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SUMMARY:CINE: "MUERTE EN VENECIA"
DESCRIPTION:En un presente donde las películas y las series modelan y dominan los gustos de los espectadores\, la mención de una obra realizada medio siglo atrás\, ahuyenta a la mayoría de ellos. Los medios de comunicación\, con sus doctrinas basadas en la urgencia del presente como elemento definitorio y la negación de la memoria (salvo la pequeña que ellos cultivan fingiendo un interés que no tienen pero intentando mantener el «negocio» para «todos los gustos») de todo cine anterior al de los últimos años\, cumplen con su cuota de daño sobre todo un pasado deslumbrante donde lo artístico es visto como algo caduco\, aburrido\, sin atractivo porque «es lento» o «no pasa nada». \nPara los curiosos\, y porque no afirmar valientes\, que no se resignan a esta banal y manipuladora oferta\, existe la vía de la «navegación» en internet o algunos canales específicos y minoritarios (cine. ar\, Europa-Europa) para saciar sus inquietudes y apetitos por ese otro cine\, deslumbrante\, maravilloso y real. Que sigue esperando\, como la bella durmiente del cuento\, que alguien le despierte de la monotonía instalada. Los espacios alternativos son otra posibilidad de satisfacer estos apetitos. Y un Museo es hoy uno de esos paraísos para cinéfilos y buscadores del arte en general. Luchino Visconti (1906-1976)\, Gustav Mahler (1860-1911)\, Thomas Mann (1875-1955)\, cineasta y director de teatro y ópera\, compositor musical y escritor\, respectivamente\, están considerados entre los grandes artistas del Siglo XX y sus creaciones tuvieron un punto de encuentro en 1971 cuando se estrenó «Muerte en Venecia». Que fue desde aquel mismo momento tan aplaudida como vapuleada por la crítica\, aunque el apoyo popular fue mayoritario y el público sucumbió a sus dos horas de belleza y placer memorable para los sentidos. \nLa historia sitúa al protagonista\, prestigioso músico en horas bajas a causa\, tanto de un drama familiar como la vivencia de su propio envejecimiento. Llega a Venecia en busca de refugio y compostura para su alma herida y encuentra que casi nada es lo que esperaba: la ciudad está envuelta en un halo misterioso donde todos hablan en voz baja para no alarmar al resto\, pero que poco a poco va deviniendo en peste que se expande por canales y palacios decadentemente hermosos. En el hotel que se hospeda\, en la isla de Lido\, una familia de aristócratas ocupa su atención y Tadzio\, el joven bello del grupo\, comienza un insistente cruce de miradas con el señor mayor ( «…nunca deberías mirar de esa forma a un hombre como yo…»\, piensa el músico en uno de los tantos cruces con el efebo). Visconti plantea no solo la busqueda imposible del ideal de belleza\, sino otras cuestiones no menos complejas: el deseo y sus dificultades de verse realizado\, la decadencia de una clase social alta afectada por la Primera Guerra Mundial\, las nuevas clases emergentes que luchan por su lugar\, la sexualidad insatisfecha\, la plenitud del joven y la angustia de quien ya no lo es. Venecia presta su decorado inigualable\, recordándonos porque sigue siendo siendo una de las ciudades más deslumbrantes de la Tierra\, pero también su lado oscuro\, abyecto\, donde la podredumbre y los malos olores se intercambian con las fragancias de comidas\, trajes y perfumes exquisitos. Los ricos y los pobres\, lo bello y lo feo\, la bondad y la maldad\, todo y todos danzando al son de la extraordinaria música de Mahler y la fotografía del maestro Pasqualino de Santis (1927-1996)\, uno de los mayores fotógrafos italianos. El joven sueco Bjorn Andresen (1955) realiza su única aparición exitosa (filmó luego unos 30 trabajos pero no volvió a brillar) en cine y el enorme Dirk Bogarde (1921-1999)\, británico de flema\, dando vida a un destartalado espíritu alemán\, son las dos grandes bazas interpretativas del film. La diva Silvana Mangano (1930-1989)\, una de las grandes figuras emergentes después de la Segunda Guerra Mundial hasta su retiro a temprana edad\, completa el trío de protagonistas de esta película que no dejará indiferente a nadie. Porque tiene el valor de las grandes obras maestras y las posibilidades de aceptarla\, o también negarle. Una película fundamental que a medio siglo de su realización propone cuestiones contemporáneas para ser analizadas desde nuestra mirada actual. Y sacar conclusiones a la par de vivir dos horas del mejor cine\, el cine considerado como obra de expresión artística\, mucho más allá del puro y justo entretenimiento. Ese\, que poco a poco\, como en una nueva Dictadura de las emociones\, parece pero no logra tapar el inmenso bosque de imágenes que esperan\, una vez más\, ser recuperadas. \nMUERTE EN VENECIA / MORTE A VENEZIA / Italia- Francia-1971 / Director Luchino Visconti / Intérpretes Dirk Bogarde\, Silvana Mangano\, Bjorn Andrésen\, Marisa Berenson\, Romolo Valli / Basada en la novela de Thomas Mann / Color / En idioma original con subtítulos en castellano / Duración 2.05 minutos.
URL:https://alfredovivarelli.com/event/cine-muerte-en-venecia/
LOCATION:Museo López Claro\, Av. Mitre 410\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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SUMMARY:CINE: "RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS" (2019)
DESCRIPTION:«RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS» ganó uno de los premios principales del Festival de Cannes 2019: el correspondiente a mejor Guión\, así como la admiración de la crítica y público asistente\, muchos deseosos de que se quedara con trofeos mayores. La directora ha realizado cinco películas entre 2007 (“Naissance des pieuvres”) y 2021 (“Petite maman”)\, estando consideradas todas entre lo mejor de la producción francesa de este periodo: estamos ante la aparición de una de las grandes artistas contemporáneas del lenguaje cinematográfico. Su especial sensibilidad para retratar los conflictos femeninos\, especialmente los infantiles\, aparece detrás de la construcción de cada una de las imágenes que atraviesan su obra. La película elegida es la cuarta de su obra y relata los pormenores de la creación artística enfocada en la pintura: Marianne es una pintora contratada para retratar a una joven rica que no quiere casarse. La acción transcurre en una isla del Canal de la Mancha a finales del Siglo XVIII y permite a la directora no solo un ejercicio estilístico sobre la época sino lo que lo vuelve más atractivo\, una pintura social de aquel tiempo. Las diferencias sociales están en primer plano y el valor del dinero y el lugar que cada cual ocupa en la narración\, lo demuestra. Las cosas no han cambiado nada con el devenir del tiempo (el progreso es otra cuestión) y nuestro presente\, parece decir la cineasta\, es más feroz que aquel pasado recuperado para la ocasión. Una película formidable que atraviesa ese otro terreno del cine donde el entretenimiento banal\, enceguecedor\, alienante que manda en los formatos actuales\, no tiene cabida. El arte que resiste\, que provoca\, que indaga\, es el más valioso. Y el lenguaje cinematográfico vuelve a mostrarse en plena plenitud\, valga la redundancia verbal. La relación establecida entre Marianne y Heloise\, siempre bajo la tremenda presión de la Condesa\, madre de la joven\, va transcurriendo desde lo profesional a la íntimo\, teniendo como telón de fondo un paisaje deslumbrante\, tanto natural como en la interioridad de la mansión que cobija a los personajes\, y sobre todo\, y sutilmente\, la cuestión de la creación que atormenta y llena a veces de gozo al artista. Asi\, la pintura es parte del objetivo de la cineasta\, que utiliza su cámara como pincel exquisito para entregar esta joya del panorama artístico actual. Una preocupación sobre el deseo\, los afectos\, la identidad y la libertad sexual\, como describe el crítico Quim Casas en su excelente crónica para Dirigido por…(N.º 503)\, es lo que se esconde detrás de la mirada de la directora\, una de las tantas voces femeninas que han irrumpido en la cinematografía global en las últimas décadas\, cambiando para siempre el espectro cinematográfico masculino de directores célebres\, y escasas mujeres durante su primer siglo de vida (Alice Guy\, Agnes Varda\, Vera Chytilova\, Lina Wertmuller\, Ida Lupino\, Liliana Cavani\, la argentina Vlasta Lah\, Pilar Miró\, Margarette von Trotta). \n«RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS» / PORTRAIT DE LA JEUNE FILLE EN FEU / Francia-2019 / Dirección Céline Sciamma / Intérpretes Noémie Meriant\, Adéle Haenel\, Luána Bajrame\, Valeria Golino / Fotografía: Claire Mathon / Color / Hablada en francés con subtítulos en castellano / Duración 2hs.
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SUMMARY:CINE: "ENTRE TINIEBLAS"
DESCRIPTION:Pedro Almodóvar nació en tierras de La Mancha castellana en 1949. En su juventud se traslada a Madrid y trabaja paralelamente en un puesto oficial (Telefónica) y en la elaboración de películas con los materiales disponibles: el Super 8\, formato salvavidas de muchos cineastas independientes de los años 60 y 70 hasta la aparición de las cámaras de video. En ese primer periodo 1975-1978 rueda mas de una decena de cortos hasta llegar a su (nada visto) primer largometraje realizado en aquel formato. En 1980 estrena su primer trabajo comercial\, realizado a lo largo de un año y con escaso presupuesto\, que se considera hoy un hito en la cinematografía española porque se convirtió en film de culto de trasnoches de cine durante mas de tres años: «PEPI\, LUCI\, BOM…Y OTRAS CHICAS DEL MONTÓN». Desde entonces al presente han pasado cuatro décadas y estrenado un total de 22 largometrajes\, mas algunos cortos también difundidos. Su último film es «MADRES PARALELAS» de 2022. Es importante señalar estas fechas porque posibilitan dimensionar la carrera de una figura destacada del panorama cinematográfico contemporáneo\, a la vez que analizar sus influencias propias y las que ha generado en cineastas de todas las nacionalidades. \n«ENTRE TINIEBLAS»  (1983) fue su primer intento de producción industrial tras sus dos primeros estrenos\, realizados casi fuera del sistema imperante\, que le facilitaron el reconocimiento de un nuevo sector del público que vio reflejado en esos trabajos la realidad de una ciudad (Madrid) y sus alternativas culturales transgresoras (y minoritarias) tras la muerte del dictador Franco. Se afirma que entre 1975 y 1982 se desarrolló un movimiento cultural llamado la » Movida madrileña» y que esta película es su canto del cisne\, a la vez que posible compendio de sus características: algo de punk y pop romantizado\, mirada irónica sobre el folklore español y los gustos del ama de casa de clase media y baja con todas sus preferencias\, despreciadas por la «alta» cultura. De ese imaginario choque\, surge la figura del cineasta\, quien a su vez reconoce la enorme influencia que otros tuvieron en sus gustos\, citando especialmente al norteamericano John Waters\, cuyas películas vistas en la casi clandestinidad\, aportaron una mirada salvaje y humorística de la realidad en conceptos clásicos como la familia\, la religión y el poder imperante en cualquiera de sus formas. \nA un convento habitado por un pequeño grupo de religiosas que se dedican a socorrer mujeres de la calle en grado de vulnerabilidad (que han escogido sobrenombres para castigarse por sus pecados pasados) llega una cantante perseguida en las peligrosas calles nocturnas. Yolanda ha perdido a su amante a causa de una sobredosis y es amparada por la madre superiora y las distintas monjas: Sor Rata\, Sor Estiércol\, Sor Perdida y Sor Víbora\, cuatro mujeres encantadoras que haciendo el bien en diferentes y extravagantes formas se solidarizan con las victimas de la sociedad. Además de un jardín exuberante\, cuidan de un felino feroz que parece domesticado por estas bravas mujeres. Con semejante tema a disposición de la mente del guionista y director\, la película se estrena con algunos tímidos rechazos de la prensa católica y bastante apoyo popular pero casi ninguno de la critica\, que solo ve cine mal filmado y peor montado\, dejando las inquietudes artísticas del cineasta en un lugar muy cuestionado. Sus siguientes trabajos\, poco a poco\, lo irían instalando en un lugar de preferencias del publico de todo el territorio español. A partir de 1989 comienza su recorrido internacional gracias al apoyo de los críticos franceses\, de New York y de Los Ángeles\, quienes serian disparadores del cine almodovariano hacia todo el planeta. Literalmente\, desde Japón a Buenos Aires comienza a ser respetado e incluido en los circuitos de arte mas vanguardistas. Al día de hoy la valoración sobre la obra de Almodovar sigue abierta: para muchos\, un artista imprescindible de este tiempo\, para otros\, un cineasta mediocre que apenas ha podido avanzar a lo largo del tiempo. En cualquier caso\, una obra provocadora y fiel a sus principios. La autoría artística tiene muchos vericuetos. \n«ENTRE TINIEBLAS» / IDEM\, ESPAÑA-1983 / Dirección y Guión: Pedro Almodóvar / Intérpretes Julieta Serrano\, Cristina Sánchez Pascual\, Chus Lampreave\, Carmen Maura\, Lina Canalejas\, Marisa Paredes\, Cecilia Roth / Hablada en castellano / Color / Duración 1h 54 minutos.
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SUMMARY:CINE: "NUNCA EN DOMINGO"
DESCRIPTION:¿Qué significa y que se considera un clásico de Cine?. Una pregunta siempre vigente y no de fácil respuesta. Básicamente tiene que ver con las peliculas que permanecen vivas a través de los años. Siempre se ha dado mas importancia a la valoración de críticos e investigadores que a los gustos del público\, que ocasionalmente han coincidido. Cada cierto tiempo se elaboran listas con esas mejores y el resultado continúa siendo discutible: en el propio absurdo de elaborarlas\, abarcando miles de títulos y decenas de países\, sin contar los casi 130 años que tiene de historia el Cine\, se halla la imposibilidad de que sean justas\, y mucho menos\, completas. «NUNCA EN DOMINGO» (1960) fue uno de los grandes éxitos de inicios de una década que traería cambios fundamentales en el cine. Es una comedia que analiza cuestiones relacionadas con las diferentes formas de cultura y las miradas que sobre ellas posan los humanos. Al puerto de El Pireo\, Atenas\, llega un escritor norteamericano con afanes de profundizar en la antigüedad griega y su enorme carga para la cultura mundial. Desde que pisa tierra todo cambia y una mujer de nombre Ilya tiene mucho con ver con eso: es una prostituta con una mirada muy particular sobre el ejercicio de su profesión\, adorada por los marineros y demás integrantes del lugar\, y respetada por compañeras de tareas. La relación imposible que se establece entre estos dos personajes se encuentra en el eje de una película que mantiene vivas todas sus cualidades. Un cineasta norteamericano (como el protagonista) y una actriz griega (como la criatura citada) se conocen en 1956\, se enamoran\, filman nueve peliculas juntos en los siguientes veinte años y forman una de las parejas míticas del cine de su tiempo: Jules Dassin y Melina Mercouri son hoy nombres olvidados pero muy reconocidos y populares a través de films como este o «La Ley» (1958)\, «Fedra» (1962)\, «Topkapi» (1964) o «Grito de Mujeres» (1978) así como también por el compromiso político que les definió a lo largo de sus vidas. Ambos debieron abandonar sus países por cuestiones políticas y construyeron resistencia desde Francia primero y el propio EE.UU. años mas tarde. ·»Nunca en Domingo» se convirtió en título emblemático de su obra conjunta y atravesó los años para llegar hasta hoy con una frescura y un encanto imperecedero\, retrato de un tiempo\, un país\, una forma de hacer cine que le ubican en el lugar de clásico. La canción interpretada por la protagonista\, «Ta pedia tou Pirea» ( o «Los chicos del Pireo») forma junto al tema principal de «Zorba el Griego»\, el dúo de los hitos musicales mas permanentes en la oferta turística de Grecia. Mucho mas allá del propio cine\, las imágenes de este film pasan a formar parte del patrimonio griego. \n«NUNCA EN DOMINGO» / POTE TIN KYRIAKI/ Grecia-1960 / Dirección Jules Dassin / Intérpretes Melina Mercouri\, Jules Dassin / Música Manos Hatzidakis / Blanco y Negro / Hablada en griego e inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 31 minutos
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LOCATION:CASA RONCO\, Calle San Martín 362\, Azul\, Buenos Aires\, 7300\, Argentina
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