«LA FOTOGRAFÍA Y EL DISEÑO EN EL CINE / LOS GRANDES ARTISTAS DE HOLLYWOOD, EUROPA Y ARGENTINA». Escenografía y Vestuario: decorados artificiales y rodajes en exteriores, la ficción y la realidad a través del ojo de la cámara.

Con la llegada del cine sonoro, con fecha «fundacional» en 1926 con el estreno de la producción «Don Juan» (EE.UU.), se da inicio a un nuevo tiempo de la Cinematografía que cierra casi tres décadas de cine silente. Fue el resultado de extensos trabajos alrededor de Occidente para perfeccionar una oferta donde además de las imágenes tenía que tener cabida el sonido. La sincronización entre ambos aspectos fue la tarea mas dificultosa. Hacer que una pista se adhiriera al celuloide llevó un largo tiempo, y entre esos primeros trabajos y los años siguientes, se extendió un periodo de perfeccionamiento que mantuvo la imperfección mientras duró. El público, sin embargo, no parecía muy preocupado por este detalle. La cuestión, parecía entonces, dejar atrás para siempre las imágenes mudas. Que escondían el mayor desafió: narrar sin palabras. Muchos de sus protagonistas no soportaron el traslado de un sistema al otro y sucumbieron en el intento. Pero muchos realizadores lograron traspasar la frontera y desarrollaron ademas de continuar, obras extraordinarias.

La primera década del cine hablado (the talkies, como se llamó en inglés) transcurrió bajo la esfera de algunos de determinados directores de cine. Como la intención de este Seminario es la introducción de nombres para que sean investigados junto con los espectadores dentro de las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías, se realizará un listado de los considerados mas influyentes por los historiadores. Uno de ellos, el norteamericano Andrew Sarris (1928-2012) fue el impulsor de la «teoría del autor» en su país y tuvo enorme influencia en los lectores al publicar en 1968 un texto fundamental para el ordenamiento de lo mejor del cine y editado en castellano en 1970: «EL CINE NORTEAMERICANO» /Directores y Direcciones 1929-1968 /. Una «teoría» que tuvo sus orígenes (aunque no exclusivamente) en los escritores-críticos- cineastas de la Nouvelle Vague (Nueva Ola) francesa, movimiento cinematográfico que surgió en 1959 a partir del estreno de los primeros films de un grupo de integrantes de una revista de cine (Cahiers du Cinema) que se convirtieron en directores (Chabrol, Godard, Truffaut y Rivette, entre los mas destacados) y que «impusieron» la aun hoy discutible categoría entre quienes realizan cine. Se es «autor» o se es «artesano». Para los exquisitos, solo valen los primeros, mientras que los segundos merecen en general, el mayor de los menosprecios cunado no el rechazo mas absoluto. Es una cuestión tan subjetiva como discutible ya que lo que realmente importa (opinión personal) es lo que cada uno de los espectadores experimentamos frente a la imagen cinematográfica. Según el interés, conocimientos, expectativas o de cada cual, surgirá una respuesta. Y discutirla, debatirla, dará como fruto la mayor de las riquezas: generar opiniones que enriquezcan a todos. Los gustos e inclinaciones personales marcaran los diferentes y ricos senderos en la construcción de los discursos posibles.

Sarris (ejemplo vivo de lo expresado y por tanto sujeto a diferencias) divide a los directores en una serie de categorías muy atractivas y que sirven como primer paso para el conocimiento y posterior posicionamiento con respecto a su mirada. Son las dos primeras las que concentran el mayor numero de talentos (siempre en la órbita norteamericana)

EL OLIMPO DE LOS DIRECTORES (la que nuclea a los mas valiosos) donde figuran los nombres de 14 hombres que pocos conocedores del tema discutirían su importancia:

1. Charles Chaplin / 2. Robert Flaherty. / 3. John Ford /.4. D.W. Griffith / 5. Howard Hawks / 6. Alfred Hitchcock / 7. Buster Keaton / 8. Fritz Lang / 9. Ernst Lubitsch / 10.F.W. Murnau / 11. Max Ophuls / 12. Jean Renoir / 13. Josef von Sternberg / 14. Orson Welles. La Obra de estos cineastas, ya cerrada definitivamente, hace que merezcan estar aun hoy (cuando se editó el libro vivían en su mayoría) ya que entre sus piezas se encuentran algunas de las mejores películas de la historia, siendo todos creadores identificables y por tanto merecedores del término artistas del cine. En todos ellos hay dos conceptos esenciales: la preocupación en el desarrollo de la imagen para convertirla en lenguaje propio y su atención permenete en la condición humana de sus criaturas. Las personas y sus circunstancias definen el mensaje. El entorno, el paisaje, siempre está como complemento de lo primero. Y no al revés. En todos ellos el respeto por los diferentes aspectos que hacen a la construcción de un film son indiscutibles y actúan complementándose los unos con los otros. Por eso, destacan la Fotografía, el Sonido, la Escenografía, todos resueltos en la sala de Montaje, verdadero laboratorio donde nacen las películas

CASI EL PARAÍSO.

1- Frank Borzage / 2. Frank Capra / 3. George Cukor / 4. Cecil B.de Mille / 5. Gregory La Cava / 6. Leo McCarey / 7. George Stevens / 8. King Vidor / 9. Raoul Walsh. A estos, los considera un escalón mas abajo que los anteriores, pero el CASI define muy bien el escaso limite de talentos entre unos y otros. También esta selección, como cualquiera, está sujeta a debate.

LO ESOTÉRICO EXPRESIVO.

1. Allan Dwan / 2. Tay Garnett/ 3. Lowell Sherman / 4. John M. Stahl. Les concede algún rasgo de extravagancia cuya definición como cineastas no logra englobarla en las otras categorías.

ALGUNOS EXTRANJEROS

1. Luis Buñuel / 2. Rene Clair / 3. Sergei Eisenstein / 4. G.W. Pabst . Aquí me limito a citar solamente a quienes desarrollaron parte importante de su obra en los años treinta.

MAS DE LO QUE DEJAN VER.

1- Rouben Mamoulian / 2. Lewis Milestone / 3. William Wellman /.4. William Wyler . En este listado, el autor manifiesta su opinión sobre cineastas que podrían haber perfeccionado su arte.

DISCRETOS Y AGRADABLES

1. Busby Berkeley / 2. Harry D’ Arrast / 3. Edmund Goulding / 4. Alexander Korda / 5. Zoltan Korda / 6. Mitchell Leisen / 7. Mervyn LeRoy / 8. James Whale.

y así va confeccionando otras categorías (descendentes en cuanto calidad que les otorga) donde aparecen directores muy destacables del primer sonoro:

1. Clarence Brown/ 2. Tod Browning / 3. James Cruze / 4. Paul Fejos / 5. Victor Seastrom / 6. Harold Lloyd / 7. Jack Conway / 8. Victor Fleming / 9. Michael Curtiz / 10. W.S. van Dyke

Un segundo estudioso que merece ser leído para comprender el alcance del primer tiempo del Sonoro es  el vasco Manuel Villegas Lopez (1906-1980), exiliado en Argentina tras la Guerra Civil Española y regresado a su tierra en 1953. Es autor de una importante obra sobre teoría y crítica de Cine y destaca entre ella «LOS GRANDES NOMBRES DEL CINE» publicada en 1973, donde reúne artículos publicados en revistas durante años y forma entonces un formidable recorrido por la historia de la cinematografía. Dedica espacio a la mayoría de los cineastas citados en el libro de Sarris, pero profundiza en su obra y amplía enormemente la visión de todos ellos. Entre los «incluidos» faltantes en aquel, destacan tres nombres fundamentales que desarrollan sus primeros pasos en la pantalla en esta primer década del sonoro: son dos de los padres de las teorías del Documental. John Grierson (1898-1972), gran estudioso y creador como productor de toda una serie de films extraordinarios y Joris Ivens (1898-1972), realizador que, entre otras joyas, filmo «Tierra de España» sobre la Guerra Civil. El primero fue el pionero de los que sería una de las escuelas documentalistas mas iluminadoras del mundo: la británica. Ivens, de alguna manera, sigue los pasos del ruso Dziga Vertov y sus innovaciones con cámara en mano y registro de la realidad fuera de los estudios de cine.

El tercer nombre que incluye en su lista es el de Walt Disney (1901-1966), padre mayor del cine de dibujos animados en cuanto genero, que desde el año 1922 experimenta en el mismo y va consiguiendo mayores logros durante los treinta cuando agrega el sonido a sus creaciones, hasta llegar al primer largometraje animado en 1937: «Blancanieves y los Siete Enanitos».

Recomiendo la recuperación y lectura de este libro fundamental de la lengua castellana, obra de un estudioso y apasionado que transmite al lector toda su entrega por el fenómeno cinematográfico /Biblioteca Universal Planeta- Editorial Planeta. Barcelona, España 1973 (Edición en dos tomos).

En relación al Cine Sonoro argentino existe una obra fundamental y es la de Domingo di Nubila (1924-2000) publicada en 1959,«HISTORIA DEL CINE ARGENTINO». Son dos tomos y el primero recorre los primeros años y sus primeros films de manera exhaustiva y completa.. Desde el estreno de «Tango» en 1933 hasta 1938 va construyéndose una industria que abastecería de películas no solo al país, sino también a todo el continente donde el habla castellana estuviera instalada.

También es muy importante la obra de Jorge Miguel Couselo (1925-2000) que refleja en dos títulos el periodo: «Leopoldo Torres Rios, el Cine del Sentimiento» y ·»El Negro Ferreyra: un cine por instinto«. Ambos cineastas son considerados pioneros de nuestra realidad fílmica. El primero destacó en la búsqueda de una narrativa que fuera estrictamente argentina, cuyas tramas de ficción recuperaran la esencia de los personajes como distintivos de una tierra.

Todos los nombres de Directores de Cine citados son los responsables de algunas de las grandes obras del cine. También es cierto que existen muchos otros mas, incluso autores de uno o dos films notables, que rara vez aparecen citados en textos importantes. La búsqueda de nuevas perlas está por tanto siempre abierta a ser ampliada.

El presente de las nuevas tecnologías nos permite también indagar en las figuras de todos los componentes del equipo técnico de estos films. La pagina web IMDb, insisto, ofrece la posibilidad de indagar en casi todos ellos. Así, el nombre de Directores de Fotografía, Productores, guionistas, sonidistas, autores de las bandas sonoras, son factibles de ser estudiados en mas detalle.

Aquí, una breve reseña de algunos nombres destacados de aquel tiempo: cito a cuatro de los mas renombrados: Eduard Tissé (1897-1961), ruso / James Wong Howe (1899-1976), chino y de carrera en EE.UU./ Karl Freund (1890-1969), alemán y Gregg Toland (1904-1948). Rastreando en la obra de estos cuatro artistas encontraremos algunos de los grandes ejemplos de lo mas grande logrado sobre una pantalla.

FILM EXHIBIDO: «LA NOVIA DE FRANKENSTEIN» (1935).

El estudio de Cine Universal, uno de los mas importantes de EE.UU. debuta en el cine sonoro con el éxito de una serie de films inspirados en personajes de la literatura de horror, terror o fantástica. La obra de la autora  Mary Shelley (1797-1851), la novela gótica de 1818 «Frankenstein o el Moderno Prometeo» fue una de las mas rentables para los productores desde su primera incursión en el film «Frankenstein» (1931). El suceso de esta hizo que en 1935 se estrenara la segunda obra de la serie (8 films), y como la primera, la dirección estuvo a cargo de James Whale (1889-1957), un cineasta tan interesante como oscuro en cuanto lugar al que se le dio en la historia, pero reivindicado en el presente. La película repite en parte la trama de la primera, obligada a recuperar personajes muertos. Al recurrir a argumentos disparatados para justificar las «resurrecciones», la producción opta por un tono mas desenfadado y alejado del otro film, que sin embargo le otorga enorme originalidad a determinadas secuencias del film. Pero la poesía del primero solo ocasionalmente aparece en este y deriva rápidamente al humor soterrado, malicioso, dando a la trama un enfoque muy personal por parte de Whale. Por ejemplo en la secuencia de la visita del monstruo a la cabaña del ciego. La humanidad de la criatura vuelve a resaltar en este momento, así como en el tramo final, el dramático instante en que comprende que la tan ansiada pareja, el nuevo experimento del doctor, rechazará de plano su presencia. Esta aparición tan breve como sugerente hacia el final del metraje, genera una especie de película (corta) dentro de la película. Toda la escena del despertar de la novia hasta su momento final, forma parte de la Historia mayúscula del fantástico con la creación de la enorme Elsa Lanchester (1902-1986). Talentosisima interprete británica de carrera como secundara a lo largo de décadas hasta su muerte, hace de esta creación una de las mas populares de toda esa década. Sus ojos y peinado, eléctrico, resultado demencial de la carga atmosférica que le da vida, así como los gemidos animales que escapan como única forma de expresión de su boca, forman un bloque deslumbrante del mas puro cine. Por su parte Boris Karloff (1887-1969) vuelve a llenar de calidez con la sola expresión de sus ojos, libres de la pesada carga de maquillaje, la personalidad de este ser infeliz, desgraciado, que ve como sin piedad, todos se unen para rechazarlo. La monstruosidad, parece decirnos el director, no emana de él sino de todos los que los rodean, los normales que habilitan ese pueblo que es testimonio de las miserias mas grandes a las que puede llegar el ser humano. Convertidos en masa ignorante, castradora, chismosa y finalmente asesina, son los que como un coro de tragedia griega, rodean a los protagonistas y los condenan, nuevamente a un destino atroz, donde solo el fuego y sus llamas parecen purificar tanta maldad. La película utiliza estas metáforas para hablar del presente en que estuvo rodada y estrenada: la década de los años treinta cuando, tras el crack financiero de 1929, una ola de horror mas terrenal se abatió sobre la población: el hambre y la miseria a la que condenó la maldad de unos pocos, banqueros y financieros inescrupulosos que, ayer como hoy, continúan siendo los verdaderos monstruos a quien deberíamos temer. Ochenta años después, seguimos prefiriendo erigir un «monstruo»  para condenarlo y limpiar nuestras miserias. Es mas fácil culpar siempre al otro de las penurias propias. «La Novia de Frankenstein», como todo el gran cine, habla finalmente de estas cuestiones. Las humanas de siempre.

«LA NOVIA DE FRANKENSTEIN» / The Bride of Frankenstein / 1935 / Universal Studios- EE-UU / Director James Whale / Intérpretes Boris Karloff, Colin Clive, Valerie Hobson, Ernest Thesiger, Elsa Lanchester / Blanco y Negro / Fotografía John J. Mescall / Inglés con subtítulos en castellano / Duración 1h 15 minutos.