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SUMMARY:CINE: "LA TERNURA" (2017).
DESCRIPTION:La película se cierra con una cita de un antiguo poeta árabe a quién no se nombra: «La Felicidad no es un objetivo a alcanzar\, siempre habrá un lugar para regresar\, que no está adelante\, está atrás. Vuelve\, no vayas. Ninguno de nosotros lo sabe». Como toda poesía\, guarda misterio e interpretaciones diferentes. En la película del gran realizador italiano Gianni Amelio parece evocar determinada ausencia de sentimientos humanos. Un abogado recién retirado\, pasado los setenta años\, se enfrenta en su Napoles natal a una serie de circunstancias que le obligan a replantear cuestiones fundamentales de su vida\, entre ellas\, la relación amarga que mantiene con sus hijos ya adultos. Estos\, también plantean una mirada diferente hacia su padre. Un matrimonio joven con hijos pequeños se convierten en vecinos. Y sensaciones anestesiadas parecen despertar en el hombre. El realizador es uno de los mayores nombres del arte italiano desde que inició su carrera tres décadas atrás con una obra audiovisual compuesta de cortometrajes\, largos documentales y de ficción\, para cine y televisión\, donde destacan «Puertas Abiertas»\, «Ladrón de niños»\, «Lamerica» y «Las llaves de casa». En ellas indaga sobre temas siempre actuales como son la corrupción política\, la infancia abandonada\, la realidad de países que generan migraciones masivas hacia Italia o la enfermedad y la relación de esta entre familiares. «La Ternura» bucea en la situación social de la Europa actual muy alejada de la estampa turística. En la Napoles que el director retrata no hay lugar para otro paisaje que no sea el humano. Una de las mejores películas europeas del año pasado que está protagonizada por Renato Carpintieri\, un hombre del teatro y la cultura que debutó en cine a los 50 años en una obra de este mismo director\, y que desde entonces no ha parado de trabajar\, compartiendo esta labor con la de director de uno de los grandes espacios teatrales napolitanos. Lo acompañan un grupo notable de intérpretes\, entre los que destacan los niños co-protagonistas. \n«LA TERNURA» (La Tenerezza) /2017 / Italia / Director Gianni Amelio / Intérpretes Renato Carpintieri\, Giovanna Mezzogiorno\, Elio Germano\, Greta Scacchi\, Micaela Ramazotti\, Hieb Khili / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h. 50 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL MAGO DE LAS MENTIRAS" (2017).
DESCRIPTION:«El Mago de las Mentiras» es una película muy actual\, está producida para la Televisión norteamericana pero ha tenido una amplia difusión mas allá de la pequeña pantalla. Porque su temática de rabiosa actualidad es formidable para explicar y hacer comprensible a los espectadores el alcance de una Crisis Financiera gestada a partir del año 2007 y cuyas consecuencias arrastra hasta el presente. Así como a partir de un «día negro» de 1929 cuando la Bolsa de Nueva York desató otra crisis que afectó al país y al exterior hasta la intervención de EE.UU. en la Segunda Guerra Mundial\, esta llamada «Gran Recesión» (o Segunda Gran Depresión) llega con sus tentáculos hasta nuestros días. El 15 de septiembre de 2008\, y tras un año de alarmantes síntomas de diferentes Bancos norteamericanos\, el cuarto en orden de importancia\, Lehman Brothers\, fundado en 1850\, colapsa. Y el 11 de diciembre explota la bomba de una Firma de Inversión activa desde 1960: la de Bernard («Bernie» para amigos y enemigos) Madoff. Con su detención queda al descubierto una de las mayores estafas de la Historia. Con su actividad en forma de esquema piramidal (suma de clientes ilimitadamente pero que no deben reclamar sus beneficios todos a la vez)\, llevó a la ruina a miles de personas por una suma cercana a los 65.000 millones de dolares en todo el Planeta.. En la actualidad está en prisión cumpliendo pena de 150 años de prisión y el decomiso de 17.179 millones de dólares. Con todo este material\, el director Barry Levinson (1942) realiza una película que se centra en las consecuencias de este suceso en las entrañas de la propia familia de Madoff: como en una tragedia griega\, sus integrantes vas sufriendo las consecuencias de los actos de un padre terrible que ademas les ha engañado a todos ellos. Sus tres hijos\, Mark\, Andrew y Peter son las principales víctimas. Mientras que su esposa Ruth parece escapada de una obra de Shakespeare\, mezcla de Lady Macbeth y de inocente Julieta capaz de todo por acompañar a su amor. La película se convierte en uno de los grandes retratos contemporáneos sobre la importancia del Dinero en la sociedad hiper-capitalista\, donde son muchas las víctimas y muy pocos los reales ganadores. Aunque muchos de ellos no hagan mas que esquivar a la Justicia una y otra vez. \nInterpretada por uno de los mayores actores de la Historia del Cine\, Robert de Niro (1943)\, intérprete de mas de un centenar de películas entre las que destacan las realizadas en el período 1968 (año de debut)- 1990 cuando realiza «Buenos Muchachos»\, una de sus varias colaboraciones con el cineasta Martin Scorsese y que cierra de alguna manera su tiempo de actor serio y comprometido. A partir de entonces y hasta la actualidad\, ha trabajado incansablemente en películas muy olvidables\, dando demasiado lugar a las comedias o policiales intrascendentes pero que le han mantenido como figura taquillera a lo largo de las décadas. «El Mago de las Mentiras» nos trae lo mejor de su arte y lo confirma como lo que siempre fue: uno de los mas grandes. Recordemos entre sus mayores contribuciones los siguientes títulos: «Calles Salvajes» (1973)\, «El Padrino II» (1974)\, «Taxi Driver»\, «Novecento» y «El Último Magnate»\, todas de 1976\, «New York\, New York» (1977)\, «El Francotirador» (1978)\, «El Toro Salvaje» (1980)\, «Confesiones Verdaderas» (1981)\, «Erase una vez en América» (1984)\, «Los Intocables» (1987)\, «Casino» (1995)\, «Jackie Brown» (1997) y «Ronin» (1998). Ha dirigido dos excelentes films: «Una luz en el Infierno» (1993) y «El Buen Pastor» (2006)\, obra cumbre del cine norteamericano contemporáneo donde indaga sobre los entre-telones de los servicios secretos\, un mundo tan oscuro como el de las finanzas. \n«EL MAGO DE LAS MENTIRAS» (The wizard of lies) 2017 / EE.UU. / Director Berry Levinson / Intérpretes Robert de Niro\, Michelle Pffeifer\, Alessandro Nivola\, Nathan Darrow\, Michael Kostroff / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2hs 13 minutos. \n 
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SUMMARY:CINE: "EL FARO DE LAS ORCAS" (2016).
DESCRIPTION:En los confines del continente americano\, las costas atlánticas de Chubut\, hay una enorme bahía custodiada en sus extremos por un Faro. Allí vive solitario Beto. Apartado de toda vida social\, con lo elemental como única compañía\, el hombre parece vivir en paz con el entorno. Los lobos marinos deben escapar de las fauces de las orcas\, lo que le resulta fascinante. Un día dos viajeros trastocan su soledad: Lola y su pequeño hijo Tristán llegan en busca de respuestas. Vienen del otro lado del mar porque la solución a sus conflictivas vidas parece esconderse en estos desolados paisajes. Un hombre\, una mujer\, un niño. No forman necesariamente una familia. El realizador español Gerardo Olivares (1964) cuenta con una amplia obra donde sus películas parecen encadenarse unas con otras a través de relatos que transcurren en parajes remotos\, donde los seres humanos deben poner a prueba sus aptitudes para sobrevivir. De los desiertos africanos a los mares polares\, desde el Norte del Globo al extremo Sur. Su cámara rastreas paisajes y rostros intentando lograr comunión entre ellos. «El Faro de las Orcas» narra la historia de varios aprendizajes. Sobre la naturaleza agreste y sobre todo\, la humana. Interpretada por uno de los actores mas talentosos de la nueva generación argentina\, Joaquin Furriel y Maribel Verdú\, figura emblemática del cine español desde hace tres décadas\, el film encuentra en el niño Joaquin Rapalini el tercer personaje de la historia: Tristán\, que deberá enfrentarse al mayor desafío de su corta vida: saber que hay mas allá de esa misteriosa enfermedad conocida como Autismo. Un cine que bucea en los aspectos mas complejos de la condición humana para despertar en ellos emociones dormidas. La belleza del paisaje compite con la de los animales que pueblan sus costas. Una película diferente y necesaria. \n«EL FARO DE LAS ORCAS» (2016) España-Argentina / Director Gerardo Olivares / Intérpretes Joaquin Furriel\, Maribel Verdú\, Joaquin Rapalini\, Osvaldo Santoro\, Ana Celentano / Color / Hablada en castellano / Duración 1h 50 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "UNA SERENA PASIÓN" (2016).
DESCRIPTION:Una de las mas prestigiosas poetisas norteamericanas fue Emily Dickinson (1830-1886) y su nombre brilla a la par de los de Edgar Allan Poe o Walt Whitman\, formando una especie de Olimpo del país del norte en esta disciplina del Arte que es la Poesía. El realizador británico Terence Davies (1945)\, uno de los grandes cineastas contemporáneos\, ha llevado al cine parte de su vida. La encuentra cuando es una joven y luego en su adultez\, siguiéndola hasta el ocaso. Una vida extraña que pasó mayoritariamente encerrada entre las paredes de su propia casa\, población del estado de Massachusetts. Nieta e hija de jueces (y también diputado fue su padre)\, la mujer encuentra refugio en un solo espacio: el del lenguaje. La rigidez del entorno puritano\, religioso\, formal y de bienestar económico en que su historia discurre\, la forma y condiciona. El amor para ella está representado en sus lazos familiares y en un hombre que pasa fugazmente por su camino. La enfermedad y su condición de ermitaña harán el resto. En el medio\, la guerra civil o de secesión que arrasó su tierra enfrentando su norte con el sur esclavista. \nEntre sus 1800 poemas encontramos «Ensueño»\, que dice así: «Para fugarnos de la Tierra / Un libro es el mejor bajel / Y se viaja mejor en el poema / Que en el mas brioso y rápido corcel / Aun el mas pobre puede hacerlo / Nada por ello ha de pagar / El alma en el transporte de su sueño / Se nutre solo de silencio y paz /». En esta brevedad parece sintetizado su paso por la Tierra. \nTerence Davies ha realizado 8 largometrajes de los cuales pocos se conocen en Argentina. Este y «La Casa de la Alegría» (2000)\, manteniéndose desconocidos el resto\, entre los que destacan «Voces Distantes» (1988) y » El profundo mar azul» (2011)\, dos films capitales del cinema contemporáneo. Un director que filma pausadamente en tiempo y también en cada una de sus piezas\, auténticos tesoros del mejor Cine. La actriz de la serie » Sex and the City»\, «Ley y Orden»\, entre otras\, la norteamericana Cynthia Nixon(1966) da un salto en el registro actoral y se introduce en el  cuerpo y el espíritu de la genial artista\, haciendo que nosotros espectadores tengamos una nueva forma de acercarnos a ella\, mas allá de la presencia de sus deslumbrantes libros. El Cine entonces\, se convierte en arma formidable para reflejar las demás Artes. Un lenguaje atravesado y articulado por otro. \n«UNA SERENA PASIÓN» ( A Quiet Passion\, 2016) / Reino Unido- Bélgica / Director Terence Davies / Intérpretes Cynthia Nixon\, Emma Bell\, Keith Carradine / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2hs. 5 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:TALLER DE CINE: "SEMBRANDO ILUSIONES" (1972).
DESCRIPTION:En una de las colinas que rodean Roma hay una enorme mansión. Y pocos metros hacia abajo una villa miseria no menos grande. A la primera llega La Millonaria\, que como todos los años pasa unas semanas en la ciudad. Y desde la barriada miserable ascienden Peppino y Antonia para jugar una partida de naipes que les puede hacer ganar un dinero que\, año tras año se les escapa de las manos. Porque no es la primera (ni será la última) vez que suben hasta la gran casona a compartir el tiempo de la caprichosa millonaria norteamericana. Lo que para ellos es una posibilidad de ganar dinero\, para ella no resulta mas que otro ejercicio de maldad\, perfidia y sadismo donde los roles de ricos y pobres circulan en una rueda ya milenaria. \nCon esta premisa y utilizando un humor clasicamente italiano\, el director Luigi Comencini (1916-2007) realiza otra de sus grandes películas. En una carrera que abarca mas de 50 trabajos para el Cine y la Televisión\, destacan sus criaturas siempre en situaciones de crisis con la sociedad\, sean niños\, adultos o ancianos. La comedia y el drama mas amargo se dan la mano en sus creaciones. Con una cualidad especial para indagar en el mundo de la infancia\, entre sus films destacan «Pan\, amor y fantasía» (1953)\, «Pan amor y celos» (1954)\, «Tutti a casa» (1960)\, «A caballo del tigre» (1961)\, «La ragazza di Bube» (1964)\, «El gran embotellamiento» (1979) y sus relatos sobre chicos «El Incomprendido» (1967) y «Las aventuras de Pinocho» (1971). \n«Sembrando Ilusiones» es una de sus mayores obras de los años setenta y en ella se indaga a través de un humor caustico\, negro\, doloroso\, en la realidad de Italia\, siempre en conflicto.Las diferencias de clases\, la perpetuación de grandes núcleos de pobreza ajenos al bienestar y recuperación posterior a la segunda guerra mundial\, la humanidad de sus personajes ya sean de alta o baja escala social\, hacen de este realizador uno de los grandes maestros de la Historia del cine peninsular. Su nombre destaca junto a los de Pietro Germi\, Luigi Zampa\, Nanny Loy\, Dino Risi o Luigi Magni\, dentro de una generación que sentó cátedra para las generaciones posteriores. Es un cine siempre vivo a pesar del transcurso del tiempo. Sus criaturas son reconocibles y en ellas nos encontramos nosotros\, sus descendientes latinoamericanos. El cine italiano es posiblemente de todos los europeos\, el que mas éxito cosechó en Argentina\, que tuvo su época de esplendor entre los años cincuenta y ochenta del siglo pasado. \nCon un quinteto de intérpretes legendarios\, el film se convierte en un festival de grandes actuaciones. Con la singularidad de contar con tres figuras míticas italianas acompañadas en la ocasión por dos leyendas del cine de Hollywood: combinación que se dio en muchas ocasiones entre los dos países. Alberto Sordi (1920- 2003)\, Silvana Mangano (1930-1989) y Domenico Modugno (1928-1994)\, cantante y actor\, se enfrentan a Bette Davis (1908-1989) y Joseph Cotten (1905-1994) en esta enorme concentración de talentos interpretativos. La vida en la mansión\, en la villa miseria\, en las calles mas sucias y abandonadas de Roma son retratadas implacablemente por director y actores. Una película para recuperar. \n«SEMBRANDO ILUSIONES» (Lo Scopone Scientifico) / 1972 / Italia / Director Luigi Comencini / Intérpretes Silvana Mangano\, Bette Davis\, Alberto Sordi\, Joseph Cotten\, Domenico Modugno / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h 53 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL TREN" (1973).
DESCRIPTION:Cuando los alemanes invaden Francia en 1940\, muchos ciudadanos inician una huida desesperada hacia diferentes puntos del país. El desconcierto provocado les lleva a deambular no se sabe bien hacía donde. Los personajes de está historia corren hacia las playas del Atlántico en un tren que finaliza su recorrido en una de ellas: La Rochelle. En el\, viajan cientos de desesperados que han dejado todo en sus lugares de origen. Atravesando campos y poblados nutridos de otros miles que por ruta\, caminando\, en coche o en carros comparten desplazamientos\, los viajeros se aprietan en vagones atestados. Hombres\, mujeres\, niños de todas las edades y estratos sociales. Allí cruzan sus caminos Julien y Anna. El hombre se ha separado en una estación reciente de su mujer embarazada y ella aparece llena de misterios y secretos. Mujer de belleza deslumbrante y porte aristocrático\, desconcierta a quienes la rodean: Julien se siente fascinado por su persona. \nAsí son los primeros momentos de este film ya clásico del panorama francés\, que a cuatro décadas de su estreno mantiene intactos los valores cinematográficos que su director e intérpretes lograron imprimirle. Las Guerras siempre han resultado tentadoras para inspirar películas y esta la aborda lejos del frente de batalla\, de los soldados y sus ejércitos. Pero totalmente cerca de las criaturas que padecen su flagelo. Antes y ahora también: Europa en los 40 o Siria en la actualidad comparten la misma desgracia\, que generada una y otra vez por el Hombre parece no tener fin. Cinco mil años de civilización no hacen mas que confirmarlo. \nPierre Granier-Deferre (1927-2007) realizó algunas grandes películas entre las casi treinta que firmó a lo largo de su extensa carrera\, cerrada en 1995. En ella se destacan títulos como » El Evadido» con Alain Delon y Simone Signoret\, o su obra cumbre «El Gato» con Signoret y Jean Gabin\, basados como esta y otras de sus creaciones en un texto del gran Georges Simenon (1903-1989)\, prolífico autor creador del personaje del Inspector Maigret. Sus intérpretes principales son dos de las grandes figuras del Cine Europeo: Jean Louis Trintignant (1930)(memorable protagonista de decenas de films\, desde «Il Sorpasso»\, «Un hombre y una mujer» hasta la dolorosa «Amour») y Romy Schneider (1938-1982) (actriz mítica que alcanzó la fama en su adolescencia con films como «Sissi»\, que mantuvo hasta el final de su corta trayectoria cuando era una de las figuras mas prestigiosas del cine y murió a los 42 años de edad). «El Tren» un film para recuperar y disfrutar en su estructura clásica. \n«EL TREN» (Le Train\, 1973) / Francia- Italia / Director Pierre Granier-Deferre / Intérpretes Romy Schneider\, Jean Louis Trintignant\, Anne Wiazemsky\, Serge Marquand\, Regine / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 35 minutos..
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SUMMARY:TALLER DE CINE: "UNA MUJER FANTÁSTICA" (2017).
DESCRIPTION:Marina es una mujer joven que mantiene relación amorosa con un señor que podría ser su padre. Este tiene hijos de la misma edad que Marina\, hermano y ex-esposa. Un romance mas allá de las edades donde el amor es el protagonista. Orlando muere y deja a su compañera en una situación de enorme fragilidad. Porque otros factores\, ademas de los esperados en una situación así\, entran a jugar. La familia del hombre la desprecia básicamente por una cuestión: ella nació hombre y ahora es mujer. \nCon esta premisa\, el realizador chileno Sebastián Lelio (1974)\, uno de los mas destacados valores cinematográficos de su país\, construye un nuevo eslabón en su carrera\, que iniciada en 2005 en el largometraje «La Sagrada Familia»\, no deja de crecer. Tras haber realizado cinco largos y varios cortos en Chile\, ha rodado dos films en Estados Unidos a partir del suceso de esta obra\, que ganó el Oscar a la Mejor Película Extranjera en 2018. Anteriormente\, su film «Gloria» (2013) le había puesto en la órbita de los Festivales de Cine Internacionales. \nEl realizador ha dedicado su trabajo a reflexionar sobre los aspectos mas ocultos de la sociedad chilena. Nacido en la Dictadura de Pinochet\, ha sido testigo tanto de los cambios como de la perpetuación de ciertas costumbres relacionadas con el funcionamiento de la familia como institución y del rol sexual de las personas en relación a la mirada generalizada. Sus películas están protagonizadas por seres humanos en permanente conflicto por los prejuicios reinantes y muestra los movimientos que deben llevar a cabo para vencerlos\, trascenderlos. En «Una Mujer fantástica»\, se enfrenta a la realidad de una persona nacida varón pero que se siente mujer y que como ella se realiza. Marina no ha cumplido los treinta años pero sabe claramente quién es. Trabaja en un club nocturno interpretando canciones melódicas a pesar de tener una voz que la habilita para el canto lírico. Está enamorada de Orlando y él de ella. Pero pronto quedará sola y desde entonces deberá luchar contra los poderes establecidos: hospitales\, comisarias\, domicilios que no son propios y reclamados por los herederos de su pareja. Policías que van mas allá de sus deberes y personas que no aceptan las diferencias. El duelo y su dificultad de realizarlo. El mundo avanza pero el progreso y las mentalidades abiertas no llegan para todos. \n«Una Mujer Fantástica» aporta al Cine otra perspectiva sobre temas conflictivos que son generalmente mal digeridos por las mayorías. Desde su realidad de obra artística\, provoca la reflexión y el debate incursionando deliberadamente en los terrenos del cine mas abiertamente político e ideológico. Un cine que cada vez mas\, encuentra adeptos delante y detrás de la pantalla cinematográfica. \n«UNA MUJER FANTÁSTICA» (2017) / Chile / Director Sebastían Lelio / Intérpretes Daniela Vega\, Fernando Reyes / Hablada en castellano con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40 minutos.
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SUMMARY:TALLER DE CINE: "UNA SEGUNDA MADRE" (2015).
DESCRIPTION:Val es una mujer vital\, optimista\, trabajadora\, siempre dispuesta a ver el lado luminoso de la existencia. Pero esta actitud también sirve para esconder otros aspectos de su vida mas silenciados. Lleva años al servicio de una familia de San Pablo en Brasil y su dedicación al hijo del matrimonio parece ser el centro de toda su ocupación. Un día recibe un llamado desde el interior: Jessica\, su hija a quién no ve desde hace años\, le anuncia que llega en breve a la ciudad. El mundo de Val sufre un vuelco y su rutina hasta el momento será puesta a prueba. \nEl cine del Brasil sigue siendo un gran desconocido en Argentina a pesar de contar con éxitos que se dieron a través del tiempo. Los años setenta y primeros ochenta fueron especialmente numerosos en estrenos de la nación hermana tras el suceso extraordinario de «Doña Flor y sus dos maridos». En cambio\, la televisión ofrece con éxito y desde hace años productos en formatos de telenovelas. \nAnna Muylaert es una de las mas talentosas realizadoras jóvenes de la actualidad y con este título alcanzó enorme repercusión dentro y fuera de las fronteras de su tierra. Triunfando en festivales de Europa y Norteamérica\, la película conoció un estreno minoritario en Argentina en 2016. Con un grupo de intérpretes rebosantes de talento encabezados por la gran actriz Regina Casé\, «Una segunda madre» nos relata a través de un estilo de comedia vertiginosa la actualidad de un oficio tantas veces marginado: el servicio domestico y las relaciones afectivas que se establecen desde los dos lados de la situación. Una de las grandes películas latinoamericanas de los últimos tiempos. \n«UNA SEGUNDA MADRE» (¿Que horas ela volta?\, 2015) / Brasil / Dirección Anna Muylaert /Intérpretes Regina Casé\, Michel Joelsas\, Camila Márdila / Color / Hablada en portugués con subtítulos en castellano / Duración 1h 52 minutos.
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SUMMARY:CINE: "HANDIA" ( 2017).
DESCRIPTION:Handia significa Grande en la lengua euskera. Y es el titulo de este film triunfador en el último Festival de Cine de San Sebastían 2017. Narra la historia (basada en hechos reales que se mezclan con la leyenda) de una familia que habita un caserío en las históricas tierras de Guipúzcoa. Durante la Primera Guerra Carlista (1833-1840)\, el ejército llega al inhóspito lugar y pide al padre que entregue a uno de sus dos hijos para ir al frente: Antonio elige a Martín\, contra la voluntad de este\, que lo único que desea es abandonar su hogar  y emigrar a América. Cuando años mas tarde regresa\, encuentra que su hermano Joaquín ha desarrollado una enfermedad\, la acromegalia\, que le ha convertido en un gigante de mas de dos metros de altura. A partir de esta realidad\, el mundo familiar dará un vuelco al decidir que de esta trágica situación se puede obtener dinero. Un dinero que servirá para los propósitos de todos. Incluido el de Martín de abandonar definitivamente el sitio. \nCon esta premisa\, un dúo de directores que habían colaborado anteriormente en un exitoso proyecto\, «Loreak» (2014)\, unen sus talentos para co-dirigir este. Consiguen un resultado igualmente valioso que convierten a «Handia» en uno de los mas hermosos trabajos que la cultura del País Vasco ha logrado desde que en la Transición Española inició la búsqueda de un cine que relatara la memoria de su pueblo. Con una temática que recuerda la del film «Vacas» (Julio Medem\, 1992) y el clima de algunas producciones del gran Pedro Olea («El bosque del lobo» o «Akelarre»)\, la película nos lleva a un tiempo lejano donde realidad y leyenda se intercalan. Porque la historia del «Gigante de Altzo» ha dado lugar a otra historia\, esta\, donde los cineastas encuentran la excusa para hablar de temas tan complejos y constantes en la cinematografía vasca como son los conceptos de tierra\, raíces\, atavismos\, misterios\, alegorías o fantasías. El paisaje y sus componentes nos introducen en el espacio físico que habitan los hermanos y su padre\, mas todos los personajes que van apareciendo después. Las relaciones complejas\, los sometimientos a una tradición que ahoga tanto como provoca\, encuentran a estas criaturas como metáforas de otras personas y acontecimientos que marcan las características de la tierra. El afecto\, los rencores\, la explotación de un ser humano por el otro\, la dificultan en expresar emociones\, las escasas alegrías y los muchos sinsabores por los que hay que atravesar la vida. \nUn retrato de un tiempo y un recorrido no solo por el paisaje conocido sino el otro\, el que traspasa las fronteras de aquella España compleja donde descubrimientos como la fotografía\, la proliferación de espectáculos en las ciudades y los pueblos\, los descubrimientos médicos\, iban de la mano del primitivismo rural\, la delincuencia adaptada a su tiempo y la idea de emigración que se haría realidad en los miles de vascos que abandonaron sus tierras para encontrar otras\, mas allá del Atlántico. La emoción que «Handia» va transmitiendo al espectador no hace mas que aumentar hasta un final que cierra el círculo iniciado al comienzo del film\, cuando un hermano se interroga sobre le destino final del otro. Para dejarnos entonces un mensaje enternecedor sobre la Memoria\, el Afecto y el Amor por un pasado perdido pero siempre necesario para construir presente. \n«HANDIA» /España / 2017/ Directores Aitor Arregui y Jon Garaño / Intérpretes Eneko Sagardoy (Joaquín)\, Joseba Usabiaga (Martín)\, Ramon Agirre (Antonio) / Color / Hablada en euskera\, castellano e inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 54 minutos.
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LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL MESÍAS SALVAJE" (1972)
DESCRIPTION:Henri Gandier Brzeska (1891-1915) fue un escultor de origen francés que tuvo una carrera tan breve como intensa de cuatro años previos a la Primera Guerra Mundial. Su producción se ve interrumpida por el ingreso al Ejército\, donde murió en combate a los 23 años de edad. Habiendo vivido en Inglaterra y Alemania\, sus convicciones antimilitaristas le convirtieron en desertor y prófugo de Francia. Para luego regresar\, incorporarse a la guerra y convertirse en ferviente patriota. Su relación con la escritora Sophie  Brzeska\, mujer de origen polaco y veinte anos mayor\, le acompaña en su período de ferviente actividad. Vivieron en ambientes míseros y mantuvieron\, al parecer\, una relación platónica. Su obra\, ubicada dentro del Movimiento Vorticista\, se exhibe en la actualidad en museos como el Nacional de Bellas Artes de París\, la Tate Galery de Londres y otros en Ottawa\, Chicago y New York\, siendo considerada patrimonio fundamental del Arte francés del Siglo XX. \nCon todo este material\, el controvertido cineasta inglés Ken Russell (1927-2011) realizó en 1972 la que probablemente sea su mejor película. Inmersa en su edad de esplendor (1969-1980)\, la que incluye sucesos como «Mujeres Apasionadas» (1969)\, «La otra cara del amor » (1971)\, «Los Demonios» (1971)\, «Mahler» (1974)\, «Tommy»(1975) y «Estados Alterados»\, todos films que abordados desde una perspectiva escandalosa y transgresora que le otorgaron un lugar especial y sello distintivo dentro del cine europeo de los años setenta\, logrando todos ellos enorme suceso en Argentina\, donde fue uno de los cineastas preferidos por público y crítica. «El Mesías Salvaje»\, a cuatro décadas de su estreno\, permanece como el mas brillante resultado de su excesivo derroche de imaginación\, muchas veces decantado hacia el mal gusto y la provocación mas banal. El retrato que hace de los personajes principales\, el escultor y la escritora\, resulta magistral y logra transmitir toda la furia y creatividad con la que el Artista consigue sus obras. Obras de una belleza deslumbrante que fueron reconocidas en vida\, pero al ser esta tan breve\, impidieron alcanzar mayores alturas. El ambiente previo al estallido de la contienda bélica\, los espacios intelectuales\, artísticos\, elitistas\, así como los mas abandonados\, llenan las imágenes de este espléndido modelo de lo que la Cinematografía puede lograr cuando reflexiona sobre otras disciplinas artísticas. Con un memorable trío de intérpretes formados por los olvidados Dorothy Tutin (1930-2001) y Scott Antony (1950)\, actor que tras tres largometrajes y algunas series de televisión abandonó la profesión para convertirse en fotógrafo y cineasta documentalista\, mas una primeriza Helen Mirren (1947) de belleza y erotismo desconocidos para el público actual que la descubrió ya mayor a partir de su interpretación en el film «La Reina» (2006)\, la película del cineasta británico permanece en la actualidad como uno de los mas memorables retratos sobre artistas realizados desde el Cine. \n«EL MESÍAS SALVAJE» / Savage Messiah / 1972 / Reino Unido / Director Ken Russell / Intérpretes Dorothy Tutin\, Scott Antony\, Helen Mirren\, Lindsay Kemo\, Peter Vaughan\, Michael Gough / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 33 minutos.
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SUMMARY:TALLER DE CINE: EL MARIDO DE LA PELUQUERA (1990)
DESCRIPTION:Antoine tiene 60 años y aun guarda la fascinación por un recuerdo: de niño acudía a cortarse el pelo con demasiada frecuencia. Porque se había enamorado de la peluquera de su pueblo\, mujer voluptuosa y dulce que le transportaba a otro mundo cuando posaba sus manos (y sus tijeras) sobre su infantil cabeza. La infancia perdida encuentra en esta evocación una fuente constante de bienestar en el adulto. Hasta que descubre a otra mujer en otra peluquería. Pero ya no es niño y el tiempo se le escapa de sus manos. Mathilde es mas joven que él\, pero esto no es obstáculo para seducirla y declararle su amor. El misterio que la mujer desprende parece no impactar plenamente en la psique del hombre maduro. \nEsta película de hace 28 años\, fue en su momento un enorme suceso comercial en Francia\, que se contagió a países de varias latitudes. Una extraña combinación de comedia y drama latente se esconden bajo sus imágenes. Y la originalidad de la propuesta es orquestada con maestría por un director que rara vez volvió a alcanzar semejante intensidad. \nPatrice Leconte (1947) debutó en 1976 con un film también interpretado por el protagonista de este: Jean Rochefort (1930.2017)\, formidable actor que trabajó en mas de 100 films a lo largo de su carrera y se convirtió en uno de los rostros mas famosos y peculiares del cine galo. Con enorme capacidad para transitar de la comedia al drama\, uno de sus últimos trabajos lo realizó interpretando al escultor mayor y abatido que renace ante la llegada de una joven muy bella en la película española «El Artista y la Modelo». El director Leconte  contó con él en varias oportunidades. \nLa carrera de este cineasta tuvo un nivel ascendente a través de una serie de exitosas comedias populares hasta el año 1989\, cuando abandona el genero y se introduce en el dramático adaptando una novela de Simenon en otro de sus destacables trabajos: «Monsiuer Hire». Tras el suceso de «El marido de la peluquera» e instalado en una zona de privilegio en la cinematografía de su país\, el autor no supo mantener el nivel y su linea fue descendente desde entonces. En 1998 reunió nuevamente a los astros Delon y Belmondo en «Los Profesionales». Pero el éxito no volvió a repetirse. \nQueda entonces esta pieza como un destacado hito en su trayectoria. El film analiza la transformación de un niño en adulto sin abandonar muchas de las condiciones del primero. Una elección del personaje que le encamina hacia la melancolía ante la imposibilidad de perpetuar el deseo del instante preciso\, aquel en el que sus fantasías se hacen realidad por un tiempo que él desea eterno. La búsqueda de esa felicidad es el motor que le moviliza y condena. La mujer\, en su caso\, es mas objeto de deseo que sujeto real. Por ello mismo\,su dificultad en retenerla. \nLa protagonista femenina es una mujer de extraña belleza que tuvo un momento de gloria en su carrera con este film\, pero que como la propia criatura a la que da vida\, no logra mantener en el tiempo. Ha sido trabajando hasta la actualidad. \nEl film permanece entonces como un momento muy especial en la carrera de director y actriz\, fenómeno frecuente en la Historia del Cien. El de nombres que parecían indicar grandes carreras pero quedaron solo en logros esporádicos. Su condición de «perla» es la que la ubica en ese espacio del celuloide integrado por películas realizadas por autores que acariciaron la brillantez para luego regresar a la modestia cuando no a la mediocridad mas absoluta. En todo caso\, se la puede considerar un clásico del cine galo. \n«EL MARIDO DE LA PELUQUERA» ( Le mari de la coiffeuse\, 1990) Francia / Director Patrice Leconte / Intérpretes Jean Rochefort\, Anna Galiena\, Roland Bertin / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 22 minutos.
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SUMMARY:CINE: "AZUL OSCURO CASI NEGRO" (2006)
DESCRIPTION:Una década atrás\, la sociedad española y europea en general\, comienza a manifestar los síntomas de una crisis que hoy es realidad: el modelo de la Unión Europea basado en el Euro\, la moneda común a todos sus integrantes\, mostraba sus mas evidentes grietas. Los jóvenes pertenecen al sector mas afectado en cuanto a perspectivas de futuro se refiere: Jorge ha heredado el trabajo de su padre y también su cuidado y atención. Tiene un título universitario\, pero las circunstancias no le han permitido ejercer su profesión. Su hermano Antonio está en la cárcel y la madre se ha marchado. Pero una enorme vitalidad lo atraviesa y las esperanzas de un futuro\, simbolizado en un traje que es azul oscuro casi negro\, lo mantienen activo y alerta. Su amigo\, un antiguo amor que regresa y las circunstancias que van apareciendo en el camino\, conforman la base narrativa de una de las películas mas premiadas\, vistas y reconocidas del último cine hispano. \nEl realizador\, nacido en 1970\, debuta a los 36 años con este largo e instala su nombre como una de las grandes promesas cinematográficas que facilitan el relevo generacional tras los nombre de cineastas como Pedro Almodovar\, la figura mas internacional del panorama español. Con un reparto de actores que hoy forman la plana mayor de su cine y televisión\, la película propone un retrato serio\, inteligente\, alejado de toda hipocresía sobre un tiempo donde todos los valores establecidos son puestos bajo la lupa para de esa manera hacerlos visibles y establecer nuevos códigos de convivencia. La amistad\, la familia\, la pareja\, intimidades y secretos mas guardados salen a la luz para conformar uno de los grandes frescos del cine europeo actual\, un cine que no es el mas habitual en las múltiples pantallas que habitan nuestro suelo. Pero es el Cine que testimonia y deja rastros para el futuro. Un futuro hecho realidad desde la mirada de un director que se atrevió a sugerirlo 12 años atrás. \n«AZUL OSCURO CASI NEGRO» / España / 2006 / Director Daniel Sanchez Arévalo / Intérpretes Quim Gutierrez\, Marta Etura\, Antonio de la Torre\, Hector Colomé\, Raul Arévalo\, Eva Pallarés\, Ana Wegener\, Manuel Morón / Hablada en castellano con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 45 minutos.
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SUMMARY:TALLER DE CINE: "LOVING" (2016).
DESCRIPTION:Loving significa en inglés amando. Pero también es el apellido de los personajes de este film. Una historia basada en sucesos y personajes reales que pasaron a la Historia por ser los pioneros en una de las innumerables causas por los derechos civiles que los humanos han transitado a lo largo del Siglo XX. Un tiempo donde a pesar de todos los progresos científicos y tecnológicos\, ciertas cuestiones básicas permanecieron demasiado sin resolverse. En el mismo instante en que el Hombre ya había puestos satélites en órbita de la Tierra\, en EE.UU regían conceptos retrógrados como la imposibilidad en muchos estados e la Unión de contraer matrimonio entre seres humanos de diferente color de piel. \nMildred es joven\, trabajadora y negra. Richard también\, pero blanco. Y cometen el pecado de casarse. A partir de entonces pagaran un alto precio social\, policial y legal. Su historia está contada como lo que principalmente es: una de amor. Porque esta mujer y este hombre se aman por encima de todas las consideraciones. Son honestos y saben que nada malo hay en este vinculo. Pero la sociedad no piensa lo mismo. O gran parte de ella\, la que somete al resto. En 1955 Rosa Parks (1913-2005) se niega a sus 41 años a ceder su asiento en un autobús a un hombre blanco. Este acto reviste valor histórico porque da pie a muchos avances y logros de la ciudadanía negra. Y los Loving siguen su imparable (pero no acabada) estela. Porque el tema racial sigue mas vivo que nunca en todo el Planeta\, disfrazado a veces tras insostenibles máscaras. \nEl cine norteamericano sigue mostrando el enorme vigor de siempre\, y su contribución a la reflexión y al conocimiento vive en este presente de 2018 un nuevo tiempo de esplendor\, eclipsado quizá por el formidable suceso de las series de televisión\, que van quitando espacios en la oferta global.. Por ello mismo\, el desembarco de continuos nuevos realizadores le hace mas valioso en cuanto acto de resistencia. \nJeff Nichols (1978) debutó en 2007 con «Shotgun Stories»\, un film (como el presente) inédito en las carteleras argentinas. Sus dos siguientes trabajos conocieron estreno: «Atormentado» (2011) y » Mud» (2012). Estrenó en 2016 dos largos. «Midnight Special» y «Loving». Esta última alcanzó cierto renombre popular por la nominación a los premios de Hollywood en varias categorías\, incluidas las de mejor actriz y actor. Con 5 largometrajes ha logrado colocarse en el primer pelotón de talentos USA. Sigue siendo cine minoritario y de escasa distribución en la mayoría de los países. «Loving» persigue la estela de los grandes títulos que han reflexionado sobre la condición humana en sus aspectos mas vulnerables\, como lo son el racismo\, la injusticia\, el dolor innecesario por el que millones de personas han transitado y transitan el paso de la Historia. Desde clásicos como «Las Uvas del Mal» donde los efectos devastadores de la Depresión económica de los años 1930 causaron estragos en un amplio sector de la población\, hasta presentes títulos como «The Post: Los secretos del Pentágono»\, el cine ha contribuido a que estos acontecimientos fuesen visibles para millones de nosotros espectadores\, que creemos que en la majestuosidad de este Arte único: la Cinematografía. \n«LOVING»/ EE.UU. / 2016 / Director Jeff Nichols / Intérpretes Ruth Negga\, Joel Edgerton\, Will Dalton / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración  2hs 3 minutos.
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SUMMARY:CINE: "ANICETO" (2008)
DESCRIPTION:Aniceto es pobre y vive en un pequeño pueblo de Mendoza. Bien parecido y sin trabajo definido\, se gana la vida jugando en riñas de gallos. Es un seductor empedernido y el éxito con las mujeres es una constante en su vida. En uno de las bailes a los que asiste conoce a la Francisca e inician un romance. Ella le atiende\, cuida y sirve en la humildad de su casa. Aniceto dice amarla pero la aparición de la Lucia le aleja de su anterior enamorada. Las dos mujeres representan valores contrapuestos: la sencillez y humildad de una frente a la arrogancia y desenfado de la otra. Y Aniceto comienza a perder el control de toda su rutina. \nLeonardo Favio (1938-2012) fue primero actor de fuerte perfil desde su debut en 1957 y se convirtió en actor fetiche del gran Leopoldo Torre Nilsson (seis largos). También trabajó para Fernando Ayala\, Daniel Tinayre\, Jose Martinez Suarez y Manuel Antin\, todos directores importantes del cine argentino. Pero cambio de lugar y se puso tras la cámara: a lo largo de nueve largometrajes desarrolló una de las obras mas significativas del arte argentino en cine: «Crónica de un niño solo»\, «El Dependiente»\, «Juan Moreira»\, «Nazareno Cruz y el Lobo»\, «Soñar\, soñar»\, «Gatica el mono»\, «Perón: sinfonía de un sentimiento». Su segunda obra fue la que a su vez acabó inspirando la novena y última: «El romance del Aniceto y la Francisca»\, que en 1967 irrumpió con enorme fuerza en el alicaído panorama cinematográfico argentino de su tiempo y se convirtió en film de culto y luego en clásico. Cuarenta años mas tarde\, el artista Favio realiza una nueva versión de su film\,  donde la danza suplanta a la actuación y se complementa con diálogos que los actores/danzarines alternan entre imágenes de enorme belleza y sugestión al son de una banda sonora repleta de magníficos aportes musicales\, dando como resultado una obra absolutamente innovadora y única en el panorama nacional. Cuenta con el aporte de tres brillantes nombres de la danza argentina: Hernán Piquin\, Natalia Pelayo y Alejandra Baldoni\, que con sus talentos enormes cierran la suma de elementos artísticos que destacan el largometraje. \n«ANICETO» Argentina\, 2008/ Director Leonardo Favio / Intérpretes Hernán Piquin\, Natalia Pelayo y Alejandra Baldoni /Color / En castellano / Duración 1h 22 minutos.
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SUMMARY:CINE: "UNA PELÍCULA HABLADA"(2003)
DESCRIPTION:«Una película hablada» es el título de esta producción entre Portugal y Francia que fue realizada por un hombre casi desconocido en Argentina que contaba con 95 años de edad en el momento de rodarla: Manoel de Oliveira..La trama es de una enorme sencillez y precisamente en esta premisa se esconde la grandeza de esta obra casi desconocida. Rosa María es una profesora de Historia que viaja con su pequeña hija María Joana en un crucero desde Lisboa hasta la India. Allí\, en Bombay\, les espera el esposo y padre. El barco realiza paradas en Marsella\, Napoles y Atenas. Y mas tarde en Estambul\, Suez\,  El Cairo y Adén. En cada una de estas ciudades la madre explica y responde las preguntas de la hija ante cada nuevo conocimiento que del lugar aporta. Y nosotros espectadores nos convertimos en alumnos de esta mujer y de esta propuesta que trata el tema de la enseñanza de una manera nunca vista en el Cine. Porque a través de los relatos de la profesora y de los paisajes deslumbrantes de las ciudades citadas\, vamos recuperando la historia del Mediterráneo\, que es la historia de nuestra Civilización con milenios detrás. Pasado y presente se conjugan para retratar una mirada lúcida de la Europa actual aquejada por una enorme crisis de valores que parecen encaminarla a un tiempo de decadencia\, mas allá de la mirada turística\, tan prioritaria desde estas latitudes. Infancia\, adultez\,pasado\, presente y un inquietante futuro aparecen en los relatos que luego complementan tres mujeres que suben en cada una de las ciudades: una francesa\, una italiana y una griega. Mas el Comandante del barco que se convierte en anfitrión y testigo de las voces de estas cinco féminas de diferentes edades que reflexionan sobre Historia\, Filosofía\, Política y Vida en una especie de lección magistral para curiosos y reflexivos.. \nEl director portugués nacido en 1908 y fallecido en 2015 a los 106 años de edad se convirtió en el Cineasta en activo mas longevo de la Historia del Cine. Habiendo debutado en los inicios del cine sonoro de su tierra\, realizó su primer largometraje en 1942 («Aniki Bobo») y el último en 2012 («Gebo et L’ombre»). Entre ellos\, 64 trabajos forman su deslumbrante y original filmogafía: cortos\, mediometrajes\, documentales y ficciones pueblan la vida de este singular cineasta. Con el detalle exclusivo de haber alcanzado la notoriedad internacional a los 73 años y haber realizado hasta su muerte decenas de films. \nSu intérprete de muchos films Leonor Silveira\, lo es también de este. Y para los demás personajes cuenta con la colaboración de intérpretes consagrados que se prestan generosamente a ser dirigidos por el maestro portugués junto a la pequeña y deslumbrante Filipa de Almeida. \n«Una Película Hablada»\, a 15 años de su estreno\, forma ya parte del patrimonio cultural de principios de milenio y será en el futuro\, título de referencia para comprender este presente que nos toca vivir. \n«UNA PELÍCULA HABLADA» (Um filme falado) Portugal-Francia /2003/ Director Manoel de Oliveira / Intérpretes: Leonor Silveira\, Filipa de Almeida\, Catherine Deneuve\, Stefania Sandrelli\, Irene Papas\, John Malkovich / Color / Hablada en portugués\, francés\, italiano y griego con subtítulos en castellano / Duración 1h 36 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LOS ÚLTIMOS AÑOS DEL ARTISTA" (Powidoki /Afterimage\, 2016).
DESCRIPTION:Con este título se conoce en castellano (redes sociales y estreno en España) el último trabajo del cineasta polaco Andrzej Wajda estrenado el mismo año de su muerte. Nacido en 1926 el artista filmó hasta el final de su vida y construyó una de las carreras mas solidas del cine europeo de la posguerra. Gozó de enorme aceptación en Argentina desde el estreno del film que lo llevó al reconocimiento internacional desde un país tan desconocido para Occidente (en términos cinematográficos) como lo era Polonia: «Cenizas y Diamantes» (1958). Y fue particularmente en la década de 1970 cuando en Buenos Aires se exhibió gran parte de su obra\, donde destacan éxitos tan memorables como «El bosque de los abedules» o «Las señoritas de Wilko»\, películas que convocaban público ávido del mejor cine. Con los años\, su nombre fue desvaneciéndose en las carteleras globales junto al de otros maestros. Pero en su etapa final Wajda fue premiado con un Oscar a su carrera y algunos de sus films\, al conseguir nominaciones para el mismo premio\, trajeron brevemente su nombre al presente: «Katyn» (2007)\, un feroz retrato de acontecimientos silenciados de la Segunda Guerra Mundial\, y esta «Afterimage»(2016) han sido sus trabajos mejor tratados por la crítica de cine. \n«Los últimos años del artista» recupera la figura de uno de los mayores pintores polacos del Siglo XX: Wladislaw Strzeminski (1893-1952) que irrumpió en la Vanguardia de los años 20 y vio afectada su carrera al oponerse al poder del gobierno comunista. Su afán por la libertad creativa y de expresión llevaron a que sus últimos años los viviera en la mas absoluta marginalidad y pobreza. El film reflexiona sobre esta cuestión mientras narra la historia de su intimidad en relación a las mujeres\, hija y amigos que le acompañan en su devenir de lucha contra un sistema autoritario que limita y asfixia a sus artistas. \nInterpretado por uno de los máximos nombres del panorama actoral polaco (y desconocido para el resto del mundo)\, Buguslaw Linda (1952)\, el film recupera y honra la Memoria de un hombre de inmenso talento víctima de las circunstancias de su tiempo\, inmerso en cuestiones políticas e ideológicas\, que como en todos las épocas y geografías\, han ocultado y destrozado la trayectoria de las personas que apostaron toda su mirada del mundo hacía la Creatividad. Y pagaron un alto precio por ello. \nWajda tuvo la suerte de poder filmar hasta el final de su vida. Con 90 años rueda este último título\, lo cual es algo necesario de destacar teniendo en cuanta la escasa cantidad de cineastas que pudieron hacer algo semejante en todos los tiempos. Wajda pertenece al grupo de directores de cine surgidos tras el final de la Segunda Guerra Mundial\, cuando el mapa geo-político de Europa se definió radicalmente. Las políticas de «bloques» hicieron que los vencedores de la contienda se «apropiaran» cada cual de «sus» territorios. La URSS quedó sobre los conocidos como Países del Este: Polonia\, Hungría\,Checoeslovaquia\, entre ellos. Y de estas tres geografías surgieron cineastas talentosos que relataron con enorme sutileza y herramientas artísticas\, la vida en aquellos años. Sorteando la Censura la mayoría de las veces pero imponiendo a cambio una mirada tan original que ha logrado sobrevivir al paso del tiempo\, permanece la obra de nombres como Jerzy Slolimowski\, Jerzy Kawalerowicz\, Vera Chytilova\, Karel Kachyna Jaromil Jires\, Zoltan Fabri\, Milos Forman\, Ivan Passer\, Roman Polanski. El nombre de Andrezj Wajda les envuelve a todos ellos y ya forman parte de la Cultura Universal. \n«LOS ÚLTIMOS AÑOS DEL ARTISTA» ( Powidoki / Afterimage\, 2016) / Polonia / Director Andrzej Wajda / Intérpretes Buguslaw Linda\, Bronislawa Zamachowska\, Alexsandra Justa\, Zofia Wichlacz / Color / Hablada en polaco con subtítulos en castellano / Duración 1h 38 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "CRÓNICA FAMILIAR" (1962)
DESCRIPTION:Un cineasta y un escritor\, ambos de origen italiano y hoy desconocidos u olvidados por las nuevas generaciones\, fueron dos de las voces mas brillantes y humanas del arte italiano del Siglo XX. El escritor Vasco Pratolini (1913-1991) y el director y guionista Valerio Zurlini son autores de algunos de los mas grandes títulos escritos o filmados entre 1945 y 1976. Y unieron sus caminos en dos ocasiones: en 1955 con el debut de Zurlini adaptando una novela del autor: «Le Ragazze di SanFrediano» y en 1962 con el film ya clásico «Cronaca Familiare» (Dos hermanos\, dos destinos\, en Argentina). \n«Cronaca Familiare» es un relato escrito en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial\, cuando el Fascismo caía bajo el avance de los Aliados y el fracaso del eje que mantuvo con la Alemania Nazi lo hundió en la parte mas negra de la contienda. Pratolini la publica en 1947 junto a otro de sus mas recordador libros: «Crónica de los pobres amantes» y el éxito de estos dos textos lo convierten en figura celebre del momento\, que era el del Neorrelaismo\, con desviaciones hacía el Cine\, la Literatura y otras disciplinas artísticas. Y que fuera eclipsado poco después por corrientes literarias llegadas de Francia. Es la narración mas abiertamente autobiográfica del autor\, donde narra la relación que mantuvo con su hermano menor\, que al morir la madre y ante la ausencia del padre e imposibilidad de su abuela de criarlos juntos debido a su extrema pobreza\, es entregado al cuidado del mayordomo de una familia rica. En la ficción el autor toma el nombre de Enrico y su hermano es Lorenzo. Ambos con una salud frágil\, viven distanciados y se reencuentran en la juventud del menor. Entonces\, la relación de los hermanos entra en una nueva fase que ira consolidando el amor apagado que había entre ellos. Las diferencias de crianza\, la memoria del mayor sobre la madre muerta\, la relación que ambos mantienen con la abuela\, único nexo familiar\, la aparición de los primeros síntomas y posterior enfermedad de Enrico\, nutren las páginas de esta memorable escritura. \nAl comienzo del libro el autor escribe: «Este libro no es una obra de fantasía. Es un coloquio del autor con su hermano muerto. El autor\, al escribir\, buscaba consolación\, no otra cosa. Le remuerde pensar que intuyó apenas la espiritualidad del hermano\, y demasiado tarde. Estas páginas son ofrecidas\, por lo tanto\, como una estéril expiación.» \nEn su adaptación al Cine\, el realizador respeta la narración en primera persona y se atreve a serle fiel hasta en las primeras palabras que se leen y se escuchan en el film. El protagonista irá orquestando\, mediante idas y venidas en el tiempo\, un rompecabezas que al terminar de ser armado nos dejará una amorosa mirada sobre las relaciones humanas\, la imposibilidad de concretarlas y el peso terrible de la muerte en la construcción de otra realidad. La pobreza como condicionante de una vida y los intentos de trascenderla para lograr los objetivos. Que en el caso de Pratolini fueron realizados en parte al lograr transformar su dolor vital en brillante literatura. \nEntre los títulos publicados\, ademas de los citados\, se encuentran «Un héroe de nuestro tiempo» (1947)\, la trilogía «Una historia romana» compuesta por «Metello» (1955)\, «Lo Scialo» (1960) y un tercer volumen en 1966\, «Alegoría y Escarnio»\, «La constancia de la razón» (1963) y los dos volúmenes de «Epistolario con Alessandro Parronchi» (1992 y 1996). Parte de su obra fue llevada al cine por nombres como Carlo Lizzani\, Pasquele Festa Campanille o Mauro Bolognini\, en películas generalmente logradas. Todas ellas se estrenaron en Buenos Aires durante los años 50\, 60 y 70. También escribió guiones cinematográficos para tres clásicos del cine italiano: «Paisá» (1946) de Roberto Rossellini\, «Rocco y sus hermanos» (1960) de Luchino Visconti y » La Viaccia» (La mala calle»)(1961)de Mauro Bolognini. \nEl realizador Valerio Zurlini debutó en 1950 con cortos documentales\, luego realizó dos largos no ficcionales hasta su debut en el primer acercamiento a la obra del autor: «Le ragazze di SanFrediano». Su carrera es muy breve en cantidad\, sumando una totalidad de ocho largometrajes de ficción entre los que destacan «Verano Violento» (1959)\, » La Muchacha con la Valija» (1961)\, «La primera noche de quietud» (1972) y «El desierto de los Tártaros» (1976). Su muerte temprana lo encontró adaptando un texto de Ernest Hemingway «Al otro lado del río y entre los árboles»\, proyecto que hasta el momento ningún otro cineasta ha retomado. \nLos interpretes principales son Marcello Mastroianni (1924-1996) uno de los mayores actores de la Historia del Cine Europeo\, que trabajó con maestros como Visconti\, Fellini\, Antonioni\, Monicelli\, Risi\, Bolognini\, Dassin\, Ferreri\, Petri\, Scola\, Wertmuller\, Cavani\, Magni\, Varda\, Altman\, Boorman. Wenders\, Angelopoulos\, Mijalkov\, Tornatore\, Demy\, Bellocchio\, Lattuada\, Blassetti\, Loy\, Comencini\, Camerini\, De Sica\,los hermanos Taviani\, Polanski\, Malle\, Germi o Pietrangeli. Ningún otro actor ha tenido una carrera semejante. Mastroianni es la viva encarnación del mejor cine de su tiempo\, que fue el transcurrió entre su debut a finales de los cuarenta y su muerte en 1996. Su ultimo trabajo se estreno póstumamente. Jacques Perrin (1941) protagonizó otros films de Zurlini y la actriz francesa Sylvie (1883-1970) que interpreta a la abuela\, fue una actriz activa desde el cine mudo hasta su muerte también. \n«CRONACA FAMILIARE» (Crónica Familiar o Dos hermanos\, dos destinos) /1962 / Italia / Dirección Valerio Zurlini / Intérpretes Marcello Mastroianni\, Jacques Perrin\, Sylvie\, Salvo Randone\, Serena Vergano\, Valeria Ciangottini / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h 43 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL ENGAÑO" (1971)
DESCRIPTION:Clint Eastwood (1930) regresó en 1968 a EE.UU convertido en una estrella de cine tras su triunfal paso por Italia\, donde filmó tres memorables películas dirigidas por Sergio Leone (1929-1989): «Por un puñado de dolares»\, «Por unos dolares mas» y «Lo bueno\, lo feo\, lo malo». A principios de los setenta ya era uno de los grandes reclamos de taquilla en todo el mundo y de ese tiempo es «El Engaño»\, que sin embargo no gozó del suceso de otras obras del actor. Su temática escapaba del cine de pura acción que venía filmando y al apostar por un relato mas centrado en lo psicológico\, el film espantó a muchos de sus admiradores. Sin embargo fue muy bien tratado por la critica\, no fue un fracaso económico y hoy destaca como una de las menos conocidas y mayores obras de su carrera. El titulo original se refiere no a un engaño sino a un engañado o en otra acepción del termino\, un seducido. Es John McBurney\, que herido gravemente en plena Guerra de Secesión (1861-1865) es rescatado por un niña pupila de un Colegio de Señoritas. Cuando el apuesto hombre es llevado y escondido en una habitación subterránea (es enemigo norteño en pleno territorio sudista)\, su presencia desata las verdades mas ocultas y los deseos mas reprimidos del grupo de mujeres de toda edad que habitan el lugar. Martha\, la superiora\, Edwina y Carol\, jóvenes pupilas  del lugar\,y varias mas\, convierten en presa al convaleciente. Mientras John cree poder dominar la situación\, va cayendo poco a poco en una trampa de inesperadas consecuencias. Un retrato lúcido sobre la sexualidad y la represión de la misma en un entorno claustrofóbico y dictatorial que ha dado lugar a un remake o segunda versión\, estrenado recientemente con el mismo título original y conocido ahora como «El Seductor»\, donde Colin Farrel recupera el personaje de Eastwood y Nicole Kidman el de la protagonista femenina en una obra dirigida por Sofia Coppola y que resulta ser una revisión desde la mirada feminista. Una buena ocasión para recuperar el original. \n«EL ENGAÑO» (The Beguiled\, 1971)/ EE.UU. / Director Donald Siegel / Intérpretes Clint Eastwood\, Geraldine Page\, Elizabeth Hartman\, Jo Ann Harris / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.
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SUMMARY:CINE: "MALENA" (2000)
DESCRIPTION:En un solo día pasan tres cosas muy importantes para un chico de 12 años: comienza la Guerra\, le regalan la primer bicicleta y descubre a Malena\, la mujer mas hermosa que ha visto en su vida. Pero ella es una adulta\, su marido parte a la guerra y queda a merced de la mirada y la envidia de los hombres y las mujeres de Siracusa\, en la profunda Sicilia. Renato inicia entonces una etapa fundamental en su existencia que le dejará huellas para siempre. «Malena» es una de las mas exitosas obras del autor de uno de los films italianos mas populares: «Cinema Paradiso»\, donde también Giuseppe Tornatore (1956) indaga en el mundo infantil y en el paso a la adolescencia o lo que es lo mismo\, el descubrimiento de los secretos de la vida de los adultos. Interpretada por Monica Bellucci (1964)\, que sigue la linea de las grandes bellezas mediterráneas como Loren\, Lollobrigida\, Cardinale\, Antonelli o Muti\, mujeres morochas de deslumbrantes curvas\, rostros únicos y talentos interpretativos\, su creación del personaje de esta mujer asediada por la mirada ajena y llevada por las circunstancias de la guerra a un destino amargo\, es uno de los mas recordados de una carrera que comenzó en 1991 en «La Riffa»\, continuó en 1992 en una breve aparición en «Dracula» de Francis Ford Coppola y se extiende hasta la actualidad en una carrera realizada entre su Italia natal\, Francia\, EE.UU y otros países europeos. Tornatore\, por su parte\, ha realizado hasta el presente mas de 10 largometrajes\, destacándose ademas de los citados\, su extraña obra de 1994 «Pura Formalidad»\, donde Gerard Depardieu y Roman Polanski dan vida a personajes que lindan con lo fantástico. «Malena» transita la estela de las grandes comedias de la Cinematografía Italiana\, una de las mas prestigiosas del Mundo. \n«MALENA» ( idem\, 2000/ Italia-Usa / Director: Giuseppe Tornatore / Intérpretes: Monica Bellucci y Giuseppe Sulfaro / Color / Idioma italiano e inglés con subtítulos en castellano / Duración:  1h 49 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "JULIA" (1977).
DESCRIPTION:Esta película recrea aspectos de la vida de una famosa escritora norteamericana\, Lillian Hellman (1905-1984) y las relaciones que mantuvo a lo largo de 30 años con otro famoso escritor\, Dashiell Hammett (1894-1961)\, autor clave de la «Novela Negra»\, entre cuyos escritos se hallan «El Halcón Maltés» o «La Maldición de los Dain»\, dos clásicos. Pero paralelo a este relato\, transcurre otro\, el que cuenta la amistad de infancia y adolescencia entre ella y Julia\, hija de una adinerada familia. La juventud las separa y mientras Lillian destaca en su carrera como escritora\, la otra mujer se traslada a Viena en plena expansión del Nazismo para convertirse en ferviente defensora de los oprimidos por la barbarie nazi. El film cuenta una misión que Lillian realiza en pleno apogeo de Hitler para llevar dinero que alimente causas resistentes\, cuando también pretende encontrar a su antigua y querida amiga en paradero desconocido. El ambiente enrarecido y dramático de la época es el telón de fondo de esta película\, ya un clásico de los años 70. Basado en un relato del libro «Pentimento» publicado en 1973 por la autora\, el mismo es discutido como verídico por los especialistas\, lo cual no quita verosimilitud al enfoque cinematográfico. \nDirigida por el realizador Fred Zinnemann (1907-1997)\, autor de «A la hora señalada» (1952)\, «De aquí a la Eternidad» (1953)\, «Historia de una Monja» (1959)\, «Un hombre de dos reinos» (1966) y «El día del Chacal» (1973)\, grandes obras de la narrativa fílmica\, «JULIA» fue su penúltimo trabajo y enorme suceso\, como los anteriores citados. Interpretada por un cuarteto de grandes figuras\, el film supone el debut en cine de otra clásica\, Meryl Streep\, que compone un personaje secundario a las puertas de su imparable trayectoria. Jane Fonda (1938)\, Vanessa Redgrave (1937)\, Jason Robards(1922-2000) y Maximilian Schell (1930-2014) dan vida a los protagonistas. Todos fueron nominados a los premios máximos de esa temporada y Redgrave y Robards ganaron Oscar a los Mejores Actores Secundarios. El film fue éxito de taquilla y abrió una época en los films de protagonismo femenino. También uno de los grandes estrenos de Argentina del año 1978 en plena Dictadura Militar\,  que acentuó para el público sensible los valores libertarios del film\, muchas de cuyas situaciones podían verse como reflejos del presente argentino. La Censura pasó de largo ante semejantes sutilezas fílmicas. \n«JULIA» pertenece al terreno de las narraciones cinematográficas clásicas en el mas noble sentido del término\, y a cuarenta años de su estreno mantiene vigente su estructura: temas permanentes de la condición humana como son la amistad\, el amor\, el compromiso\, las ideologías\, el dolor\, la alegría o la muerte. Un cine siempre dispuesto a despertar la atención del público inteligente\, que busca un espacio que les ofrezca alternativa a la mediocridad reinante de este presente que parece haber olvidado completamente su pasado. Un cine necesario\, riguroso\, siempre vigente. \n«JULIA» (idem\, 1977)/ EE.UU / Director Fred Zinnemann / Intérpretes Jane Fonda\, Vanessa Redgrave\, Jason Robards\, Maximilian Schell\, Meryl Streep / Color / Hablada en inglés\, francés\, alemán y ruso con subtítulos en castellano / Duración 1h 55 minutos.
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LOCATION:CÍRCULO MÉDICO DE AZUL\, San Martín 691\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "OBABA" (2005).
DESCRIPTION:«Obaba» es la adaptación al Cine de un libro ya clásico de la literatura vasca editado en 1988 y llamado «Obabakoak». Su autor escribe y publica en euskera y sus textos han sido traducidos a decenas de idioma: Bernardo Atxaga (1951) nació en Guipúzcoa y con esta obra alcanzó enorme popularidad. El libro consta de 28 relatos que reflejan con enorme precisión la identidad de los vascos\, desde la propia condición humana hasta los paisajes que definen a su gente. El director Montxo Armendáriz (1949) trabajó durante años en la adaptación de un lenguaje a otro y mas de una vez creyó imposible hacerlo. La complejidad del relato\, la cantidad de personajes y situaciones no encontraban sencilla respuesta a la hora de transformar páginas en imágenes. Pero finalmente consiguió hacerlo y en 2005 estrenó en el Festival de Cine de San Sebastian su obra. El director de «Tasio»\, «Secretos del Corazón» y «No tengas miedo» nos trae al Cine a los pobladores de Obaba\, un lugar mas mítico que real donde la gente mide las distancias en curvas o pasos y cree en el poder mágico de algunos animales como los pequeños lagartos. Que pueden introducirse en el cuerpo humano para modificar conductas o ser simplemente metáforas de un mundo perdido. \nEl director crea dos personajes ausentes en el relato original para dar rienda suelta a una construcción cinematográfica: Lourdes es una joven estudiante de Cine que decide acercarse a Obaba para realizar un trabajo audiovisual sobre la gente del lugar. Su condición de extraña la pone en el punto de mira de los lugareños y será a través del descubrimiento de una antigua fotografía donde nacerá su historia: un grupo de alumnos se retratan junto a una bella maestra. El tiempo ha pasado y muchos de ellos son adultos que habitan el lugar mientras otros han desaparecido. Al investigar con y sobre ellos\, la mujer descubre secretos ocultos e historias que van interrelacionándose. El amor\, la soledad\, la identidad\, la violencia o la infancia son algunos de los complejos temas que aborda el film. Que como episodios aislados van ofreciéndose al espectador para alcanzar finalmente la forma de un rompecabezas sugerente. \nReflexiona Montxo Armendáriz sobre que es Obaba:  “Muchas cosas\, pero sobre todo\, como dice Bernardo Atxaga\, es un mundo dentro del mundo. No es un lugar que se extinga ni que exista. No es algo tangible\, desde luego\, es un microcosmos en el que está en juego la condición humana y el misterio del tiempo. Obaba es una forma de entender la vida y de vivirla que conecta con la búsqueda de lo desconocido. Los lagartos de Obaba son una metáfora de ese misterio que se te mete en el cerebro\, en determinado momento\, y que cambia el rumbo de tu percepción de la vida. Lo puede cambiar para bien o para mal. Ese es el misterio. A un personaje lo deja atontado\, a otro le aporta lucidez”. \nComo dice uno de sus personajes\, el joven Miguel: » cualquier sitio es bueno para vivir siempre que esté a gusto consigo mismo». Y Obaba resulta ser para muchos de sus protagonistas el mejor lugar del mundo. Un film a re descubrir. \n«OBABA» (idem\, 2005) /España/ Dirección Montxo Armendariz / Intérpretes Barbara Lennie\, Pilar Lopez de Ayala\, Mercedes Sampietro\, Belén Lopez\, Juan Diego Botto\, Eduard Fernandez\, Lluis Homar / Hablada en euskera con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40minutos.
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LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL GRADUADO" (1967)
DESCRIPTION:Ben Braddock termina sus estudios y se dedica a descansar y perder el tiempo mientras sus padres cubren gastos y caprichos del joven.Se baña en la pileta\, conduce un descapotable. Para este nuevo graduado no hay planes a la vista. Una noche en una fiesta familiar\, a la que acude con desgano como trofeo a ser presentado ante todos los adultos\, descubre la mirada insistente de una amiga de los padres: la misteriosa y fascinante Sra. Robinson. Pronto cae en sus redes seductoras y el secreto de su aventura da sentido a su existencia. Los encuentros se suceden en la intimidad de lujosos hoteles hasta un día en que reencuentra a una conocida de su infancia. Que se llama Elaine\, ha crecido y convertido en una bella joven. El problema es que su madre no es otra que la mismísima Sra.Robinson. Ahora si que Ben tendrá con que entretenerse. «El Graduado» se estrenó en EE.UU durante 1967 e inmediatamente se convirtió en uno de los grandes sucesos del cine. Lo mismo ocurrió en el resto del planeta y e hizo del casi debutante Dustin Hoffman (1937)  el astro del momento. Y a la deslumbrante Anne Bancroft (1931- 2005) en símbolo erótico maduro de toda una generación. Ambos eclipsaron la belleza y el talento de la tercer integrante del tríangulo\, la hermosa Katharine Ross que poco después triunfaría como la mujer por la que compiten dos hombres en «Butch Cassidy» (1969). La diferencia de edad entre los protagonistas amante-joven era de 6 años\, lo que no impidió que sus interpretaciones fueran creíbles: Hoffman aparentaba menos edad y Bancroft un poco mas: secretos y trampas del celuloide. El film está considerado como uno de los fundamentales de un nuevo tiempo de Hollywood\, cuando la Censura que había imperado durante décadas comenzaba a desaparecer y podían tratarse abiertamente temas antes prohibidos\, entre otros los que conllevaban un fuerte contenido erótico. A cincuenta años del estreno continúa manteniendo su encanto inicial con imágenes que emocionan al compás de la inolvidable banda sonora de Simon & Garfunkel\, con clásicos como » The sounds of silence» y » Mrs.Robinson». Una película deliciosa. \n«EL GRADUADO» (The Graduate\, 1967) / EE.UU / Dirección Mike Nichols / Intérpretes Anne Bancroft\, Dustin Hoffman\, Katharine Ross\, Murray Hamilton / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 46 minutos.
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SUMMARY:CINE: " CALLAS FOREVER" (2002)
DESCRIPTION:Hace cuarenta años moría Maria Callas. Tenía 53 años de edad\, una de las carreras de soprano mas deslumbrantes de la Historia y una enorme melancolía por el paso del tiempo y la pérdida de su don mas preciado: la Voz. El realizador italiano Franco Zeffirelli (1923) autor de sucesos como «La Fierecilla Domada» (1966)\, «Romeo y Julieta» (1968) o «Hamlet» (1990)\, tres incursiones muy logradas en el universo de Shakespeare\, dirigió en 1964 un documental sobre la diva en una actuación en Londres. También estuvo detrás de algunas de sus actuaciones en teatros y mantuvo una relación amistosa hasta la muerte de la mujer en Paris. Y en el año 2002 filma su último largometraje «Callas Forever»\, donde a partir de todo lo expresado\, construye una fantasía (o no) de lo que fueron sus últimos meses de vida. Un productor de música pop (o el propio director)\, viejo amigo de la cantante\, se acerca a su domicilio casi impenetrable en la capital francesa donde vive bajo los cuidados de una acompañante\, para ofrecerle un regreso por todo lo alto: filmaran en España una versión cinematográfica de la ópera de Bizet «Carmen». El proyecto parece sacar a la mujer de su letargo y la sangre vuelve a correr por sus venas. Pero la realidad nunca corresponde con la fantasía y el proyecto amenaza con derivar hacia otros senderos. Una película valiente\, transgresora\, que mezcla acontecimientos reales con otros puramente ficticios y siembra en el espectador atento la enorme duda si todo lo narrado pudo haber acontecido en la realidad. Interpretada por la gran actriz francesa Fanny Ardant (1949) acompañada por Jeremy Irons (1949)\, que realiza una impresionante caracterización de la gran cantante\, el film nos brinda la ocasión de recordar y escuchar algunas de sus mas grandes versiones de la opera clásica. \n«CALLAS FOREVER» (2002) Francia- Italia- Uk- España-Rumanía / Director Franco Zeffirelli / Intérpretes Fanny Ardant\, Jeremy Irons\, Joan Plowright\, Manuel de Blas\, Jay Rodan / Color / Hablada en inglés y francés con subtítulos en castellano / Duración: 1h 48 hs
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-callas-forever-2002/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "VIVIR POR VIVIR" (1967).
DESCRIPTION:«Vivir por Vivir» fue la película que el realizador francés Claude Lelouch (1937) filmó después del enorme suceso mundial de «Un hombre y una mujer» (gano el Festival de Cannes 1966 y el Oscar al Mejor Film Extranjero entre otros premios) convirtiéndolo en uno de los directores mas famosos del mundo. Fama que se prolongaría hasta entrados los años ochenta con el éxito de «Los Unos y los Otros » (1981)\, tras títulos como «El Hombre que Amo»\, «Simón el Bribón»\, «Una dama y un canalla»\, «La Aventura es la Aventura» o «Toda una Vida»\, películas que en Argentina batieron récords de asistencia e hicieron de él uno de los pocos nombres «reconocibles» de directores de cine. En este trabajo Lelouch aborda la historia de otra pareja\, tema emblemático de su obra y los conflictos que surgen cuando el hastío y el cansancio ocupan lugar en su presente. Robert es un periodista que realiza tantos trabajos para la televisión como mujeres colecciona a partir de los desplazamientos que la profesión le obliga. Catherine es la esposa que deja de ser paciente ante las continúas infidelidades de su marido. La llegada de una joven y bella norteamericana\, Candice\, provocará una ruptura y la mujer intentará abrir nuevos horizontes para su vida. Lo que despierta rápidamente los celos del posesivo hombre que no acepta estas » reglas del juego». La película\, como otras de Lelouch\, retrata paisajes lejanos\, exóticos y muy bien filmados por la siempre inquieta cámara del también gran camarógrafo. El cine lelouchiano forma parte de un tiempo ya pasado pero guarda encanto para los espectadores de entonces y ofrece a los nuevos un panorama de como se gestaban sucesos cincuenta años atrás. Los tres intérpretes del film forman parte de la mitología cinematográfica de los años sesenta: Yves Montand (1921-1991)\,  Annie Girardot (1931-2011) y la entonces novel Candice Bergen (1946)\, una de las grandes bellezas de la época con su estilo que recordaba a rubias aristocráticas como Grace Kelly. La banda sonora del film es otro aliciente para la memoria y testigo de un tiempo donde la música de cine ocupaba destacado lugar en la venta de discos y sobre todo en el gusto de toda una generación de amantes del Cine. Es entonces la oportunidad de regresar a ver estas películas y re-pensarlas desde nuestra actualidad madura. \n«VIVIR POR VIVIR» (Vivre pour Vivre\, 1967) / Francia / Director Claude Lelouch / Intérpretes Yves Montand\, Annie Girardot\, Candice Bergen\, Irene Tunc\, Anouk Ferjac / Hablada en francés e inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 2 hs 05 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LA PISCINA" (1969).
DESCRIPTION:Jean Paul y Marianne viven una apasionada historia de amor desde hace dos años. En su casa del sur francés\, a orillas del Mediterráneo pasan sus vacaciones entre calores externos e internos. La soledad de la pareja se ve interrumpida por la llegada de dos inesperados visitantes: Harry y su hija Penélope. Entre los cuatro personajes se irá tejiendo una telaraña de celos\, miradas y vueltas a un pasado que ninguno parece querer recordar. Un acontecimiento extraordinario\, la muerte de uno de ellos\, hará replantear el lugar de cada uno de los tres restantes. «LA PISCINA» fue estrenada en el mundo entero mientras el Hombre llegaba a la Luna y su éxito inmediato en todas partes\, entre ellas nuestro país\, que vivía entonces una enorme devoción por su protagonista masculino\, el francés Alain Delon (1935). Este suceso se arrastraba desde el éxito de «El Gatopardo» (1964) y se extendería durante toda la década de los setenta. Un actor de escasa expresividad actoral pero con una arrolladora presencia física\, que lo convirtió junto a Belmondo y Mastroianni\, en un auténtico Mito del cine europeo. «LA PISCINA» forma parte del genero policíaco\, donde la psicología de los personajes y las relaciones que desde allí se crean son protagonistas tanto como los crímenes que dan motivo para indagar en los comportamientos de los humanos. En esta obra destaca el componente erótico que une no solo a los dos protagonistas\, sino a todos los integrantes principales de la historia: dos hombres y dos mujeres que compiten entre ellos como si se tratara de presas de caza. La belleza clásica de la austríaca Romy Schneider (1938-1982)\, una de las grandes personalidades de la Historia del Cine\, de impagable belleza y enorme talento interpretativo\, forma junto a Delon una de las parejas clásicas de la década de los 60\, cuando un romance tempestuoso saltó a la primera planas de su tiempo tras rodar un film muy taquillero\, «Christine». Luego actuarían juntos en teatro y en 1972 por cuarta vez en Cine en el film «El asesinato de Trotsky». La temprana muerte de la actriz a los 43 años de edad truncó una de las carreras mas solidas de su tiempo. «LA PISCINA» está considerada hoy un auténtico clásico del Cine Francés y su visión nos invita a introducirnos en nuestro propio túnel del tiempo para recuperar un estilo de películas hoy casi olvidado. Su director Jacques Deray (1929-2003) fue uno de los maestros del género y rodó junto al intérprete ocho largometrajes\, todos de indudable valor y considerados entre lo mas destacable de la producción gala. \n«LA PISCINE» (La Piscina\, 1969) Francia- Italia / Dirección Jacques Deray / Intérpretes Alain Delon\, Romy Schneider\, Maurice Ronet\, Jane Birkin\, Paul Crauchet / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 2hs.
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SUMMARY:CINE: "LA EMIGRANTE" (2013).
DESCRIPTION:Ellis Island es una isla que está frente a la ciudad de Nueva York y que fue durante décadas el primer lugar americano que pisaron los migrantes que llegaban desde Europa. A principios de los años 20 del Siglo pasado\, la cantidad de personas que huían de la tierra devastada tras la Primer Guerra Mundial llené el espacio de demandantes que buscaban una vida digna\, ademas de buena en los EE.UU (también en el resto de Latinoamérica). Ewa y Magda son hermanas y arriban desde su Polonia natal y el recibimiento no puede ser mas desolador: la segunda de ella es apartada en la fila de ingreso por estar enferma y la primera\, nuestra protagonista\, por considerar que no ha demostrado tener una buena «moral» durante la travesía. Pero en el lugar también se encuentra Bruno\, un joven judío newyorkino que deslumbrado por la belleza de la mujer\, se ofrece a dar una solución al grave conflicto. Dirigida por James Gray (1969)\, uno de los mayores cineastas actuales en EE.UU con una obra tan breve como talentosa ( seis films estrenados desde 1994 y uno en rodaje) «LA EMIGRANTE»\, su quinta película nos propone una reflexión sobre la condición humana en situaciones y épocas de crisis. Con una deslumbrante recreación de época que recuerda al mejor Ford Coppola de «El Padrino segunda parte»\, cuidada fotografía y puesta en escena\, el film cuenta con una arrolladora interpretación de sus protagonistas: la enorme actriz francesa Marion Cotillard (!975) y el actor fetiche del director\, Joaquin Phoenix (1974)\, presente en otras tres de sus realizaciones. La actriz ganó el Oscar a la mejor actuación femenina por su personificación de Edith Piaf en «La Vie en Rose» (2007) y desde entonces su carrera se desarrolla entre su Francia natal y EE.UU\, donde su talento ha estado a disposición de cineastas como Ridley Scott\, Michael Mann\,Tim Burton\, Jacques Audiard\, los Hermanos Dardenne\,Steven Soderberg\, Woody Allen o Robert Zemeckis\, lo mejor del cine contemporáneo. «LA EMIGRANTE» es una de las mejores películas de los últimos años y su difusión ha sido escasa\, formando parte de las grandes obras cinematográficas que no ocupan el lugar que merecen en las salas de todo el planeta. \n«LA EMIGRANTE» ( The Innmigrant\, 2013) / EE.UU / Director James Grey / Intérpretes Marion Cotillard\, Joaquin Phoenix\, Jeremy Renner\, Angela Sarafyan / Color / Hablada en inglés y polaco con subtítulos en castellano / Duración 2hs
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "CELOS ESTILO ITALIANO" (1970)
DESCRIPTION:El cine Italiano gozó a lo largo de su Historia de varios períodos de esplendor. En las primeras décadas del Siglo XX fue junto al francés al mas importante y sus películas llegaron a los principales centros occidentales. Tras la Segunda Guerra Mundial y hasta finales de los años setenta\, vivió el segundo y mas completo y complejo de ellos. Desde la irrupción del Neorrealismo en 1945\, pasando por la comedia que definió toda una manera de hacerla\, hasta la aparición de un grupo de enormes artistas que sentaron cátedra en todo el mundo (Fellini\, Antonioni\, Visconti\, Pasolini)\, Italia fue sinónimo de calidad en lo popular y en lo artístico\, un fenómeno del que pocas naciones pueden presumir. De este largo período de tres décadas y media forman parte nombres gloriosos como Marcello Mastroianni\, Monica Vitti\, Giancarlo Giannini\, intérpretes y Ettore Scola\, guionista y director. Los cuatro unen sus inmensos talentos en un film de 1970 que en Argentina se conoce como «Celos Estilo Italiano». \nSe narran las relaciones de una pareja integrada por Oreste\, albañil y Adelaide\, sin profesión definida. Desde el primer momento en que se encuentran (él tirado en un basural y ella descubriéndolo desde las alturas de un Parque de Diversiones)\, la pasión mas feroz se desata entre ellos. Pero poco después aparece Nello\, pizzero y seductor y entonces la pareja se convierte en triángulo y todo se dispara en direcciones que los protagonistas no pueden controlar. El tono de comedia tiñe de risas y sonrisas un drama que desgarra a sus componentes. Y esa es la cualidad de este enorme cine: barnizar a través de un genero mas accesible a los espectadores\, otro que esconde una visión mas despiadada de los componentes humanos. Allí radica su enorme grandeza y el motivo por el que durante años el cine italiano y sus protagonistas fueron tan aceptados por nosotros\, sus herederos argentinos. \n«Celos Estilo Italiano» brindó al gran Mastroianni (1924-1996) la oportunidad de ganar el premio al Mejor Actor en el Festival de Cannes. Realizó hasta su muerte (a los 72 años por cáncer) cerca de 150 trabajos bajo la dirección de maestros como Fellini\, Monicelli\, Antonioni\, Comecini\, Visconti\, Zurlini\, De Sica y actrices como Sophia Loren\, Catherine Deneuve\, Romy Schneider\, Faye Dunaway o Gina Lollobrigida. Monica Vitti (1931) fue la protagonista de grandes obras de Antonioni (La Aventura\, La Noche\, El Eclipse\, El Desierto Rojo y El Misterio de Oberwald) y también maestra en la comedia ligera de su tiempo\, donde compartió espacio junto a Gassman\, Sordi\, Tognazzi o Manfredi\, genios del género. Giancarlo Giannini(1942) saltó a la fama en los setenta con sus trabajos para la realizadora Lina wertmuller\, con quien protagonizó clásicos del momento como «Mimi Metalurgico» o «Pascualino Siete Bellezas»\, que le abrieron las puertas al exterior y que continúa con una incansable carrera hasta el presente. Ettore Scola ((1931-2016) realizó «Nos habíamos amado tanto»\, «Brutos\, feos y malos» o «Pasión de amor»\, entre otras grandes obras maestras. Lo mejor del cine «tano» en una de sus grandes obras para recuperar y redescubrir talentos olvidados. \n«CELOS ESTILO ITALIANO» ( Dramma della gelosia\, tutti i particolari in cronaca\, 1970) / ITALIA / Dirección Ettore Scola / Intérpretes Marcello Mastroianni\, Monica Vitti\, Giancarlo Giannini\, Marisa Merlini\, Manuel Zarzo / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 46 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL TENIENTE OTOMANO" (2017)
DESCRIPTION:En pleno auge de las telenovelas de países orientales en Occidente\, se estrena esta co-producción entre EE.UU y Turquía que nos lleva al antiguo cine de historias de amor en el marco de conflictos de alto peso histórico. Como en la mayoría de los casos\, estos quedan supeditados a las aventuras y desventuras de sus protagonistas y el género continúa su marcha a pesar del paso del tiempo: los gustos de cierto sector del público permanecen intactos. Se nos narra la historia de una joven idealista de 23 años que deja su confortable mundo en EE.UU para viajar a una perdida misión de médicos en las profundidades del Imperio Otomano\, en el mismo periodo que se produce su momento final: la Primera Guerra Mundial. Un imperio que gobernó durante seis siglos y que tuvo sus orígenes en una de las civilizaciones mas antiguas. Hasta ese remoto paraje llega la bella Lillie con sus intenciones de ayudar a los enfermos y necesitados. La acompaña un militar y una pequeña escolta con la que atraviesan una deslumbrante y peligrosa geografía\, plagada de conflictos y violencias que llevaran a un estado bélico que definirá hasta la actualidad nuevas fronteras. Ismail es el teniente que se enfrentará a otro hombre por las atenciones de la joven mujer: el doctor Jude. El cuarto personaje de la historia es otro médico\, Wordruff\, el único que parece estar consciente de los peligros que acecha a la recién llegada a tan hostil tierra. Con estos ingredientes se arma la narración de una película que encuentra en la belleza y exotismo de los paisajes sus mejores basas: desde las demenciales formas de la Capadocia hasta la imponente vista del Monte Ararat\, donde según la leyenda se esconden los restos del Arca del Noe bíblico\, la trama avanza entre conflictos de todo índole que mantienen la atención del espectador y nos recuerda que este «antiguo» cine sigue tan vivo como las propias narraciones que nos persiguen a lo largo de nuestras vidas. \nSus protagonistas son el holandés Huisman\, uno de los protagonistas de la televisiva «Juego de Tronos»\, la islandesa Hera Hilmar\, el británico protagonista de «Gandhi» (Oscar 1983 al Mejor Actor)\, el enorme Ben Kingsley y el hollywoodense Josh Hartnett\, un rostro que se diluyó tras su espectacular aparición en «Pearl Harbour» y otros éxitos de los primeros años dosmil. Un grupo de intérpretes tan expresivos como los paisajes que pueblan la película. Es todo lo que se ofrece y es todo lo que hay. \n«EL TENIENTE OTOMANO» (The Ottoman Lieutenant\, 2017) / EE.UU- Turquía / Dirección Joseph Ruben / Intérpretes Michiel Huisman\, Hera Hilmar\, Josh Hartnett y Ben Kingsley / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 46 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL MARINERO DE GIBRALTAR" (1967)
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SUMMARY:CINE: "TARDE PARA LA IRA"(2016).
DESCRIPTION:«Tarde para la ira» pertenece al genero del policíaco español\, que en la última década ha alcanzado gran repercusión y refinamiento hasta convertirlo en uno de los mas valiosos del panorama actual.. Este film fue el ganador de los máximos premios de la temporada pasada\, entre ellos el «Goya»\, equivalente al Oscar hollywoodense\, al Mejor Film de 2016. Narra la historia de Jose\, un hombre silencioso\, con problemas de insomnio\, que pasa largas horas en el bar de un amigo compartiendo ese tiempo entre juegos de cartas\, charlas banales y su mirada siempre atenta a la figura de Ana\, hermana del dueño. La relación entre ellos aumenta con el pasar de los días y por las noches intercambian mensajes por internet. Pero la mujer\, ademas de su trabajo como camarera\, tiene un hijo pequeño a su cargo y un marido en la cárcel por un delito cometido ocho años atrás. Cuando este hombre recupera la libertad\, la historia da un giro completo y entonces comprendemos cuales han sido las intenciones de José durante todo este espacio transcurrido en la rutina de ese bar de barrio. \nLa película aborda a los personajes desde una perspectiva psicológica y va tramando entre ellos unas sutiles redes que llevan como telón de fondo la realidad social de un país sumergido en una crisis de valores de todo tipo. Una radiografía del Madrid actual que poco tiene de turístico y  mucho de realista. El agobio en que ha caído gran parte de la población mas vulnerable encuentra ocasionalmente en la violencia un camino hacia la fuga de una rutina asfixiante. \nInterpretada por un grupo de talentosos actores españoles de la última generación\, destaca entre ellos el impecable trabajo que realiza  Antonio de la Torre\, uno de los nombre mas notables del cine\, teatro y la televisión hispana en la actualidad. Y tras la cámara\, en la dirección por primera vez\, otro enorme actor de la misma generación: Raul Arévalo\, quien en este trabajo descubre un inesperado talento en la creación de atmósferas y dirección de actores. Uno de los grandes films del cine europeo actual\, que hunde en las raíces del policíaco toda una mirada sobre las consecuencias de la crisis financiera del año 2008\, que ha provocado efectos devastadores en el tejido socioeconómico de toda una parte de la población europea. \n«TARDE PARA LA IRA» (idem\, 2017) / España / Dirección Raul Arevalo / Interpretes: Antonio de la Torre\, Luis Callejo\, Raul Jimenez\, Ruth Diaz. / Color / Hablada en castellano / Duración: 1h 31 minutos
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