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CINE: «EL NAVEGANTE» (1924) Clase 2ª Introducción al Cine para estudiantes.

4 junio, 2019 19:00

Gratuito

CLASE 2ª / CINE MUDO: EL NACIMIENTO DE HOLLYWOOD Y LAS PRIMERAS POTENCIAS EUROPEAS- EL CINE CÓMICO / EL CINE ARTÍSTICO / LOS DIRECTORES ESENCIALES /

El Cine Mudo, que se extendió hasta la llegada del Sonoro en 1926 (fecha oficializada con el estreno del film «Don Juan», aunque se considere el primer film la obra de 1927 «The Jazz Singer», que en realidad contiene apenas unos minutos donde el sonido sincronizado aparece para mantener en el resto, los rótulos característicos del periodo), fue el resultado de la investigación que llevaron a cabo desde años atrás técnicos y estudiosos en general, con el objetivo de dotar de voz a las imágenes. Los sistemas utilizados fueron muchos y la instalación en cuanto a calidad definitiva tardaría varios años en llegar. Hasta 1933, aproximadamente, se siguen estrenando films mudos, mientras la prioridad de los otros es mejorar sus características técnicas y así aplacar las ansías del público que llenan las salas en busca de sonidos. La música y el canto, formarían en ese primer tiempo, uno de los géneros preferidos. Pero paralelo al aspecto técnico, la palabra va ganando espacio desde la diferente mirada de los cineastas de todos los países-potencias en cine, a la vez que se profundizan los movimientos en el propio lenguaje del cine. Durante esa década son muchos los creadores que menosprecian los avances ya que consideran que no es necesaria la voz porque las propias imágenes han propuesto una y verdadera.

Film propuesto: “EL NAVEGANTE” (1924) / EE.UU./ director Buster Keaton y Donald Crisp / Intérpretes Buster Keaton y Kathryn McGuire / Mudo con intertítulos en castellano / Blanco y Negro / Duración 59 minutos.

Buster Keaton está considerado uno de los mayores artistas del primer tiempo del Cine. Formado para la pantalla desde los inicios del cine norteamericano, es actor y luego director de sus films. La duración de los mismos se va aumentando con el paso de los años, desde los cortos que realiza a partir de 1917 (The Rough House) hasta el esplendor de sus largometrajes (aunque algunas veces no sobrepasaran la hora) a partir de 1923, cuando estrena “Tres Edades”. En “The Navigator” reflexiona a través del humor sobre las miserias y realidades de las clases dominantes de su tiempo. Los millonarios que crían hijos e hijas inútiles que solo aspiran seguir disfrutando de la riqueza heredada sin tener el menor talento para ello. El protagonista observa desde la ventana de su mansión el paso de un carro nupcial cuyos viajantes son de raza negra (un toque ultra transgresor para la época). La felicidad que emanan le hace decidir en pleno acto caprichoso, sobre su inminente matrimonio. Sale a buscar novia como si fuera a una tienda de comidas. Desde ese momento todo se resuelve a través de las situaciones mas absurdas. La elegida, tan incompetente como él, será su compañera de desventuras a bordo de un navío a la deriva que lleva el nombre del film y que también se refiere a nuestro protagonista como un navegante de la vida rica. En un relato que no sobrepasa la hora de duración el talento de Keaton se manifiesta en todo su esplendor. Nada queda librado al azar en sus torpezas continuas para resolver las cuestiones mas simples. Que ellos complican lo mas posible. Las normas sociales, las relaciones de pareja, las rutinas caseras, la llegada del Otro que perturba y violenta, la posibilidad del amor, son algunos de los temas reflejados desde la perpetua impavidez del rostro de Keaton, una seña de identidad en toda su obra. El cuestionamiento permanente sobre la inutilidad de un sector de la clase gobernante, el parasitario, parece reflejar todas las fantasías del creador-cineasta ante el contexto que habita. Ese Hollywood de los inicios donde la búsqueda aventurera de un puñado de cineastas que huyen del frío y la oscuridad de New York para encontrar en el calor y la luminosidad de California, el paraíso que les daría la posibilidad de construir un imperio y en muchos casos, transformarse en nuevos millonarios. Keaton persona no llegó a ello y su talento se vio eclipsado con la llegada del sonido a la pantalla. Fue una de las grandes victimas del traspaso de una era a otra. Cuando las palabras inundaron el cine, el talento de los creadores del mudo, paradójicamente enmudeció. Los gustos del público se alteraron inmediatamente y en su avidez de nuevas cosas, dejaron de lado a los ídolos anteriores. La realidad que trajo el crack financiero de 1929, generador de una terrible década de Depresión económica que llevo a la pobreza y a la desesperación a un sector enorme de la población, hizo el resto. Su obra fílmica queda como una de las mayores del Cine. Y en ella seguimos encontrando el placer de reencontrar el genio de aquello artista

Citaré a continuación una lista de Directores de Cine por cuya obra, destacan en el período mudo posterior al iniciático de los hermanos Lumiere y las aportaciones de primeros artistas como Georges Méliès, ya que desde ambos sectores se construyó lo que vendría luego (en la Clase anterior ofrecí títulos de libros de consulta para mayor información, así como la consulta al Sitio Web IMDb).

FRANCIA

Max Linder (1883-1925). Realiza desde 1908 un centenar de cortos hasta 1921 cuando estrena el primero de sus cuatro largos hasta su temprana muerte en 1925. De estos cuatro destaca su versión burlona del clásico de Alexander Dumas “Los Tres Mosqueteros”. Linder fue el introductor del humor en el cine y que sirvió de referencia a los cineastas de Hollywood para iniciar allí la comicidad donde encontrarían sitio Mack Sennet y sus continuadores.

Louis Feuillade (1873-1925) Paralelo a Linder aparece este otro gran creador, autor de los primeros seriales, donde la figura de Fantomas, un archi delincuente parisino, se convirtió en protagonista de una de las sagas mas famosas. En 1913 está fechada la primera entrega y en 1915 aparece su segunda gran criatura, Musidora, la protagonista de “Los Vampiros”. La imaginación mas fecunda y desatada atraviesa estos trabajos. También fueron antesala del modelo norteamericano.

Alice Guy (1873-1968) El tercer nombre francés y olvidado o eclipsado por el único motivo de ser MUJER, fue el de esta precursora de la mirada femenina en el cine. Aunque muy condicionada por el contexto (firmó sus primeros trabajos agregando el nombre de su esposo, Blanche), la realizadora estrenó 445 trabajos entre 1896 y 1920. Recién en la última década su nombre ha sido considerado.” Vampire” (1920) fue su último film. La mayor parte de su obra se encuentra desaparecida y la misma se realizó entre su Francia natal y EE.UU. donde junto a su esposo, transcurrió la mayor parte de su trayectoria artística, delante y detrás de las cámaras. La gran figura a reivindicar.

Abel Gance (1889-1981). Debutó en 1911 y fue perfeccionando su arte hasta concluir en 1927 con uno de los grandes clásicos, su monumental acercamiento a la figura histórica en “Napoleón”. Un film que fue mutilado debido a su extensa duración y que se convirtió en una de las primeras restauraciones de obras incompletas en las últimas décadas del siglo.

Jean Epstein (1897-1953). Polaco de nacimiento, activo en el cine galo desde 1922. Experimentador y teórico de la imagen, uno de los primeros en este apartado del cine, realiza en las postrimerías del mudo una película modelo: su interpretación del universo de Allan Poe, “La caída de la casa Usher” (1928).

René Clair (1898-1981). Uno de los maestros del cine sonoro, destaca sin embargo por el aporte artístico de dos films mudos breves de 1924, “Ent’act” y “Paris qui dort”, ambos considerados como emblemas del momento, pocos años antes de la irrupción del surrealismo de la mano de Buñuel y Dalí con su “Perro Andaluz” y “La edad de Oro”.

Jean Renoir (1894-1979) El otro maestro francés, uno de los grandes cineastas de todos los tiempos, también debuta en mudo y aporta dos joyas donde la poesía invade cada fotograma: “La fille de l’eau” (1925) y “La petite marchande d’alumettes”, su interpretación de “La vendedora de fósforos”, clásico cuento de Andersen.

ALEMANIA

F.W.Murnau (1888-1931) Sus primeros trabajos alemanes le abrirían las puertas de Hollywood y entre ambas tierras deja un puñado de obras maestras como “Nosferatu” (1922), “Phantom” (1922), “Fausto” (1926) o “Amanecer” (1927), testamento deslumbrante de la fusión de ambas nacionalidades.

Fritz Lang (1890-1976). Activo desde principio de los años veinte, Lang deslumbra durante toda su carrera. Destacan tres obras monumentales de ese primer tiempo: “El Doctor Mabuse” (1922), obra de enorme complejidad estética e ideológica, “Los Nibelungos”, (1924), estrenada en dos partes y donde reflexiona sobre la cultura germana a través de sus mitos mas potentes y la obra fundamental para entender la madurez del arte cinematográfico que es “Metrópolis” (1927), donde el ser humano es radiografiado hasta sus entrañas desde la lupa feroz del autor.

Georg Wilhelm Pabst (1885-1967). Considerado el “padre” del cine germano, destaca con cuatro obras: “La calle sin alegría” (1925), “Misterios de un alma” (1926), “La Caja de Pandora” (1929) y “Tagebuch einer verlorenen” (1929), En todas ellas se trasluce su enorme educación en la cultura nativa, sobre todo destaca la influencia de la filosofía en la creación de sus tramas y criaturas.

Ernst Lubitsch (1892-1947). Austriaco de nacimiento y absoluto renovador de la trama fílmica, debuta en 1914 en el cine alemán. Autor de grandes éxitos populares tanto como artísticos, es otro de los migrantes al Hollywood de los veinte. En las dos tierras será autor de obras maestras. “Carmen” (1918), “Los ojos de la momia) (1918), “Madame Dubarry” (1919) y “Sumurun” (1920) destacan en su primera etapa europea y “Forbidden Paradise” (1924) y “El abanico de Lady Windermare” (1925) en la segunda. En el sonoro, daría rienda suelta a toda su creatividad, siendo de los primeros realizadores en utilizar la nueva modalidad. En ambos casos, fue uno de los grandes.

URSS

Sergei M. Eisenstein (1898-1948) Uno de los grandes innovadores del Cine Mundial. Con su lenguaje revolucionario donde el montaje se convierte en estrella absoluta del film, el cineasta también se convierte en teórico y escribe sobre sus puntos de vista ante el nuevo arte. También como herramienta política. Autor de tres obras de arte mudas, “La Huelga” (1925), “El Acorazado Potemkin” (1925) y “Octubre” (1927), que cambiarían el panorama cinematográfico desarrollado hasta ese momento, también traspasa las fronteras en todos los sentidos. Viaja a Norteamérica, fracasa en Hollywood y filma en México para regresar a su tierra y seguir produciendo futuros clásicos hasta su temprana muerte.

Dziga Vertov (1896-1954) polaco de nacimiento se incorpora muy joven a la industria soviética y allí se convierte en uno de sus grandes nombres al promover la filmación de trabajos en la calle, en directo, con una cámara siempre inquieta y movediza que daría lugar a ser nombrado el “padre” del movimiento documentalista “Cine-Ojo”. Absoluto innovador de la imagen, decenas de trabajo llenan su tiempo en el mudo. Sus trabajos con el nombre Kino Pravda, numerados desde el numero 1 al 23 entre 1921 y 1925 son un retrato único de su época. En 1929 firma su film emblemático “El hombre de la Cámara”, donde durante una hora y pocos minutos un hombre (él mismo) recorre la ciudad con el equipo al hombro y va registrando la vida como “la vida misma”. Precursor absoluto y padre simbólico junto a Eisenstein del cine más moderno y transgresor.

Vsevolod Pudovkin (1853-1992) el tercer mas popular nombre ruso aporta al cine mudo dos obras cumbres donde la poesía ocupa enorme lugar traducida a las imágenes: “La Madre” (1925) y “El fin de San Petersburgo” (1927). El conflicto humano se cruza con la Historia y genera estos dos testimonios fundamentales.

DINAMARCA

Carl Th. Dryer (1889-1968). Dinamarca irrumpe en la escena fílmica con este nombre. Uno de los precursores en incorporar la reflexión religiosa al cine, destaca en el cine mudo con dos obras entre nueve trabajos, cuyas temáticas serían profundizadas a lo largo de su breve carrera en películas en el sonoro. Esas películas son “Paginas del libro de Satán” (1920) y la fundamental “La Pasión de Juana de Arco” (1928)

SUECIA

Víctor Sjostrom (1879-1960). Activo desde 1912 es uno de los padres del cine nórdico. Va profundizando su lenguaje hasta que en 1921 estrena “La carreta fantasma”, obra cumbre del Cine. Creador de imágenes que llevan a atmósferas fascinantes, el maestro se traslada a Hollywood en 1923, donde filma joyas como “La letra escarlata” (1926),” La mujer divina” (1928) y la magistral “La rosa de los vientos” (1928), donde cada fotograma vale oro.

Mauritz Stiller (1883-1928). El otro maestro sueco, muerto muy joven. Realiza 49 trabajos entre 1912 y su fallecimiento, prolífica carrera para tan breve tiempo. Filma su título mas emblemático en 1924 “La leyenda de Gosta Berling”, que le abriría las puertas a Hollywood, donde sin embargo no fue reconocido en su talento.

ESPAÑA

Segundo de Chomón (1871- 1929). Figura emblemática y pionera del cine en castellano, realiza en España mas de 200 trabajos entre 1901 y 1923, dejando testimonio a través de su trayectoria de todo un tiempo. Su figura está sujeta a una revalorización desde hace dos décadas y la mayoría de sus trabajos se consideran perdidos.

Florián Rey (1894-1962). El más clásico de los cineastas españoles del cine mudo, donde obtuvo grandes triunfos populares con títulos como “La Revoltosa” (1924) o “La hermana San Sulpicio” (1927). En ellos traslada el folclore más hispano a la pantalla desde el ambiente de la zarzuela en el primer título hasta la comedia con religión de trasfondo en la segunda.

ITALIA

Giovanni Pastroni (1883-1959). El cine mudo italiano destaca por la gran producción que lo atraviesa, mas de 9000 films hasta el estallido de la Primer Guerra Mundial. Sin embargo, pocos realizadores alcanzan el rango de importantes desde la consideración critica. Uno de ellos es el de este cineasta autor de “Cabiria” (1914) una película que convierte el pasado histórico en una ficción exitosa y crea la figura de uno de los primeros personajes míticos de la cinematografía: Maciste. Un héroe salido de la mitología mas pura y que recupera la figura de la Roma Imperial con una majestuosa construcción de decorados para recrear la leyenda.

ARGENTINA

Federico Valle (1880-1960). Absoluto pionero del cine nacional, su trabajo consiste en registrar documentales entre 1917 y 1926. Su mención en este apartado va mas allá del valor artístico de su obra. Su lugar solitario en un tiempo muy poco destacable en cuanto calidad y aporte al lenguaje de nuestra cinematografía, le concede este espacio

USA

David W. Griffith (1875-1948). Entre 1908 (“The adventures of Dolly”) y 1921 (“Huérfanas de la tormenta”) el cineasta se convierte en otro de los grandes revolucionarios del lenguaje fílmico. Incorpora el montaje paralelo en 1916 y estrena una obra majestuosa en todos los sentidos: “Intolerancia”, donde varias historias confluyen hasta explotar en un final modélico para todas las generaciones venideras. En 1915, un año antes, había generado conmoción con su otro gran clásico: “El nacimiento de una nación”, un título genial que se contradice con su contenido absolutamente racista. En 1914 había sorprendido con su recreación de los tiempos bíblicos “Judith de Bethulia”. En 1919 daría otro hito poético “Pimpollos Rotos”. Probablemente el primer gran autor de la Historia del Cine. Se le atribuyen la friolera de 520 títulos entre cortos y largometrajes.

Charles Chaplin (1889-1977). De origen pobre e inglés se convierte en la primera estrella del cine global a través de la creación de su personaje Charlot (Carlitos). Un vagabundo que creo y dirigió a lo largo de toda la etapa silente que arranca dirigiendo en 1914 después de haber sido actor a cargo de otros. “Caugh in the rain” es el nombre de esa primera aportación en la dirección. Filma cortos hasta 1917, cuando su genial “Charlot emigrante” se alarga hasta los 30 minutos, Luego iría realizando films mas extensos y complejos donde el retrato social que involucra a los más desfavorecidos de la sociedad es protagonista casi absoluto. “Vida de perro” (1918) o “El Pibe” (1921) son el prologo a su obra mas rompedora: “Una mujer de Paris” (1923) cuando da rienda suelta a su capacidad creativa y entrega un film de enorme complejidad estructural que es incomprendido en su tiempo. Regresa al suceso con sus obras siguientes, todas maestras y títulos imprescindibles: “La quimera del oro” (1925), “El Circo” (1928), “Luces de la ciudad” (1931) y “Tiempos Modernos” )1936), estas dos ultimas estrenadas en pleno cine sonoro, como muestra del rechazo al éxito de esta nueva forma con sonido incluido y que él decía detestar. El artista con mayúsculas y unos de los mayores de todos los tiempos.

Buster Keaton (1895-1966). El otro genio cómico mudo y rival del anterior. Inferior en cantidad de obras, pero igualmente talentoso, fue el creador de otro personaje distintivo: el hombre de rostro impávido que mantiene sus facciones fijas como si fuera de hielo. Un recordatorio de su antiguo paso por el payaso y el mimo que supo transformar en formidable mascara cinematográfica. Debuta como director, tarea que casi siempre compartiría con otro, en 1917 con “The raugh house” para acto seguido obras únicas como “La ley de la hospitalidad” (1923), “El moderno Sherlock Holmes” (1924), “El Navegante” (1924) y su deslumbrante “El maquinista de la General” (1926).

Cecil B. de Mille (1881-1959). Autor de decenas de films, fue uno de los artistas que mejor combinó el arte con la industria. Con temáticas preferentes como fueron la recreación histórica, lo religioso y el erotismo, construyo una obra única. Donde cada uno de estas opciones encontraban lazos comunes. De lo puritano a lo profano, su filmografía es un espejo del sentir humano de su tiempo. La transgresión y la represión alternando sin fin dan como resultado joyas de varios valores: “No cambies de esposo” (1919), “Macho y Hembra” (1919), “Por que cambiar de esposa” )1920), “Fruto Prohibido” (1921) o “Los Diez Mandamientos” (1923) son todo un muestrario de su inconfundible arte.

Erich von Stroheim (1885-1957). De origen austriaco, se convierte en uno de los mas extravagantes personajes del primer Hollywood. De imaginación desbordada y megalomanía ídem, es el autor de algunas de las grandes obras maestras del periodo silente. Su film “Avaricia” (1924) está considerado como una de las grandes películas de todos los tiempos. Otros trabajos destacables dentro de una breve obra como realizador (12 films) son “Esposos Ciegos” (1919), “Esposas Imprudentes” (1922), “La Viuda Alegra” (1925), “La marcha nupcial” (1928) y “Queen Kelly” (1928), film inacabado al ser despedido por su desmesura y falta de compromiso industrial. Que no artístico que fue su gran drama y lastre final. Uno de los verdaderos creadores de estilo de la historia del cine.

 

 

 

Detalles

Fecha:
4 junio, 2019
Hora:
19:00
Precio:
Gratuito
Web:
www.alfredovivarelli.com

Organizador

Bellas Artes / Vivarelli

Local

Escuela de Bellas Artes

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