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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "ANICETO" (2008)
DESCRIPTION:Aniceto es pobre y vive en un pequeño pueblo de Mendoza. Bien parecido y sin trabajo definido\, se gana la vida jugando en riñas de gallos. Es un seductor empedernido y el éxito con las mujeres es una constante en su vida. En uno de las bailes a los que asiste conoce a la Francisca e inician un romance. Ella le atiende\, cuida y sirve en la humildad de su casa. Aniceto dice amarla pero la aparición de la Lucia le aleja de su anterior enamorada. Las dos mujeres representan valores contrapuestos: la sencillez y humildad de una frente a la arrogancia y desenfado de la otra. Y Aniceto comienza a perder el control de toda su rutina. \nLeonardo Favio (1938-2012) fue primero actor de fuerte perfil desde su debut en 1957 y se convirtió en actor fetiche del gran Leopoldo Torre Nilsson (seis largos). También trabajó para Fernando Ayala\, Daniel Tinayre\, Jose Martinez Suarez y Manuel Antin\, todos directores importantes del cine argentino. Pero cambio de lugar y se puso tras la cámara: a lo largo de nueve largometrajes desarrolló una de las obras mas significativas del arte argentino en cine: «Crónica de un niño solo»\, «El Dependiente»\, «Juan Moreira»\, «Nazareno Cruz y el Lobo»\, «Soñar\, soñar»\, «Gatica el mono»\, «Perón: sinfonía de un sentimiento». Su segunda obra fue la que a su vez acabó inspirando la novena y última: «El romance del Aniceto y la Francisca»\, que en 1967 irrumpió con enorme fuerza en el alicaído panorama cinematográfico argentino de su tiempo y se convirtió en film de culto y luego en clásico. Cuarenta años mas tarde\, el artista Favio realiza una nueva versión de su film\,  donde la danza suplanta a la actuación y se complementa con diálogos que los actores/danzarines alternan entre imágenes de enorme belleza y sugestión al son de una banda sonora repleta de magníficos aportes musicales\, dando como resultado una obra absolutamente innovadora y única en el panorama nacional. Cuenta con el aporte de tres brillantes nombres de la danza argentina: Hernán Piquin\, Natalia Pelayo y Alejandra Baldoni\, que con sus talentos enormes cierran la suma de elementos artísticos que destacan el largometraje. \n«ANICETO» Argentina\, 2008/ Director Leonardo Favio / Intérpretes Hernán Piquin\, Natalia Pelayo y Alejandra Baldoni /Color / En castellano / Duración 1h 22 minutos.
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SUMMARY:TALLER DE CINE: "LOVING" (2016).
DESCRIPTION:Loving significa en inglés amando. Pero también es el apellido de los personajes de este film. Una historia basada en sucesos y personajes reales que pasaron a la Historia por ser los pioneros en una de las innumerables causas por los derechos civiles que los humanos han transitado a lo largo del Siglo XX. Un tiempo donde a pesar de todos los progresos científicos y tecnológicos\, ciertas cuestiones básicas permanecieron demasiado sin resolverse. En el mismo instante en que el Hombre ya había puestos satélites en órbita de la Tierra\, en EE.UU regían conceptos retrógrados como la imposibilidad en muchos estados e la Unión de contraer matrimonio entre seres humanos de diferente color de piel. \nMildred es joven\, trabajadora y negra. Richard también\, pero blanco. Y cometen el pecado de casarse. A partir de entonces pagaran un alto precio social\, policial y legal. Su historia está contada como lo que principalmente es: una de amor. Porque esta mujer y este hombre se aman por encima de todas las consideraciones. Son honestos y saben que nada malo hay en este vinculo. Pero la sociedad no piensa lo mismo. O gran parte de ella\, la que somete al resto. En 1955 Rosa Parks (1913-2005) se niega a sus 41 años a ceder su asiento en un autobús a un hombre blanco. Este acto reviste valor histórico porque da pie a muchos avances y logros de la ciudadanía negra. Y los Loving siguen su imparable (pero no acabada) estela. Porque el tema racial sigue mas vivo que nunca en todo el Planeta\, disfrazado a veces tras insostenibles máscaras. \nEl cine norteamericano sigue mostrando el enorme vigor de siempre\, y su contribución a la reflexión y al conocimiento vive en este presente de 2018 un nuevo tiempo de esplendor\, eclipsado quizá por el formidable suceso de las series de televisión\, que van quitando espacios en la oferta global.. Por ello mismo\, el desembarco de continuos nuevos realizadores le hace mas valioso en cuanto acto de resistencia. \nJeff Nichols (1978) debutó en 2007 con «Shotgun Stories»\, un film (como el presente) inédito en las carteleras argentinas. Sus dos siguientes trabajos conocieron estreno: «Atormentado» (2011) y » Mud» (2012). Estrenó en 2016 dos largos. «Midnight Special» y «Loving». Esta última alcanzó cierto renombre popular por la nominación a los premios de Hollywood en varias categorías\, incluidas las de mejor actriz y actor. Con 5 largometrajes ha logrado colocarse en el primer pelotón de talentos USA. Sigue siendo cine minoritario y de escasa distribución en la mayoría de los países. «Loving» persigue la estela de los grandes títulos que han reflexionado sobre la condición humana en sus aspectos mas vulnerables\, como lo son el racismo\, la injusticia\, el dolor innecesario por el que millones de personas han transitado y transitan el paso de la Historia. Desde clásicos como «Las Uvas del Mal» donde los efectos devastadores de la Depresión económica de los años 1930 causaron estragos en un amplio sector de la población\, hasta presentes títulos como «The Post: Los secretos del Pentágono»\, el cine ha contribuido a que estos acontecimientos fuesen visibles para millones de nosotros espectadores\, que creemos que en la majestuosidad de este Arte único: la Cinematografía. \n«LOVING»/ EE.UU. / 2016 / Director Jeff Nichols / Intérpretes Ruth Negga\, Joel Edgerton\, Will Dalton / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración  2hs 3 minutos.
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SUMMARY:CINE: "AZUL OSCURO CASI NEGRO" (2006)
DESCRIPTION:Una década atrás\, la sociedad española y europea en general\, comienza a manifestar los síntomas de una crisis que hoy es realidad: el modelo de la Unión Europea basado en el Euro\, la moneda común a todos sus integrantes\, mostraba sus mas evidentes grietas. Los jóvenes pertenecen al sector mas afectado en cuanto a perspectivas de futuro se refiere: Jorge ha heredado el trabajo de su padre y también su cuidado y atención. Tiene un título universitario\, pero las circunstancias no le han permitido ejercer su profesión. Su hermano Antonio está en la cárcel y la madre se ha marchado. Pero una enorme vitalidad lo atraviesa y las esperanzas de un futuro\, simbolizado en un traje que es azul oscuro casi negro\, lo mantienen activo y alerta. Su amigo\, un antiguo amor que regresa y las circunstancias que van apareciendo en el camino\, conforman la base narrativa de una de las películas mas premiadas\, vistas y reconocidas del último cine hispano. \nEl realizador\, nacido en 1970\, debuta a los 36 años con este largo e instala su nombre como una de las grandes promesas cinematográficas que facilitan el relevo generacional tras los nombre de cineastas como Pedro Almodovar\, la figura mas internacional del panorama español. Con un reparto de actores que hoy forman la plana mayor de su cine y televisión\, la película propone un retrato serio\, inteligente\, alejado de toda hipocresía sobre un tiempo donde todos los valores establecidos son puestos bajo la lupa para de esa manera hacerlos visibles y establecer nuevos códigos de convivencia. La amistad\, la familia\, la pareja\, intimidades y secretos mas guardados salen a la luz para conformar uno de los grandes frescos del cine europeo actual\, un cine que no es el mas habitual en las múltiples pantallas que habitan nuestro suelo. Pero es el Cine que testimonia y deja rastros para el futuro. Un futuro hecho realidad desde la mirada de un director que se atrevió a sugerirlo 12 años atrás. \n«AZUL OSCURO CASI NEGRO» / España / 2006 / Director Daniel Sanchez Arévalo / Intérpretes Quim Gutierrez\, Marta Etura\, Antonio de la Torre\, Hector Colomé\, Raul Arévalo\, Eva Pallarés\, Ana Wegener\, Manuel Morón / Hablada en castellano con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 45 minutos.
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SUMMARY:TALLER DE CINE: EL MARIDO DE LA PELUQUERA (1990)
DESCRIPTION:Antoine tiene 60 años y aun guarda la fascinación por un recuerdo: de niño acudía a cortarse el pelo con demasiada frecuencia. Porque se había enamorado de la peluquera de su pueblo\, mujer voluptuosa y dulce que le transportaba a otro mundo cuando posaba sus manos (y sus tijeras) sobre su infantil cabeza. La infancia perdida encuentra en esta evocación una fuente constante de bienestar en el adulto. Hasta que descubre a otra mujer en otra peluquería. Pero ya no es niño y el tiempo se le escapa de sus manos. Mathilde es mas joven que él\, pero esto no es obstáculo para seducirla y declararle su amor. El misterio que la mujer desprende parece no impactar plenamente en la psique del hombre maduro. \nEsta película de hace 28 años\, fue en su momento un enorme suceso comercial en Francia\, que se contagió a países de varias latitudes. Una extraña combinación de comedia y drama latente se esconden bajo sus imágenes. Y la originalidad de la propuesta es orquestada con maestría por un director que rara vez volvió a alcanzar semejante intensidad. \nPatrice Leconte (1947) debutó en 1976 con un film también interpretado por el protagonista de este: Jean Rochefort (1930.2017)\, formidable actor que trabajó en mas de 100 films a lo largo de su carrera y se convirtió en uno de los rostros mas famosos y peculiares del cine galo. Con enorme capacidad para transitar de la comedia al drama\, uno de sus últimos trabajos lo realizó interpretando al escultor mayor y abatido que renace ante la llegada de una joven muy bella en la película española «El Artista y la Modelo». El director Leconte  contó con él en varias oportunidades. \nLa carrera de este cineasta tuvo un nivel ascendente a través de una serie de exitosas comedias populares hasta el año 1989\, cuando abandona el genero y se introduce en el dramático adaptando una novela de Simenon en otro de sus destacables trabajos: «Monsiuer Hire». Tras el suceso de «El marido de la peluquera» e instalado en una zona de privilegio en la cinematografía de su país\, el autor no supo mantener el nivel y su linea fue descendente desde entonces. En 1998 reunió nuevamente a los astros Delon y Belmondo en «Los Profesionales». Pero el éxito no volvió a repetirse. \nQueda entonces esta pieza como un destacado hito en su trayectoria. El film analiza la transformación de un niño en adulto sin abandonar muchas de las condiciones del primero. Una elección del personaje que le encamina hacia la melancolía ante la imposibilidad de perpetuar el deseo del instante preciso\, aquel en el que sus fantasías se hacen realidad por un tiempo que él desea eterno. La búsqueda de esa felicidad es el motor que le moviliza y condena. La mujer\, en su caso\, es mas objeto de deseo que sujeto real. Por ello mismo\,su dificultad en retenerla. \nLa protagonista femenina es una mujer de extraña belleza que tuvo un momento de gloria en su carrera con este film\, pero que como la propia criatura a la que da vida\, no logra mantener en el tiempo. Ha sido trabajando hasta la actualidad. \nEl film permanece entonces como un momento muy especial en la carrera de director y actriz\, fenómeno frecuente en la Historia del Cien. El de nombres que parecían indicar grandes carreras pero quedaron solo en logros esporádicos. Su condición de «perla» es la que la ubica en ese espacio del celuloide integrado por películas realizadas por autores que acariciaron la brillantez para luego regresar a la modestia cuando no a la mediocridad mas absoluta. En todo caso\, se la puede considerar un clásico del cine galo. \n«EL MARIDO DE LA PELUQUERA» ( Le mari de la coiffeuse\, 1990) Francia / Director Patrice Leconte / Intérpretes Jean Rochefort\, Anna Galiena\, Roland Bertin / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 22 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL MESÍAS SALVAJE" (1972)
DESCRIPTION:Henri Gandier Brzeska (1891-1915) fue un escultor de origen francés que tuvo una carrera tan breve como intensa de cuatro años previos a la Primera Guerra Mundial. Su producción se ve interrumpida por el ingreso al Ejército\, donde murió en combate a los 23 años de edad. Habiendo vivido en Inglaterra y Alemania\, sus convicciones antimilitaristas le convirtieron en desertor y prófugo de Francia. Para luego regresar\, incorporarse a la guerra y convertirse en ferviente patriota. Su relación con la escritora Sophie  Brzeska\, mujer de origen polaco y veinte anos mayor\, le acompaña en su período de ferviente actividad. Vivieron en ambientes míseros y mantuvieron\, al parecer\, una relación platónica. Su obra\, ubicada dentro del Movimiento Vorticista\, se exhibe en la actualidad en museos como el Nacional de Bellas Artes de París\, la Tate Galery de Londres y otros en Ottawa\, Chicago y New York\, siendo considerada patrimonio fundamental del Arte francés del Siglo XX. \nCon todo este material\, el controvertido cineasta inglés Ken Russell (1927-2011) realizó en 1972 la que probablemente sea su mejor película. Inmersa en su edad de esplendor (1969-1980)\, la que incluye sucesos como «Mujeres Apasionadas» (1969)\, «La otra cara del amor » (1971)\, «Los Demonios» (1971)\, «Mahler» (1974)\, «Tommy»(1975) y «Estados Alterados»\, todos films que abordados desde una perspectiva escandalosa y transgresora que le otorgaron un lugar especial y sello distintivo dentro del cine europeo de los años setenta\, logrando todos ellos enorme suceso en Argentina\, donde fue uno de los cineastas preferidos por público y crítica. «El Mesías Salvaje»\, a cuatro décadas de su estreno\, permanece como el mas brillante resultado de su excesivo derroche de imaginación\, muchas veces decantado hacia el mal gusto y la provocación mas banal. El retrato que hace de los personajes principales\, el escultor y la escritora\, resulta magistral y logra transmitir toda la furia y creatividad con la que el Artista consigue sus obras. Obras de una belleza deslumbrante que fueron reconocidas en vida\, pero al ser esta tan breve\, impidieron alcanzar mayores alturas. El ambiente previo al estallido de la contienda bélica\, los espacios intelectuales\, artísticos\, elitistas\, así como los mas abandonados\, llenan las imágenes de este espléndido modelo de lo que la Cinematografía puede lograr cuando reflexiona sobre otras disciplinas artísticas. Con un memorable trío de intérpretes formados por los olvidados Dorothy Tutin (1930-2001) y Scott Antony (1950)\, actor que tras tres largometrajes y algunas series de televisión abandonó la profesión para convertirse en fotógrafo y cineasta documentalista\, mas una primeriza Helen Mirren (1947) de belleza y erotismo desconocidos para el público actual que la descubrió ya mayor a partir de su interpretación en el film «La Reina» (2006)\, la película del cineasta británico permanece en la actualidad como uno de los mas memorables retratos sobre artistas realizados desde el Cine. \n«EL MESÍAS SALVAJE» / Savage Messiah / 1972 / Reino Unido / Director Ken Russell / Intérpretes Dorothy Tutin\, Scott Antony\, Helen Mirren\, Lindsay Kemo\, Peter Vaughan\, Michael Gough / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 33 minutos.
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SUMMARY:CINE: "HANDIA" ( 2017).
DESCRIPTION:Handia significa Grande en la lengua euskera. Y es el titulo de este film triunfador en el último Festival de Cine de San Sebastían 2017. Narra la historia (basada en hechos reales que se mezclan con la leyenda) de una familia que habita un caserío en las históricas tierras de Guipúzcoa. Durante la Primera Guerra Carlista (1833-1840)\, el ejército llega al inhóspito lugar y pide al padre que entregue a uno de sus dos hijos para ir al frente: Antonio elige a Martín\, contra la voluntad de este\, que lo único que desea es abandonar su hogar  y emigrar a América. Cuando años mas tarde regresa\, encuentra que su hermano Joaquín ha desarrollado una enfermedad\, la acromegalia\, que le ha convertido en un gigante de mas de dos metros de altura. A partir de esta realidad\, el mundo familiar dará un vuelco al decidir que de esta trágica situación se puede obtener dinero. Un dinero que servirá para los propósitos de todos. Incluido el de Martín de abandonar definitivamente el sitio. \nCon esta premisa\, un dúo de directores que habían colaborado anteriormente en un exitoso proyecto\, «Loreak» (2014)\, unen sus talentos para co-dirigir este. Consiguen un resultado igualmente valioso que convierten a «Handia» en uno de los mas hermosos trabajos que la cultura del País Vasco ha logrado desde que en la Transición Española inició la búsqueda de un cine que relatara la memoria de su pueblo. Con una temática que recuerda la del film «Vacas» (Julio Medem\, 1992) y el clima de algunas producciones del gran Pedro Olea («El bosque del lobo» o «Akelarre»)\, la película nos lleva a un tiempo lejano donde realidad y leyenda se intercalan. Porque la historia del «Gigante de Altzo» ha dado lugar a otra historia\, esta\, donde los cineastas encuentran la excusa para hablar de temas tan complejos y constantes en la cinematografía vasca como son los conceptos de tierra\, raíces\, atavismos\, misterios\, alegorías o fantasías. El paisaje y sus componentes nos introducen en el espacio físico que habitan los hermanos y su padre\, mas todos los personajes que van apareciendo después. Las relaciones complejas\, los sometimientos a una tradición que ahoga tanto como provoca\, encuentran a estas criaturas como metáforas de otras personas y acontecimientos que marcan las características de la tierra. El afecto\, los rencores\, la explotación de un ser humano por el otro\, la dificultan en expresar emociones\, las escasas alegrías y los muchos sinsabores por los que hay que atravesar la vida. \nUn retrato de un tiempo y un recorrido no solo por el paisaje conocido sino el otro\, el que traspasa las fronteras de aquella España compleja donde descubrimientos como la fotografía\, la proliferación de espectáculos en las ciudades y los pueblos\, los descubrimientos médicos\, iban de la mano del primitivismo rural\, la delincuencia adaptada a su tiempo y la idea de emigración que se haría realidad en los miles de vascos que abandonaron sus tierras para encontrar otras\, mas allá del Atlántico. La emoción que «Handia» va transmitiendo al espectador no hace mas que aumentar hasta un final que cierra el círculo iniciado al comienzo del film\, cuando un hermano se interroga sobre le destino final del otro. Para dejarnos entonces un mensaje enternecedor sobre la Memoria\, el Afecto y el Amor por un pasado perdido pero siempre necesario para construir presente. \n«HANDIA» /España / 2017/ Directores Aitor Arregui y Jon Garaño / Intérpretes Eneko Sagardoy (Joaquín)\, Joseba Usabiaga (Martín)\, Ramon Agirre (Antonio) / Color / Hablada en euskera\, castellano e inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 54 minutos.
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SUMMARY:TALLER DE CINE: "UNA SEGUNDA MADRE" (2015).
DESCRIPTION:Val es una mujer vital\, optimista\, trabajadora\, siempre dispuesta a ver el lado luminoso de la existencia. Pero esta actitud también sirve para esconder otros aspectos de su vida mas silenciados. Lleva años al servicio de una familia de San Pablo en Brasil y su dedicación al hijo del matrimonio parece ser el centro de toda su ocupación. Un día recibe un llamado desde el interior: Jessica\, su hija a quién no ve desde hace años\, le anuncia que llega en breve a la ciudad. El mundo de Val sufre un vuelco y su rutina hasta el momento será puesta a prueba. \nEl cine del Brasil sigue siendo un gran desconocido en Argentina a pesar de contar con éxitos que se dieron a través del tiempo. Los años setenta y primeros ochenta fueron especialmente numerosos en estrenos de la nación hermana tras el suceso extraordinario de «Doña Flor y sus dos maridos». En cambio\, la televisión ofrece con éxito y desde hace años productos en formatos de telenovelas. \nAnna Muylaert es una de las mas talentosas realizadoras jóvenes de la actualidad y con este título alcanzó enorme repercusión dentro y fuera de las fronteras de su tierra. Triunfando en festivales de Europa y Norteamérica\, la película conoció un estreno minoritario en Argentina en 2016. Con un grupo de intérpretes rebosantes de talento encabezados por la gran actriz Regina Casé\, «Una segunda madre» nos relata a través de un estilo de comedia vertiginosa la actualidad de un oficio tantas veces marginado: el servicio domestico y las relaciones afectivas que se establecen desde los dos lados de la situación. Una de las grandes películas latinoamericanas de los últimos tiempos. \n«UNA SEGUNDA MADRE» (¿Que horas ela volta?\, 2015) / Brasil / Dirección Anna Muylaert /Intérpretes Regina Casé\, Michel Joelsas\, Camila Márdila / Color / Hablada en portugués con subtítulos en castellano / Duración 1h 52 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-una-segunda-madre-2015/
LOCATION:Buenos Aires
CATEGORIES:Cine fórum
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