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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-muerte-en-venecia/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "REGRESA A MI / BEN ESTÁ DE VUELTA" (2018)
DESCRIPTION:Julia Roberts (1967) es una de las actrices mas populares del cine desde su aparición en «Mujer Bonita» (1990). Su dominio de la comedia la convirtió en una de las preferidas del público y a medida que fue cumpliendo años amplió su registro actoral hasta convertirse en una espléndida actriz dramática. Aceptando el paso del tiempo\, fue incorporando personajes que tenían que ver con su edad\, sin caer en el absurdo de otras figuras a la búsqueda de imposibles personajes siempre jóvenes. Títulos como «Agosto» (2013) o «El maestro del dinero» (2016) demuestran el talento que ahora vuelve a estar presente en su creación de Holly Burns\, la madre de cuatro hijos nacidos de dos matrimonios. Ben\, el mayor de ellos\, está saliendo de una cura de desintoxicación y el regreso al hogar para pasar juntos la Navidad\, aviva todos los temores que la mujer conllevo por la salud del joven. El padrastro y la hija mayor no son tan receptivos a la vuelta de Ben\, mientras que la madre se debate por mantener la calma entre todos. Una problemática moderna cada vez mas visible en la sociedad y con víctimas cada mes menores están detrás de la propuesta del cineasta Peter Hedges\, uno de los nuevos realizadores del panorama actual hollywoodense\, que intenta acercar al público reflejos de la vida cotidiana y familiar siempre en conflicto. Un grupo de jóvenes actores dan vida a los protagonistas y convierten a la película\, de reciente estreno en Buenos Aires\, en una nueva oportunidad de disfrutar de un cine sobre problemas modernos dirigidos al publico adulto\, mas allá de la edad que este tenga. \n«REGRESA A MI» ( Ben is back\, 2018) / EE.UU. / Director Peter Hedges / Intérpretes Julia Roberts\, Lucas Hedges\, Courtney B.Vance\, Kathryn Newton / Color / Hablada en inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 45 minutos.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "PIXOTE\, LA LEY DEL MAS DÉBIL" (1981). Seminario Nº 3 Introducción al Cine
DESCRIPTION:Un cineasta nacido en Argentina que realizó su carrera entre Brasil y Estados Unidos\, con dos regresos a su país donde no obtuvo el suceso similar al alcanzado en las citadas tierras. «Pixote» (1981) fue la película que lanzó internacionalmente el nombre de Héctor Babenco (1946-2016)\, nacido en Mar del Plata y muerto en Brasil. Es interesante reflexionar sobre un film rodado en el final de una dictadura militar (1964-1985) con una temática abiertamente social y de denuncia y con todo ello\, haber traspasado los limites de los censores: los protagonistas son (en su mayoría) actores no profesionales elegidos para representar personajes tan marginales como ellos mismos\, que reconstruyen mediante una ficción la realidad de las clases sociales mas castigadas en una favela de una enorme ciudad como Sao Pablo. Pixote es un niño de de 12 años que es detenido en una redada policial y a partir de ese momento conocerá los rigores de las cárceles y tambien los de la calle\, una vez fuera de ellas. Tomando los postulados del neorrealismo italiano y sus acepciones latinoamericanas\, Babenco busca con su cámara inquieta\, captar la realidad de estos seres que tienen todo en contra desde su propio nacimiento.Las autoridades siempre represoras no hacen mas que acentuar las limitaciones del niño y sus amigos\, compañeros de vida en las malas\, y pocas en las buenas. Una obra que los años han convertido en clásico de los mas destacados del cine latinoamericano\, cuyas imágenes siguen siendo tan perturbadoras y vigentes como en el momento de su estreno. Porque lo que la obra viene a decirnos es que las estructuras sociales se mantienen (malamente) vigentes casi cuatro décadas después. La pobreza no ha dejado jamas de estar presente en los países del tercer mundo\, aunque el termino sueno antiguo y despectivo. Los niños siguen ocupando espacios que no deberían en sociedades donde la injusticia es tolerada como una realidad inamovible. Babenco llevaba realizados un documental (sobre el automovilista Emerson Fitipaldi de gran éxito en Brasil) y dos películas de alto contenido social\, «O rei da noite» (1975)\, y la extraordinaria «Lucio Flavio\, pasajero de la agonía» (1977). Las dos últimas fueron prohibidas por la Dictadura argentina (1976-1983) que tampoco permitió el estreno de «Pixote» ( fue exhibida brevemente dentro de una semana del cine brasilero en 1982 en Buenos Aires). Una cuestión que permite reflexionar e indagar sobre dos regímenes anti-democráticos y vecinos que permitían y censuraban según sus diferentes criterios. El cine brasilero de mediados de los años setenta se convirtió en uno de los mas formidables del continente y fue a través del suceso internacional de «Doña Flor y sus dos maridos» (1976) que se visibilizaron una serie de films de alto valor artístico y compromiso social\, impensable en nuestra Argentina. Con el rodaje mediante capitales norteamericanos de «El beso de la mujer araña» (1985)\, basada en la novela homónima de otro argentino exiliado\, el enorme Manuel Puig (1932-1990)\, el cineasta argentino-brasilero tendría una breve etapa de trabajo en Hollywood\, para saltar de allí a Argentina y rodar por primera vez en tierra propia: la Mar del Plata que fue escenario de una historia de amores y exilios en «Corazón Iluminado» (1998). Regresaría en 2007 para filmar su segundo y ultimo trabajo nacional: «El Pasado» (2007) habiendo logrado entre ambas su otra gran obra maestra en un registro similar al de «Pixote»: la trama carcelaria «Carandirú» (2003)\, estremecedor retrato de las intimidades de la vida carcelaria. Su carrera finalizó un año antes de su muerte con su último trabajo brasilero: «Meu amigo hindú» (2015). La obra de Héctor Babenco perdura como testimonio de un cineasta visceral\, humanista y nomade\, que buscó y logró indagar en los aspectos mas dolorosos de la condición humana\, para brindarnos un cine siempre vigente y necesario\, alejado de cualquier intención sensacionalista\, aunque sus tramas fueran propicias para caer en ello. \n«PIXOTE\, A LEI DO MAS FRACO» (1981) / Brasil / Director Hector Babenco / Intérprete Fernando Ramos da Silva / Hablada en portugués con subtítulos en castellano / Color / Duración 2h 7 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-pixote-la-ley-del-mas-debil-1981-seminario-no-3-introduccion-al-cine/
LOCATION:Escuela de Bellas Artes\, Av.25 de Mayo 573\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "QUE DIOS NOS PERDONE" (2016) Seminario 3º de Introducción al Cine.
DESCRIPTION:El genero policial\, policíaco o criminal\, según acepciones de diferentes tierras\, ha gozado de apoyo publico desde los inicios del cine sonoro. Tanto en Norteamérica como países europeos (Francia\, Alemania\, Inglaterra\, España) o en la misma Argentina\, la incorporación del sonido a la imagen\, convirtió a este tipo de films en uno de los preferidos del espectador de cine. Y en muchos de ellos se habilitó la posibilidad de realizar un sub-genero que luego tendría voz propia: el de Denuncia. Porque los ambientes y personajes que poblaban sus historias permitían descender a los ambientes mas bajos de la escala humana\, mas allá de las clases sociales donde las acciones tuvieran lugar. El crimen\, el homicidio\, el asesinato\, la delincuencia\, la policía\, la prostitución\, el narcotráfico\, el contrabando\, encontraron aquí el marco ideal para ser visibilizados. La «ficción» habilitaba hablar lo que de otra manera estaba prohibido. Los carteles que advertían que «todo parecido con la realidad es mera coincidencia»\, o frases similares\, venían a decirnos que la realidad era una cosa y las películas otra. Pero el público supo identificar de inmediato una cosa con la otra. En la actualidad\, con la competencia que las series de televisión de alta calidad y complejidad han proporcionado a la gran pantalla\, todo parece estar permitido. Incluso personajes de la vida real\, aireados por los grandes medios de comunicación\, se han visto convertidos en personajes de ficción dando lugar a un ejercicio de metalenguaje siempre apasionante. El género Documental\, por su parte\, genera sus propias realizaciones donde la rigurosidad de la información y la confirmación de los actos evocados por medio de documentación acreditada\, toma distancia de la siempre mas modificable ficción. «QUE DIOS NOS PERDONE» es una realización española estrenada en el año 2016 y ganadora de importantes premios así como merecedora de una excelente carrera comercial. Dirigida por uno de los talentos jóvenes mas sobresalientes del cine hispano\, el madrileño Rodrigo Sorogoyen (1981)\, la trama se centra en tres personajes que detentan psicopatías muy evidentes. Uno es un asesino serial de mujeres mayores y los otros dos son los investigadores que siguen sus huellas. Todos tienen comportamientos enfermizos y la película propone el ejercicio de reflexionar sobre los delicados limites que separan lo legitimo de los que no lo es. Un policía puede resultar un asesino tan feroz como la figura perseguida. Desde los comportamientos mas evidentes y públicos a los realizados dentro de la mas estricta intimidad. Un ejercicio apasionante que se desarrolla mediante una trama donde la tensión jamas decae hasta culminar en la la escena final\, en un autentico muestrario de la ferocidad de la que el ser humano puede ser capaz una vez transgredidos todos los limites. En una sociedad en continua crisis de valores\, los comportamientos privados invaden terrenos que no deberían. Las sociedades democráticas todas atraviesan profundas crisis cuyos mandatarios no siempre resultan ser los mas adecuados e incluso potencian el comportamientos de las llamadas fuerzas del orden. La Europa retratada en estas películas se ubica en las antípodas de la turística y se convierten en herramienta formidable para reflexionar sobre la deriva de todo un sistema que no parece encontrar limites en su decadencia actual. Todo el progreso conseguido en el avance social es puesto a cada momento en cuestionamiento. Y de esto se nutren los cineastas mas comprometidos y valientes: en dar lugar dentro de las ficciones a la realidad tapada pero ampliamente\, al menos\, sospechada por la mayoría de la población. Que no todos los integrantes de estas fuerzas sean iguales\, algo obvio\, no impide detener la mirada sobre quienes con su comportamiento\, hacen estériles en demasiadas ocasiones\, el buen hacer pretendido por una sociedad que\, se dice\, moderna y progresista. El Cine continua siendo una de las armas de difusión masiva con las que cuenta la Cultura en todas las latitudes. Los nuevos cineastas no hacen mas que continuar el sendero iniciado por maestros como John Ford («Las uvas del mal\, sobre la Gran Depresión Americana)\, Robert Aldrich\, con sus relatos bélicos\, Constantin Costa-Gavras\, uno de los nombres mas populares del cine político-denuncia ( «Z»\, «La Confesión»\, «Estado de Sitio»\, «Sección Special»\, «Desaparecido» o «El Capital»)\, el francés Robert Guidegain con sus muestras sobre la Francia contemporánea\, los maestros italianos del Neorrealismo Vittorio de Sica\, Roberto Rossellini o Luchino Visconti\, con sus obras mas emblemáticas («Ladrones de Bicicletas»\, «Lustrabotas»\, «Roma ciudad abierta» o «La Tierra Tiembla»)\, el británico Kenneth Loach (desde su «Poor Cow» en 1967 hasta la enorme «Yo\, Daniel Blake») o los siempre vigentes maestros latinoamericanos Fernando Solanas\, Octavio Getino\, Leonardo Favio\, Miguel Littin\, Arturo Ripstein\, Paul Leduc\, Fernando Birri\, Patricio Guzmán\, Jorge Sanjinés\, Glauber Rocha\, quienes desde sus Argentina\, Chile\, México\, Bolivia o Brasil supieron combinar sus denuncias con los maestros del Nuevo Cine Cubano\, Tomas Gutierrez Alea\, Juan Carlos Taibo\, Fernando Perez\, Solás\, quienes una vez instalada la Revolución ofrecieron un cine unico e imprescindible. Todos ellos deben mucho de su hacer a los grandes cineastas rusos que desde la Revolucion de 1917 encendieron la mecha del cine mas contestatario y revulsivo. El que permanece\, junto a los nuevos realizadores\, como el necesario y obligatorio para entender algo mas de quienes somos nosotros\, los humanos. \n«QUE DIOS NOS PERDONE» (2016\, España) / Director Rodrigo Sorogoyen / Intérpretes Antonio de la Torre\, Roberto Álamo\, Javier Pereira / Color / Hablada en castellano con subtítulos en el mismo idioma / Duración 2hs. \n 
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SUMMARY:CINE: "NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS" (2011).
DESCRIPTION:Enrique Urbizu es uno de los grandes narradores cinematográficos del cine español del periodo que va entre 1991 cuando realiza su segundo film («Todo por la pasta»\,1991) hasta 2011 cuando estrena esta obra y la convierte en una de las mas premiadas del año\, ademas de suceso mayor de espectadores. Nacido en 1962 en Bilbao\, Vizcaya\, País Vasco\, el cineasta debuta con una floja comedia que en nada hacia presagiar al talentoso director que aparecería años mas tarde\, En 2002 inicia su colaboración con el actor Jose Coronado (1957) que daría lugar a una triada de films muy valiosos: «La caja 507»\, de ese año\, «La Vida Mancha» (2003) y\, ocho años mas tarde\, el aquí reseñado. En todos\, el tandem artístico logra crear desde la ficción un lucido retrato de la España moderna. Y no precisamente de su lado mas amable. El actor alcanza unos registros impensados hasta ese momento\, que lo convierten en uno de los grandes nombres actuales del cine hispano. Urbizu ha rodado fuera de su tierra natal\, «inmigrante interior» si se quiere\, pero toda su mirada esta atravesada por características muy propias del comportamiento vasco: seco\, riguroso\, de pocas palabras\, muy efectivo en sus retratos audiovisuales. En este\, su ultimo largometraje rodado hasta la fecha (ha incursionado con éxito en la ficción televisiva)\, pareciera reflexionar sobre la violencia\, tanto de los grupos armados como de las fuerzas de seguridad que luchan por controlarlos. Pero aquí no es ETA la protagonista sino un grupo de islamistas radicales que preparan un atentado en un shopping de Madrid. La característica principal es que quien está detrás de sus pasos iniciales\, que luego derivan en un compromiso de las fuerzas espaciales de la Policía\, es un agente destrozado psiquicamente que descubre la trama a partir de un crimen grupal del que es autor. En paralelo transcurre la historia\,donde el principal sospechoso de aquel hecho pasa inadvertido\, mientras se busca gente mas peligrosa todavía. Una jueza joven será la contrapartida de este Santos Trinidad\, un personaje ya clásico del policíaco español. Un tema de lamentable actualidad durante demasiadas décadas en España\, primero a través de los actos terroristas de ETA y luego de las masacres de Atocha del 11 de marzo de 2004\, donde la voladura de trenes ocasiono centenares de muertos inocentes\, a cargo del terrorismo islámico internacional. El cineasta vasco salda cuentas con la propia historia de su pueblo\, contándonos una historia donde no todo es exactamente como parece\, dejando al espectador con la complicidad de buscar respuestas a un terror que pareciera no tener fin. Un obra mayor y formidable de necesaria visión para comprender los tiempos actuales\, al menos en una de sus variantes mas notables: la violencia intrinsica de la condición humana. Cine testimonial de primer orden\, el que perdura con el paso del tiempo. \n«NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS» / 2011\, España- Francia / Director Enrique Urbizu / Intérpretes José Coronado\, Rodolfo Sancho\, Helena Miguel\, Juanjo Artero / Color / Hablada en castellano / Duración 1h 54 minutos.
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LOCATION:Centro Basko Gure Txokoa\, B.J.Ronco 675.\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "EL AMOR MENOS PENSADO" (2018)
DESCRIPTION:El genero de la comedia «costumbrista» es uno de los mas exitosos del cine argentino. El público apoya mayoritariamente estas ofertas mientras deja de lado otras propuestas que nuestra cinematografía brinda. Un fenómeno amargo que no hace mas que acentuar los gustos por un determinado tipo de películas y que permanece activo desde hace décadas en Argentina. En todo caso hay obras que destacan por encima de otras dentro de este apartado y «El Amor Menos Pensado» es una de ellas. Un título que tuvo tanta aceptación aquí como en otras tierras donde el nombre de Ricardo Darin (1957) convoca por si mismo. En esta trama da vida a Marcos\, un hombre que descubre como su vida se ve afectada por la marcha al exterior de su único hijo. Su esposa Ana siente que algo fundamental se ha roto entre ellos y ambos acuerdan separarse para intentar rehacer sus vidas en esta etapa de la adultez\, donde el envejecimiento asoma sus narices. Amigas y amigos\, familiares y algún recién llegado completan el coro que hace funcionar perfectamente el engranaje de la comedia\, matizada con momentos dramáticos siempre visualizados desde un lugar donde la esperanza aparece presente. Una temática actual conocida coloquialmente como el «síndrome del nido vacío» que ha sido objeto de otras realizaciones y que siempre da lugar a una nueva mirada sobre esta cuestión que afecta a millones de parejas en el mundo entero. Básicamente a los que habitan las franjas de la clase media\, que parece tener siempre sus propias reglas y convenciones. Un grupo de excelentes profesionales secundan a la pareja protagonista\, compuesta por Darin y la gran Mercedes Moran (1955)\, actriz emblemática del cine nacional desde su triunfo en el film de Lucrecia Martel «La Ciénaga (2001). Una película que es también retrato de un tiempo: el presente \n«EL AMOR MENOS PENSADO» (2018) / Argentina / Director Juan Vera / Intérpretes Ricardo Darin\, Mercedes Moran\, Claudia Fontán\, Norman Brisky\, Andrea Politti\, Andrea Pietra\, Juan Minujin\, Claudia Lapaco\, Chico Novarro / Color / Hablada en castellano / Duración 2 hs.
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LOCATION:Biblioteca Popular Asociación Cultural de Chillar\, Cortázar 1037\, Chillar\, Buenos Aires\, 7311\, Argentina
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