardo Favio (1938-2012) fue primero actor de fuerte perfil desde su debut en 1957 y se convirtió en actor fetiche del gran Leopoldo Torre Nilsson (seis largos). También trabajó para Fernando Ayala\, Daniel Tinayre\, Jose Martinez Suarez y Manuel Antin\, todos directores importantes del cine argentino. Pero cambio de lugar y se puso tras la cámara: a lo largo de nueve largometrajes desarrolló una de las obras mas significativas del arte argentino en cine: «Crónica de un niño solo»\, «El Dependiente»\, «Juan Moreira»\, «Nazareno Cruz y el Lobo»\, «Soñar\, soñar»\, «Gatica el mono»\, «Perón: sinfonía de un sentimiento». Su segunda obra fue la que a su vez acabó inspirando la novena y última: «El romance del Aniceto y la Francisca»\, que en 1967 irrumpió con enorme fuerza en el alicaído panorama cinematográfico argentino de su tiempo y se convirtió en film de culto y luego en clásico. Cuarenta años mas tarde\, el artista Favio realiza una nueva versión de su film\,  donde la danza suplanta a la actuación y se complementa con diálogos que los actores/danzarines alternan entre imágenes de enorme belleza y sugestión al son de una banda sonora repleta de magníficos aportes musicales\, dando como resultado una obra absolutamente innovadora y única en el panorama nacional. Cuenta con el aporte de tres brillantes nombres de la danza argentina: Hernán Piquin\, Natalia Pelayo y Alejandra Baldoni\, que con sus talentos enormes cierran la suma de elementos artísticos que destacan el largometraje. \n«ANICETO» Argentina\, 2008/ Director Leonardo Favio / Intérpretes Hernán Piquin\, Natalia Pelayo y Alejandra Baldoni /Color / En castellano / Duración 1h 22 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-aniceto-2008/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "UNA PELÍCULA HABLADA"(2003)
DESCRIPTION:«Una película hablada» es el título de esta producción entre Portugal y Francia que fue realizada por un hombre casi desconocido en Argentina que contaba con 95 años de edad en el momento de rodarla: Manoel de Oliveira..La trama es de una enorme sencillez y precisamente en esta premisa se esconde la grandeza de esta obra casi desconocida. Rosa María es una profesora de Historia que viaja con su pequeña hija María Joana en un crucero desde Lisboa hasta la India. Allí\, en Bombay\, les espera el esposo y padre. El barco realiza paradas en Marsella\, Napoles y Atenas. Y mas tarde en Estambul\, Suez\,  El Cairo y Adén. En cada una de estas ciudades la madre explica y responde las preguntas de la hija ante cada nuevo conocimiento que del lugar aporta. Y nosotros espectadores nos convertimos en alumnos de esta mujer y de esta propuesta que trata el tema de la enseñanza de una manera nunca vista en el Cine. Porque a través de los relatos de la profesora y de los paisajes deslumbrantes de las ciudades citadas\, vamos recuperando la historia del Mediterráneo\, que es la historia de nuestra Civilización con milenios detrás. Pasado y presente se conjugan para retratar una mirada lúcida de la Europa actual aquejada por una enorme crisis de valores que parecen encaminarla a un tiempo de decadencia\, mas allá de la mirada turística\, tan prioritaria desde estas latitudes. Infancia\, adultez\,pasado\, presente y un inquietante futuro aparecen en los relatos que luego complementan tres mujeres que suben en cada una de las ciudades: una francesa\, una italiana y una griega. Mas el Comandante del barco que se convierte en anfitrión y testigo de las voces de estas cinco féminas de diferentes edades que reflexionan sobre Historia\, Filosofía\, Política y Vida en una especie de lección magistral para curiosos y reflexivos.. \nEl director portugués nacido en 1908 y fallecido en 2015 a los 106 años de edad se convirtió en el Cineasta en activo mas longevo de la Historia del Cine. Habiendo debutado en los inicios del cine sonoro de su tierra\, realizó su primer largometraje en 1942 («Aniki Bobo») y el último en 2012 («Gebo et L’ombre»). Entre ellos\, 64 trabajos forman su deslumbrante y original filmogafía: cortos\, mediometrajes\, documentales y ficciones pueblan la vida de este singular cineasta. Con el detalle exclusivo de haber alcanzado la notoriedad internacional a los 73 años y haber realizado hasta su muerte decenas de films. \nSu intérprete de muchos films Leonor Silveira\, lo es también de este. Y para los demás personajes cuenta con la colaboración de intérpretes consagrados que se prestan generosamente a ser dirigidos por el maestro portugués junto a la pequeña y deslumbrante Filipa de Almeida. \n«Una Película Hablada»\, a 15 años de su estreno\, forma ya parte del patrimonio cultural de principios de milenio y será en el futuro\, título de referencia para comprender este presente que nos toca vivir. \n«UNA PELÍCULA HABLADA» (Um filme falado) Portugal-Francia /2003/ Director Manoel de Oliveira / Intérpretes: Leonor Silveira\, Filipa de Almeida\, Catherine Deneuve\, Stefania Sandrelli\, Irene Papas\, John Malkovich / Color / Hablada en portugués\, francés\, italiano y griego con subtítulos en castellano / Duración 1h 36 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-una-pelicula-hablada2003/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "LOS ÚLTIMOS AÑOS DEL ARTISTA" (Powidoki /Afterimage\, 2016).
DESCRIPTION:Con este título se conoce en castellano (redes sociales y estreno en España) el último trabajo del cineasta polaco Andrzej Wajda estrenado el mismo año de su muerte. Nacido en 1926 el artista filmó hasta el final de su vida y construyó una de las carreras mas solidas del cine europeo de la posguerra. Gozó de enorme aceptación en Argentina desde el estreno del film que lo llevó al reconocimiento internacional desde un país tan desconocido para Occidente (en términos cinematográficos) como lo era Polonia: «Cenizas y Diamantes» (1958). Y fue particularmente en la década de 1970 cuando en Buenos Aires se exhibió gran parte de su obra\, donde destacan éxitos tan memorables como «El bosque de los abedules» o «Las señoritas de Wilko»\, películas que convocaban público ávido del mejor cine. Con los años\, su nombre fue desvaneciéndose en las carteleras globales junto al de otros maestros. Pero en su etapa final Wajda fue premiado con un Oscar a su carrera y algunos de sus films\, al conseguir nominaciones para el mismo premio\, trajeron brevemente su nombre al presente: «Katyn» (2007)\, un feroz retrato de acontecimientos silenciados de la Segunda Guerra Mundial\, y esta «Afterimage»(2016) han sido sus trabajos mejor tratados por la crítica de cine. \n«Los últimos años del artista» recupera la figura de uno de los mayores pintores polacos del Siglo XX: Wladislaw Strzeminski (1893-1952) que irrumpió en la Vanguardia de los años 20 y vio afectada su carrera al oponerse al poder del gobierno comunista. Su afán por la libertad creativa y de expresión llevaron a que sus últimos años los viviera en la mas absoluta marginalidad y pobreza. El film reflexiona sobre esta cuestión mientras narra la historia de su intimidad en relación a las mujeres\, hija y amigos que le acompañan en su devenir de lucha contra un sistema autoritario que limita y asfixia a sus artistas. \nInterpretado por uno de los máximos nombres del panorama actoral polaco (y desconocido para el resto del mundo)\, Buguslaw Linda (1952)\, el film recupera y honra la Memoria de un hombre de inmenso talento víctima de las circunstancias de su tiempo\, inmerso en cuestiones políticas e ideológicas\, que como en todos las épocas y geografías\, han ocultado y destrozado la trayectoria de las personas que apostaron toda su mirada del mundo hacía la Creatividad. Y pagaron un alto precio por ello. \nWajda tuvo la suerte de poder filmar hasta el final de su vida. Con 90 años rueda este último título\, lo cual es algo necesario de destacar teniendo en cuanta la escasa cantidad de cineastas que pudieron hacer algo semejante en todos los tiempos. Wajda pertenece al grupo de directores de cine surgidos tras el final de la Segunda Guerra Mundial\, cuando el mapa geo-político de Europa se definió radicalmente. Las políticas de «bloques» hicieron que los vencedores de la contienda se «apropiaran» cada cual de «sus» territorios. La URSS quedó sobre los conocidos como Países del Este: Polonia\, Hungría\,Checoeslovaquia\, entre ellos. Y de estas tres geografías surgieron cineastas talentosos que relataron con enorme sutileza y herramientas artísticas\, la vida en aquellos años. Sorteando la Censura la mayoría de las veces pero imponiendo a cambio una mirada tan original que ha logrado sobrevivir al paso del tiempo\, permanece la obra de nombres como Jerzy Slolimowski\, Jerzy Kawalerowicz\, Vera Chytilova\, Karel Kachyna Jaromil Jires\, Zoltan Fabri\, Milos Forman\, Ivan Passer\, Roman Polanski. El nombre de Andrezj Wajda les envuelve a todos ellos y ya forman parte de la Cultura Universal. \n«LOS ÚLTIMOS AÑOS DEL ARTISTA» ( Powidoki / Afterimage\, 2016) / Polonia / Director Andrzej Wajda / Intérpretes Buguslaw Linda\, Bronislawa Zamachowska\, Alexsandra Justa\, Zofia Wichlacz / Color / Hablada en polaco con subtítulos en castellano / Duración 1h 38 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-los-ultimos-anos-del-artista-powidoki-afterimage-2016/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "CRÓNICA FAMILIAR" (1962)
DESCRIPTION:Un cineasta y un escritor\, ambos de origen italiano y hoy desconocidos u olvidados por las nuevas generaciones\, fueron dos de las voces mas brillantes y humanas del arte italiano del Siglo XX. El escritor Vasco Pratolini (1913-1991) y el director y guionista Valerio Zurlini son autores de algunos de los mas grandes títulos escritos o filmados entre 1945 y 1976. Y unieron sus caminos en dos ocasiones: en 1955 con el debut de Zurlini adaptando una novela del autor: «Le Ragazze di SanFrediano» y en 1962 con el film ya clásico «Cronaca Familiare» (Dos hermanos\, dos destinos\, en Argentina). \n«Cronaca Familiare» es un relato escrito en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial\, cuando el Fascismo caía bajo el avance de los Aliados y el fracaso del eje que mantuvo con la Alemania Nazi lo hundió en la parte mas negra de la contienda. Pratolini la publica en 1947 junto a otro de sus mas recordador libros: «Crónica de los pobres amantes» y el éxito de estos dos textos lo convierten en figura celebre del momento\, que era el del Neorrelaismo\, con desviaciones hacía el Cine\, la Literatura y otras disciplinas artísticas. Y que fuera eclipsado poco después por corrientes literarias llegadas de Francia. Es la narración mas abiertamente autobiográfica del autor\, donde narra la relación que mantuvo con su hermano menor\, que al morir la madre y ante la ausencia del padre e imposibilidad de su abuela de criarlos juntos debido a su extrema pobreza\, es entregado al cuidado del mayordomo de una familia rica. En la ficción el autor toma el nombre de Enrico y su hermano es Lorenzo. Ambos con una salud frágil\, viven distanciados y se reencuentran en la juventud del menor. Entonces\, la relación de los hermanos entra en una nueva fase que ira consolidando el amor apagado que había entre ellos. Las diferencias de crianza\, la memoria del mayor sobre la madre muerta\, la relación que ambos mantienen con la abuela\, único nexo familiar\, la aparición de los primeros síntomas y posterior enfermedad de Enrico\, nutren las páginas de esta memorable escritura. \nAl comienzo del libro el autor escribe: «Este libro no es una obra de fantasía. Es un coloquio del autor con su hermano muerto. El autor\, al escribir\, buscaba consolación\, no otra cosa. Le remuerde pensar que intuyó apenas la espiritualidad del hermano\, y demasiado tarde. Estas páginas son ofrecidas\, por lo tanto\, como una estéril expiación.» \nEn su adaptación al Cine\, el realizador respeta la narración en primera persona y se atreve a serle fiel hasta en las primeras palabras que se leen y se escuchan en el film. El protagonista irá orquestando\, mediante idas y venidas en el tiempo\, un rompecabezas que al terminar de ser armado nos dejará una amorosa mirada sobre las relaciones humanas\, la imposibilidad de concretarlas y el peso terrible de la muerte en la construcción de otra realidad. La pobreza como condicionante de una vida y los intentos de trascenderla para lograr los objetivos. Que en el caso de Pratolini fueron realizados en parte al lograr transformar su dolor vital en brillante literatura. \nEntre los títulos publicados\, ademas de los citados\, se encuentran «Un héroe de nuestro tiempo» (1947)\, la trilogía «Una historia romana» compuesta por «Metello» (1955)\, «Lo Scialo» (1960) y un tercer volumen en 1966\, «Alegoría y Escarnio»\, «La constancia de la razón» (1963) y los dos volúmenes de «Epistolario con Alessandro Parronchi» (1992 y 1996). Parte de su obra fue llevada al cine por nombres como Carlo Lizzani\, Pasquele Festa Campanille o Mauro Bolognini\, en películas generalmente logradas. Todas ellas se estrenaron en Buenos Aires durante los años 50\, 60 y 70. También escribió guiones cinematográficos para tres clásicos del cine italiano: «Paisá» (1946) de Roberto Rossellini\, «Rocco y sus hermanos» (1960) de Luchino Visconti y » La Viaccia» (La mala calle»)(1961)de Mauro Bolognini. \nEl realizador Valerio Zurlini debutó en 1950 con cortos documentales\, luego realizó dos largos no ficcionales hasta su debut en el primer acercamiento a la obra del autor: «Le ragazze di SanFrediano». Su carrera es muy breve en cantidad\, sumando una totalidad de ocho largometrajes de ficción entre los que destacan «Verano Violento» (1959)\, » La Muchacha con la Valija» (1961)\, «La primera noche de quietud» (1972) y «El desierto de los Tártaros» (1976). Su muerte temprana lo encontró adaptando un texto de Ernest Hemingway «Al otro lado del río y entre los árboles»\, proyecto que hasta el momento ningún otro cineasta ha retomado. \nLos interpretes principales son Marcello Mastroianni (1924-1996) uno de los mayores actores de la Historia del Cine Europeo\, que trabajó con maestros como Visconti\, Fellini\, Antonioni\, Monicelli\, Risi\, Bolognini\, Dassin\, Ferreri\, Petri\, Scola\, Wertmuller\, Cavani\, Magni\, Varda\, Altman\, Boorman. Wenders\, Angelopoulos\, Mijalkov\, Tornatore\, Demy\, Bellocchio\, Lattuada\, Blassetti\, Loy\, Comencini\, Camerini\, De Sica\,los hermanos Taviani\, Polanski\, Malle\, Germi o Pietrangeli. Ningún otro actor ha tenido una carrera semejante. Mastroianni es la viva encarnación del mejor cine de su tiempo\, que fue el transcurrió entre su debut a finales de los cuarenta y su muerte en 1996. Su ultimo trabajo se estreno póstumamente. Jacques Perrin (1941) protagonizó otros films de Zurlini y la actriz francesa Sylvie (1883-1970) que interpreta a la abuela\, fue una actriz activa desde el cine mudo hasta su muerte también. \n«CRONACA FAMILIARE» (Crónica Familiar o Dos hermanos\, dos destinos) /1962 / Italia / Dirección Valerio Zurlini / Intérpretes Marcello Mastroianni\, Jacques Perrin\, Sylvie\, Salvo Randone\, Serena Vergano\, Valeria Ciangottini / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h 43 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL ENGAÑO" (1971)
DESCRIPTION:Clint Eastwood (1930) regresó en 1968 a EE.UU convertido en una estrella de cine tras su triunfal paso por Italia\, donde filmó tres memorables películas dirigidas por Sergio Leone (1929-1989): «Por un puñado de dolares»\, «Por unos dolares mas» y «Lo bueno\, lo feo\, lo malo». A principios de los setenta ya era uno de los grandes reclamos de taquilla en todo el mundo y de ese tiempo es «El Engaño»\, que sin embargo no gozó del suceso de otras obras del actor. Su temática escapaba del cine de pura acción que venía filmando y al apostar por un relato mas centrado en lo psicológico\, el film espantó a muchos de sus admiradores. Sin embargo fue muy bien tratado por la critica\, no fue un fracaso económico y hoy destaca como una de las menos conocidas y mayores obras de su carrera. El titulo original se refiere no a un engaño sino a un engañado o en otra acepción del termino\, un seducido. Es John McBurney\, que herido gravemente en plena Guerra de Secesión (1861-1865) es rescatado por un niña pupila de un Colegio de Señoritas. Cuando el apuesto hombre es llevado y escondido en una habitación subterránea (es enemigo norteño en pleno territorio sudista)\, su presencia desata las verdades mas ocultas y los deseos mas reprimidos del grupo de mujeres de toda edad que habitan el lugar. Martha\, la superiora\, Edwina y Carol\, jóvenes pupilas  del lugar\,y varias mas\, convierten en presa al convaleciente. Mientras John cree poder dominar la situación\, va cayendo poco a poco en una trampa de inesperadas consecuencias. Un retrato lúcido sobre la sexualidad y la represión de la misma en un entorno claustrofóbico y dictatorial que ha dado lugar a un remake o segunda versión\, estrenado recientemente con el mismo título original y conocido ahora como «El Seductor»\, donde Colin Farrel recupera el personaje de Eastwood y Nicole Kidman el de la protagonista femenina en una obra dirigida por Sofia Coppola y que resulta ser una revisión desde la mirada feminista. Una buena ocasión para recuperar el original. \n«EL ENGAÑO» (The Beguiled\, 1971)/ EE.UU. / Director Donald Siegel / Intérpretes Clint Eastwood\, Geraldine Page\, Elizabeth Hartman\, Jo Ann Harris / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.
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SUMMARY:CINE: "MALENA" (2000)
DESCRIPTION:En un solo día pasan tres cosas muy importantes para un chico de 12 años: comienza la Guerra\, le regalan la primer bicicleta y descubre a Malena\, la mujer mas hermosa que ha visto en su vida. Pero ella es una adulta\, su marido parte a la guerra y queda a merced de la mirada y la envidia de los hombres y las mujeres de Siracusa\, en la profunda Sicilia. Renato inicia entonces una etapa fundamental en su existencia que le dejará huellas para siempre. «Malena» es una de las mas exitosas obras del autor de uno de los films italianos mas populares: «Cinema Paradiso»\, donde también Giuseppe Tornatore (1956) indaga en el mundo infantil y en el paso a la adolescencia o lo que es lo mismo\, el descubrimiento de los secretos de la vida de los adultos. Interpretada por Monica Bellucci (1964)\, que sigue la linea de las grandes bellezas mediterráneas como Loren\, Lollobrigida\, Cardinale\, Antonelli o Muti\, mujeres morochas de deslumbrantes curvas\, rostros únicos y talentos interpretativos\, su creación del personaje de esta mujer asediada por la mirada ajena y llevada por las circunstancias de la guerra a un destino amargo\, es uno de los mas recordados de una carrera que comenzó en 1991 en «La Riffa»\, continuó en 1992 en una breve aparición en «Dracula» de Francis Ford Coppola y se extiende hasta la actualidad en una carrera realizada entre su Italia natal\, Francia\, EE.UU y otros países europeos. Tornatore\, por su parte\, ha realizado hasta el presente mas de 10 largometrajes\, destacándose ademas de los citados\, su extraña obra de 1994 «Pura Formalidad»\, donde Gerard Depardieu y Roman Polanski dan vida a personajes que lindan con lo fantástico. «Malena» transita la estela de las grandes comedias de la Cinematografía Italiana\, una de las mas prestigiosas del Mundo. \n«MALENA» ( idem\, 2000/ Italia-Usa / Director: Giuseppe Tornatore / Intérpretes: Monica Bellucci y Giuseppe Sulfaro / Color / Idioma italiano e inglés con subtítulos en castellano / Duración:  1h 49 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "JULIA" (1977).
DESCRIPTION:Esta película recrea aspectos de la vida de una famosa escritora norteamericana\, Lillian Hellman (1905-1984) y las relaciones que mantuvo a lo largo de 30 años con otro famoso escritor\, Dashiell Hammett (1894-1961)\, autor clave de la «Novela Negra»\, entre cuyos escritos se hallan «El Halcón Maltés» o «La Maldición de los Dain»\, dos clásicos. Pero paralelo a este relato\, transcurre otro\, el que cuenta la amistad de infancia y adolescencia entre ella y Julia\, hija de una adinerada familia. La juventud las separa y mientras Lillian destaca en su carrera como escritora\, la otra mujer se traslada a Viena en plena expansión del Nazismo para convertirse en ferviente defensora de los oprimidos por la barbarie nazi. El film cuenta una misión que Lillian realiza en pleno apogeo de Hitler para llevar dinero que alimente causas resistentes\, cuando también pretende encontrar a su antigua y querida amiga en paradero desconocido. El ambiente enrarecido y dramático de la época es el telón de fondo de esta película\, ya un clásico de los años 70. Basado en un relato del libro «Pentimento» publicado en 1973 por la autora\, el mismo es discutido como verídico por los especialistas\, lo cual no quita verosimilitud al enfoque cinematográfico. \nDirigida por el realizador Fred Zinnemann (1907-1997)\, autor de «A la hora señalada» (1952)\, «De aquí a la Eternidad» (1953)\, «Historia de una Monja» (1959)\, «Un hombre de dos reinos» (1966) y «El día del Chacal» (1973)\, grandes obras de la narrativa fílmica\, «JULIA» fue su penúltimo trabajo y enorme suceso\, como los anteriores citados. Interpretada por un cuarteto de grandes figuras\, el film supone el debut en cine de otra clásica\, Meryl Streep\, que compone un personaje secundario a las puertas de su imparable trayectoria. Jane Fonda (1938)\, Vanessa Redgrave (1937)\, Jason Robards(1922-2000) y Maximilian Schell (1930-2014) dan vida a los protagonistas. Todos fueron nominados a los premios máximos de esa temporada y Redgrave y Robards ganaron Oscar a los Mejores Actores Secundarios. El film fue éxito de taquilla y abrió una época en los films de protagonismo femenino. También uno de los grandes estrenos de Argentina del año 1978 en plena Dictadura Militar\,  que acentuó para el público sensible los valores libertarios del film\, muchas de cuyas situaciones podían verse como reflejos del presente argentino. La Censura pasó de largo ante semejantes sutilezas fílmicas. \n«JULIA» pertenece al terreno de las narraciones cinematográficas clásicas en el mas noble sentido del término\, y a cuarenta años de su estreno mantiene vigente su estructura: temas permanentes de la condición humana como son la amistad\, el amor\, el compromiso\, las ideologías\, el dolor\, la alegría o la muerte. Un cine siempre dispuesto a despertar la atención del público inteligente\, que busca un espacio que les ofrezca alternativa a la mediocridad reinante de este presente que parece haber olvidado completamente su pasado. Un cine necesario\, riguroso\, siempre vigente. \n«JULIA» (idem\, 1977)/ EE.UU / Director Fred Zinnemann / Intérpretes Jane Fonda\, Vanessa Redgrave\, Jason Robards\, Maximilian Schell\, Meryl Streep / Color / Hablada en inglés\, francés\, alemán y ruso con subtítulos en castellano / Duración 1h 55 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-julia-1977/
LOCATION:CÍRCULO MÉDICO DE AZUL\, San Martín 691\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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