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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-muerte-en-venecia/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "VUELVE\, AMOR MIO" (1961).
DESCRIPTION:La Comedia clásica norteamericana vivió su período de esplendor hasta mediados de los años sesenta cuando la Censura fue teniendo menos injerencia en la temáticas a tratar. Hasta entonces\, se regía por una serie incontable de limitaciones surgidas en los años treinta como respuesta a los gritos moralistas escandalizados ante lo que el primer Cine Sonoro y gran parte del Mudo de los veinte se atrevía a mostrar. La sexualidad\, el erotismo\, fueron los blancos preferidos de las Ligas de Decencia que inundaban el país y clamaban ante el Estado para que tomara cartas en el asunto. A principios de los años sesenta se hacia insostenible ocultar tanta castración mientras las cinematografías extranjeras se atrevían a todo\, o casi. Suecia o Francia rodaban películas con temáticas adultas e incluso mostraban desnudos\, en Argentina Armando Bo ya había filmado muchos títulos con Isabel Sarli y en las entrañas de Nueva York o rincones de California se filmaba un nuevo Cine Independiente que se atrevía a desafiar códigos\, pero   Hollywood seguía esclavo de sus limitaciones. En este contexto se estrena » Vuelve amor mio»\, uno de los mayores sucesos de su tiempo. Una historia atravesada por el atractivo sexual que los dos protagonistas experimentan el uno por el otro pero obligando a los guionistas y director a narrarlo con las mayores sutilezas posibles. Vista hoy\, se muestra estéril el esfuerzo\, porque no basta mas que ver el film para comprender absolutamente todo lo que no podía decirse abiertamente. Eso si: con imposiciones finales como el matrimonio que legalizará cualquier encuentro intimo. Con un trío de intérpretes de enorme talento y muy populares en su época\, el director\, un maestro del cine dramático autor de Clásicos de los años cincuenta como «Marty» (1955)\, «Deseo bajo los Olmos » (1958)\, «Mesas Separadas» (1958) o «Medianoche Pasional» (1959)\, el olvidado Delbert Mann (1929-2007)\, se acerca al género de la comedia y triunfa con su dominio del lenguaje cinematográfico. Rock Hudson (1925-1985) fue uno de los mayores ídolos de los años cincuenta y sesenta con una apostura que enloquecía a mujeres (y hombres) de todo el planeta que llenaban de cartas el Estudio Universal Pictures del que era artista exclusivo\, pidiendo que lo mostraran ¡sin camisa! para disfrutar de su figura. Intérprete de films como «Gigante» (1956) o «Palabras al Viento» (1956)\, melodramas deslumbrantes\, encontró en la comedia su lugar ideal. Doris Day (1922)\, superviviente de la era clásica del Cine\, cantante de potente voz y actriz vapuleada por la crítica y espectadores exigentes pero adorada por las masas\, fue una de las mayores estrellas de los cincuenta y sesenta hasta su retiro en 1968: no volvió a filmar jamas. En 1967 le fue ofertado el personaje de la Sra. Robinson en «El Graduado» y resignó la ocasión de iniciar un nuevo tiempo en su carrera\, cuando por atractivo físico y talento interpretativo hubiera estado impecable en el rol que popularizó la gran Anne Bancroft.  «Vuelve amor mio» es el segundo de los tres films que rodó junto al galán muerto de Sida a los 59 años de edad\, siendo sin duda el mejor de todos: dos agentes publicitarios luchan por obtener el si de una importante empresa. Mientras ella representa la legalidad absoluta de ejercer el trabajo\, él hace todo lo que está mal para lograr sus objetivos. Las trampas y los enredos dan pie a una trama que no decae en ningún momento\, logrando el prodigio de que la película continué siendo disfrutable en le presente. Un referente del clasicismo en el el mejor sentido de la palabra. También una nueva ocasión para debatir sobre códigos hoy obsoletos pero que de alguna manera no han desaparecido de cierto sector del debate público. El mas conservador\, que lucha por regresar a sus fuentes. El talento cinematográfico demuestra la esterilidad de semejantes propósitos. Una obra enormemente disfrutable. \n«VUELVE AMOR MIO» (Lover como back) / 1961 / EE.UU / Director Delbert Mann / Intérpretes Rock Hudson\, Doris Day\, Tony Randall / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 40 minutos.
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LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "AMOR\, MUERTE\, TARANTELA Y VINO..." (1978).
DESCRIPTION:La actriz mas popular de la historia del cine italiano fue también una de las mujeres mas deslumbrantes desde los años cincuenta del Siglo XX hasta el presente\, A sus 84 años\, Sophia Loren sigue manteniendo su magnetismo sobre generaciones enteras de espectadores. Con una carrera tan extensa\, algunos de sus trabajos han permanecido en la sombra y el presente nos permite rastrear entres esos tesoros olvidados. En 1978\, a los 44 años de edad\, la napolitana mas internacional del mundo trabajó por primera vez a las ordenes de una mujer\, su compatriota Lina Wertmüller (1928)\, autora de memorables sucesos como «Mimi Metalúrgico»\, «Amor y Anarquía» o «Pasqualino Siete Bellezas»\, tres de los mayores sucesos de su carrera. Con su actor fetiche en todas ellas\, Giancarlo Giannini (1942)\, la realizadora dirige a una tercera figura fundamental del cine peninsular: Marcello Mastroianni (1924-1996)\, uno de los mayores actores de la Historia. Con semejante trío no se esperaba el fracaso que la obra resultó en su estreno. Una historia que se adentra en territorio siciliano a principio de los años 20 cuando el panorama italiano se vio convulsionado por la subida al poder de Benito Mussolini (1883-1945) mientras la isla seguía prisionera de sus prejuicios ancestrales. Titina pierde a su marido en la primera escena del film y desde entonces solo pensará en como vengar esa muerte. El honor\, el amor\, la política\, el machismo\, la posesión de la mujer como objeto\, son todos escenarios que Wertmüller encuentra para narrarnos esta magnifica historia que mas que triangulo es quinteto\, con otros dos hombres que giran alrededor de los tres protagonistas.Rosario Spallone es un rico terrateniente de ideas socialistas enemigo acérrimo del emergente fascismo italiano mientras que Nicola Sanmichele es un emigrante que regresa desde Estados Unidos lleno de dinero y de muerte a sus espaldas. Los dos hombres se enamoran salvaje mas que amorosamente de la mujer\, sucumbiendo ante semejante fuerza de la naturaleza\, esa Titina Paterno a la que Loren entrega uno de sus mas memorables y olvidados trabajos. Con su máscara de mujer mediterránea de acento mas griego que romano\, ropajes negros que no logran esconder su magnifica figura\, fuente del deseo de todos los hombres de la región\, cabellos desprolijamente sueltos\, la actriz se adueña de la función y firma con sus compañeros\, una de las grandes obras de la cinematografía italiana de finales de los setenta. Un tiempo que iniciaba la decadencia final de una de las mayores cinematografías de la Historia del Cine\, activa fuertemente desde los primeros años del Siglo XX. «Amor\, muerte\, tarantela y Vino» (titulo argentino que sintetiza y se aleja del original de extenso nombre: «Hecho de sangre entre dos hombres por causa de una viuda. Se sospechan móviles políticos») se descubre hoy como lo que siempre fue: una potente denuncia sobre los diferentes mecanismos del Poder que ahogan y someten a los ciudadanos\, sobre todos a los integrantes de ese interior lejano tan proclive a ser explotado y sometido hasta la saciedad. Cine italiano de enorme fuerza y vigencia. Una de las grandes cumbres (y malinterpretada) de una realizadora pionera en el arte de dirigir películas\, junto a la francesa Agnes Varda y a su compatriota Liliana Cavani\, gestoras de una mirada femenina del cine que hizo escuela\, para encontrar en nuestro presente a decenas de mujeres por todo el planeta que tomaron su relevo. las tres «vivitas y coleando» en este convulso 2018\, donde la realidad nos muestra lo que la película afirmaba hace ya cuarenta años: nada parece aprenderse del pasado. Los pueblos que olvidan su historia\, dicen\, están condenados a repetir sus peores momentos. Europa y América toda\, están dando abundantes e inquietantes pruebas de ello. \n«AMOR\, MUERTE\, TARANTELA Y VINO» (Fatto di sangue fra due uomini per causa di una vedova. Si sosspettano moventi politici ) /Italia / 1978 / Directora Lina Wertmuller / Intérpretes Sophia Loren\, Marcello Mastroianni\, Giancarlo Giannini\, Turi Ferro / Color / Hablada en italiano con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "CUANDO ELLAS QUIEREN" (2018)
DESCRIPTION:Una comedia reciente que centra su historia en cuatro mujeres mayores. Con edades que van desde los 80 muy bien llevados de Vivian hasta los 65 de Carol\, el núcleo femenino es una excusa para reflexionar sobre la vida de las personas que al cumplir años no hacen mas que valorar la experiencia tenida e imaginar proyectos para el futuro. Con un pasado que siempre sirve para impulsar mejoras a partir de la reflexión sobre lo que no ha salido bien para conseguir nuevos objetivos. El cine actual tiene la inteligencia y capacidad de entender que no todos los espectadores que llenan las salas son jóvenes en busca de films de terror o superhéroes\, quedando un espacio muy amplio para el resto de la población que sigue apostando por el entretenimiento de calidad. Un tipo de cine que ahora es mas fácil de localizar en las plataformas digitales que nutren televisiones o nuevos formatos relacionados con Internet que en las salas. Cuatro amigas que siguen siéndolo tras décadas\, se reúnen continuamente para leer un libro en común y a partir de eso aplicar lo aprendido a sus propias existencias\, contarse intimidades y compartiéndolas\, encontrar espacios de diversión. Divorciadas\, casadas\, solteras o viudas\, tienen en común sus ansias de vivir. Amantes\, maridos o hijas\, completan el entorno. Con las andanzas de cada de una de ellas se arma la función. Interpretada por cuatro nombres formidables que ya forman parte de la Historia de Hollywood\, el realizador debutante logra una comedia lujosa donde cada una muestra sus talentos y sus atractivos aun vigentes. Porque lo femenino nada tiene que ver con la edad sino con la psique y ellas lo ponen en práctica y demuestran. La legendaria Jane Fonda\, una de las mayores estrellas del último medio siglo\, desde su debut en 1960\, con una carrera entre EE.UU y Europa que tuvo un largo paréntesis y ha sido retomada con bríos diez años atrás\, la reina de la comedia setentera\, ochentera\, etc\, etc\, la gran Diane Keaton\, musa del mejor Woody Allen y protagonista femenina de la saga «El Padrino»\, con notables y esporádicos trabajos dramáticos de alto voltaje\, la bella Candice Bergen que emergió como uno de los grandes rostros de los años sesenta con films como «Vivir por Vivir» de Claude Lelouch o «Conocimiento Carnal»\, un clásico de 1972 y reinó finalmente en la televisión con una serie mítica «Murphy Brown»\, y la menos popular (pero enorme actriz) Mary Steenburgen\, que debutó muy joven junto a Jack Nicholson y ganó un Oscar por uno de sus primeros trabajos. Un equipo formidable de actrices que sustenta la película\, pasando a engrosar la fila de las comedias sobre mujeres que tanto éxito han cosechado siempre. Cuatro actores de glorias (y hasta Oscar) pasadas les acompañan y entre todos logran recordarnos que la comedia siga viva\, vigente\, necesaria para acercarnos por medio de la risa o sonrisa\, a temas en general nada cómicos. \n«CUANDO ELLAS QUIEREN» / Book Club\, 2018 / EE.UU. / Director Bill Holderman / Intérpretes Jane Fonda\, Diane Keaton\, Candice Bergen\, Mary Steenburgen\, Richard Dreyfuss\, Don Johnson\, Andy Garcia\, Craig T .Nelson\, Alicia Silverstone\, Ed Begley.Jr. / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 44 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-cuando-ellas-quieren-2018/
LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "ALANIS" (2017).
DESCRIPTION:Alanis es una joven prostituta que deambula por los alrededores del Once porteño con un bebé a cuestas y una juventud de enorme peso y conflictivo pasado. Su constancia y valor para enfrentar la condición de mujer por la que lucha día a día en un entorno degradado\, áspero\, silenciado por los Medios hegemónicos\, dan luminosidad a su existencia. Como millones de mujeres en todo el planeta\, su trabajo consiste en vender su cuerpo al mejor postor. Intentando que sea en las condiciones menos riesgosas\, el film nos la muestra a lo largo de unos pocos días de su vida. Un retrato que bucea en el documental para transformarlo en ficción y desde allí lograr el rebote hacía el espectador. Como un juego de espejos en el que la realizadora indaga sobre la condición humana en tiempos de post-verdad. Un sector de la sociedad que parece siempre vivir en los márgenes de todo pero que sin embargo son millones\, silenciados por generar incomodidad al Poder de turno. El presente global demuestra que la prostitución lejos de acotarse\, se mantiene activa y genera nuevos fenómenos que alcanzan variantes desde lugares antes menos protagonistas: las migraciones\, por ejemplo. En «Alanis» no son las que se producen de un país a otro\, sino desde el Interior argentino a la Capital. Movimientos permanentes siempre relacionados a un patrón común: la falta de oportunidades\, conflictos familiares y socio-económicos que empujan a las personas a cambiar de destinos en busca de un mejor horizonte\, o peor\, simple fuga de un destino insoportable. La directora Anahi Berneri (1974) (autora de este y cuatro largometrajes de gran calidad: «Un año sin amor » (2005)\, «Encarnación» (20107)\, «Por tu culpa» (2010) y «Aire Libre» (2014) ) forma parte del activo núcleo de realizadoras argentinas que con enorme fuerza irrumpieron en los últimos veinte años: pasaron las décadas que anteceden a este periodo cuando hubo que esperar hasta 1960 para que una mujer firmara y filmara detrás de la cámara. La pionera Vlasta Lah\, de quién solo se sabe la fecha de muerte\, 1979\, silenciando hasta su nacimiento\, dirigió «Las Furias» y fue destrozada por la crítica del momento. María Herminia Avellaneda o María Luisa Bemberg fueron mas afortunadas\, y la segunda de ellas se convirtió en la «primera mujer» visible entre los directores de cine nacional. Nuestro presente\, y gracias a las políticas que el INCAA puso en práctica después de 2003\, se nutre de un verdadero batallón de cineastas\, que\, «capitaneadas» por Lucrecia Martel (1966) desde su aparición con «La Ciénaga»(2001)\, integran nombres como Lorena Muñoz\, Albertina Carri\, Inés Braun o Ana Piterbarg y han dado a nuestra cinematografía un nuevo aliento. Renovando equipos técnicos con profesionales formados en centros educativos de cine (privados o públicos)\, buscando intérpretes desconocidos\, o potenciando la figura de alguno mas famoso al que cambian de registro\, descubriendo nuevas posibilidades. Este film obtuvo un resonante suceso en el Festival de Cine de San Sebastián\, España\,  donde consiguió dos de los mayores trofeos: a la Mejor Dirección y a la Mejor Actriz. Lo repitió en México y en la propia Argentina\, donde la protagonista alcanzó el mayor reconocimiento en Cine argentino: el premio Cóndor a la mejor Actriz. Un cine que a pesar de todos los méritos no alcanza la visibilidad que merece al no cumplír con los «requisitos» de las grandes cadenas de distribución audiovisual que apuestan por un cine mas acomodaticio encaminado absolutamente al espectro mas comercial del mismo. Es entonces\, la hora de encontrar espacio nuevos\, reducidos\, para hacer llegar estas nuevas miradas al público mas exigente. \n«ALANIS» / Argentina\, 2017/ Directora Anahi Berneri / Intérpretes Sofia Gala Castiglione\, Dante Della Paolera\, Dana Basso\, Silvina Sabater\, Estela Garella / Color / Hablada en castellano sin subtítulos / Duración 82 minutos.
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SUMMARY:CINE: "ROSA LUXEMBOURG" (1986).
DESCRIPTION:En enero de 2019 se cumplirá un siglo del asesinato de Rosa Luxemburgo (1871-Polonia/ 1919-Alemania).¿Quién fue esta mujer?. El presente nuestro se caracteriza en parte\, por el ejercicio de la des-memoria\, orquestada por los sectores mas conservadores que ostentan el Poder a nivel planetario. Un presente que predica futuros vagos y articulados en base a promesas de bienestar desde una perspectiva casi mágica en la solución de los conflictos que afectan a la condición humana. Rosa Luxemburgo representa\, y representó\,  lo opuesto a esta idea. Nacida en la Polonia pro-rusa-zarista del Siglo XIX\, descubre a los 15 años la injusticia en el asesinato de los lideres que defienden los ideales socialistas e inicia una carrera política que la llevará a ser protagonista de un formidable período de cambios sociales en Europa que incluyen la Revolución Rusa de 1905 y la Primera Guerra Mundial. Desde su tierra natal hasta la vecina Alemania\, traspasa una y otra vez las fronteras en pos de sus ideales. Que en el devenir de las décadas que ocupan su vida\, irán marcando las diferencias no solo con la Oposición\, sino con sus propios compañeros. La Social Democracia Alemana\, de la que es militante\, se divide en dos sectores mayoritarios entres quienes defienden o no la idea revolucionaria. Y ella\, enamorada de toda forma y justicia\, acaba del lado de los perdedores de la  escisión. Este brevísimo resumen\, sirve como introducción a este también breve escrito sobre una figura clave de la Historia\, y del traslado al Cine llevado a cabo en 1986 por una de las grandes directoras europeas\, la también actriz Margarette von Trotta (1942). De origen alemán\, debuta tras las cámaras en 1975 con uno de los grandes títulos de su época: «El honor perdido de Katharina Blum»\, prohibido por la censura argentina. En 1981 repite suceso\, ahora si en nuestro país\, con «Las Hermanas Alemanas»\, radiografía política de su nación\, ahora contemporánea que analiza el terrorismo de los años sesenta y setenta con las vivencia de dos hermanas enfrentadas por sus ideales\, una temática que golpeo en las conciencias de un sector de espectadores que vivimos las consecuencias de otro conflicto similar\, el nuestro. Desde entonces\, la realizadora ha seguido indagando en la relación entre mujer y política en films rodados en Italia y en Alemania. Destacan «Locura de Mujer» (Heller Wahn\, 1983)\, «Hannah Arendt y la banalidad del mal» (2012) \, entre otros títulos de su extensa filmografía\, que la unen junto a Agnes Varda\, Mai Zetterling\, Liliana Cavani\, Pilar Miro o Lina Wertmuller al grupo de realizadoras cinematográficas que aportaron un nuevo aire de reflexión desde la perspectiva femenina al masculinizado cine de siempre. Su último trabajo es de 2018 e indaga en la figura del artista supremo del Siglo XX\, Ingmar Bergman. La realizadora dirige en varias ocasiones a la actriz Bárbara Sukowa (1950)\, uno de los grandes nombres de la interpretación europea\, de extraña belleza y mayor talento\, que realiza en su creación de Luxemburgo\, uno de sus mejores trabajos. La acompaña otro nombre emblemático del mejor cine europeo de los setenta y los ochenta\, el polaco Daniel Olbrychski\, actor fetiche de su compatriota Andrzej Wajda\, junto a quién triunfo en la cartelera porteña con películas como «El Bosque de los Abedules» (1970)\,»La Boda» (1973) o «Las Señoritas de Wilko» (1979). Tres artistas de primer nivel que se unen para rendir homenaje a una figura clave en las luchas sociales\, no solo por la condición femenina\, sino humana en sentido mas justo y doloroso de la palabra: la imprescindible Rosa Luxemburgo. Entre otras palabras memorables\, dejó estas\, con un profundo optimismo sobre la vida: «Es mi tercera navidad tras las rejas\, pero no lo tome a tragedia. Yo estoy tan tranquila y serena como siempre. (…) Ahí estoy yo acostada\, quieta y sola\, envuelta en estos múltiples paños negros de las tinieblas\, del aburrimiento\, del cautiverio en invierno (…) y en ese momento late mi corazón con una felicidad interna indefinible y desconocida. (…) Yo creo que el secreto no es otra cosa más que la vida misma: la profunda penumbra de la noche es tan bella y suave como el terciopelo\, si una sabe mirarla.” \n«ROSA LUXEMBURGO (Rosa Luxemburg) 1986 / Alemania Occidental- Checoeslovaquia / Directora Margarette von Trotta / Intérpretes Bárbara Sukowa\, Daniel Olbrychski\, Otto Sander / Color / Hablada en alemán\, polaco y francés con subtítulos en castellano / Duración 2 hs.
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SUMMARY:CINE: "EL HOMBRE DE LA MANCHA" (1972)
DESCRIPTION:«El Hombre de La Mancha» es el título de una obra musical estrenada en teatro en Estados Unidos en 1965. Su inmediato suceso llevó a representarla poco después en España y en 1968 llegó por primera vez a Argentina\, donde se ha repuesto en 1981\, 1993\, 2005 y 2015\, gozando siempre de gran suceso hasta convertirla en uno de los musicales mas exitosos de todos los tiempos. El libreto corresponde a Dale Wasserman\, la música a Mitch Leigh y las letras a Joe Darión. En 1972 fue llevada al cine en una costosa producción entre Italia y Estados Unidos producida por Alberto Grimaldi y dirigida por el realizador de «Love Story» Arthur Hiller. Sin embargo fue un fracaso de público y el apoyo crítico fue tibio. Con los años ha ido ganando aceptación y hoy es vista como una brillante adaptación del original y\, sobre todo\, como respetuosa interpretación del texto original de Miguel de Cervantes\, centrándose en la relación amorosa entre el Hidalgo y la bella manchega. Interpretada por el actor británico Peter O’Toole (1932-2013) en el protagónico de tres personajes\, Cervantes\, Quijano y Don Quijote\, James Coco (1930-1987) como Sancho Panza y Sofia Loren (1934) como Aldonza y Dulcinea del Toboso\, la llegada al cine permite «escapar» del único escenario teatral de la prisión donde se haya recluido Cervantes en espera de ser interrogado por la Inquisición\, hacía la Venta donde transcurre la acción complementaria de las criaturas imaginadas por el autor español. Destacan entre los atractivos del film\, una extraordinaria fotografía de uno de los mayores artistas de todos los tiempos\, el italiano Giuseppe Rotunno (1923)\, que creó imágenes memorables para Visconti\, Fellini\, Wertmuller o Bob Fosse\, la inolvidable canción «El Sueño Imposible» y la belleza única (y en pleno esplendor de sus 37 años) de Sofia Loren. Es entonces la ocasión de redescubrir esta adaptación realizada para el Cine en el marco de la Semana Cervantina de 2018\, que como las anteriores\, se convierte en un Faro que desde Azul irradia luz para recordarnos que la obra inmortal del genial manchego continúa vigente y siempre abierta a nuevos descubrimientos. \nEl 17 de mayo de 1973 se estrenó en Argentina este film y el crítico/cronista/ escritor de cine Juan Carlos Frugone (1938- 2009)\, uno de los mejores de su tiempo\, publico en el diario «Clarín» la reseña sobre el mismo. Debido a su sencillez y claridad expositiva\, la reproduzco totalmente\, sirviendo a la vez como homenaje a este talentoso hombre que debió exiliarse de Argentina a mediado de los años setenta a España\, donde continuó su extensa carrera hasta la muerte. \n«UNA COMEDIA MUSICAL REFLEJADA FIELMENTE» \nLas conocidas virtudes de la obra original de Dale Wasserman (inspiradas canciones\, buena sinopsis del romance de Don Quijote y Dulcinea) reviven en esta versión cinematográfica que el director Arthur Hiller ha registrado con suma fidelidad al original\, limitando su tarea a una ubicación de cámara acertada y a permitir que interpretes y\, esencialmente\, fotógrafo (el excelente Giuseppe Rotunno) y escenógrafo se luzcan en sus respectivos trabajos. \nLlevar al cine o al teatro cualquier tipo de adaptación de «Don Quijote de La Mancha» es una tarea ingrata. Implicará\, sin excepciones\, severísimas criticas y siempre alguien acusará de infidelidad\, tergiversación\, etc\,. Quizá un poco por eso\, otro poco por lo que mas lo ha fascinado a nivel espectáculo o drama sea el romance entre Don Quijote y Dulcinea\, Wasserman se ha ceñido a indagar solamente esa linea -de las múltiples de estudio que permite el texto original – y dentro de ella ha trabajado una historia conmovedora\, que capta bien esa vertiente y que se limita a reflejar solo episodios y personajes que tienen que ver con ella. \nEn otra licencia poética\, el autor del musical imagina también a Miguel de Cervantes acusado por la Inquisición y siendo juzgado por sus compañeros de celda en virtud de su narración de este aspecto de la obra. Así\, una doble trama subraya su acento lírico en el talento del escritor y su capacidad de conmover a las audiencias con los personajes comprobadamente inmortales que supo crear. Y serán los mismos prisioneros\, los que\, también\, desdoblándose animen los caracteres de «Don Quijote». \nLa única libertad que se ha tomado Hiller (o el adaptador de la obra al cine) es sacar la acción del sótano de la prisión y pasar a la venta donde ocurren \,os sucesos narrados por Cervantes. Ahí es donde se luce la imaginación del decorador y\, especialmente\, la extraordinaria fotografía de Rotunno\, que logra gama de luces azulados de gran belleza y una exacta estilización. \nHiller por su parte\, sigue sojuzgado al texto y a las canciones. Quizá otro director les hubiera otorgado mayor grandeza\, sobre todo a páginas como «El Sueño Imposible» o «Dulcinea». Como están\, quedan resumidas y labradas a sus propios méritos\, a las dolientes caras de Peter O’Toole y a la buena voz que lo ha doblado. Es de lamentar que otro tanto no se hiciera con Sofia Loren\, una buena actriz que lucha con sus canciones y solo cobra alguna dimensión cuando junto con ella debe poner mucho de si a nivel de tonos e interpretación del texto (Aldonza). De todos modos ambos sectores cumplen a conciencia con las partes que les tocan y se desdoblan bien: O’Toole en su triple dimensión de Cervantes\, Don.Alonso Quijano y Don Quijote De La Mancha\, Loren en Aldonza Lorenzo y Dulcinea del Toboso. Pero indudablemente pero quien «roba» las escenas es James Coco en una muy loable caracterización como Sancho Panza. \nHonesta como versión\, vigente como pieza teatral\, «El Hombre De La Mancha» logra trascender limitaciones\, virtudes o logros gracias a una mano que sigue gobernando por sobre todas el texto\, la inspiración y la fuerza de situaciones y personajes: Miguel de Cervantes. Las diversas dimensiones de sus caracteres\, su eterna magia\, el dolor y la deslumbrante locura de Don Quijote son mas fuertes que todas las manos que pasen por encima de ellos. Y aunque mas no sea por la letra de «El Sueño Imposible» Wasserman reivindica su derecho a haber resucitado el texto\, porque bien transmitido o no\, hay una verdadera captación y respeto por el inefable amor de Don Quijote a su dama\, Dulcinea. \n                                                                                                                           Juan Carlos Frugone (Clarín\, mayo de 1973). \n 
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SUMMARY:CINE: "PASIÓN DE AMOR" (1981).
DESCRIPTION:Una de las pocas películas que reflexiona seriamente sobre la cuestión de la fealdad en las personas. En un arte como el cinematográfico donde ha predominado desde siempre la búsqueda y exaltación  de la belleza\, su opuesto rara vez ha sido tema protagónico. En el Siglo XIX se edita una novela llamada «Fosca» de un autor de vida tan dura como breve: Iginio Ugo Tarchetti\, que muere a los 30 años en 1869 sin haber finalizado este trabajo. Sería concluido y editado por un amigo. Su nombre se pierde entre tantos autores de un tiempo prolífico en relatos de la naciente izquierda europea. Una literatura que bucea en los aspectos menos atractivos del alma humana\, que encuentra aquí formidable ocasión para reflexionar sobre cuestiones como la falta de atractivo físico y la histeria como patologías de su protagonista. En 1981 el gran cineasta italiano Ettore Scola (1931-2016)\, autor de «Celos estilo italiano» (1970)\, «Me permite\, Rocco Papaleo» (1971)\, «Nos habíamos amado tanto» (1974)\, «Feos\, sucios y malos» (1976) o «Un día muy particular»\, entre algunos de sus mejores títulos\, recupera este texto olvidado y lo convierte en magnífica pieza cinematográfica. Giorgio es un apuesto Capitán de la recién unificada Italia que vive un romance adultero con la bellisima Clara. Pero un nombramiento en la frontera lo aleja de ella. En una casa donde convive con otros militares\, el líder mayor del lugar\, el Coronel\, tiene una sobrina a su cargo: Fosca\, mujer histérica de enorme fealdad. De la que es consciente y por la cual enferma. Pero no le impide enamorarse inmediatamente del atractivo recién llegado. El encuentro entre los dos personajes propone al director una reflexión sobre las posibilidades y frustraciones que envuelven a una heroína de estas extrañas (para el cine) características. Y realiza una de sus mejores películas. El enfrentamiento a partir del condicionamiento que el aspecto físico genera en las personas\, las dificultades o simples imposibilidades de concretar un romance o un mero encuentro sexual\, la aparición de lo morboso como elemento de atracción\, el entorno masculino que rodea a una mujer por la que todos experimentan repulsión\, son algunas de la vías que Scola explora para articular su relato. Una obra siempre abierta a la discusión y al debate a partir de la mirada de un hombre enormemente respetuoso con la condición femenina. Fosca es fea y lo sabe. Pero lejos de doblegarla\, la incita a provocar al militar que no parece tan valiente a la hora de enfrentar estas batallas\, pero que se enfrentará a ella mientras convergen en él los recuerdos de su bella y distante amada\, y la fealdad y cercanía de la habitante de la mansión donde impera un espíritu masculino de extrema rigurosidad. Y decadencia. Porque poca grandeza destaca en estos hombres que rodean a la pareja. Con interpretación y caracterización impactante de una actriz que a pesar de triunfar en el reto de dar vida a la protagonista no lograría alcanzar mayor fama\, el film se convirtió en suceso en el Buenos Aires de 1982 cuando se estrenó. La temática expuesta resultó y resulta aun original y provocadora. «Pasión de Amor» emerge en este presente como pieza viva de uno de los mejores cines de la Historia\, el Italiano y nos recuerda que la historia de «La Bella y la Bestia» guarda aun muchas maneras de acercarse a ella\, para subvertirla y generar nuevas reflexiones. \n«PASIÓN DE AMOR» ( Passione d’amore\, 1981) / Italia / Director Ettore Scola / Intérpretes Valeria D’Obici\, Bernard Giraudeau\, Laura Antonelli\, Jean Louis Trintrignat\, Massimo Girotti\, Bernard Blier.
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LOCATION:Centro de Inv. y Psgr.de la Fac. de Derecho de UNICEN\, Bolívar 481\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:"IGELAK" / (RANAS) / 2016.
DESCRIPTION:Una comedia que habla de un tema muy actual y nada divertido en la sociedad europea actual: el conflicto por los impagos de créditos bancarios sobre la vivienda y el consecuente desalojo de sus frustrados propietarios. El realizador vasco PATXO TELLERIA\, nacido en 1960 en Bilbao\, filma su tercera y mas exitosa película donde el protagonista es uno de los mas populares de Euskadi\, el actor GORKA OTXOA\, nacido en 1979 en Donostia y con cincuenta trabajos en pocos años entre Televisión y Cine. Ambos son exponentes de la variante de comedia en una cinematografía hasta hace pocos años muy centrada en el género dramático y testimonial. Porque los temas mas complejos y asfixiantes pueden ser vistos desde el prisma del humor sin por ello claudicar en el serio postulado que la realidad impone. Pello es empleado bancario que se ocupa de los asuntos menos simpáticos: denegar préstamos a los mas comprometidos clientes que imploran por su ayuda o negociar contratos con empresarios de dudosa seriedad. Pero su vida cambia por la trampa que le tejen superiores y de un día para el otro se convierte en prófugo de la justicia para acabar viviendo del lado de los que hasta hace poco tiempo imploraban su ayuda en las oficinas. Una película que se convierte en crítica feroz sobre el devenir de la realidad económica de millones de españoles victimas de la Crisis Financiera del 2008 que arrastró al desastre a ciudadanos que cometieron el error de creer lo que los grandes bancos le proponían. Un futuro auspicioso convertido en infierno para muchos. La película muestra un panorama diferente de una gran ciudad como San Sebastían\, adornada por la música y letra de jóvenes intérpretes vascos que a través del pop y el rock indagan en los aspectos mas complejos de la actualidad con canciones que se intercalan con la acción de los protagonistas y complementan la realidad analizada. La fábula «El Escorpión y la Rana»\, de origen desconocido aunque a veces atribuida a Esopo\, se convierte en la base de un film original\, divertido\, humano\, que devuelve a través de la comedia una mirada de la deformada realidad actual de muchos que perdieron el tren del éxito. \n«IGELAK» / «RANAS» / España 2016 / Director Patxo Telleria / intérpretes Gorka Otxoa\, Miren Gaztañaga\, Mikel Losada\, Iñaki Rikarte / Color / Hablada en castellano con canciones en euskera con subtítulos en castellano / Duración 1h 38 minutos.
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SUMMARY:CINE: "ÁNGEL" (2007).
DESCRIPTION:El cine continúa descubriendo en la literatura material adaptable a la pantalla\, un hábito que se mantiene desde los primeros tiempos de su vida. El cineasta Francois Ozon (1967)\, uno de los grandes del panorama europeo actual\, transforma en imágenes la novela «Ángel»\, publicada en 1957. Su autora\, sufrió el no ser reconocida en vida en tanto mujer premiada y apreciada literata. Después de su muerte en 1975\, su nombre fue rescatado y revalorizado. El llamarse igual que una de las mayores divas del Siglo XX\, Elizabeth Taylor\, no contribuyó en nada a su suerte. Nacida en 1912 escribió 12 novelas a lo largo de su carrera\, también cuentos y relatos breves además de participaciones en la prensa. «Ángel» relata la historia de Ángel Deverell\, una joven empeñada en escribir y alcanzar la fama. Hija de una almacenera\, su infancia se instala sobre la negación de la realidad que la circunda y de la que huye a través del ensueño y la imaginación que pronto se sublimarán en escritura. Su obstinación y seguridad en si misma la empujan a trascender la ciudad en que vive y abrazar la metrópolis. El éxito le sonríe pronto y la riqueza llega a su vida. Pero no todo se consigue con dinero\, el amor por ejemplo. La trama sirve al realizador galo para ejecutar otros de sus brillantes ejercicios cinematográficos donde clasicismo y transgresión se intercalan alternativamente entre film y film. La condición femenina cae otra vez bajo su punzante lupa y el resultado vuelve a ser brillante. Maestro en la creación de climas\,el regreso al Siglo XIX como escenario de su historia le permite ejercitar su talento en la fotografía\, música y ambientación exquisita. Su capacidad de sacar lo mejor de actores y actrices vuelve a manifestarse. Romola Garai (1982) es una de la figuras mas talentosas de la Europa actual\, dueña de una enorme belleza y talento\, es la figura ideal para dar vida a la escritora que escribe mucho pero no todo es de calidad. Una gran vendedora de libros no es siempre una gran narradora. Una mujer con ambiciones de ser feliz a cualquier precio que parece creer que todo se consigue a golpes de chequeras. La realidad y la ficción son parte de su vida y los caprichos para que todo se iguale\, simple deseo. Una película que nos brinda nueva mirada sobre el mundo e interioridades de los creadores\, la otra cara que no siempre es visible\, así como la posibilidad de reflexionar sobre conceptos siempre actuales: éxito\, felicidad o realidad. \n«ÁNGEL» / 2007 / Reino Unido- Francia / Director Francois Ozon / Intérpretes Romola Garai\, Sam Neill\, Lucy Russell\, Charlotte Rampling\, Michael Fassbender / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Color / Duración 1h 53.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-angel-2007/
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