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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-muerte-en-venecia/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL AMOR PERJUDICA SERIAMENTE LA SALUD".
DESCRIPTION:Diana Balaguer es una de las mujeres mas famosas de España por su colección de maridos famosos. Santi Garcia es uno delos integrantes del séquito que rodea al Rey de España. Desde hace tres décadas son amantes\, aunque como le dice ella en un momento: «…sumando todos los ratos que nos vimos no estuvimos juntos ni una semana…». Porque treinta años atrás\, cuando eran muy jóvenes se conocieron en un hotel que ocupaban The Beatles en su gira por España\, y desde entonces\, una y otra vez se han encontrado. Cada cual con sus vidas y sus parejas\, con mundos absolutamente opuestos\, una rica y el otro no\, las circunstancias los han mantenido ocasionalmente juntos a través de los años. Pero ahora las cosas han cambiado y en este presente que los encuentra\, las cosas parecen empezar a cambiar\, tal vez porque como señala el título\, el amor perjudica seriamente la salud… \nManuel Gomez Pereira (1958) es uno de los directores de Cine y Televisión mas prestigiosos de España. Director de series de tanta audiencia como «Velvet» (2015-2016) o «Gran Reserva» (2011-2013) y logró fama por unas cuantas comedias que marcaron la cinematografía hispana entre 1992 y 2004\, cuando estrenó títulos tan exitosos como «Salsa Rosa» (1992)\, » ¿Por que lo llaman amor cuando quieren decir sexo?»(1993)\, «Todos los hombres son iguales» (1994) o esta que nos ocupa en 1996\, convirtiéndose en uno de los mayores sucesos de su carrera. Comedías que trajeron un nuevo aire al cine hispano de su tiempo\, con guiones bien estructurados muy respetuosos de la comedia clásica norteamericana pero de barniz inequívocamente castizo. En esta ocasión\, el realizador cuenta con dos de las mujeres mas respetadas en su cinematografía: la actriz y cantante Ana Belen (1951)\, intérprete iconica desde los 15 años y presente en títulos fundamentales como «Sonámbulos» (1979)\, «Demonios en el Jardín» (1982) o comedias del post-franquismo\, y Penélope Cruz (1974)\, la primer actriz de raíz verdaderamente internacional que ha deparado el cine español y que a sus 40 años de edad parece entrar en una nueva etapa de madurez donde cineastas tan talentosos como Todd Solondz\, el iraní Asghar Farhadi\, Kenneth Branagh\, y Fernando León de Aranoa\, se suman a la lista donde ya la han dirigido Pedro Almodovar\, Fernando Trueba\, Julio Medem o Woody Allen. En está ocasión\, las dos actrices dan vida a una misma mujer\, Diana\, en diferentes etapas de su vida. La Juventud y la Madurez que encuentran en los rostros de las actrices a sus intérpretes ideales para esta comedia\, que como las buenas\, pasan de la risa a la mueca de amargura durante le devenir de su historia. \n«EL AMOR PERJUDICA SERIAMENTE LA SALUD» (idem\, 1996) / España- Francia / Dirección Manuel Gómez Pereira / Intérpretes Ana Belén\, Juanjo Puigcorbé\, Penélope Cruz\, Gabino Diego / Hablada en castellano / Color / Duración 1h 50 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "MI DULCE BEBÉ" (1985).
DESCRIPTION:El director y la protagonista de «BAGDAD CAFÉ»\, un gran suceso de los años 80\, realizaron antes otra película no menos estimulante: «MI DULCE BEBÉ» (Zuckerbaby\,1985). El clima. el estilo del realizador alemán\, ya tomaba forma en esta primera colaboración entre ambos\, donde se relata en tono de comedia (que gira con facilidad hacia el drama y luego regresa a la risa) la historia de Marianne\, una mujer de 38 años muy cargada de kilos y con una vida solitaria que se desarrolla entre un poco simpático trabajo y su casa\, lugar que utiliza para comer dulces y caramelos mientras se duerme frente a un televisor. En uno de sus diarios viajes conoce a Uber\, el joven conductor del subte en la ciudad de Munich. A partir de ese breve instante de enamoramiento fulminante\, la oronda dama se propone seducir al apuesto rubio. Y lo consigue. Lo que vendrá después será tan dulce como sus comidas hasta que la esposa del chofer regrese a la ciudad e intente poner las cosas en su lugar… \nPercy Adlon (1935\, Munich) debuta en el cine en 1980 y tras una serie de talentosas películas\, su nombre trasciende Alemania al rodar en EE.UU el film «Bagdad Café»\, que le dará reconocimiento global. Marianne Sagebrecht (1945)\, la protagonista de la misma\, es actriz de enorme popularidad en su país\, que también logra reconocimiento con este título ya clásico de la comedia de los años ochenta. \nEl director y la actriz consiguen dotar a sus criaturas de una enorme humanidad\, indagando en aspectos que rara vez son tratados en el cine comercial\, como ciertos oficios y trabajos que la gente realiza pero son despreciados o mal vistos por sus semejantes. O estados físicos como la obesidad sin caer en la burla obvia que desde siempre ha servido para ridiculizar a quienes no obedecen a mandatos estéticos enfermizos y predominantes en la cultura occidental. Al enfrentarse a ellos\, los humaniza y nos hace a nosotros espectadores\, reflexionar sobre el valor de ciertas imágenes. La actualidad no parece haber aprendido algo de toda esta enseñanza y ciertos mitos despectivos siguen aun latiendo con lamentable fuerza. Por esto\, la obra del realizador alemán es digna de ser tenida en cuenta\, recuperada y revalorizada. Su último trabajo hasta la fecha data del año 2010\, cuando se acercó a personajes de la vida real (y pasada): Freud\, Mahler y su mujer\, Alma. La actriz \, sin embargo\, no ha parado de trabajar\, aunque sus trabajos no sean tan visibles fuera de las fronteras alemanas. \n«MI DULCE BEBÉ» ( Zuckerbaby\, 1985) / Alemania / Director Percy Adlon / Intérpretes Marianne Sagebretch y Eisi Gulp / Hablada en alemán con subtítulos es castellano / Color / Duración 1h 20 minutos.
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LOCATION:CÍRCULO MÉDICO DE AZUL\, San Martín 691\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "PLENILUNIO" (2000)
DESCRIPTION:Un inspector de policía llega a una ciudad de Castilla escapando de las amenazas de ETA en las provincias Vascongadas. Con un pasado complicado en lo profesional y en la particular\, donde la violencia ha dejado sus huellas\, el hombre inicia una nueva vida ocupándose de descifrar los crímenes que aterran a la población. El asesino es el otro protagonista\, que conocemos a poco de comenzar la historia. Susana será el tercer integrante de la trama. La intriga reside en como descubrir al asesino para impedir que continúe con sus andanza\, y no sobre quién es. El retrato intimista sobre estas tres personas de realidades tan diferentes\, nos evocan desde el cine policial y de intriga\, el retrato de toda una sociedad con conflictos  similares a los de cualquier geografía que habite el hombre. La Luna llena\, ese plenilunio del que habla el título\, ilumina sobre la ciudad el rostro de todos sus personajes\, sacándolos de sus respectivas oscuridades. \nDirigido por Imanol Uribe (1950)\, cineasta pionero en España en retratar la problemática vasca desde los inicios de la democracia tras la desaparición de Franco\, en 1979 se da a conocer con «El Proceso de Burgos»\, largometraje documental que recupera un hecho muy importante en la lucha entre Estado y Terrorismo. A pesar del género elegido\, siempre minoritario\, encuentra eco en el público y crítica del momento y su obra se convierte en título de referencia del nuevo cine español\, donde la problemática socio-política vasca encontrará un lugar preponderante en los años venideros. En 1981 estrena otro éxito: «La Fuga de Segovia»\, que también recrea un suceso real. En 1983\, con «La Muerte de Mikel»\, su nombre se instala en la memoria colectiva de los espectadores como el del primer cineasta «vasco» en términos de reconocimiento. Y junto al de Montxo Armendariz\, que presenta su «Tasio» en las mismas fechas\, serán las figuras pioneras mas visibles de una cinematografía que no ha hecho mas que avanzar con el paso de las décadas. Sin embargo\, a partir de este último suceso\, Uribe cambia de rumbo y sus miradas se alejan de aquella problemática\, a la que solo regresará ocasionalmente con dos títulos\, que de alguna manera forman una trilogía junto a » Mikel»: en 1994 estrena uno de sus mayores sucesos: «Dïas Contados»\, que narra la preparación de un atentado terrorista en Madrid y en 2000 esta «Plenilunio»\, donde las secuelas de la violencia quedan marcadas en el alma del personaje central\, el Inspector. \nProtagonizada por dos actores de origen argentino\, Miguel Angel Sola (1950)\, en su primer film en España y Juan Diego Botto\, residente allí desde niño y uno de los actores jóvenes mas respetados del cine\, el teatro y la televisión ibérica y la actriz Adriana Ozores (1959)\, encontramos en el reparto en breves apariciones a dos figuras clásicas: Fernando Fernan Gomez y Charo Lopez. Entre los cinco forman un formidable equipo de ínterpretes muy bien conducidos por el director. \n«PLENILUNIO» / idem / España\, 2000 / Director Imanol Uribe / Intérpretes Miguel Angel Solá\, Juan Diego Botto\, Adriana Ozores\, Chete Lara\, Charo López\, Fernando Fernán Gómez  / Hablada en castellano / Color / Duración 111 minutos.
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LOCATION:Buenos Aires
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SUMMARY:CINE: "NUESTROS AÑOS FELICES" (1973)
DESCRIPTION:Esta obra gozó de aprobación mayoritaria en el momento de su estreno y hoy\, cuatro décadas mas tarde\, se mantiene como  referente de su época y es ya un Clásico del cine de Hollywood. Del mejor\, para mayor dato. Realizada en un tiempo especialmente convulso en la Historia de EE.UU\, con el final de la Guerra de Vietnam \, el escándalo Watergate (que llevó a la dimisión de su presidente Nixon) y el amanecer de una situación energética global marcada por el Petroleo (su precio y su ubicación geográfica) definieron todo el estado animoso de una sociedad. La película resultó transgresora porque hablaba de un tema tabú en Hollywood: el Macartismo\, el tiempo de las listas negras (años 50′)\, que integraban simpatizantes con ideas de izquierda\, muchos de los cuales acabaron en la cárcel por el solo motivo de creer en ellas  y defenderlas\, en un clima mas propio de un Totalitarismo que de la República que la nación decía ser.. El que estuviera protagonizado por dos de los mayores astros cinematográficos (ya clásicos también) favoreció su «digestión» por las plateas globales. Los años setenta fueron años de enorme crisis\, similar a la cantidad de creatividad y talento que inundó la cinematografía de la década. Cuando parte de la Historia del país fue revisitada por los creadores desde diferentes campos del Arte y la Cultura. Así\, el propio escándalo Watergate\, donde el Gobierno en activo espió a la oposición con el uso de micrófonos ocultos en sus habitaciones privadas\, fue mostrado en «Todos los hombres del presidente» (1976) o la Guerra de Vietnam en títulos memorables como » El Francotirador» (1977) \, «Regreso sin Gloria» (1978) o «Apocalypse Now» (1979). \nKatie y Hubbell\, los protagonistas\, comparten muchos años de vida y el film los muestra en cuatro etapas de ese tiempo (¿fueron realmente felices como afirma el título argentino\, que no original del film?): cuando se conocen en los estudios a finales de los años treinta\, durante la Segunda Guerra Mundial en sus actividades en Nueva York\, en Hollywood donde él triunfa como guionista y finalmente en la Nueva York de finales de los cincuenta cuando se vive la etapa final del relato. Ella es de origen judío\, pobre\, con ideas cercanas al marxismo\, militante activa en las causas de los desfavorecidos y él es rubio\, apuesto\, de buena familia y representa el ideal blanco y conservador de la Sociedad. Sin embargo se atraen: son compañeros de estudio\, novios\, matrimonio y también fracaso. Las diferencias ideológicas acaban marcando la vida en común y una grieta enorme (hoy seguimos igual) se produce entre ambos. El amor no basta para sostener las estructuras que los humanos construimos para estar cerca. La conflictividad exterior afecta a los personajes (también seguimos igual). \nDirigida por Sidney Pollack (1934- 2008)\, realizador muy irregular\, cuya carrera va desde el debut exitoso en 1965 con el film «Con la Vida en un Hilo» hasta » Äfrica Mía» (1985) \, con dos décadas de triunfos ( «Baile de Ilusiones» (1969)\, «La ley del Talión» (1973)\, «Los tres días del Cóndor» (1975)\, «Tootsie» (1982)) que acabaría en una larga decadencia hasta 2005 cuando firma su último trabajo («La Intérprete» con Nicole Kidman y Sean Penn). En esta ocasión\, el realizador alcanza lo mejor de si mismo y nos deja una película plena de emociones y lucidez. También actor ocasional\, Pollack colaboró con Robert Redford dirigiéndolo en  seis ocasiones a lo largo de su trayecto. El actor\, que también es realizador ( 9 largos hasta hoy) alcanzó el reconocimiento (tras un largo tiempo como figura de televisión y secundario de cine) cuando protagonizó junto a Paul Newman el western «Butch Cassidy» (1969) que lo convirtió en una de las grandes figuras al responder a los misteriosos criterios de estrella que rara vez se alcanza en el Cine. Su nombre integra hoy la escasa lista de nombres verdaderamente inmortales. Con un aspecto físico envidiable\, el actor participó en films generalmente comprometidos con la realidad socio-política de su nación. A la que ama y critica por igual en sus trabajos delante y tras la cámara. Barbra Streisand (1942)\, como ambos\, también es actriz y directora\, pero por sobre todas las consideraciones\, propietaria de una de las grandes voces de la historia de la música popular norteamericana. Iniciada como cantante en el mundo de los locales nocturnos newyorkinos\, alcanza pronto notoriedad en los escenarios teatrales de la ciudad y en 1968 protagoniza su primer film (adaptación de su éxito teatral) «Funny Girl» junto a Omar Sharif\, labor por la que gana el Oscar a la mejor actriz y se convierte en una de las pocas divas de los setenta junto a Jane Fonda y Faye Dunaway. Su carrera cinematográfica es breve en títulos pero continua en el tiempo\, cuando de tanto en tanto regresa a la pantalla. \n«NUESTROS AÑOS FELICES» (The way we were\, 1973) 7 EE.UU / Director Sidney Pollack / Intérpretes Robert Redford\, Barbra Streisand\, Bradford Dillman\, Viveca Lindfors\, Patrick O’Neal\, Lois Chiles / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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SUMMARY:CINE: "LA ODISEA" (2016).
DESCRIPTION:La figura de Jacques-Yves Cousteau (1910-1997) es recreada por esta película centrándose en treinta años de su vida\, los que van de 1949 a 1979\, cuando la presencia del marino\, oceonógrafo\, investigador y cineasta alcanza su máximo reconocimiento. También es la historia de la relación que mantiene con su mujer Simone y con sus dos hijos\, Jean Michel y Philippe\, que fue el preferido del padre. Uno de los hombres mas populares de la segunda mitad del pasado siglo donde su trayectoria llevó a la opinión publica todo un mundo desconocido hasta entonces: el de las profundidades marinas que retrató a través del cine y luego la televisión. La trama comienza cuando consigue financiación para sus investigaciones en aguas del Mar Rojo gracias al apoyo de bancos y compañías que necesitan descubrir pozos petrolíferos en el fondo del mar. Con el dinero de su esposa\, ferviente defensora de sus causas\, se hace con un barco al que recomponen con un numero de entusiastas colaboradores y que luego se convertirá en distintivo mayor de su vida: el » Calypso». Desde allí\, los descubrimientos serán cada vez mas asombrosos y darán pie a dos largometrajes ya clásicos: «El mundo del Silencio» (1956)\, que ganó el premio mayor en Cannes y el Oscar al Mejor Documental y » Mundo sin Sol» (1964). Estos dos films están considerados pioneros en su temática y son materia de referencia para los grandes documentalistas que vinieron después. \nLa película se adentra en las intimidades del clan Cousteau: un hombre cuyo mayor desafío es la aventura\, dejando en lugar secundario la parte afectiva que incluye a su esposa e hijos\, a quienes arrastra en sus proyectos hasta que los menores crecen y se plantean otros retos. Hombre mujeriego y fascinado por su propio personaje mediático\, habitual presencia en sets de televisión mas allá de sus propias producciones. «El mundo submarino de Jacques Cousteau» comenzó a emitirse en 1969\, el mismo año de la llegada del Hombre a la Luna y sus casi 40 episodios llenaron décadas en las pantallas de todo el planeta. La fascinación que provocaron sus descubrimientos fue fielmente retratada con cámaras cinematográficas en muchos casos pioneras y donde la curiosidad del científico fue punto impulsor de su desarrollo. \nEl director francés Jérome Sallé ( 1971) dirigió films exitosos del último decenio como «Anthony Zimmer» y las dos entregas de «Largo Winch»\, tramas repletas de espionaje\, misterio y suspenso donde muestra un gran dominio de los resortes de este tipo de cine\, así como en el retrato de las entramadas relaciones entre sus personajes. Lambert Wilson (1958) es actor francés de larga trayectoria y Audrey  Tautou (1976) una actriz que alcanzó enorme popularidad con el film «Amelie»\, convirtiéndose en una de las figuras europeas mas populares. El trío protagónico lo completa un nuevo rostro galo\, Pierre Niney que da vida al hijo Philippe\, de enorme importancia en esta historia al plantear los conflictos de la relación padre-hijo. Con imágenes espectaculares que nos llevan\, entre otros lugares\, al territorio Antártico\, la película es una hermosa ocasión de recordar la gran importancia que el cine de aventuras ha tenido para nosotros los espectadores de todos los tiempos y edades. \n«L’ODYSSÉE» (La Odisea\, 2017) / Francia / Director Jérome Sallé / Intérpretes: Lambert Wilson\, Pierre Niney\, Audrey Tautou\, Benjamin Laverne / Color / Hablada en francés e inglés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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SUMMARY:CINE: "CAPITÁN FANTÁSTICO" (2016).
DESCRIPTION:Señalar que este título no tiene nada que ver con películas de héroes que inundan las pantallas desde hace años. En todo caso puede tomarse como una ironía sobre esos personajes. «Capitán Fantástico» es una de los mejores títulos estrenados esta temporada y no gozó del éxito que merecía por estar muy alejada del cine acomodaticío y poco reflexivo que prevalece en la actualidad. Es una obra que muestra formas de vidas alternativas y donde el rol de educadores de los padres es fundamental en la construcción de la identidad de los hijos. En todo caso\, una alternativa extrema para hoy\, que sin embargo nos recuerda que en el pasado (los años sesenta fue una época idónea para estos propósitos) una parte de la sociedad creyó en estas posibilidades y las puso en práctica en comunidades distantes de los grandes núcleos urbanos. La película nos habla de una pareja con seis hijos que han abandonado la ciudad y se han instalado en los bosques del norte de EE.UU. Allí han organizado una vida donde la naturaleza y los libros comparten la realidad del grupo. Con enorme admiración por los pensadores progresistas (Noam Chomsky aparece como su «dios») intentan llevar esas doctrinas a la práctica. Pero la Realidad no es tan sencilla de abandonar y a partir de un incidente que desencadena la madre\, toda la tribu (parecen eso mas que otra cosa) tendrá que poner a prueba sus convicciones en un nuevo choque con la Sociedad. Interpretada por el inmenso Viggo Mortensen (1958)\, uno de los actores mas enigmáticos del presente\, «Capitán Fantástico» se presenta como una de las mejores películas del presente y nos recuerda las inmensas posibilidades del cine como instrumento cultural. Una de los films más reconocidos por la crítica internacional de este año\, que lo convierten en candidato a Clásico de estos tiempos de deriva en los que al parecer nos ha instalado la Globalización. «CAPTAIN FANTASTIC» ( Capitán Fantástico\, 2016) / EE.UU / Director Matt Ross / Intérpretes: Viggo Mortensen\, Frank Langella\, George McKay\, Samantha Isler\, Annalise Basso\, Nicolas Hamilton\, Shree Crooks\, Charlie Shotwell\, Trin Miller /.Hablada en inglés con subtítulos en castellano./ Duración: 2 hs.
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SUMMARY:CINE: "TARDE PARA LA IRA"(2016).
DESCRIPTION:«Tarde para la ira» pertenece al genero del policíaco español\, que en la última década ha alcanzado gran repercusión y refinamiento hasta convertirlo en uno de los mas valiosos del panorama actual.. Este film fue el ganador de los máximos premios de la temporada pasada\, entre ellos el «Goya»\, equivalente al Oscar hollywoodense\, al Mejor Film de 2016. Narra la historia de Jose\, un hombre silencioso\, con problemas de insomnio\, que pasa largas horas en el bar de un amigo compartiendo ese tiempo entre juegos de cartas\, charlas banales y su mirada siempre atenta a la figura de Ana\, hermana del dueño. La relación entre ellos aumenta con el pasar de los días y por las noches intercambian mensajes por internet. Pero la mujer\, ademas de su trabajo como camarera\, tiene un hijo pequeño a su cargo y un marido en la cárcel por un delito cometido ocho años atrás. Cuando este hombre recupera la libertad\, la historia da un giro completo y entonces comprendemos cuales han sido las intenciones de José durante todo este espacio transcurrido en la rutina de ese bar de barrio. \nLa película aborda a los personajes desde una perspectiva psicológica y va tramando entre ellos unas sutiles redes que llevan como telón de fondo la realidad social de un país sumergido en una crisis de valores de todo tipo. Una radiografía del Madrid actual que poco tiene de turístico y  mucho de realista. El agobio en que ha caído gran parte de la población mas vulnerable encuentra ocasionalmente en la violencia un camino hacia la fuga de una rutina asfixiante. \nInterpretada por un grupo de talentosos actores españoles de la última generación\, destaca entre ellos el impecable trabajo que realiza  Antonio de la Torre\, uno de los nombre mas notables del cine\, teatro y la televisión hispana en la actualidad. Y tras la cámara\, en la dirección por primera vez\, otro enorme actor de la misma generación: Raul Arévalo\, quien en este trabajo descubre un inesperado talento en la creación de atmósferas y dirección de actores. Uno de los grandes films del cine europeo actual\, que hunde en las raíces del policíaco toda una mirada sobre las consecuencias de la crisis financiera del año 2008\, que ha provocado efectos devastadores en el tejido socioeconómico de toda una parte de la población europea. \n«TARDE PARA LA IRA» (idem\, 2017) / España / Dirección Raul Arevalo / Interpretes: Antonio de la Torre\, Luis Callejo\, Raul Jimenez\, Ruth Diaz. / Color / Hablada en castellano / Duración: 1h 31 minutos
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-tarde-la-ira2016/
LOCATION:CÍRCULO MÉDICO DE AZUL\, San Martín 691\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
CATEGORIES:Cine fórum
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SUMMARY:CINE: "EL MARINERO DE GIBRALTAR" (1967)
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