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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-muerte-en-venecia/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
CATEGORIES:Cine fórum,Conferencia
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SUMMARY:CINE: "LA PRUEBA DEL LEÓN" (1965).
DESCRIPTION:El Seminario Nº4 de Introducción al Cine continúa dictándose los días martes en la Escuela de Bellas Artes a las 19.00 hs. con entrada gratuita. Este 15-11 se dedicará a las llamadas «Películas de Culto» (Cult Movies) que es una tendencia con décadas de historia consistente en recuperar para los espectadores actuales films de gran valor que en su momento pasaron inadvertidamente por las salas de estreno y son rescatadas por nuevas generaciones con el objetivo de darles el lugar que les corresponde. A veces\, la falta de calidad de algunos títulos les da un propio interés por el simple hecho de haber sido apuestas arriesgadas que no llegaron a buen puerto o también películas realmente malas que generan un nuevo atractivo por eso mismo. El mundo de las «cult movies» no puede ser mas que amplio y democrático\, donde confluyan en un solo objetivo: disfrutar de rarezas de diferente origen. \n«La prueba del león» es un film que se estrenó en Argentina en 1967 y apenas gozó de un cierto interés público y crítico. Pertenece al género del «cine de aventuras en tierras exóticas» muy en boga en aquella época. Si el lugar pertenecía a  alguna geografía de África o Asia\, mejor aun. Pero en este caso se trata además de una excelente realización que narra lo que ocurre a un grupo de occidentales que realizan un safari por Sudáfrica a finales del Siglo XIX\, cuando aquel territorio estaba bajo dominio colonialista europeo. La negativa a ser generosos con los integrantes de un tribu local y milenaria\, les lleva al exterminio del que solo uno se salvará: el jefe de los nativos le dará la posibilidad de sobrevivir\, sin armas ni ropaje. Con una diferencia de tiempo\, correrá en punta mientras detrás decenas de hombres furiosos le persiguen. Un ejercicio sobre la supervivencia humana en situaciones y paisajes extremos\, da la posibilidad a su intérprete y director\, el olvidado actor Cornel Wilde (1912-1989) a realizar su mejor obra dentro de las ocho que dirigió a lo largo de veinte años\, mientras seguía siendo el actor de films de aventuras\, piratas u otros géneros que recorrió en su carrera como actor. Olvidado\, como su propia obra\, murió en 1989. Hoy\, su película está dentro de las mas revalorizadas de los años sesenta y es una obra llena de matices donde la aventura es interpretada desde un punto de vista muy original. Nativos y colonizadores son hombres que luchan por la posesión de un territorio. De quién es verdaderamente\, la Historia a veces\, se ocupa de decirlo. \n«LA PRUEBA DEL LEÓN» / The naked prey / 1965 / Sudáfrica- USA / Director Cornel Wilde / Intérpretes Cornel Wilde\, Gert van den Bergh\, Ken Gampu\, Patrick Mynlaardt / Color / Hablada en inglés y lenguas nativas con subtítulos en castellano / Duración 1h 36 minutos /
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-la-prueba-del-leon-1965/
LOCATION:Escuela de Bellas Artes\, Av.25 de Mayo 573\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
CATEGORIES:Seminario
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SUMMARY:CINE: "DOLOR Y GLORIA" (2019).
DESCRIPTION:A nivel global\, fuera del alcance que tuvo en Latinoamerica y de manera parcial\, durante los años cuarenta y cincuenta con su cine «popular\, folclórico y franquista» (Lola Flores\, Carmen Sevilla\, Sara Montiel\, Joselito\, Marisol)\, el cine español fue uno de los menos conocidos del mundo. Solo tres directores han alcanzado una real categoría realmente internacional a lo largo del tiempo: Luis Buñuel (1900-1983)\, que solo realizó tres peliculas en territorio hispano\, Carlos Saura (1932)\, autor de una vasta obra hasta el presente y Pedro Almodovar (1949): «Dolor y Gloria» es su largometraje número 22 (el primero\, rodado en 1978 en Super 8 no suele contar en este listado que lo deja en 21 títulos) y ha cosechado enorme suceso tanto en España como en el exterior. Estrenado en el el Festival de Cine de Cannes de este año\, se alzó con el premio al mejor actor para su protagonista\, y actor fetiche de su primera etapa (y al parecer reencontrado desde «La Piel que habito» hasta hoy) el también español Antonio Banderas. Se narra la historia de un director de cine en crisis durante las últimas décadas\, lo que ha impedido volver a filmar. Bloqueado y enfermo\, una circunstancia le obliga a enfrentar su presente. A través de recuerdos de su infancia\, donde su madre adquiere enorme protagonismo\, y de su propia experiencia como niño cercano a la pubertad\, Salvador Mallo comprende que los años no pasan en vano y que aun hay tiempo para un reencuentro con lo mejor de si mismo. Almodovar\, que ha sido tan popular con sus films como discutido y discutible en sus logros\, aunando odios y fervores por igual\, parece haber obtenido a los 70 años una adultez definitiva\, dejando de lado superficialidades y narcisismos estériles que hicieron que durante mas de 15 años\, el público de su propia tierra le quitara del lugar de semidiós que ocupó en aquellos años ochenta cuando emergió como el mas «moderno y mejor de todos». Sus estrenos eran tan divertidos\, originales y transgresores de un contexto político-social como mediocres en términos artísticos. Ocupó un lugar en el «underground» que pocos parecían rebatirle y el éxito le sonrió con títulos como «Laberinto de pasiones». «Entre tinieblas»\, «¿Que he hecho yo para merecer esto?» o «La ley del deseo». En 1988\, el suceso internacional de «Mujeres al borde de un ataque de nervios» le lleva a las puertas de Hollywood\, New York\, Buenos Aires o París\, donde sus delirios en colores y situaciones disparatadas teñidas de «incorrecciones» sexuales\, políticas y religiosas lo convirtieron en uno de los «niños terribles» de su tiempo y confundieron a muchos con un «genio» a la altura de los grandes cineastas del mundo. Se lo tomó demasiado en serio y comenzó a perder esa frescura inicial que le hizo creer que su talento era único. Como tal comenzó a funcionar y filmó horribles películas entre alguna discreta («La flor de mi secreto» o «Volver»). Con «Los Amantes Pasajeros» recupera algo del delirio humorístico perdido y con «Julieta» aparece por primera vez un cineasta mas alejado de los egos y mas cercano a una madurez necesaria\, la que permite desarrollar el mejor talento…y Almodovar lo tuvo. «Dolor y Gloria» es el resultado del tránsito de un largo camino que ya cumplió 40 años desde aquel primer y desconocido largo en Super 8 «Folle\, folle…folleme Tim» (¿podrá recuperarse?). Sus criaturas son todas profundamente humanas y los tejidos que entre ellos se tejen\, conservan o destruyen\, no hace mas que confirmar la plenitud del realizador. Con momentos memorables donde su madre\, joven o anciana le acompaña\, el descubrimiento temprano del deseo sexual que le convulsiona\, el reencuentro con un amor lejano\, la escinificación de todas las enfermedades que padece haciendo gala de lo mejor del cine de efectos especiales actuales\, hace de esta película una de las mas hermosas y recomendables de la actualidad. En lo personal\, me reconcilia con un cineasta al que disfrute y critiqué por partes iguales durante demasiado tiempo. Siempre habrá ocasiones para los reencuentros entre las personas que apuestan por lo mejor de nosotros mismos. \n«DOLOR Y GLORIA» (ídem\, 2019) / España / Director Pedro Almodovar / Intérpretes Antonio Banderas\, Asier Flores\, Penelope Cruz\, Julieta Serrano\, Asier Etxeandía\, Raul Arevalo\, Nora Nabas\, Leonardo Sbaraglia\, Cesar Vicente\, Cecilia Roth./ Color / Hablada en español con subtítulos en castellano / Duración 1h 53 minutos.
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SUMMARY:CINE: "EL AMOR ES MAS FUERTE QUE LAS BOMBAS" (2015)
DESCRIPTION:Un nuevo director europeo\, Joachim Trier (1974\, Dinamarca) llamó la atención de los críticos con su segundo largometraje de 2011 «Oslo\, 31 de agosto»\, adaptación de un clásico de la literatura francesa\, la obra «Fuego Fatuo» de Pierre Drieu La Rochelle\, que narra las últimas horas de un joven y que ya había sido llevada a la pantalla en 1963 en la memorable obra de Louis Malle\, con el mismo título que el original. Este éxito le permitió abordar su siguiente film con apoyo internacional y fue rodado en Estados Unidos: «El amor es mas fuerte que las bombas». Un cineasta interesado en indagar las conductas humanas\, encuentra en esta nueva ficción los elementos que mas le atraen. Gene es padre de dos hijos. El mayor\, Jonah se ha marchado de casa hace mucho tiempo y el menor\, Conrad\, le acompaña. Con motivo de un gran homenaje que se hace a la madre muerta tres años atrás\, una famosa fotógrafa especializada en temas de guerra\, los tres hombres se reunirán bajo un mismo techo después de mucho tiempo de desencuentros. La vuelta no es cómoda para ninguno de ellos\, y viejas cuestiones latentes y jamas resueltas\, vuelven a un primer plano. La figura ausente de la madre/ esposa Isabelle será el detonante de todo el conflicto presente a la vez que se prepara el homenaje en su memoria en una famosa galería de arte. La obra está narrada en dos tiempos: el presente que les reúne y el pasado que va apareciendo para dar respuesta a interrogantes siempre adultos. Los tiempos no hacen mas que complementarse y el resultado traerá un cambio para todos. El realizador dinamarques se muestra especialmente apto para narrar este tipo de ficciones que siempre han estado presentes en el Cine\, y en el del Norte de Europa (Suecia\, Noruega\, Dinamarca o Finlandia) con su especial manera de realizarlo. De allí surgieron maestros como Ingmar Bergman\, Lars von Trier\, Jan Troell o los hermanos Kaurismaki. Todos autores de un cine personal y de alta calidad artística que el joven cineasta continua con extrema naturalidad y mayor talento. Cuatro intérpretes valiosos dan vida a los personajes y entre todos ellos destaca la actuación de Isabelle Huppert\, la extraordinaria actriz francesa con mas de cuatro décadas de gran cine a sus espaldas. Con un tipo físico muy especial\, del que ha construido una potente imagen cinematográfica\, su creación de la fotógrafa\, madre y esposa Isabelle\, sobrevuela como un fantasma toda la historia\, la de estos tres hombre que han quedado desconcertados tras su desaparición. Como telón de fondo\, y siempre sutilmente\, aparece el tema de las guerras presentes\, esas que no paran de sucederse en todo el planeta ante el alarmante silencio de los medios de comunicación homogéneos\, esos que parecen haber quitado de sus espacios cualquier referencia seria a un tema tan doloroso\, intentando quizás un perverso objetivo: si no se los menciona\, no existen. El Cine\, en su enorme y permanente grandeza\, viene a recordarnos lo opuesto y da a las temáticas mas complejas el espacio que se merecen. Para ello debe contar con espectadores que busquen experiencias mas allá del puro y evasivo entretenimiento. El Arte también puede tener cabida dentro del aspecto Industrial del Cine. \n«EL AMOR ES MAS FUERTE QUE LAS BOMBAS» (Louder than bombs\, 2015) / Dinamarca-Noruega- Francia- EE.UU. / Director Joachim Trier / Intérpretes Gabriel Byrne\, Jesse Eisenberg\, Devin Druid\, Isabelle Huppert / Color / Hablada en inglés y francés con subtítulos en castellano / Duración 1h 49 minutos.
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