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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-muerte-en-venecia/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:TALLER DE CINE: "UNA MUJER FANTÁSTICA" (2017).
DESCRIPTION:Marina es una mujer joven que mantiene relación amorosa con un señor que podría ser su padre. Este tiene hijos de la misma edad que Marina\, hermano y ex-esposa. Un romance mas allá de las edades donde el amor es el protagonista. Orlando muere y deja a su compañera en una situación de enorme fragilidad. Porque otros factores\, ademas de los esperados en una situación así\, entran a jugar. La familia del hombre la desprecia básicamente por una cuestión: ella nació hombre y ahora es mujer. \nCon esta premisa\, el realizador chileno Sebastián Lelio (1974)\, uno de los mas destacados valores cinematográficos de su país\, construye un nuevo eslabón en su carrera\, que iniciada en 2005 en el largometraje «La Sagrada Familia»\, no deja de crecer. Tras haber realizado cinco largos y varios cortos en Chile\, ha rodado dos films en Estados Unidos a partir del suceso de esta obra\, que ganó el Oscar a la Mejor Película Extranjera en 2018. Anteriormente\, su film «Gloria» (2013) le había puesto en la órbita de los Festivales de Cine Internacionales. \nEl realizador ha dedicado su trabajo a reflexionar sobre los aspectos mas ocultos de la sociedad chilena. Nacido en la Dictadura de Pinochet\, ha sido testigo tanto de los cambios como de la perpetuación de ciertas costumbres relacionadas con el funcionamiento de la familia como institución y del rol sexual de las personas en relación a la mirada generalizada. Sus películas están protagonizadas por seres humanos en permanente conflicto por los prejuicios reinantes y muestra los movimientos que deben llevar a cabo para vencerlos\, trascenderlos. En «Una Mujer fantástica»\, se enfrenta a la realidad de una persona nacida varón pero que se siente mujer y que como ella se realiza. Marina no ha cumplido los treinta años pero sabe claramente quién es. Trabaja en un club nocturno interpretando canciones melódicas a pesar de tener una voz que la habilita para el canto lírico. Está enamorada de Orlando y él de ella. Pero pronto quedará sola y desde entonces deberá luchar contra los poderes establecidos: hospitales\, comisarias\, domicilios que no son propios y reclamados por los herederos de su pareja. Policías que van mas allá de sus deberes y personas que no aceptan las diferencias. El duelo y su dificultad de realizarlo. El mundo avanza pero el progreso y las mentalidades abiertas no llegan para todos. \n«Una Mujer Fantástica» aporta al Cine otra perspectiva sobre temas conflictivos que son generalmente mal digeridos por las mayorías. Desde su realidad de obra artística\, provoca la reflexión y el debate incursionando deliberadamente en los terrenos del cine mas abiertamente político e ideológico. Un cine que cada vez mas\, encuentra adeptos delante y detrás de la pantalla cinematográfica. \n«UNA MUJER FANTÁSTICA» (2017) / Chile / Director Sebastían Lelio / Intérpretes Daniela Vega\, Fernando Reyes / Hablada en castellano con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL TREN" (1973).
DESCRIPTION:Cuando los alemanes invaden Francia en 1940\, muchos ciudadanos inician una huida desesperada hacia diferentes puntos del país. El desconcierto provocado les lleva a deambular no se sabe bien hacía donde. Los personajes de está historia corren hacia las playas del Atlántico en un tren que finaliza su recorrido en una de ellas: La Rochelle. En el\, viajan cientos de desesperados que han dejado todo en sus lugares de origen. Atravesando campos y poblados nutridos de otros miles que por ruta\, caminando\, en coche o en carros comparten desplazamientos\, los viajeros se aprietan en vagones atestados. Hombres\, mujeres\, niños de todas las edades y estratos sociales. Allí cruzan sus caminos Julien y Anna. El hombre se ha separado en una estación reciente de su mujer embarazada y ella aparece llena de misterios y secretos. Mujer de belleza deslumbrante y porte aristocrático\, desconcierta a quienes la rodean: Julien se siente fascinado por su persona. \nAsí son los primeros momentos de este film ya clásico del panorama francés\, que a cuatro décadas de su estreno mantiene intactos los valores cinematográficos que su director e intérpretes lograron imprimirle. Las Guerras siempre han resultado tentadoras para inspirar películas y esta la aborda lejos del frente de batalla\, de los soldados y sus ejércitos. Pero totalmente cerca de las criaturas que padecen su flagelo. Antes y ahora también: Europa en los 40 o Siria en la actualidad comparten la misma desgracia\, que generada una y otra vez por el Hombre parece no tener fin. Cinco mil años de civilización no hacen mas que confirmarlo. \nPierre Granier-Deferre (1927-2007) realizó algunas grandes películas entre las casi treinta que firmó a lo largo de su extensa carrera\, cerrada en 1995. En ella se destacan títulos como » El Evadido» con Alain Delon y Simone Signoret\, o su obra cumbre «El Gato» con Signoret y Jean Gabin\, basados como esta y otras de sus creaciones en un texto del gran Georges Simenon (1903-1989)\, prolífico autor creador del personaje del Inspector Maigret. Sus intérpretes principales son dos de las grandes figuras del Cine Europeo: Jean Louis Trintignant (1930)(memorable protagonista de decenas de films\, desde «Il Sorpasso»\, «Un hombre y una mujer» hasta la dolorosa «Amour») y Romy Schneider (1938-1982) (actriz mítica que alcanzó la fama en su adolescencia con films como «Sissi»\, que mantuvo hasta el final de su corta trayectoria cuando era una de las figuras mas prestigiosas del cine y murió a los 42 años de edad). «El Tren» un film para recuperar y disfrutar en su estructura clásica. \n«EL TREN» (Le Train\, 1973) / Francia- Italia / Director Pierre Granier-Deferre / Intérpretes Romy Schneider\, Jean Louis Trintignant\, Anne Wiazemsky\, Serge Marquand\, Regine / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 35 minutos..
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SUMMARY:TALLER DE CINE: "SEMBRANDO ILUSIONES" (1972).
DESCRIPTION:En una de las colinas que rodean Roma hay una enorme mansión. Y pocos metros hacia abajo una villa miseria no menos grande. A la primera llega La Millonaria\, que como todos los años pasa unas semanas en la ciudad. Y desde la barriada miserable ascienden Peppino y Antonia para jugar una partida de naipes que les puede hacer ganar un dinero que\, año tras año se les escapa de las manos. Porque no es la primera (ni será la última) vez que suben hasta la gran casona a compartir el tiempo de la caprichosa millonaria norteamericana. Lo que para ellos es una posibilidad de ganar dinero\, para ella no resulta mas que otro ejercicio de maldad\, perfidia y sadismo donde los roles de ricos y pobres circulan en una rueda ya milenaria. \nCon esta premisa y utilizando un humor clasicamente italiano\, el director Luigi Comencini (1916-2007) realiza otra de sus grandes películas. En una carrera que abarca mas de 50 trabajos para el Cine y la Televisión\, destacan sus criaturas siempre en situaciones de crisis con la sociedad\, sean niños\, adultos o ancianos. La comedia y el drama mas amargo se dan la mano en sus creaciones. Con una cualidad especial para indagar en el mundo de la infancia\, entre sus films destacan «Pan\, amor y fantasía» (1953)\, «Pan amor y celos» (1954)\, «Tutti a casa» (1960)\, «A caballo del tigre» (1961)\, «La ragazza di Bube» (1964)\, «El gran embotellamiento» (1979) y sus relatos sobre chicos «El Incomprendido» (1967) y «Las aventuras de Pinocho» (1971). \n«Sembrando Ilusiones» es una de sus mayores obras de los años setenta y en ella se indaga a través de un humor caustico\, negro\, doloroso\, en la realidad de Italia\, siempre en conflicto.Las diferencias de clases\, la perpetuación de grandes núcleos de pobreza ajenos al bienestar y recuperación posterior a la segunda guerra mundial\, la humanidad de sus personajes ya sean de alta o baja escala social\, hacen de este realizador uno de los grandes maestros de la Historia del cine peninsular. Su nombre destaca junto a los de Pietro Germi\, Luigi Zampa\, Nanny Loy\, Dino Risi o Luigi Magni\, dentro de una generación que sentó cátedra para las generaciones posteriores. Es un cine siempre vivo a pesar del transcurso del tiempo. Sus criaturas son reconocibles y en ellas nos encontramos nosotros\, sus descendientes latinoamericanos. El cine italiano es posiblemente de todos los europeos\, el que mas éxito cosechó en Argentina\, que tuvo su época de esplendor entre los años cincuenta y ochenta del siglo pasado. \nCon un quinteto de intérpretes legendarios\, el film se convierte en un festival de grandes actuaciones. Con la singularidad de contar con tres figuras míticas italianas acompañadas en la ocasión por dos leyendas del cine de Hollywood: combinación que se dio en muchas ocasiones entre los dos países. Alberto Sordi (1920- 2003)\, Silvana Mangano (1930-1989) y Domenico Modugno (1928-1994)\, cantante y actor\, se enfrentan a Bette Davis (1908-1989) y Joseph Cotten (1905-1994) en esta enorme concentración de talentos interpretativos. La vida en la mansión\, en la villa miseria\, en las calles mas sucias y abandonadas de Roma son retratadas implacablemente por director y actores. Una película para recuperar. \n«SEMBRANDO ILUSIONES» (Lo Scopone Scientifico) / 1972 / Italia / Director Luigi Comencini / Intérpretes Silvana Mangano\, Bette Davis\, Alberto Sordi\, Joseph Cotten\, Domenico Modugno / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h 53 minutos.
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LOCATION:Buenos Aires
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SUMMARY:CINE: "UNA SERENA PASIÓN" (2016).
DESCRIPTION:Una de las mas prestigiosas poetisas norteamericanas fue Emily Dickinson (1830-1886) y su nombre brilla a la par de los de Edgar Allan Poe o Walt Whitman\, formando una especie de Olimpo del país del norte en esta disciplina del Arte que es la Poesía. El realizador británico Terence Davies (1945)\, uno de los grandes cineastas contemporáneos\, ha llevado al cine parte de su vida. La encuentra cuando es una joven y luego en su adultez\, siguiéndola hasta el ocaso. Una vida extraña que pasó mayoritariamente encerrada entre las paredes de su propia casa\, población del estado de Massachusetts. Nieta e hija de jueces (y también diputado fue su padre)\, la mujer encuentra refugio en un solo espacio: el del lenguaje. La rigidez del entorno puritano\, religioso\, formal y de bienestar económico en que su historia discurre\, la forma y condiciona. El amor para ella está representado en sus lazos familiares y en un hombre que pasa fugazmente por su camino. La enfermedad y su condición de ermitaña harán el resto. En el medio\, la guerra civil o de secesión que arrasó su tierra enfrentando su norte con el sur esclavista. \nEntre sus 1800 poemas encontramos «Ensueño»\, que dice así: «Para fugarnos de la Tierra / Un libro es el mejor bajel / Y se viaja mejor en el poema / Que en el mas brioso y rápido corcel / Aun el mas pobre puede hacerlo / Nada por ello ha de pagar / El alma en el transporte de su sueño / Se nutre solo de silencio y paz /». En esta brevedad parece sintetizado su paso por la Tierra. \nTerence Davies ha realizado 8 largometrajes de los cuales pocos se conocen en Argentina. Este y «La Casa de la Alegría» (2000)\, manteniéndose desconocidos el resto\, entre los que destacan «Voces Distantes» (1988) y » El profundo mar azul» (2011)\, dos films capitales del cinema contemporáneo. Un director que filma pausadamente en tiempo y también en cada una de sus piezas\, auténticos tesoros del mejor Cine. La actriz de la serie » Sex and the City»\, «Ley y Orden»\, entre otras\, la norteamericana Cynthia Nixon(1966) da un salto en el registro actoral y se introduce en el  cuerpo y el espíritu de la genial artista\, haciendo que nosotros espectadores tengamos una nueva forma de acercarnos a ella\, mas allá de la presencia de sus deslumbrantes libros. El Cine entonces\, se convierte en arma formidable para reflejar las demás Artes. Un lenguaje atravesado y articulado por otro. \n«UNA SERENA PASIÓN» ( A Quiet Passion\, 2016) / Reino Unido- Bélgica / Director Terence Davies / Intérpretes Cynthia Nixon\, Emma Bell\, Keith Carradine / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2hs. 5 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL FARO DE LAS ORCAS" (2016).
DESCRIPTION:En los confines del continente americano\, las costas atlánticas de Chubut\, hay una enorme bahía custodiada en sus extremos por un Faro. Allí vive solitario Beto. Apartado de toda vida social\, con lo elemental como única compañía\, el hombre parece vivir en paz con el entorno. Los lobos marinos deben escapar de las fauces de las orcas\, lo que le resulta fascinante. Un día dos viajeros trastocan su soledad: Lola y su pequeño hijo Tristán llegan en busca de respuestas. Vienen del otro lado del mar porque la solución a sus conflictivas vidas parece esconderse en estos desolados paisajes. Un hombre\, una mujer\, un niño. No forman necesariamente una familia. El realizador español Gerardo Olivares (1964) cuenta con una amplia obra donde sus películas parecen encadenarse unas con otras a través de relatos que transcurren en parajes remotos\, donde los seres humanos deben poner a prueba sus aptitudes para sobrevivir. De los desiertos africanos a los mares polares\, desde el Norte del Globo al extremo Sur. Su cámara rastreas paisajes y rostros intentando lograr comunión entre ellos. «El Faro de las Orcas» narra la historia de varios aprendizajes. Sobre la naturaleza agreste y sobre todo\, la humana. Interpretada por uno de los actores mas talentosos de la nueva generación argentina\, Joaquin Furriel y Maribel Verdú\, figura emblemática del cine español desde hace tres décadas\, el film encuentra en el niño Joaquin Rapalini el tercer personaje de la historia: Tristán\, que deberá enfrentarse al mayor desafío de su corta vida: saber que hay mas allá de esa misteriosa enfermedad conocida como Autismo. Un cine que bucea en los aspectos mas complejos de la condición humana para despertar en ellos emociones dormidas. La belleza del paisaje compite con la de los animales que pueblan sus costas. Una película diferente y necesaria. \n«EL FARO DE LAS ORCAS» (2016) España-Argentina / Director Gerardo Olivares / Intérpretes Joaquin Furriel\, Maribel Verdú\, Joaquin Rapalini\, Osvaldo Santoro\, Ana Celentano / Color / Hablada en castellano / Duración 1h 50 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL MAGO DE LAS MENTIRAS" (2017).
DESCRIPTION:«El Mago de las Mentiras» es una película muy actual\, está producida para la Televisión norteamericana pero ha tenido una amplia difusión mas allá de la pequeña pantalla. Porque su temática de rabiosa actualidad es formidable para explicar y hacer comprensible a los espectadores el alcance de una Crisis Financiera gestada a partir del año 2007 y cuyas consecuencias arrastra hasta el presente. Así como a partir de un «día negro» de 1929 cuando la Bolsa de Nueva York desató otra crisis que afectó al país y al exterior hasta la intervención de EE.UU. en la Segunda Guerra Mundial\, esta llamada «Gran Recesión» (o Segunda Gran Depresión) llega con sus tentáculos hasta nuestros días. El 15 de septiembre de 2008\, y tras un año de alarmantes síntomas de diferentes Bancos norteamericanos\, el cuarto en orden de importancia\, Lehman Brothers\, fundado en 1850\, colapsa. Y el 11 de diciembre explota la bomba de una Firma de Inversión activa desde 1960: la de Bernard («Bernie» para amigos y enemigos) Madoff. Con su detención queda al descubierto una de las mayores estafas de la Historia. Con su actividad en forma de esquema piramidal (suma de clientes ilimitadamente pero que no deben reclamar sus beneficios todos a la vez)\, llevó a la ruina a miles de personas por una suma cercana a los 65.000 millones de dolares en todo el Planeta.. En la actualidad está en prisión cumpliendo pena de 150 años de prisión y el decomiso de 17.179 millones de dólares. Con todo este material\, el director Barry Levinson (1942) realiza una película que se centra en las consecuencias de este suceso en las entrañas de la propia familia de Madoff: como en una tragedia griega\, sus integrantes vas sufriendo las consecuencias de los actos de un padre terrible que ademas les ha engañado a todos ellos. Sus tres hijos\, Mark\, Andrew y Peter son las principales víctimas. Mientras que su esposa Ruth parece escapada de una obra de Shakespeare\, mezcla de Lady Macbeth y de inocente Julieta capaz de todo por acompañar a su amor. La película se convierte en uno de los grandes retratos contemporáneos sobre la importancia del Dinero en la sociedad hiper-capitalista\, donde son muchas las víctimas y muy pocos los reales ganadores. Aunque muchos de ellos no hagan mas que esquivar a la Justicia una y otra vez. \nInterpretada por uno de los mayores actores de la Historia del Cine\, Robert de Niro (1943)\, intérprete de mas de un centenar de películas entre las que destacan las realizadas en el período 1968 (año de debut)- 1990 cuando realiza «Buenos Muchachos»\, una de sus varias colaboraciones con el cineasta Martin Scorsese y que cierra de alguna manera su tiempo de actor serio y comprometido. A partir de entonces y hasta la actualidad\, ha trabajado incansablemente en películas muy olvidables\, dando demasiado lugar a las comedias o policiales intrascendentes pero que le han mantenido como figura taquillera a lo largo de las décadas. «El Mago de las Mentiras» nos trae lo mejor de su arte y lo confirma como lo que siempre fue: uno de los mas grandes. Recordemos entre sus mayores contribuciones los siguientes títulos: «Calles Salvajes» (1973)\, «El Padrino II» (1974)\, «Taxi Driver»\, «Novecento» y «El Último Magnate»\, todas de 1976\, «New York\, New York» (1977)\, «El Francotirador» (1978)\, «El Toro Salvaje» (1980)\, «Confesiones Verdaderas» (1981)\, «Erase una vez en América» (1984)\, «Los Intocables» (1987)\, «Casino» (1995)\, «Jackie Brown» (1997) y «Ronin» (1998). Ha dirigido dos excelentes films: «Una luz en el Infierno» (1993) y «El Buen Pastor» (2006)\, obra cumbre del cine norteamericano contemporáneo donde indaga sobre los entre-telones de los servicios secretos\, un mundo tan oscuro como el de las finanzas. \n«EL MAGO DE LAS MENTIRAS» (The wizard of lies) 2017 / EE.UU. / Director Berry Levinson / Intérpretes Robert de Niro\, Michelle Pffeifer\, Alessandro Nivola\, Nathan Darrow\, Michael Kostroff / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2hs 13 minutos. \n 
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SUMMARY:CINE: "LA TERNURA" (2017).
DESCRIPTION:La película se cierra con una cita de un antiguo poeta árabe a quién no se nombra: «La Felicidad no es un objetivo a alcanzar\, siempre habrá un lugar para regresar\, que no está adelante\, está atrás. Vuelve\, no vayas. Ninguno de nosotros lo sabe». Como toda poesía\, guarda misterio e interpretaciones diferentes. En la película del gran realizador italiano Gianni Amelio parece evocar determinada ausencia de sentimientos humanos. Un abogado recién retirado\, pasado los setenta años\, se enfrenta en su Napoles natal a una serie de circunstancias que le obligan a replantear cuestiones fundamentales de su vida\, entre ellas\, la relación amarga que mantiene con sus hijos ya adultos. Estos\, también plantean una mirada diferente hacia su padre. Un matrimonio joven con hijos pequeños se convierten en vecinos. Y sensaciones anestesiadas parecen despertar en el hombre. El realizador es uno de los mayores nombres del arte italiano desde que inició su carrera tres décadas atrás con una obra audiovisual compuesta de cortometrajes\, largos documentales y de ficción\, para cine y televisión\, donde destacan «Puertas Abiertas»\, «Ladrón de niños»\, «Lamerica» y «Las llaves de casa». En ellas indaga sobre temas siempre actuales como son la corrupción política\, la infancia abandonada\, la realidad de países que generan migraciones masivas hacia Italia o la enfermedad y la relación de esta entre familiares. «La Ternura» bucea en la situación social de la Europa actual muy alejada de la estampa turística. En la Napoles que el director retrata no hay lugar para otro paisaje que no sea el humano. Una de las mejores películas europeas del año pasado que está protagonizada por Renato Carpintieri\, un hombre del teatro y la cultura que debutó en cine a los 50 años en una obra de este mismo director\, y que desde entonces no ha parado de trabajar\, compartiendo esta labor con la de director de uno de los grandes espacios teatrales napolitanos. Lo acompañan un grupo notable de intérpretes\, entre los que destacan los niños co-protagonistas. \n«LA TERNURA» (La Tenerezza) /2017 / Italia / Director Gianni Amelio / Intérpretes Renato Carpintieri\, Giovanna Mezzogiorno\, Elio Germano\, Greta Scacchi\, Micaela Ramazotti\, Hieb Khili / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 1h. 50 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-la-ternura-2017/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE "MANHATTAN" (1979).
DESCRIPTION:La comedia cinematográfica es un genero que permite hablar muchas veces de situaciones dramáticas a través del humor y lograr de esta manera que el efecto sobre el público sea diferente al provocado por un drama. Sin embargo\, y aunque parezca contradictorio\, si nos ajustamos a definiciones de diccionario\, forma parte de la Obra Dramática\, pero con elementos que divierten\, hacen reír y tienen desenlace feliz. No es obligatorio ceñirse a esta afirmación\, y los grandes cineastas se han encargado de reflexionar a través de ella de toda una galería de situaciones y personajes que presentan su humanidad desnudamente\, «disfrazándola» detrás del humor. Buster Keaton y Charles Chaplin fueron dos de sus máximos exponentes en los primeros tiempos del Cine con obras como «The Kid» (El Pibe\, 1921) o «Our Hospitality» (La ley de la hospitalidad\, 1923) donde se interrogan por temas tan poco divertidos como la infancia miserable o las hipocresías familiares\, haciendo que ellos aparezcan ante el espectador de una manera mas accesible o digerible. El efecto\, sin embargo\, no dejará a nadie indiferente ante lo dramático de lo representado. \nWoody Allen (1935) ha desarrollado desde los años sesenta una amplia obra como actor\, guionista y director de cine (también de teatro\, televisión y shows nocturnos) que lo convirtió en uno de los mayores cronistas de la Norteamérica contemporánea y mas tarde\, podríamos decir\, de todo un sector de la cultura occidental. Ha dirigido cerca de 50 largos para la pantalla entre las que destacan comedias y dramas en estado puro\, pero también una cierta combinación de ambas formas que podríamos definir como comedias dramáticas ( cientos de cineastas lo han hecho también). Destacan entre sus títulos: «Bananas» (1971)\, «Dos extraños amantes» (Annie Hall) (1977)\, «Zelig» (1983)\, «La rosa púrpura del Cairo» (1985)\, «Crímenes y Pecados» (1988)\, «Todos dicen te quiero» (1996)\, «Ladrones de medio pelo» (2000)\, «Blue Jazmine» (2013) y los cuatro films que rodó en Gran Bretaña: «Match Point» (2005)\, «Scoop» (2006)\, «El sueño de Cassandra» (2007) y «Conocerás al hombre de tus sueños» (2010). \n«MANHATTAN» (1979) fue una de sus obras mas aplaudidas\, donde humor y drama comenzaron a combinarse de una manera mas evidente. Narra la historia de un hombre en crisis (personaje permanente de los interpretados por él mismo) que a los 42 años se encuentra harto de su trabajo y se queda sin él. Tres mujeres circulan por su presente: una joven de 17 años profundamente enamorada\, una ex-esposa a punto de publicar un libro sobre su propia experiencia matrimonial y la neurótica amante de su mejor amigo que pronto lo será también suya. Con el telón de fondo de la ciudad que da nombre al film\, de la cual el personaje confiesa estar literalmente enamorado\, la narración se desliza armoniosamente bajo la deslumbrante música de Gershwin «Rhapsody in Blue» y nos brinda una de las primeras interpretaciones de la actriz Meryl Streep. Obra fílmica que mantiene intactos sus encantos a casi cuarenta años del estreno. Un Clásico de la comedia cuyas palabras finales hablan de la necesidad de creer que no todo el mundo está corrompido y que por tanto nos merecemos la esperanza. Una de las secuencias finales mas conmovedoras del cine y ejemplo magistral del talento de uno de los grandes cineastas del cine contemporáneo. \n«MANHATTAN» (ide\,\, 1979) / EE.UU. / Director Woody Allen / Intérpretes Woody Allen\, Diane Keaton\, Michael Murphy\, Mariel Hemingway\, Meryl Streep / Blanco y Negro / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 35 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-manhattan-1979/
LOCATION:Buenos Aires
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SUMMARY:CINE: "SUNSET BOULEVARD" (El Ocaso de una Vida) 1950.
DESCRIPTION:Está considerada como una de las grandes obras maestras de la cinematografía. Muchas películas han abordado el tema de como se hacen las películas\, o sobre vidas de intérpretes\, guionistas\, directores. Y entre ellas destacan perlas como esta. Estrenada en 1950\, narra la historia de tres personajes: un guionista sin trabajo y con muchas deudas\, una actriz que fue famosa durante la época del cine mudo y un director que se ha convertido en su sirviente. Los tres se encuentran en una decadente mansión sobre la calle que da título a este film. Una célebre arteria que atraviesa grandes extensiones de la ciudad de Los Ángeles y que ya es nombre mítico para  viajeros\, curiosos y amantes del celuloide. La modernidad de la obra se manifiesta a casi 70 años de su realización(1949) y ello se debe al talento indiscutible de sus responsables que logran el prodigio de emocionar a espectadores actuales a través de mecanismos eminentemente cinematográficos: un guión deslumbrante\, localizaciones\, escenografías reales y armadas\, fotografía y música que le dan identidad propia y furiosa. El realizador Billy Wilder (1906-2002) cuenta con trabajos memorables como «Pacto de Sangre» (1944)\, «Días sin Huellas» (1945\, «Sabrina» (1954)\, «Una Eva y dos Adanes» (1959) o «»Primera Plana» (1974)\, todos clásicos. Recupera para este film la figura entonces semi-olvidada de una de las mayores figuras del Cine Mudo: Gloria Swanson (1899-1982) \, actriz prodigiosa que hace de su creación\, Norma Desmond\, uno de los grandes personajes femeninos de todos los tiempos: estrella decadente que paga con la locura el precio del olvido de espectadores y profesionales de su medio. El amor desbocado que siente por un hombre mucho menor\, será la gota que colmará su vaso. Una historia de pasiones no correspondidas\, demencia\, poder\, intriga y crimen en el centro de Hollywood. Junto a ella actúan dos hombres no menos célebres: el actor William Holden (1818-1981)\, ídolo indiscutible de los años 50 y 60\, y Erich von Stroheim\, gran y genial director del cine mudo\, maestro de maestros\, figura revulsiva y transgresora que tiene en su haber clásicos como «Avaricia» (Greed\,1924)\, considerada una de las obras capitales de este arte. Un título imprescindible para cualquier amante del cine. \n«SUNSET BOULEVARD / EL OCASO DE UNA VIDA» (1950) / Director Billy Wilder / Intérpretes William Holden\, Gloria Swanson\, Erich von Strohein\, Nancy Olson / Blanco y Negro / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 55 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-sunset-boulevard-el-ocaso-de-una-vida-1950/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "BUENAS NOCHES\, ALEJANDRO" (1968).
DESCRIPTION:Un Hombre y un Perro\, protagonistas. En 1968 se estrena en Buenos Aires esta película que se convierte en éxito inmediato y será uno de los films mas vistos por los espectadores argentinos en los siguientes años\, cuando una y otra vez se repuso en Salas de Arte (o Cine-Clubs) de todo el territorio. Un tiempo donde el público mas exigente acudía a ver títulos europeos en busca de una diferencia que no siempre encontraba en el de Hollywood. Las comedias francesas e italianas eran ampliamente apoyadas por este sector de amantes de la gran pantalla. Y esta obra del muy reputado director galo Yves Robert ((1920-2002)\, autor de sucesos como «La Guerra de los Botones» (1962)\, «Alto\, Rubio y con un zapato negro» (1972)\, «El regreso del alto y rubio» (1974)\, ambas con el comediante Pierre Richard\, «Un elefante con una trompa enorme» (1976) o «Todos iremos al Paraíso» (1977)\, cumplió ampliamente con estas inquietudes. \nAlejandro en un hombre bonachón de menos de 40 años que trabaja el campo de sol a sol\, siempre bajo la implacable batuta y mirada de su esposa\, alias «La Grande»: mujer tiránica y abusadora que no deja de exigirle cosas al sufrido amante del buen vivir (en sus fantasías). No todo acaba con las tareas del campo ya que después de las cenas también debe satisfacer deseos íntimos de la dama. Los padres de ésta no se privan tampoco de ejercer presión sobre la «víctima». Pero un accidente de auto cambiará todo la realidad y a partir de allí\, Alejandro decidirá hacer literalmente lo que le da la gana. O lo que es lo mismo\, nada. Estar durmiendo\, comiendo y disfrutando de la compañía de su mejor y único amigo: un perro que le sigue en todo y se convierte en el mejor aliado de aventuras. Pero no hay dicha que dure cien años ni nueva mujer irresistible que se cruce en su camino… \nEl enorme actor francés Philippe Noiret (1930-2006) se consagró popularmente con esta película. Había debutado en uno de los títulos clásicos del cine galo: «La Pointe Courte»(1955)de Agnes Varda\, considerado el título «inicial» de la Nouvelle Vague (Nueva Ola)\, movimiento cinematográfico emblemático del período 1955-1965\, cuando un puñado de jóvenes cineastas revolucionaron el panorama fílmico global. Noiret aparecería en otros dos films de Culto: «Zazie en el Metro» (1960) de Louis Malle y «Therese Desqueyroux» (1962) de Georges Franju. Luego\, filmó con maestros como George Cukor\, Alfred Hitchcock\, Philippe de Brocca\, Marco Ferreri\, Mario Monicelli\, Alain Robbe-Grillet o Bernard Tavernier. En 1988 su nombre vuelve a brillar en lo mas alto al protagonizar «Cinema Paradiso» de Giuseppe Tornatore y en 1994\, su último suceso\, «El Cartero»\, donde dio vida al escritor Pablo Neruda. Forma parte del núcleo mayor de interpretes de Francia\, al lado de nombres como Jean Gabin\, Fernandel\, Charles Boyer\, Lino Ventura o Yves Montand. Sin la apostura de ellos ni de la de Alain Delon\, Jean Paul Belmondo o Jean Louis Trintrignant\, su nombre engalana esta exquisita «lista de los mejores». \n«Buenas Noches\, Alejandro» cumple 50 años de su estreno y nos brinda la posibilidad de volver a enfrentarnos a ella para entender como le han pasado los años así como a nosotros los espectadores.Su título original lo define como «Alexander el bienaventurado o el bendito»\, una licencia del lenguaje aplicada a la comedia mas pura y también mas profunda: la que a través de la comicidad nos permite acercarnos a los aspectos menos alegre de la vida. Un clásico. \n«BUENAS NOCHES\, ALEJANDRO» (Alexandre\, le bienheureux) Francia /1968 / Director Yves Robert / Intérpretes Philippe Noiret\, Francoise Brion\, Marlene Jobert\, Tsilla Chleton\, Pierre Richard / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 40 minutos. \n 
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LOCATION:Buenos Aires
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