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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-muerte-en-venecia/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "REY POR INCONVENIENCIA" (1966).
DESCRIPTION:Comedia clásica para este miércoles\, para amantes del cine en general. En los finales de la Primera Guerra Mundial\, un soldado especializado en adiestrar palomas mensajeras es enviado a desactivar un arsenal que los alemanes han puesto en un pueblo francés antes de emprender la retirada con el fin de destruirlo todo. Pero Plumpick\, escocés de nacimiento y por tanto con polleras a pesar de la ocasión\, se ve obligado a algo que desconoce. Los disparates que los conflictos bélicos provocan o padecen son materia de humor en esta COMEDIA ya clásica del cine de los años sesenta\, que fue un enorme suceso global y en Argentina tuvo idéntica aceptación popular y crítica. A medio siglo de su estreno\, el arte del cineasta Philippe de Broca (1933-2004)\, autor de éxitos con Jean Paul Belmondo cono «Cartouche» (1962)\, «El hombre de Río» (1964)\, «Aventuras chinas en China» (1965)\, «El Magnífico» (1973) y también de «El Diablo por la Cola» o «Los Juegos del Amor» (debut en 1960)\, alcanza probablemente una de las cumbres de su carrera con este título. Una película que reflexiona en clave humorística sobre cuestiones graves como la Guerra y la Locura. El soldado llega a un pueblo abandonado por sus habitantes ante la amenaza de una inminente explosión de la que advierten los Aliados. Solamente los pacientes del manicomio local quedan en la zona. Y a este lugar llega el soldado quién es confundido con un Rey: el de Corazones (que da pie al título original en francés). A partir de ese momento los internos se rebelan\, huyen del hospicio y habitan un territorio vacío con todo a su disposición. Cada cual asumirá un rol y vestirá ropajes adecuados. Como en un cuento\, la realidad ocupa el lugar de la ficción y la historia avanza. La cordura y la insanía conviven amablemente cuando los seres humanos se permiten la libertad de expresar sus mundos interiores. Pero esto armonía\, como en los cuentos\, tendrá su fin y la realidad mas dura regresará al apacible pueblo. Una película que mantiene intactos sus valores originales y se desarrolla entre sonrisas y calidez de personajes queribles\, profundamente humanos a quienes la enfermedad mental no les resta lucidez. Esa lucidez que parece buscar refugio tras una cuestión siempre marginada por las sociedades: las enfermedades de la mente\, uno de los grandes terrores de siempre. En clave humorística el Arte ha podido encajar mejor los conflictos mas escabrosos y la comedia cinematográfica ha sido a partir del Siglo XX una de las manifestaciones mas propicias para llegar al público. Desde sus inicios\, el cine francés recurrió a ella y de su pantalla surgen nombres clásicos desde el cine mudo. Max Linder\, uno de sus mayores exponentes. Philippe de Broca es el cineasta mas divertido del movimiento llamado «Nouvelle Vague» (Nueva Ola)\, que revolucionó el cine galo a partir de finales de los años 50 . El director comparte lugar con «serios» como Chabrol\, Godard\, Resnais o Truffaut\, y a diferencia de todos ellos\, genera un apartado donde la critica a su sociedad llega del lado de la sonrisa. Fue la tónica que le acompaño a lo largo de su extensa carrera donde dirigió a los mejores intérpretes. El actor británico Alan Bates ((1934-2003) fue uno de los mayores nombres de los años sesenta y de los rostros mas carismáticos de otro enorme movimiento cinematográfico europeo: el «Free Cinema»\, que deslumbró al mundo a la par que el francés. Bates es recordado por su labor junto a Anthony Quinn en «Zorba el Griego» (1964) y también por memorables trabajos en una serie de películas como «Imprevisto Pasional» (1960)\, «Mientras sopla el viento» (1961)\, «Lejos del mundanal ruido» (1967)\, «Mujeres Apasionadas» (1969) o «El mensajero del amor» (1971)\, todos clásicos del cine. Un título memorable que merece ser recuperado en un presente donde los conflictos tratados siguen igual de vigentes. \n«REY POR INCONVENIENCIA» (Le roi de coeurs) /1966 / Francia- Italia / Director Philippe de Broca / Intérpretes Alan Bates\, Genevieve Bujold\, Pierre Brasseur\, Micheline Presle\, Adolfo Celi\, Jean Claude Brialy / Color / Hablada en francés\, alemán\, inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 42 minutos.
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LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "JANE EYRE" (2011).
DESCRIPTION:«Jane Eyre» es una novela de Charlotte Bronte de gran suceso a partir de su publicación en 1847 que la convirtió en clásico de la literatura romántica. Es la historia de una joven huérfana que tras pasar años en un internado donde ha sido abandonada por familiares ricos\, se convierte en institutriz de un apuesto hombre de dinero. En la mansión que habitan\, en medio de un bosque\, transcurre la historia de los personajes. Una trama donde la intriga no es ajena y los ecos de historias de fantasmas ocupan un lugar. Pero no hay terror sino misterio y una potente historia de amor llena de complejidades donde sobresale la impronta y potencia de la protagonista: una mujer de fuertes convicciones\, feminista del Siglo XIX que lucha como todas sus iguales por ser reconocida en una sociedad donde las hostilidades entre las clases sociales dominan todo el espectro humano. La Inglaterra de entonces era tan rígida en principios como el resto de los pueblos europeos y desde allí partía un mandado social que frenaba cualquier atisbo de rebelión. Jane joven\, sabe quien es y que quiere. Su educación y sensibilidad la han convertido en una mujer de rostro adusto donde rara vez aparece la sonrisa. La firmeza es confundida con sometimiento y ella se encargará de demostrar la diferencia entre ambas condiciones. Una novela que ha conocido varias versiones para el cine y para la televisión a lo largo del tiempo. En 1944 se estrena en Hollywood una de sus primeras adaptaciones al cine sonoro (hay varias del mudo) y se convierte en éxito de su tiempo. Interpretada por Orson Welles y Joan Fontaine\, el film es un clásico romántico de los años cuarenta. En 1996 el italiano Franco Zeffirelli realiza otra aproximación al texto y en 2011 se estrena esta. El director novel Cary Fukunaga recrea con precisión el espacio geográfico y humano de la escritora británica\, donde la escenografía\, vestuario\, fotografía y música nos llevan a aquel mundo remoto de amores entre diferentes que deben transitar asperezas varias para llevar adelante sus complejos asuntos. Un cuarteto de jóvenes y adultos intérpretes da brillo a la función. «Jane Eyre» completa el mini-ciclo de Cine sobre las Hermanas Bronte que hemos llevado a cabo en las últimas funciones del Museo López Claro en el Ciclo «El Arte en el Cine: la Literatura». Tres obras cinematográficas que se acercan tanto a la intimidad de las mujeres escritoras como a la adaptación de sus obras. \n«JANE EYRE» (ídem) / Reino Unido / 2011 / Director Cary Joji Fukunaga / Intérpretes Mia Wasikowska\, Michael Fassbender\, Judi Dench\, Jamie Bell\, Sally Hawkins / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:Cine: "FLORENCE: LA MEJOR PEOR DE TODAS" (2016).
DESCRIPTION:El realizador británico Stephen Frears (1941) lleva al cine un personaje real: Florence Foster Jenkins\, una cantante considerada por los críticos con un dudoso apelativo: «la peor de la Historia». Esta mujer nació en 1868 en el seno de una familia acomodada de USA. Desde muy pequeña su objetivo fue cantar y se formó para eso. En 1912\, gracias a la herencia de su padre\, realiza un primer concierto\, que dio paso a una carrera de 32 años de duración hasta un mes antes de su muerte en 1944. Que cantara mal y sus conciertos y actuaciones fueran motivo de burla\, llevó a la mujer a cimas insospechadas de popularidad en la Nueva York de la época. El entusiasmo de ella era tan grande que este detalle jamas pareció afectar su carrera\, en todo caso\, achacaba sus pésimas críticas a la envidia de los demás. Con semejante historia\, era esperable que algún cineasta la llevara al cine. Y el director británico\, autor de clásicos como «Las Relaciones Peligrosas» (1988) o «La Reina» (2006) fue el encargado de realizarla. Con la interpretación de Meryl Streep (1949) en el protagónico\, el resultado ha sido una película donde se cuestiona la actitud de la burla como reacción popular a lo diferente. El ejercicio de la misma con el personaje traspasa los limites de la crueldad al no tener en cuenta que la interprete siempre creyó hacerlo bien\, ademas de su incondicional amor por la música. En la actualidad\, donde el medio musical está plagados de pésimos cantantes con enorme fama\, la cuestión se presta a la reflexión. La actriz norteamericana volvió a estar nominada para numerosos premios en su país y en el exterior\, en una carrera totalmente opuesta a la del personaje que interpreta. Su enorme condición actoral permite llenar de matices la figura de Florence\, haciendo mas comprensible el conflictivo mundo interior de una mujer que creyó que el dinero era suficiente para lograr todos y cada unos de sus caprichos. Una comedia que nos acerca un tema muy serio. \n«FLORENCE: LA MEJOR PEOR DE TODAS» /Florence Foster Jenkins /2016 / Reino Unido / interpretes Meryl Streep\, Hugh Grant\, Simon Helberg / Color / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 50 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "ADIÓS A LA REINA" (2012).
DESCRIPTION:Cuando en julio de 1798 estalla la Revolución\, los habitantes del palacio de Versailles parecen no registrar el suceso. En los días venideros La Bastilla y su toma por el Pueblo\, irán infiltrándose poco a poco en las charlas de la Corte que como insectos rodean a los monarcas. Dos mujeres protagonizan la historia: la reina de origen extranjero en quién caerá con mayor fuerza la ira de un pueblo efervescente y una de sus mas cercanas colaboradoras dentro de la sometida servidumbre del lugar. María Antonieta será mimada por la fiel Agathe quien poseída por una absoluta fascinación por la poderosa en jaque\, descubrirá secretos íntimos paralelos a las noticias que llegan desde el exterior. La aparición de la duquesa Gabrielle no hará mas que confundir sus emociones. Sobre estas tres mujeres se apoya la narrativa y la puesta en escena deslumbrante en detalles y recreación de época (vestuario\, escenografía\, música) del francés Benoit Jacquot (1947)\, uno de los mas desconocidos realizadores franceses en Argentina\, autor de decenas de films para la televisión y el cine galo que debutó en 1976 con un documental sobre el gran pensador del Siglo XX Jacques Lacan\, para adaptar un libro de enorme suceso en Francia. Entre sus escasos trabajos vistos en nuestro país destacan «La escuela de la carne»(1998)\, «Villa Amalia» (2009) y «Tres Corazones» (2014)\, Ha dirigido a actrices fundamentales como Deneuve\, Darrieux\, Adjani\, Sanda\, Huppert o las tres jóvenes protagonistas de «Adiós a la Reina». La alemana Diane Kruger (1976) mas las francesas Lea Seydoux ((1985) y Virginie Ledoyen (1976) son tres de las principales actrices europeas del presente\, que dan vida a mujeres obligadas a convivir en un espacio asfixiante en un momento clave de la Historia universal como fue la Revolución Francesa\, acontecimiento que daría lugar al inicio de la Era Moderna y del cual aun nos llegan ecos. Una obra extraordinaria para reflexionar sobre el Poder\, la Servidumbre y el Pueblo\, que harto del sometimiento y el hambre se levanta para recordar a los Lideres quién es finalmente el verdadero motor que impulsa los cambios sociales. Hace 200 años y hoy también. \n«ADIÓS A LA REINA» ( Les adieux a la Reine) / 2012/ Francia- España / Director Benoit Jacquot / Intérpretes Diane Kruger\, Lea Seydoux\, Virginie Ledoyen\, Xavier Beauvois / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40 minutos.
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SUMMARY:CINE: "OCHO MUJERES" (2002).
DESCRIPTION:«Ocho Mujeres» es obra de uno de los mayores cineastas del actual cine francés\, Francois Ozon (1967). Un director que comenzó su carrera antes de cumplir los 30 años y que gozó de éxito critico y publico desde el principio. Adapta una novela de misterio del autor Robert Thomas (1927-1989) que también fue obra de teatro exitosa desde 1961\, cuando se estrenó en Francia. Desde entonces ha sido representada en teatros y en televisión de varios países\, incluyendo Argentina. Marcel\, a quién solo divisaremos ocasionalmente (protagonista siempre mencionado) es un hombre rodeado de mujeres: su esposa\, dos hijas\, una hermana\, una suegra\, una cuñada\, una cocinera y una empleada domestica. Todas tienen secretos que ocultar: las mentiras son lo que las une y también separa\, sin ellas ninguna relación parece ser posible. Al comienzo de la historia se anuncia su muerte y comienza una intriga para saber quién de todas ha sido la asesina. El director interpreta libremente este texto\, tomando su trama original para construir un film personal con todas las licencias que quiere. La intriga policial se torna comedia casi negra y en el medio aparece la música: los personajes interrumpen la acción para cantar una canción cuya letra aporta datos a la trama: la intriga se enreda con la sonrisa y el disparate mas absurdo…y un retrato feroz de la condición humana. Mujeres u hombres pueden alcanzar el mismo grado de negritud en determinadas situaciones. El director reúne a un grupo extraordinario de actrices para dar vida a sus criaturas\, donde cada una representa una época del cine galo. Danielle Darrieux (1917-2017) es uno de los mayores nombres de la cinematografía del país: activa desde los 15 años\, interpretó decenas de roles a través de su siglo de vida. Catherine Deneuve (1943) es continuadora de su belleza y prestigio. Isabelle Huppert (1953) y Fanny Ardant (1949) debutaron en los años setenta y son ya figuras clásicas. Emmanuelle Beart (1963) surge en los ochenta y el resto de las figuras son ya nombres consagrados del presente. Las canciones que se escuchan forman parte del repertorio musical francés en su vertiente melódica o pop y son interpretadas por cada una de las actrices sin importar demasiado la calidad que tengan en ello\, porque el sentido de su inclusión es otro: enriquecer la historia de cada uno de sus personajes. \n«OCHO MUJERES» (8 femmes) / Francia / Director Francois Ozon/ Intérpretes: Danielle Darrieux\, Catherine Deneuve\, Isabelle Huppert\, Emmanuelle Beart\, Fanny Ardant\, Ludivine Sagnier\, Virginie Ledoyen y Firmine Richard / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 50 minutos
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SUMMARY:CINE: "NINA" (2016).
DESCRIPTION:Una de las grandes voces del blues\, jazz y soul de EE.UU\, Nina Simone (Eunice K.Waymon\,1933-2003) es el tema principal de esta producción inglesa realizada por una mujer\, Cynthia Mort. Fue pianista y compositora ademas de cantante\, así como activa militante política en el Movimiento por los Derechos Civiles que atravesaron los años sesenta en respuesta a la marginación de la población negra norteamericana. Escribió canciones con fuerte compromiso con la causa y el asesinato de Martín Luther King en 1968 marcó su vida: dejó su tierra en 1969 en rechazo por lo que ella consideró el fracaso de toda una Nación e inició un exilio que la llevaría al Caribe\, África y finalmente Francia\, donde se estableció en cercanías de Niza\, en la Costa Azul mediterránea. La película abarca diferentes períodos de su carrera y vida privada donde sobresalen los puntos mas definitorios de su compleja personalidad: el talento artístico caminaba junto a un pésimo humor y el consumo de alcohol que poco a poco fue deteriorando su salud. Algunas de sus interpretaciones mas memorables son recreadas en la película con la voz de su protagonista Zoe Saldana (1978). Una decisión controvertida de la guionista\, productora y realizadora británica que genera una sensación de extrañeza que planea sobre todo el metraje. Una decisión artística que no es la habitual en el acercamiento cinematográfico a figuras legendarias de la canción donde los intérpretes que les dan vida son doblados por las voces originales. En este caso\, la producción toma un camino minoritario donde otras películas han obviado las voces originales\, como fue el caso de «Lady Sings the Blues» en los años setenta\, cuando la de Billie Holiday fue suplantada por la de su protagonista\, la también cantante Diana Ross. El film se pasea por la intimidad de la residencia junto al Mediterráneo tanto como por espacios en California\, París u otros escenarios. El personaje que acompaña la función corresponde al también real Clifton Henderson\, amigo y representante de la artista en los últimos años de su vida. «Nina» fue estrenada luego de múltiples choques entre realizadora y la empresa que la produjo\, Ealing Studios\, uno de los mayores de Inglaterra\, quién según la mujer manipuló arbitrariamente su trabajo. Esta cuestión marcó el destino de un film a todas luces atractivo que conoció escasa difusión. Ahora tendremos la oportunidad de juzgarlo nosotros los espectadores. Cine de mirada feminista y comprometida con la causa de las mujeres que marcan una nueva tendencia en la cinematografía de los últimos treinta años cuando la mujer comienza a ocupar un puesto destinado por décadas a los hombres. «NIna» es entonces\, producto de este presente. Con una pareja de talentosos intérpretes\, la película nos acerca a la historia de una de las personalidades mas fascinantes de la música negra\, cuya voz permanece por siempre en las innumerables grabaciones que realizó a lo largo de su extensa carrera. \n«NINA» / ídem / Reino Unido / Directora Cynthia Mort / Intérpretes Zoe Saldana\, David Oyelowo\, Ronald Gutman\, Keith David\, Ella Joyce / Color/ Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 30 minutos.
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SUMMARY:CINE: "FUEGO" (1996).
DESCRIPTION:Esta película forma parte de una trilogía que la realizadora nacida en India\, Deepa Metha (1950)\, realizó entre 1996 y 2005. En ellas\,regresa a su tierra natal tras haberse instalado en Canadá donde estudia y debuta en 1986\, manteniendo desde entonces una carrera que la ha llevado de un lado al otro del mundo para reflexionar sobre las realidades de sus dos países conocidos: el asiático y el norteamericano. Las tres películas pueden verse independientemente ya que no tienen continuidad alguna\, siendo cada cual pieza independiente\, que unidas\, forman un mosaico sobre la complejidad del enorme territorio indio. Este trabajo realizado a lo largo de una década no ha impedido que antes y después la realizadora haya trabajado en otros films para el cine y documentales y ficciones para la televisión de Canadá\, aunque haya sido el que mas difusión internacional le proporcionó. En «Fuego» se aborda una temática situada en el presente («Tierra» habla del fin de la colonización inglesa y separación del lugar en dos Estados\, Pakistán e India\, y «Agua» se centra en un drama en tiempos de la aparición de Gandhi) donde un hogar y sus habitantes son los protagonistas de la narración: dos hermanos regentan comercios simultáneos: una casa de comida para llevar y un videoclub. Viven con la madre de ambos\, un sirviente y las dos esposas. Una\, la recién casada Sita\, llega al lugar para trastocar y cuestionar las costumbres ancestrales que rigen la vida de sus habitantes. Que conviven con hipocresías y transgresiones de casi todos ellos\, y harán que la hermosa mujer se enfrente desde el primer momento a las relaciones que la matriarca tiene para con todos ellos\,  siendo el desencadenante de una historia que revolucionará a todos los implicados. Las relaciones amorosas entre unos y otros serán el territorio a transitar. O en todo caso\, poner en el lugar correspondiente. La película nos refleja una realidad que afecta a la clase media (por llamarla de alguna manera) de un enorme territorio aun atravesado por un sistema de castas totalmente anacrónico e injusto\, al que\, nuestro presente de 2018 (9 de septiembre) nos trae la noticia sobre la despenalización por la Corte Suprema de las relaciones entre personas del mismo sexo\, un triunfo que anuló una ley con mas de 130 años de antigüedad y.que llevó a la cárcel y marginación a quienes las practicaban. Una temática a la que el film se acerca de manera abierta (teniendo en cuenta sus ya dos décadas de vida) al abordar los sentimientos que la joven Sita va experimentando por su cuñada Rhada. La directora rastrea con enorme sensibilidad y talento cinematográfica todos los aspectos que conforman las psicologías de los protagonistas\, ese circulo de personas atrapados en sus propias inseguridades\, hábitos y restricciones que condicionan la vida de todos. «Fuego» es la única parte del «trío» cinematográfico estrenado comercialmente en nuestro país a finales de los 90 y se mantiene plenamente\,vigente formando parte del nuevo tiempo abierto por directoras de cine que han surgido por todo el planeta trayendo al masculino ambiente cinematográfico una mirada diferente\, fresca\, indagadora y siempre necesaria. Desde Asía hasta Argentina\, el número de mujeres detrás de la cámara no ha hecho mas que aumentar. Es tiempo de ir recuperándolas una a una\, para armar ese otro gran mosaico pendiente: el Cine visto por las Mujeres. Un camino iniciado tímidamente hace mas de un siglo por cineastas del período mudo y donde desde entonces\, y hasta entrados los años ochenta del Siglo XX\, fueron injusta minoría. \n«FUEGO» / Fire\, 1996 / India- Canadá / Directora Deepa Metha / Intérpretes Shabana Azmi (Radha)\, Nandita Das (Sita)\, Kulbhushan Kharbanda (Ashok)\, Javed Jaffrey (Jatin)\, Kushal Rekhi (madre) / Color / Hablada en inglés e hindi con subtítulos en castellano / Duración 1h 48 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-fuego-1996/
LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "80 EGUNEAN"(80 días) (2010).
DESCRIPTION:La Cinematografía vasca gana año a año mayor visibilidad fuera de su territorio. En el presente Ciclo de Cine de Vasco hemos visto varias de sus mayores expresiones de calidad. «80 EGUNEAN» (días en euskera) es una obra anterior a «Loreak» (2014) y «Handia»(2017) dos de los mayores sucesos de este tiempo que han sido visionados entre 2017 y el presente ejercicio. Ahora regresamos a un título anterior de Jon Garaño (1974) y Jose Mari Goenaga (1976)\, los autores de aquellos dos films para retomar una de las filmografías mas ambiciosas e internacionales de este cine que lucha por mas visibilidad con logros que temporada a temporada enriquecen la oferta. La historia encuentra a dos mujeres mayores de 70 años que fortuitamente vuelven a encontrarse tras haber estado separadas toda una vida\, desde aquella adolescencia cuando eran íntimas amigas. Axun ha estado casada desde hace décadas con Juan Mari y su vida transcurrido sin sobresaltos\, concentrada en su rol de compañera y ama de casa. En cambio Maite ha recorrido otros senderos donde la libertad y lucha contra las convenciones asfixiantes han sido su faro y sentido de existencia. El presente las enfrenta a una nueva realidad donde la primera estará obligada a replantearse toda su vida. La primer distinción del film consiste en dar protagonismo absoluto a personajes femenino mayores\, algo que también\, poco a poco\, va ganado lugar entre los nuevos cineastas del mundo entero\, quienes alejados de las grandes y ultra comerciales súper-producciones orientadas a un público masivo poco interesado en cualquier menester que implique reflexionar\, intentan explorar las enormes posibilidades que la cinematografía sigue ofreciendo a las mentes abiertas y progresistas. Un público adulto que reclama ser tratado como tal y busca en expresiones alejadas de los mas taquilleros nombres su espacio perdido. Las nuevas tecnologías han generado nuevas formas de acercarse a la expresión audiovisual\, pero no siempre encuentra hueco para este tipo de oferta.. Aunque sería inexacto decir que muchas de ellas no lo consiguen. «80 Egunean»\, a ocho años de su estreno\, nos brinda la oportunidad de descubrirla y compartir juntos el camino de estas dos mujeres que desde su anonimato encuentran toda una grandeza generacional capaz de conmover mas allá de los limites de una geografía\, porque lo que abarca se acerca sencillamente al interior de nuestra condición\, la humana\, siempre sensible\, cálida y dolorosa a la vez que plena de momentos esplendorosos. El buen cine nunca deja de serlo cuando quienes lo hacen tienen claros sus objetivos. \n«80 EGUNEAN» / 80 días / 2010 / España / Directores Jon Garaño y Jose Mari Goenaga / Intérpretes Itziar Aizpuru\, Mariasun Pagoaga\, José Ramón Argoitía / Color / Hablada en euskera y castellano con subtítulos en castellano / Duración 1h 44 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-80-egunean80-dias-2010/
LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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