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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL TENIENTE OTOMANO" (2017)
DESCRIPTION:En pleno auge de las telenovelas de países orientales en Occidente\, se estrena esta co-producción entre EE.UU y Turquía que nos lleva al antiguo cine de historias de amor en el marco de conflictos de alto peso histórico. Como en la mayoría de los casos\, estos quedan supeditados a las aventuras y desventuras de sus protagonistas y el género continúa su marcha a pesar del paso del tiempo: los gustos de cierto sector del público permanecen intactos. Se nos narra la historia de una joven idealista de 23 años que deja su confortable mundo en EE.UU para viajar a una perdida misión de médicos en las profundidades del Imperio Otomano\, en el mismo periodo que se produce su momento final: la Primera Guerra Mundial. Un imperio que gobernó durante seis siglos y que tuvo sus orígenes en una de las civilizaciones mas antiguas. Hasta ese remoto paraje llega la bella Lillie con sus intenciones de ayudar a los enfermos y necesitados. La acompaña un militar y una pequeña escolta con la que atraviesan una deslumbrante y peligrosa geografía\, plagada de conflictos y violencias que llevaran a un estado bélico que definirá hasta la actualidad nuevas fronteras. Ismail es el teniente que se enfrentará a otro hombre por las atenciones de la joven mujer: el doctor Jude. El cuarto personaje de la historia es otro médico\, Wordruff\, el único que parece estar consciente de los peligros que acecha a la recién llegada a tan hostil tierra. Con estos ingredientes se arma la narración de una película que encuentra en la belleza y exotismo de los paisajes sus mejores basas: desde las demenciales formas de la Capadocia hasta la imponente vista del Monte Ararat\, donde según la leyenda se esconden los restos del Arca del Noe bíblico\, la trama avanza entre conflictos de todo índole que mantienen la atención del espectador y nos recuerda que este «antiguo» cine sigue tan vivo como las propias narraciones que nos persiguen a lo largo de nuestras vidas. \nSus protagonistas son el holandés Huisman\, uno de los protagonistas de la televisiva «Juego de Tronos»\, la islandesa Hera Hilmar\, el británico protagonista de «Gandhi» (Oscar 1983 al Mejor Actor)\, el enorme Ben Kingsley y el hollywoodense Josh Hartnett\, un rostro que se diluyó tras su espectacular aparición en «Pearl Harbour» y otros éxitos de los primeros años dosmil. Un grupo de intérpretes tan expresivos como los paisajes que pueblan la película. Es todo lo que se ofrece y es todo lo que hay. \n«EL TENIENTE OTOMANO» (The Ottoman Lieutenant\, 2017) / EE.UU- Turquía / Dirección Joseph Ruben / Intérpretes Michiel Huisman\, Hera Hilmar\, Josh Hartnett y Ben Kingsley / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 46 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "CELOS ESTILO ITALIANO" (1970)
DESCRIPTION:El cine Italiano gozó a lo largo de su Historia de varios períodos de esplendor. En las primeras décadas del Siglo XX fue junto al francés al mas importante y sus películas llegaron a los principales centros occidentales. Tras la Segunda Guerra Mundial y hasta finales de los años setenta\, vivió el segundo y mas completo y complejo de ellos. Desde la irrupción del Neorrealismo en 1945\, pasando por la comedia que definió toda una manera de hacerla\, hasta la aparición de un grupo de enormes artistas que sentaron cátedra en todo el mundo (Fellini\, Antonioni\, Visconti\, Pasolini)\, Italia fue sinónimo de calidad en lo popular y en lo artístico\, un fenómeno del que pocas naciones pueden presumir. De este largo período de tres décadas y media forman parte nombres gloriosos como Marcello Mastroianni\, Monica Vitti\, Giancarlo Giannini\, intérpretes y Ettore Scola\, guionista y director. Los cuatro unen sus inmensos talentos en un film de 1970 que en Argentina se conoce como «Celos Estilo Italiano». \nSe narran las relaciones de una pareja integrada por Oreste\, albañil y Adelaide\, sin profesión definida. Desde el primer momento en que se encuentran (él tirado en un basural y ella descubriéndolo desde las alturas de un Parque de Diversiones)\, la pasión mas feroz se desata entre ellos. Pero poco después aparece Nello\, pizzero y seductor y entonces la pareja se convierte en triángulo y todo se dispara en direcciones que los protagonistas no pueden controlar. El tono de comedia tiñe de risas y sonrisas un drama que desgarra a sus componentes. Y esa es la cualidad de este enorme cine: barnizar a través de un genero mas accesible a los espectadores\, otro que esconde una visión mas despiadada de los componentes humanos. Allí radica su enorme grandeza y el motivo por el que durante años el cine italiano y sus protagonistas fueron tan aceptados por nosotros\, sus herederos argentinos. \n«Celos Estilo Italiano» brindó al gran Mastroianni (1924-1996) la oportunidad de ganar el premio al Mejor Actor en el Festival de Cannes. Realizó hasta su muerte (a los 72 años por cáncer) cerca de 150 trabajos bajo la dirección de maestros como Fellini\, Monicelli\, Antonioni\, Comecini\, Visconti\, Zurlini\, De Sica y actrices como Sophia Loren\, Catherine Deneuve\, Romy Schneider\, Faye Dunaway o Gina Lollobrigida. Monica Vitti (1931) fue la protagonista de grandes obras de Antonioni (La Aventura\, La Noche\, El Eclipse\, El Desierto Rojo y El Misterio de Oberwald) y también maestra en la comedia ligera de su tiempo\, donde compartió espacio junto a Gassman\, Sordi\, Tognazzi o Manfredi\, genios del género. Giancarlo Giannini(1942) saltó a la fama en los setenta con sus trabajos para la realizadora Lina wertmuller\, con quien protagonizó clásicos del momento como «Mimi Metalurgico» o «Pascualino Siete Bellezas»\, que le abrieron las puertas al exterior y que continúa con una incansable carrera hasta el presente. Ettore Scola ((1931-2016) realizó «Nos habíamos amado tanto»\, «Brutos\, feos y malos» o «Pasión de amor»\, entre otras grandes obras maestras. Lo mejor del cine «tano» en una de sus grandes obras para recuperar y redescubrir talentos olvidados. \n«CELOS ESTILO ITALIANO» ( Dramma della gelosia\, tutti i particolari in cronaca\, 1970) / ITALIA / Dirección Ettore Scola / Intérpretes Marcello Mastroianni\, Monica Vitti\, Giancarlo Giannini\, Marisa Merlini\, Manuel Zarzo / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 46 minutos.
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SUMMARY:CINE: "LA EMIGRANTE" (2013).
DESCRIPTION:Ellis Island es una isla que está frente a la ciudad de Nueva York y que fue durante décadas el primer lugar americano que pisaron los migrantes que llegaban desde Europa. A principios de los años 20 del Siglo pasado\, la cantidad de personas que huían de la tierra devastada tras la Primer Guerra Mundial llené el espacio de demandantes que buscaban una vida digna\, ademas de buena en los EE.UU (también en el resto de Latinoamérica). Ewa y Magda son hermanas y arriban desde su Polonia natal y el recibimiento no puede ser mas desolador: la segunda de ella es apartada en la fila de ingreso por estar enferma y la primera\, nuestra protagonista\, por considerar que no ha demostrado tener una buena «moral» durante la travesía. Pero en el lugar también se encuentra Bruno\, un joven judío newyorkino que deslumbrado por la belleza de la mujer\, se ofrece a dar una solución al grave conflicto. Dirigida por James Gray (1969)\, uno de los mayores cineastas actuales en EE.UU con una obra tan breve como talentosa ( seis films estrenados desde 1994 y uno en rodaje) «LA EMIGRANTE»\, su quinta película nos propone una reflexión sobre la condición humana en situaciones y épocas de crisis. Con una deslumbrante recreación de época que recuerda al mejor Ford Coppola de «El Padrino segunda parte»\, cuidada fotografía y puesta en escena\, el film cuenta con una arrolladora interpretación de sus protagonistas: la enorme actriz francesa Marion Cotillard (!975) y el actor fetiche del director\, Joaquin Phoenix (1974)\, presente en otras tres de sus realizaciones. La actriz ganó el Oscar a la mejor actuación femenina por su personificación de Edith Piaf en «La Vie en Rose» (2007) y desde entonces su carrera se desarrolla entre su Francia natal y EE.UU\, donde su talento ha estado a disposición de cineastas como Ridley Scott\, Michael Mann\,Tim Burton\, Jacques Audiard\, los Hermanos Dardenne\,Steven Soderberg\, Woody Allen o Robert Zemeckis\, lo mejor del cine contemporáneo. «LA EMIGRANTE» es una de las mejores películas de los últimos años y su difusión ha sido escasa\, formando parte de las grandes obras cinematográficas que no ocupan el lugar que merecen en las salas de todo el planeta. \n«LA EMIGRANTE» ( The Innmigrant\, 2013) / EE.UU / Director James Grey / Intérpretes Marion Cotillard\, Joaquin Phoenix\, Jeremy Renner\, Angela Sarafyan / Color / Hablada en inglés y polaco con subtítulos en castellano / Duración 2hs
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SUMMARY:CINE: "LA PISCINA" (1969).
DESCRIPTION:Jean Paul y Marianne viven una apasionada historia de amor desde hace dos años. En su casa del sur francés\, a orillas del Mediterráneo pasan sus vacaciones entre calores externos e internos. La soledad de la pareja se ve interrumpida por la llegada de dos inesperados visitantes: Harry y su hija Penélope. Entre los cuatro personajes se irá tejiendo una telaraña de celos\, miradas y vueltas a un pasado que ninguno parece querer recordar. Un acontecimiento extraordinario\, la muerte de uno de ellos\, hará replantear el lugar de cada uno de los tres restantes. «LA PISCINA» fue estrenada en el mundo entero mientras el Hombre llegaba a la Luna y su éxito inmediato en todas partes\, entre ellas nuestro país\, que vivía entonces una enorme devoción por su protagonista masculino\, el francés Alain Delon (1935). Este suceso se arrastraba desde el éxito de «El Gatopardo» (1964) y se extendería durante toda la década de los setenta. Un actor de escasa expresividad actoral pero con una arrolladora presencia física\, que lo convirtió junto a Belmondo y Mastroianni\, en un auténtico Mito del cine europeo. «LA PISCINA» forma parte del genero policíaco\, donde la psicología de los personajes y las relaciones que desde allí se crean son protagonistas tanto como los crímenes que dan motivo para indagar en los comportamientos de los humanos. En esta obra destaca el componente erótico que une no solo a los dos protagonistas\, sino a todos los integrantes principales de la historia: dos hombres y dos mujeres que compiten entre ellos como si se tratara de presas de caza. La belleza clásica de la austríaca Romy Schneider (1938-1982)\, una de las grandes personalidades de la Historia del Cine\, de impagable belleza y enorme talento interpretativo\, forma junto a Delon una de las parejas clásicas de la década de los 60\, cuando un romance tempestuoso saltó a la primera planas de su tiempo tras rodar un film muy taquillero\, «Christine». Luego actuarían juntos en teatro y en 1972 por cuarta vez en Cine en el film «El asesinato de Trotsky». La temprana muerte de la actriz a los 43 años de edad truncó una de las carreras mas solidas de su tiempo. «LA PISCINA» está considerada hoy un auténtico clásico del Cine Francés y su visión nos invita a introducirnos en nuestro propio túnel del tiempo para recuperar un estilo de películas hoy casi olvidado. Su director Jacques Deray (1929-2003) fue uno de los maestros del género y rodó junto al intérprete ocho largometrajes\, todos de indudable valor y considerados entre lo mas destacable de la producción gala. \n«LA PISCINE» (La Piscina\, 1969) Francia- Italia / Dirección Jacques Deray / Intérpretes Alain Delon\, Romy Schneider\, Maurice Ronet\, Jane Birkin\, Paul Crauchet / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 2hs.
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SUMMARY:CINE: "VIVIR POR VIVIR" (1967).
DESCRIPTION:«Vivir por Vivir» fue la película que el realizador francés Claude Lelouch (1937) filmó después del enorme suceso mundial de «Un hombre y una mujer» (gano el Festival de Cannes 1966 y el Oscar al Mejor Film Extranjero entre otros premios) convirtiéndolo en uno de los directores mas famosos del mundo. Fama que se prolongaría hasta entrados los años ochenta con el éxito de «Los Unos y los Otros » (1981)\, tras títulos como «El Hombre que Amo»\, «Simón el Bribón»\, «Una dama y un canalla»\, «La Aventura es la Aventura» o «Toda una Vida»\, películas que en Argentina batieron récords de asistencia e hicieron de él uno de los pocos nombres «reconocibles» de directores de cine. En este trabajo Lelouch aborda la historia de otra pareja\, tema emblemático de su obra y los conflictos que surgen cuando el hastío y el cansancio ocupan lugar en su presente. Robert es un periodista que realiza tantos trabajos para la televisión como mujeres colecciona a partir de los desplazamientos que la profesión le obliga. Catherine es la esposa que deja de ser paciente ante las continúas infidelidades de su marido. La llegada de una joven y bella norteamericana\, Candice\, provocará una ruptura y la mujer intentará abrir nuevos horizontes para su vida. Lo que despierta rápidamente los celos del posesivo hombre que no acepta estas » reglas del juego». La película\, como otras de Lelouch\, retrata paisajes lejanos\, exóticos y muy bien filmados por la siempre inquieta cámara del también gran camarógrafo. El cine lelouchiano forma parte de un tiempo ya pasado pero guarda encanto para los espectadores de entonces y ofrece a los nuevos un panorama de como se gestaban sucesos cincuenta años atrás. Los tres intérpretes del film forman parte de la mitología cinematográfica de los años sesenta: Yves Montand (1921-1991)\,  Annie Girardot (1931-2011) y la entonces novel Candice Bergen (1946)\, una de las grandes bellezas de la época con su estilo que recordaba a rubias aristocráticas como Grace Kelly. La banda sonora del film es otro aliciente para la memoria y testigo de un tiempo donde la música de cine ocupaba destacado lugar en la venta de discos y sobre todo en el gusto de toda una generación de amantes del Cine. Es entonces la oportunidad de regresar a ver estas películas y re-pensarlas desde nuestra actualidad madura. \n«VIVIR POR VIVIR» (Vivre pour Vivre\, 1967) / Francia / Director Claude Lelouch / Intérpretes Yves Montand\, Annie Girardot\, Candice Bergen\, Irene Tunc\, Anouk Ferjac / Hablada en francés e inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 2 hs 05 minutos.
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SUMMARY:CINE: " CALLAS FOREVER" (2002)
DESCRIPTION:Hace cuarenta años moría Maria Callas. Tenía 53 años de edad\, una de las carreras de soprano mas deslumbrantes de la Historia y una enorme melancolía por el paso del tiempo y la pérdida de su don mas preciado: la Voz. El realizador italiano Franco Zeffirelli (1923) autor de sucesos como «La Fierecilla Domada» (1966)\, «Romeo y Julieta» (1968) o «Hamlet» (1990)\, tres incursiones muy logradas en el universo de Shakespeare\, dirigió en 1964 un documental sobre la diva en una actuación en Londres. También estuvo detrás de algunas de sus actuaciones en teatros y mantuvo una relación amistosa hasta la muerte de la mujer en Paris. Y en el año 2002 filma su último largometraje «Callas Forever»\, donde a partir de todo lo expresado\, construye una fantasía (o no) de lo que fueron sus últimos meses de vida. Un productor de música pop (o el propio director)\, viejo amigo de la cantante\, se acerca a su domicilio casi impenetrable en la capital francesa donde vive bajo los cuidados de una acompañante\, para ofrecerle un regreso por todo lo alto: filmaran en España una versión cinematográfica de la ópera de Bizet «Carmen». El proyecto parece sacar a la mujer de su letargo y la sangre vuelve a correr por sus venas. Pero la realidad nunca corresponde con la fantasía y el proyecto amenaza con derivar hacia otros senderos. Una película valiente\, transgresora\, que mezcla acontecimientos reales con otros puramente ficticios y siembra en el espectador atento la enorme duda si todo lo narrado pudo haber acontecido en la realidad. Interpretada por la gran actriz francesa Fanny Ardant (1949) acompañada por Jeremy Irons (1949)\, que realiza una impresionante caracterización de la gran cantante\, el film nos brinda la ocasión de recordar y escuchar algunas de sus mas grandes versiones de la opera clásica. \n«CALLAS FOREVER» (2002) Francia- Italia- Uk- España-Rumanía / Director Franco Zeffirelli / Intérpretes Fanny Ardant\, Jeremy Irons\, Joan Plowright\, Manuel de Blas\, Jay Rodan / Color / Hablada en inglés y francés con subtítulos en castellano / Duración: 1h 48 hs
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SUMMARY:CINE: "EL GRADUADO" (1967)
DESCRIPTION:Ben Braddock termina sus estudios y se dedica a descansar y perder el tiempo mientras sus padres cubren gastos y caprichos del joven.Se baña en la pileta\, conduce un descapotable. Para este nuevo graduado no hay planes a la vista. Una noche en una fiesta familiar\, a la que acude con desgano como trofeo a ser presentado ante todos los adultos\, descubre la mirada insistente de una amiga de los padres: la misteriosa y fascinante Sra. Robinson. Pronto cae en sus redes seductoras y el secreto de su aventura da sentido a su existencia. Los encuentros se suceden en la intimidad de lujosos hoteles hasta un día en que reencuentra a una conocida de su infancia. Que se llama Elaine\, ha crecido y convertido en una bella joven. El problema es que su madre no es otra que la mismísima Sra.Robinson. Ahora si que Ben tendrá con que entretenerse. «El Graduado» se estrenó en EE.UU durante 1967 e inmediatamente se convirtió en uno de los grandes sucesos del cine. Lo mismo ocurrió en el resto del planeta y e hizo del casi debutante Dustin Hoffman (1937)  el astro del momento. Y a la deslumbrante Anne Bancroft (1931- 2005) en símbolo erótico maduro de toda una generación. Ambos eclipsaron la belleza y el talento de la tercer integrante del tríangulo\, la hermosa Katharine Ross que poco después triunfaría como la mujer por la que compiten dos hombres en «Butch Cassidy» (1969). La diferencia de edad entre los protagonistas amante-joven era de 6 años\, lo que no impidió que sus interpretaciones fueran creíbles: Hoffman aparentaba menos edad y Bancroft un poco mas: secretos y trampas del celuloide. El film está considerado como uno de los fundamentales de un nuevo tiempo de Hollywood\, cuando la Censura que había imperado durante décadas comenzaba a desaparecer y podían tratarse abiertamente temas antes prohibidos\, entre otros los que conllevaban un fuerte contenido erótico. A cincuenta años del estreno continúa manteniendo su encanto inicial con imágenes que emocionan al compás de la inolvidable banda sonora de Simon & Garfunkel\, con clásicos como » The sounds of silence» y » Mrs.Robinson». Una película deliciosa. \n«EL GRADUADO» (The Graduate\, 1967) / EE.UU / Dirección Mike Nichols / Intérpretes Anne Bancroft\, Dustin Hoffman\, Katharine Ross\, Murray Hamilton / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 46 minutos.
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SUMMARY:CINE: "OBABA" (2005).
DESCRIPTION:«Obaba» es la adaptación al Cine de un libro ya clásico de la literatura vasca editado en 1988 y llamado «Obabakoak». Su autor escribe y publica en euskera y sus textos han sido traducidos a decenas de idioma: Bernardo Atxaga (1951) nació en Guipúzcoa y con esta obra alcanzó enorme popularidad. El libro consta de 28 relatos que reflejan con enorme precisión la identidad de los vascos\, desde la propia condición humana hasta los paisajes que definen a su gente. El director Montxo Armendáriz (1949) trabajó durante años en la adaptación de un lenguaje a otro y mas de una vez creyó imposible hacerlo. La complejidad del relato\, la cantidad de personajes y situaciones no encontraban sencilla respuesta a la hora de transformar páginas en imágenes. Pero finalmente consiguió hacerlo y en 2005 estrenó en el Festival de Cine de San Sebastian su obra. El director de «Tasio»\, «Secretos del Corazón» y «No tengas miedo» nos trae al Cine a los pobladores de Obaba\, un lugar mas mítico que real donde la gente mide las distancias en curvas o pasos y cree en el poder mágico de algunos animales como los pequeños lagartos. Que pueden introducirse en el cuerpo humano para modificar conductas o ser simplemente metáforas de un mundo perdido. \nEl director crea dos personajes ausentes en el relato original para dar rienda suelta a una construcción cinematográfica: Lourdes es una joven estudiante de Cine que decide acercarse a Obaba para realizar un trabajo audiovisual sobre la gente del lugar. Su condición de extraña la pone en el punto de mira de los lugareños y será a través del descubrimiento de una antigua fotografía donde nacerá su historia: un grupo de alumnos se retratan junto a una bella maestra. El tiempo ha pasado y muchos de ellos son adultos que habitan el lugar mientras otros han desaparecido. Al investigar con y sobre ellos\, la mujer descubre secretos ocultos e historias que van interrelacionándose. El amor\, la soledad\, la identidad\, la violencia o la infancia son algunos de los complejos temas que aborda el film. Que como episodios aislados van ofreciéndose al espectador para alcanzar finalmente la forma de un rompecabezas sugerente. \nReflexiona Montxo Armendáriz sobre que es Obaba:  “Muchas cosas\, pero sobre todo\, como dice Bernardo Atxaga\, es un mundo dentro del mundo. No es un lugar que se extinga ni que exista. No es algo tangible\, desde luego\, es un microcosmos en el que está en juego la condición humana y el misterio del tiempo. Obaba es una forma de entender la vida y de vivirla que conecta con la búsqueda de lo desconocido. Los lagartos de Obaba son una metáfora de ese misterio que se te mete en el cerebro\, en determinado momento\, y que cambia el rumbo de tu percepción de la vida. Lo puede cambiar para bien o para mal. Ese es el misterio. A un personaje lo deja atontado\, a otro le aporta lucidez”. \nComo dice uno de sus personajes\, el joven Miguel: » cualquier sitio es bueno para vivir siempre que esté a gusto consigo mismo». Y Obaba resulta ser para muchos de sus protagonistas el mejor lugar del mundo. Un film a re descubrir. \n«OBABA» (idem\, 2005) /España/ Dirección Montxo Armendariz / Intérpretes Barbara Lennie\, Pilar Lopez de Ayala\, Mercedes Sampietro\, Belén Lopez\, Juan Diego Botto\, Eduard Fernandez\, Lluis Homar / Hablada en euskera con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-obaba-2005/
LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
CATEGORIES:Cine fórum
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