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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-muerte-en-venecia/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:Cine: "EL INOCENTE" (1976).
DESCRIPTION:A finales del año 1975\, con el rodaje iniciado\, el director italiano Luchino Visconti sufre un accidente que deteriora su ya maltrecha salud. Enfermo y en sillas de ruedas prosigue la realización del que sería su último film: «El Inocente». Al morir pocos meses mas tarde\, no vería el estreno de este trabajo. Un testamento fílmico impresionante. \nLuchino Visconti (1906-1976) fue uno de los impulsores del Neorrealismo\, grupo de films rodados en Italia al filo de la Segunda Guerra Mundial. A partir de «La terra trema» y «Obssesione» inicia un camino de éxitos entre los que destacan «Senso»\, «Rocco y sus Hermanos»\, «El Gatopardo»\, «Muerte en Venecia»  y sus dos mas grandes obras: «Vague stelle dell’Orsa» (Atavismo Impúdico) y «Ludwig» mutilada en ocasión de su estreno y recuperada felizmente en su metraje original décadas mas tarde. Con  «El Inocente» cierra una de las grandes obras del cine universal. \nBasada en un relato del escritor Gabrielle D’Annunzio\, la historia narra las relaciones entre Tullio y Giuliana\, un matrimonio de la alta aristocracia de finales del siglo XIX en el norte italiano. De una belleza extraordinaria\, la mujer no goza del amor ni de los favores de su marido\, quien en un momento le dice »  te quiero como si fueses mi hermana». Este se encuentra bajo los efectos fascinantes de una condesa\, Teresa quien le manipula con sus caprichos y exigencias. Pero Giuliana descubrirá que es importante para otro hombre y a partir de ese momento toda la historia se verá modificada. Los celos\, el egoísmo\, el desamor\, las pasiones arrebatadas\, el crimen. \nUna de las numerosas radiografías que de su propia clase social realizó el autor italiano\, siendo esta una constante a lo largo de su carrera luego de los trabajos iniciales en los que se ocupó de lo contrario: las clases mas desfavorecidas. \nLaura Antonelli (1941-2015) una de las mas bellas mujeres que dio el cine peninsular en los años setenta (es junto a Ornella Muti el aporte mas espectacular de ese tiempo)\, interprete de comedias \, «Sexo Loco»\, «Malicia» o » Dios Mio que bajo he caído» y dramas «Gran Bollito» o » Passione d’amore». Dirigida por maestros como Dino Risi\, Mauro Bolognini\, Luigi Comencini\, Luigi Zampa o Ettore Scola\, compañera de Sordi\, Gassman\, Belmondo o Mastroianni\, interpreta a la protagonista femenina\, acompañada por Giancarlo Gianini (1942) y la americana Jennifer O^Neill. protagonista de la recordada «Verano del 42» (1971). \nUna película que ha ganado con el paso de los años y es hoy una de las cumbres del cine europeo de los años setenta. \n \n  \n 
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SUMMARY:Cine: "AMELIA" (2009).
DESCRIPTION:En 2009 la realizadora de origen hindú\, Mira Nair (1957) estrena su versión de la pionera de la aviación Amelia Earhart (1987-1937)\, la primer mujer en atravesar el Océano Atlántico. \nLa realizadora\, formada cinematográficamente en USA\, regresa a su tierra natal donde realiza trabajos a partir de 1979\, consiguiendo en 1988 el reconocimiento mundial con su obra «Salaam Bombay»\, un crudo y poético retrato sobre la infancia pobre en las calles de la gran metrópoli india. Este título\, con sus premios y éxíto comercial\, le abre las puertas a una carrera internacional y la convierte en la primer cineasta asiática en encontrar difusión por el mundo. Su carrera no es muy prolífica pero mantiene continuidad\, sin haber alcanzado jamas el reconocimiento ni los logros de sus inicios. \n«Amelia» es uno de sus trabajos mas logrados y menos reconocido. Tomando como base la narración biográfica de personajes celebres\, se centra en el aspecto profesional de la protagonista tanto como en el personal\, sin profundizar jamas en el mismo\, pero logrando una escritura agradable\, delicada y respetuosa con la vida de la mujer. Aprovecha los tintes feministas de la historia para reflexionar sobre el rol femenino en su época\, aspecto que reivindica desde su propio lugar de mujer. Amelia es una figura transgresora para su tiempo y ademas triunfadora en sus cometidos: los aviones y los hombres son manejados desde su particular mirada y va tejiendo entre ellos su propia vida. \nLa película se apoya en una preciosista fotografía\, dando lugar a escenas de enorme belleza desde las alturas\, transmitiendo al espectador el descubrimiento que ella misma va realizando del paisaje y la geografía a través de sus viajes. \nLa interpretación de la gran Hilary Swank da entidad a la historia. Esta actriz representa uno de los valores mas atípicos de la última generación USA de interpretes: con un rostro y un cuerpo que evoca lo masculino\, ha dado vida a personajes emblemáticos como los de «Los chicos no lloran» (1999)  o » Million Dolar Baby» (2004) que le rindieron dos premios Oscar. A pesar de este triunfo\, su carrera es y ha sido itinerante e irregular\, destacando muy pocos títulos de calidad en su filmografía. \nRichard Gere (1949)\, gran astro (que no actor) desde su debut en los años 70 y el británico Ewan McGregor (1971)\, uno de los mayores talentos masculinos desde «Trainspotting»(1996)\, acompañan a la actriz en este film aportando el glamour necesario a un genero que dio títulos como » Out of Africa» (África mía/Lejos de África\, 1985)\, relatos donde las pasiones amorosas se mezclan con el paisaje y la tragedia. \nUna directora\, una actriz y un personaje real se unifican para reflexionar sobre la condición femenina. \n«Amelia» tiene una duración de 111 minutos. \nTrailer en Versión Original Inglés. \n \n 
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:Cine: "RACHEL\, RACHEL" (1968)
DESCRIPTION:  \nEn 1968 el actor Paul Newman (1925-2008) debuta como director de cine\, siguiendo la linea de otros compañeros de profesión que\, con menor o mayor fortuna\, compatibilizaron sus dotes interpretativas con otros aspectos de la cinematografía (guionistas\, productores\, directores). Entre sus predecesores o contemporáneos están Marlon Brando\, Laurence Olivier\, Orson Welles\, Charles Laughton\, Hugo del Carril\, Mario Soffici\, Alberto Sordi\, Fernando Fernan Gómez\, por citar los que mayor calidad alcanzaron con sus obras. Luego hicieron lo mismo Alain Delon\, Ugo Tognazzi\, Kevin Costner o Mel Gibson. \nSu segunda esposa\, la actriz Joanne Woodward (1930) colabora interpretando personajes en cinco de sus seis largometrajes\, obteniendo premios y nominaciones por alguno de ellos\, como fue el caso de este título inicial. \nRachel tiene 35 años\, una edad lo suficientemente alta en el entorno social en que vive (años 60 en una ciudad del interior de USA) como para ser señalada con el dedo acusador de la hipocresía reinante como una «solterona». \nEs profesora de un colegio y comparte vivienda con su severa madre\, que no pierde ocasión de recordarle el paso del tiempo y su incapacidad para llevar una vida «normal». \nRachel conoce a un recién llegado\, o mejor expresado\, descubre en él a un antiguo compañero de infancia que marchó del lugar. Este hecho provocará un terremoto en su rutinaria existencia y a partir de allí la necesidad de transitar otros rumbos. \nJoanne Woodward es una de las grandes actrices americanas surgidas en los años cincuenta del siglo pasado. Rubia\, de una extraña belleza\, alcanzó reconocimiento desde el inicio de su carrera en 1955\, ganando un Oscar por su interpretación de 1957 «Tres caras tiene Eva» (The three faces of Eve\, Nunnally Johnson)\, uno de sus primeros trabajos. Fue nominada en varias ocasiones mas\, entre ellas en 1968 por la labor en este film. \nCompañera de trabajo de su marido en mas de una decena de trabajos\, formaron una de las parejas profesionales mas sólidas y efectivas de Hollywood. Su último rol interpretativo data del año 2005\, «Empire Falls» un film para TV donde también se despidió del cine el enorme Paul Newman. \n«Rachel\, Rachel» es una de las mas hermosas y olvidadas obras de un tiempo de transición\, donde títulos como «Bonnie and Clyde» (1967)\, «El Graduado» (1967)\, «Busco Mi Destino» (1969) o «Perdidos en la Noche» (1969) marcaron el inicio de una nueva manera de hacer cine dentro del ya añejo sistema de estudios que gobernó la industria cinematográfica desde sus inicios hasta\, precisamente estos años. En otras palabras\, el llamado «nuevo cine americano». \n«RACHEL\, RACHEL» (1968) Warner Bros Seven Arts. Productor y director: Paul Newman. Interpretes Joanne Woodward\, James Olson\, Estelle Parsons\, Geraldine Fitzgerald\, Kate Harrington y Nell Potts (la niña que interpreta a Rachel en su niñez e hija de Woodward y Newman).
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SUMMARY:Cine: "LA JAURÍA HUMANA" (1966)
DESCRIPTION:«La Jauría Humana» (The Chase\,1966) es una película que retrata la vida pueblerina en sus hábitos mas escondidos. Un preso escapa de la cárcel e intenta llegar a su pueblo para solicitar colaboración de amigos que le permita emprender una escapada definitiva. El comisario local cuenta con la antipatía de los poderosos de la zona\, que lo consideran demasiado «humano» para desarrollar una tarea como la suya. Su tolerancia hacía los oprimidos y marginales no es bien vista y a partir del rumor sobre la fuga del presidiario\, se iniciara una actividad frenética entre los habitantes del lugar. \nEl film es obra de uno de los grandes cineastas norteamericanos de todos los tiempos\, Arthur Penn\, director de un film mítico como «Bonnie & Clyde» (1967)\, la obra que rodó tras este titulo\, también emblemático del cine contestatario y progresista de los años 60. \nBasado en un guión de la escritora Lillian Hellman\, una de las grandes voces izquierdistas del siglo pasado\, está interpretada por un elenco de grandes actores y actrices: Marlon Brando\, Robert Redford\, Robert Duvall\, Jane Fonda\, Angie Dickinson y Miriam Hopkins\, una de las grandes estrellas del primer cine sonoro. \n«La Jauría Humana» es una película que mantiene vigente esquemas tópicos de las pequeñas poblaciones\, donde los rumores\, envidias\, diferencias sociales y conductas sexuales siguen siendo tan actuales hoy como entonces porque responden a lo mas intimo e inalterable de nuestra condición: la humana.
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